Introducere
1. Cauze, specificul, principalele perioade ale Renașterii
2. Filosofia umanismului și religiei. Reformare
3. Descoperiri în știință și tehnologie
4. Arta Renașterii
5. Teatrul Renașterii
Concluzie
Lista surselor utilizate

Introducere

Renașterea - o întreagă eră culturală în procesul de tranziție de la Evul Mediu la noul timp, în timpul căreia a avut loc o răsturnare culturală (un punct de cotitură, o schimbare). Schimbările fundamentale sunt asociate cu eradicarea viziunii mitologice creștine antice asupra lumii. În ciuda originii termenului „Renaștere”, strict vorbind, nu a existat o renaștere a antichității și nu a putut fi. Omul nu se poate întoarce la trecutul său. Renașterea, folosind lecțiile antichității, a introdus inovații. Nu a readus la viață toate genurile străvechi, ci doar pe cele care erau în ton cu aspirațiile timpului și culturii sale. Renașterea a combinat o nouă lectură a antichității cu o nouă lectură a creștinismului. Renașterea a apropiat aceste două principii fundamentale ale culturii europene.

Termenul „Renaștere” (Renaștere) a apărut în secolul al XVI-lea. Considerând Evul Mediu ca o simplă întrerupere în dezvoltarea cultului. Chiar și Giordano Vasari, pictor și primul istoriograf al artei italiene, autorul celebrelor „Vieți” ale celor mai celebri pictori, sculptori și arhitecți (1550), a scris despre „renașterea” artei italiene.

Renașterea, o perioadă din istoria culturii Europei de Vest și Centrale în secolele XIV-XVI, al cărei conținut principal a fost formarea unei noi imagini „pământești”, esențial seculare a lumii, radical diferită de cea a lumii. cel medieval.

Renașterea este una dintre cele mai strălucitoare perioade din istoria dezvoltării culturii europene.

Renașterea este o întreagă epocă culturală în care a avut loc o răsturnare culturală (un punct de cotitură, o schimbare). Schimbările fundamentale sunt asociate cu eradicarea viziunii mitologice creștine antice asupra lumii. În ciuda originii termenului „Renaștere”, strict vorbind, nu a existat și nu putea exista o renaștere a antichității. Omul nu se poate întoarce la trecutul său. Renașterea, folosind lecțiile antichității, a introdus inovații. Nu a readus la viață toate genurile străvechi, ci doar pe cele care erau în ton cu aspirațiile timpului și culturii sale. Renașterea a combinat o nouă lectură a antichității cu o nouă lectură a creștinismului.

Renașterea a apropiat aceste două principii fundamentale ale culturii europene.
Scopul principal al cercetării mele este de a arăta schimbările fundamentale care au avut loc în viziunea asupra lumii a oamenilor.

1. Cauze, specificul, principalele perioade ale Renașterii

Prin Renaștere ne referim la o anumită mișcare ideologică care a avut loc în secolele XIV - XVI. Conducătorii acestei mișcări și-au propus să reînvie antichitatea, cultura străveche, stilul de viață străvechi. Trecutul imediat (evul mediu) a fost perceput și evaluat de ei ca, în general, o perioadă de întuneric și ignoranță. Desigur, nu a fost posibilă reînvierea antichității (în istorie așa ceva este pur și simplu imposibil), dar rodul activității gânditorilor și artiștilor Renașterii a fost o nouă viziune asupra lumii care a reprodus antichitatea într-un anumit fel, dar a fost tocmai o noua viziune asupra lumii. Nu putea să nu fie nouă atât pentru că exprima noi nevoi, cât și pentru că în spatele gânditorilor Renașterii se afla Evul Mediu creștin, o întreagă eră de dezvoltare spirituală, care nu putea fi tăiată. În esență, viziunea asupra lumii renascentiste a fost un fel de sincretism al percepției creștine asupra lumii și al viziunii antice, păgâne, asupra lumii. În scrierile gânditorilor Renașterii, referirile la filozofii antici coexistă cu referiri la Sfanta Biblie si parintii bisericii.

Principala contradicție a Renașterii este ciocnirea noului vast cu vechiul încă puternic, bine stabilit și familiar.
Cu toate acestea, cu toată diversitatea contradicțiilor, cu toată cruzimea și grosolănia moravurilor, Renașterea a ridicat societatea la un nivel calitativ nou de conștientizare a ei însăși, a activităților și a scopurilor sale.

Să evidențiem principalele caracteristici ale acestui timp.

1. Termenul „Renaștere” în sine înseamnă dorința societății de a-și înțelege și regândi trecutul, de a-și reînvia gloria de odinioară și de a-și mătura greșelile. Una dintre ideile principale ale Renașterii este legătura timpurilor, reînnoirea a tot ceea ce antichitatea nu a avut timp să ducă la bun sfârșit.

2. Renașterea a „dezvăluit” individualitatea unei persoane lumii și a arătat calea către o stare personală. Până în acel moment, individul era perceput ca un individ biologic, separat de ceilalți pe baza faptului că umanitatea este formată din oameni. Termenul „individualitate” în sensul său modern nu exista la acea vreme, deoarece conceptul de individ, individuum denotă o unitate biologică umană care se manifestă doar ca parte a unui tot colectiv. Și numai Renașterea l-a văzut pe om în unicitatea și capacitatea sa de a activitate creativă, doar Renașterea și-a însemnat lumea emoțională, pasiunile și afectele, originalitatea atitudinii sale față de realitate, iar abia în Renaștere, actorul devine personajul principal al timpului său.

Renașterea a ajuns la ideea asemănării cu zeul omului și a derivat din aceasta ideea infinitității posibilităților sale, care a fost realizată în activitățile titanilor Renașterii. De asemenea, constituie una dintre principalele trăsături ale Renașterii - umanismul (latina „humanus” „uman”, „uman”. Umanismul este recunoașterea valorii unei persoane ca persoană, a dreptului său la dezvoltare liberă, afirmarea binele unei persoane ca criteriu de evaluare a relaţiilor sociale).

3. Umanismul Renașterii dă naștere unei „dorințe clare de răzvrătire”, această perioadă de cultură se caracterizează printr-un „program de ruptură de lumea veche în vederea instaurării altor forme de educație și comunicare, o societate diferită și alte relațiile dintre om și natură.” Dorința de răzvrătire nu se rupe de religie și de biserică, ci creează o cultură seculară departe de influența religioasă.

4. La fel de comun întregii Renașteri în relațiile sale temporale și spațiale, ar trebui să se ia în considerare și un sentiment special că această epocă este o „epoca de aur” în viața omenirii. „Vârsta noastră este cu adevărat o epocă de aur. A reînviat artele libere care muriseră deja - gramatică, poezie, oratorie, pictură, sculptură, arhitectură, muzică și melodiile străvechi ale harpei lui Orfeu ”, a scris unul dintre umaniștii acestei epoci, Marsilio Ficino (1433-1499).

Deci, Renașterea este o etapă de tranziție în istoria omenirii, a culturii, a vieții politice și economice. În istoria sa se disting trei perioade: Renașterea timpurie - Trecento (sec. XIV), Renașterea înaltă, perioada epocii sale - Quattrocento (sec. XV) și Renașterea târzie - Cinquecento (sec. XVI).

În perioada Trecento, apar primele fabrici și noile forme de exploatare asociate acestora, izbucnesc ciocniri violente între clasa muncitoare în curs de dezvoltare și tânăra burghezie. Au înflorit orașe-stat libere, orașe-comune (cum ar fi Florența), unde nu exista iobăgie și rol principal au fost jucate nu de aristocrați, ci de negustori și artizani. În artă, aceasta este epoca lui Francesco Petrarch și Giovanni Boccaccio, care au creat literatură nouă, „a cărui figură centrală este o persoană în toate manifestările sale cu viața sa interioară complexă”.
În epoca Quattrocento, a izbucnit un război aprig între susținătorii papalității romane (guelfi) și puterea imperială (Gibelins), oligarhii au ajuns la putere în orașele comunale, suprimând cu brutalitate performanțele „oamenilor slabi”. Dar, în același timp, pictura a înflorit, dând un impuls puternic perioadei următoare - înalta Renaștere. În secolul al XV-lea, Leonardo da Vinci începe să lucreze, Rafael și Michelangelo vor deveni succesorii săi. Interesul pentru cunoștințele umanitare (studio gumanitatis) aprinde, chiar și în biserici de sărbători, în loc de predică, s-au citit poeziile și prelegerile lui Dante despre literatura și filozofia antică. În acest moment, imprimarea a fost inventată de Johannes Gutenberg.

Cea mai tragică a fost perioada Cinquecento: o înflorire fără precedent a artei împreună cu cele mai teribile răsturnări de natură economică, socială și religioasă.

Toate cele trei etape au fost precedate de perioadă scurtă ajunul Renașterii, pre-renaștere (a doua jumătate a secolului al XIII-lea) - Ducento, când sentimentele antifeudale tocmai luau contur și au apărut orașe libere, iar Dante și Giotto au lucrat în artă.

2. Filosofia umanismului și religiei. Reformare

Termenul de „umanism renascentist” (sau „umanism renascentist”) s-a dezvoltat în literatura stiintifica al secolului trecut, pe baza conceptelor caracteristice acestei epoci în sine - humanitas (în sensul uman cultură spirituală morală) și studia humanitatis - termen care a însemnat un nou set de discipline umanitare. Acest complex cuprindea, pe lângă gramatică și retorică, tradiționale pentru sistemul de învățământ medieval, filologie și poetică, istorie, etică și pedagogie.

Filosofia morală a fost plasată în centrul întregului sistem de cunoaștere umanitară, în cadrul căruia linia eticii seculare era clar marcată. A dezvoltat problemele demnității umane, bazate nu pe noblețea de origine sau pe bogăție, ci pe calități morale înalte și capacitatea de a se autoperfecționa, a fost dată o nouă evaluare a muncii, creativității și activității volitive a individului.

Pasiunea Renașterii s-a reflectat în relație cultura noua cu religia si biserica. Oricât de puternic a fost curentul ateismului în această perioadă, oricât de răzvrătit omul renascentist împotriva îngrădirii libertății de către religie, el a rămas totuși în cadrul concepției creștine asupra naturii, a creării ei de către Dumnezeu.

În orice sistem filozofic, chiar și în teoreticieni foarte radicali, era imposibil să se facă fără Dumnezeu. Prin urmare, teoria universului caută compromisuri: Dumnezeu a acționat ca creator de bunuri, dar majoritatea umaniștilor cântă un imn către geniul omului, care este considerat aproape egal cu geniul creatorului corpurilor cerești. Astfel, calea este curățată către faptul că natura va fi considerată Dumnezeu, iar armonia - începutul naturii însăși.

Cu toate acestea, Renașterea a fost creștină, deși creștinismul însuși a suferit schimbări, intrând în relații cu o nouă cultură, ceea ce a dus la Reforma și la o nouă direcție în creștinism - protestantismul. Renașterea a scos în evidență pentru prima dată opoziția nu numai dintre religie și cunoașterea științifică, ci și dintre religie și instituția bisericii.

Reforma (lat. reformatio - corectare, restaurare) - o mișcare religioasă și socio-politică de masă în Europa de Vest și Centrală a secolului al XVI-lea - începutul secolului al XVII-lea, având ca scop reformarea creștinismului catolic în conformitate cu Biblia.

Principalele motive ale Reformei au fost depășirea fragmentării feudale și apariția statelor centralizate, criza economică după apariția unei cantități uriașe de aur american și inventarea metodei amalgamării, ruinarea băncilor, nemulțumirea diferitelor segmente. a populaţiei europene cu decăderea morală a Bisericii Catolice, care a fost însoţită de monopolizare economică şi politică.

Aproape toate păturile sociale ale societății au participat la această mișcare. Noile relații economice au cerut propria lor ideologie. Deoarece ideologia principală timp de multe secole a fost religia, care a îmbrățișat și morala, a fost, de asemenea, necesar să se găsească în ea temeiuri morale pentru „câștig cinstit”. Biserica a oferit astfel de motive pentru a vedea în donații pentru nevoile bisericii. Chiar și un hoț care făcea astfel de donații era considerat o persoană caritabilă: „au răscumpărat păcatul... Oamenii care și-au câștigat cinstit banii, dar nu dădeau nimic sau aproape nimic bisericii, erau priviți de aceasta ca și cum ar fi deloc nevăzuți pentru Dumnezeu. .” Vânzarea de indulgențe se baza pe același principiu. O persoană care și-a cumpărat o absolvire ar putea continua să încalce normele religioase.

rezultate ale Reformei.

Rezultatele mișcării de reformă nu pot fi caracterizate fără ambiguitate. Pe de o parte, lumea creștină, care a unit toate popoarele Europei sub conducerea spirituală a Papei, nu a mai existat, așa cum nu a existat o singură cultură creștină. Biserica unică a fost înlocuită cu o pluralitate de biserici naționale, care erau adesea dependente de conducătorii seculari, în timp ce înainte clerul putea apela la papă ca arbitru. Pe de altă parte, bisericile naționale au contribuit la creșterea conștiinței naționale a popoarelor Europei. În același timp, nivelul cultural și educațional al locuitorilor Europei de Nord, care anterior fuseseră, așa cum spunea, periferia Lumii Creștine, a crescut semnificativ - nevoia de a studia Biblia a dus la creșterea atât a educației primare. instituții (în principal sub formă de școli parohiale) și superioare, care au avut ca rezultat crearea universităților pentru formarea bisericilor naționale. Pentru unele limbi, scrisul a fost dezvoltat special pentru a putea publica Biblia în ele.

Proclamarea egalității spirituale a stimulat dezvoltarea ideilor despre egalitatea politică. Așadar, în țările în care majoritatea erau reformați, laicii au avut mari oportunități în conducerea bisericii, iar cetățenii în conducerea statului.În plan economic, Reforma a contribuit la schimbarea vechilor relații economice feudale în cele noi capitaliste. Dorința de economie, de dezvoltare a industriei, de respingere a divertismentului scump (precum și a serviciilor de cult scumpe) a contribuit la acumularea de capital, care a fost investit în comerț și producție. Drept urmare, statele protestante au început să depășească statele catolice în dezvoltarea economică. Chiar și etica protestanților a contribuit la dezvoltarea economiei.

3. Descoperiri în știință și tehnologie.

Condiția cea mai importantă pentru amploarea și realizările revoluționare ale științei Renașterii a fost viziunea umanistă asupra lumii, în care activitatea de stăpânire a lumii era înțeleasă ca o componentă a destinului pământesc al omului. La aceasta trebuie adăugată renașterea științei antice. Un rol semnificativ în dezvoltare l-au avut nevoile de navigație, utilizarea artileriei, realizarea de structuri hidraulice etc. Diseminarea cunoștințelor științifice, schimbul lor între oameni de știință, ar fi fost imposibilă fără invenția tiparului.

Primele progrese în matematică și astronomie datează de la mijlocul secolului al XV-lea. și sunt legate în multe privințe de numele lui G. Peyerbach (Purbach) și I. Muller (Regiomontan). Müller a creat tabele astronomice noi, mai avansate (pentru a înlocui tabelele alfonsiene din secolul al XIII-lea) - „Efemeride” (publicată în 1492), care au fost folosite în călătoriile lor de Columb, Vasco da Gama și alți navigatori. O contribuție semnificativă la dezvoltarea algebrei și geometriei a avut-o matematicianul italian de la începutul secolului L. Pacioli. În secolul al XVI-lea Italienii N. Tartaglia și J. Cardano au descoperit noi modalități de rezolvare a ecuațiilor de gradul al treilea și al patrulea.

Cel mai important eveniment științific al secolului al XVI-lea. a fost revoluția copernicană în astronomie. Astronomul polonez Nicolaus Copernic, în tratatul său Despre revoluția sferelor cerești (1543), a respins imaginea ptolemaico-aristoteliană predominantă a lumii și nu doar a postulat rotația corpurilor cerești în jurul Soarelui, iar Pământul încă în jurul lui. axă, dar și pentru prima dată prezentată în detaliu (geocentrismul ca presupunere s-a născut în Grecia antică) cum, pe baza unui astfel de sistem, se pot explica – mult mai bine decât înainte – toate datele observațiilor astronomice. În secolul al XVI-lea noul sistem al lumii, în general, nu a primit sprijin în comunitatea științifică. Dovezi convingătoare ale adevărului teoriei lui Copernic au fost date doar de Galileo.

Pe baza experienței, unii oameni de știință ai secolului al XVI-lea (printre ei Leonardo, B. Varki) și-au exprimat îndoielile cu privire la legile mecanicii aristotelice, care domniseră supremă până atunci, dar nu au oferit propria lor soluție problemelor (mai târziu Galileo va fa asta). Practica folosirii artileriei a contribuit la formularea și soluționarea de noi probleme științifice: Tartaglia în tratatul New Science a luat în considerare problemele balisticii. Teoria pârghiilor și greutăților a fost studiată de Cardano. Leonardo da Vinci a fost fondatorul hidraulicii. Cercetările sale teoretice au fost legate de construcția de structuri hidraulice, reabilitarea terenurilor, construcția de canale și îmbunătățirea ecluzelor. Medicul englez W. Gilbert a pus bazele studiului fenomenelor electromagnetice publicând eseul său On the Magnet (1600), unde a descris proprietățile acestuia.

O atitudine critică față de autorități și încrederea pe experiență s-au manifestat în mod clar în medicină și anatomie. Fleming A. Vesalius în celebra sa lucrare Despre structură corpul uman(1543) a descris corpul uman în detaliu, bazându-se pe numeroasele sale observații din timpul anatomiei cadavrelor, criticând pe Galen și alte autorități. La începutul secolului al XVI-lea odată cu alchimia, apare iatrochimia - chimia medicală, care a dezvoltat noi preparate medicinale. Unul dintre fondatorii săi a fost F. von Hohenheim (Paracelsus). Respingând realizările predecesorilor săi, el, de fapt, nu a mers departe de ele în teorie, dar ca practician a introdus o serie de medicamente noi.

În secolul al XVI-lea s-au dezvoltat mineralogia, botanica și zoologia (Georg Bauer Agricola, K. Gesner, Cesalpino, Rondela, Belona), care în Renaștere se aflau în stadiul de culegere a faptelor. Un rol important în dezvoltarea acestor științe l-au jucat rapoartele cercetătorilor din țări noi, care conțineau descrieri ale florei și faunei.

În secolul al XV-lea Cartografia și geografia au fost dezvoltate activ, greșelile lui Ptolemeu au fost corectate, pe baza datelor medievale și moderne. În 1490 M. Behaim creează primul glob. La sfârşitul secolului al XV-lea - începutul secolului al XVI-lea. Căutarea europenilor pentru o rută maritimă către India și China, progresele în cartografie și geografie, astronomie și construcții navale au culminat cu descoperirea coastei Americii Centrale de către Columb, care credea că a ajuns în India (pentru prima dată, un continent numit America a apărut pe harta lui Waldseemüller în 1507). În 1498, portughezul Vasco da Gama a ajuns în India ocolind Africa. Ideea de a ajunge în India și China pe ruta vestică a fost implementată de expediția spaniolă Magellan - El Cano (1519-1522), care a înconjurat America de Sud și a făcut prima călătorie în jurul lumii (în practică, sfericitatea Pământului a fost demonstrat!). În secolul al XVI-lea Europenii erau siguri că „lumea de astăzi este complet deschisă și întreaga rasă umană este cunoscută”. Marile descoperiri au transformat geografia și au stimulat dezvoltarea cartografiei.

Știința Renașterii a avut un impact redus asupra forțelor productive care s-au dezvoltat pe calea îmbunătățirii treptate a tradiției. În același timp, succesele astronomiei, geografiei și cartografiei au servit drept cea mai importantă condiție prealabilă pentru Marile Descoperiri Geografice, care au dus la schimbări fundamentale în comerțul mondial, la expansiunea colonială și la o revoluție a prețurilor în Europa. Realizările științei oțelului renascentist conditie necesara pentru geneza științei clasice a timpurilor moderne.

4. Arta Renașterii

Arta Renașterii, ca și alte sfere ale culturii, este impregnată de ideea principală a vremii - ideea de umanism.

Este suficient să amintim lucrările lui Leonardo da Vinci (1452-1519), Rafael (1483-1520), Michelangelo (1475-1564), Tizian (c. 1476/77 sau 1489/90-1576), Albrecht Dürer (1471 - 1528) sau poetice operele lui Petrarh, Boccaccio, Torquato Tasso (1544-1595) și Dante (1265-1321), proza ​​lui Rabelais (1494-1553), dramaturgia lui Shakespeare (1564-1616), cât de mare număr de personaje ne vor înconjura. Varietatea personajelor, a tipurilor sociale, a temperamentelor prezentate în acest flux de artă este uimitoare. Practic nu există standarde aici, fiecare personaj este semnificativ, profund și poate acționa ca un fenomen care caracterizează epoca în ansamblu. De asemenea, este de remarcat faptul că în timpul Renașterii arta a atins culmi semnificative în transmiterea stării și psihologiei eroilor săi. Dacă antichitatea a trecut cel mai adesea de la exterior la interior, crezând că numai într-un corp frumos este posibil un suflet frumos, iar Evul Mediu credea că doar sufletul este important, dar nu și trupul, atunci artiștii Renașterii, în cheia conceptului general de persoană dezvoltată cuprinzător, nici nu a făcut ceva dominant.

O persoană nu este acum doar descrisă sau descrisă - ea este evaluată pe baza idealurilor timpului său. Sentimentele sale, particularitățile experiențelor devin semnificative. Prin urmare, mult spațiu în artă este ocupat de sentimentul iubirii, care demonstrează cel mai clar unicitatea și semnificația unei persoane.

Poezia Renașterii produce un stil nou- dolce slil Nuova („sweet new style”), unde limba formă nouă versificare - un sonet - dragostea însăși vorbește.

Un alt merit al poeziei Renașterii a fost crearea unei noi limbi literare, care nu are legătură cu latină.

Realismul ca metodă de a descrie viața devine un atribut indispensabil al artei renascentiste. Din ce în ce mai rar, autorii recurg la alegorii (deși există în multe lucrări), sunt interesați de realitate în toată bogăția și diversitatea ei. Apar noi genuri - peisaj și natură moartă în pictură și grafică.

5. Teatru renascentist

Teatralitatea, teatrul apare în creația de viață și creativitatea în Renaștere ca principii și reprezentare în toate formele de viață și arte, înainte de a dobândi în plină dezvoltare forma teatrului sub formă de dramă, punere în scenă și construcție, unde personajele și spectatorii sunt. combinate, contopindu-se în imaginația lor în acțiune pe scena ființei. Aceasta este apogeul clasicilor Renașterii.

Spectacolele de mistere în biserici și piețe sunt însoțite de o creștere a interesului pentru teatrul antic, în primul rând pentru Terence și Plautus, care erau cunoscuți încă din Evul Mediu, însă, doar din manuscrise. În secolul al XV-lea au apărut ediții tipărite ale comediilor lui Terentius și Plautus în latină. În producțiile de piese de teatru în latină de la curți joacă amatori din nobilime. Apoi vine vremea traducerilor, cel mai important, primele comedii învățate, la care participă aproape toată lumea. poeţi celebri, scriitori, umaniști de la Angelo Poliziano, care, spun ei, la vârsta de șaptesprezece ani a compus „Povestea lui Orfeu” în italiană, lui Machiavelli și Trissino.

Spectacolele de teatru devin parte din festivitățile de la curte din Ferrara, în Mantua, iar trupe profesioniste de actori joacă în piețe în timpul carnavalelor din Veneția sau Florența odată cu nașterea comedia dell'arte, care este asociată cu numele actorului și dramaturgului Angelo. Beolco (1502-1542).

În secolul al XVI-lea la Florența, după o serie de războaie intestine, s-a stabilit forma monarhică de guvernare a Medici, care au dobândit titlurile speciale ale Marilor Duci ai Toscanei, deci tot felul de festivități teatrale - turnee, triumfuri, nunți - sunt însoțite de spectacole de teatru într-o sală deja special construită din Uffizi, concepută de Giorgio Vasari și finalizată de Bernardo Buontalenti (1536-1608), arhitect, organizator de festivități de curte și director de spectacole.

Atât festivitățile, cât și reprezentarea pieselor pe scena teatrului au fost însoțite de interludii, la care au participat muzicieni, dansatori și cântăreți. Din interludii, în care s-au îmbinat muzica, dansul și cântul, cu desemnarea unei singure intrigi, s-a născut opera. Acest lucru s-a întâmplat în 1600 la Florența în timpul spectacolelor Eurydice a lui Jacopo Peri la Palazzo Pitti și Răpirea lui Cephalus de Caccini la Uffizi, după cum se dovedește, în prezența a 300 de domni și 800 de doamne. Peisajele și costumele Buontalenti, tot felul de efecte luminoase, pe lângă muzică și cânt, au provocat, spun ei, încântare în rândul publicului. Încă ar fi.

Cercetătorii urmăresc în opera lui Buontalenti, precum și în dezvoltarea artei în Italia în general, trecerea de la manierism la baroc, care marchează declinul Renașterii. Dar dacă baroc în arhitectură, sculptură, pictură în Italia, după ascensiunea clasicilor Renașterii, înseamnă într-adevăr sfârșitul Renașterii, atunci în Spania și Anglia este baroc care acționează ca estetica Renașterii și baza pentru cea mai înaltă ascensiune a teatrului renascentist.

Concluzie

Renașterea ca perioadă de dezvoltare a culturii europene a combinat două tendințe puternice: antică și creștină. Aproape toți gânditorii din acea vreme, pornind de la tradiția antică, au evidențiat drept principal actorîn imaginea lumii umane. Noua imagine a lumii în Renaștere a fost controversată. Pe de o parte, umaniștii au văzut și au glorificat măreția omului, capacitatea sa de a crea și înțelege lumea. Pe de altă parte, ideile lui Copernic și în special ale lui Giordano Bruno cu privire la pluralitatea lumilor au distrus viziunea veselă și optimistă a umanismului. Aceste contradicții s-au reflectat nu numai în artă, ci și în diferențele religioase. Umanismul este într-adevăr principalul patos al Renașterii. Trebuie remarcat faptul că umaniștii înșiși erau puțini la număr și doar activitatea lor titanică diversă în toate domeniile culturii a fost atât de semnificativă încât a format o valoare culturală puternică.

Renașterea a deschis omenirii cel mai de dorit dintre toate domeniile existenței sale - sfera libertății: în domeniul cunoașterii lumii, în domeniul relațiilor sociale și economice, în domeniul conștiinței de sine umană.

Renașterea a dat naștere titanilor în toate sferele de activitate - principiul umanist a fost atât de semnificativ, inspirând oamenii remarcabili ai timpului lor la fapte, a căror soartă a fost eternitatea.

Lista surselor utilizate

1. Alferov A.A. Cultura Renașterii: o privire asupra istoriei // Filosofia în spațiul culturii: Rusia și Occidentul. Seria „Est – Vest – Rusia”. Rostov-pe-Don, 2001.
2. Bystrova A. N. World of Culture (Fundamentals of Cultural Studies). Tutorial. Ediția a II-a, corectată și mărită.- M .: Editura Fedor Konyuhov; Novosibirsk: Editura YuKEA LLC, 2002.- 712 p.
3. Bystrova A. N. Lumea culturii (Fundamentals of cultural studies). Tutorial. Ediția a II-a, corectată și mărită.- M .: Editura Fedor Konyuhov; Novosibirsk: Editura YuKEA LLC, 2002.- 712 p.
4. http://ru.wikipedia.org Wikipedia - enciclopedia liberă
5. Bystrova A. N. The world of culture (Fundamentals of cultural studies). Tutorial. Ediția a II-a, corectată și mărită.- M .: Editura Fedor Konyuhov; Novosibirsk: Editura YuKEA LLC, 2002.- 712 p.
6. http://ru.wikipedia.org Wikipedia - enciclopedia liberă
7. http://slovari.yandex.ru/dict/krugosvet/article/2/20/1012239.htm EPOCA RENAȘTERII – Yandex. Dicționare
8. Bystrova A. N. World of Culture (Fundamentals of Cultural Studies). Tutorial. Ediția a II-a, corectată și mărită.- M .: Editura Fedor Konyuhov; Novosibirsk: Editura YuKEA LLC, 2002.- 712 p.
9. http://www.renclassic.ru/Ru/34/611/ Teatrul Renașterii/ Renașterii

Eseu pe tema „Cultura Renașterii” actualizat: 13 noiembrie 2018 de: Articole stiintifice.Ru

Lumea culturii artistice a Renașterii

Obiective: să caracterizeze tendințele de dezvoltare a artei europene în secolele XVI-XVII; să determine asemănările și diferențele în metoda creativă a creatorilor artei Înaltei Renașteri; să formeze și să dezvolte capacitatea de a lucra cu diverse surse istorice, de a le folosi în pregătirea mesajelor și prezentărilor.

Rezultate planificate: se familiarizează cu realizările culturale ale Renașterii; să-și facă o idee despre operele de artă ale epocii studiate; evaluează influența ideilor umaniștilor asupra operei personalităților culturale ale Renașterii; dați caracteristici detaliate ale personalităților istorice; învață să-și justifice judecățile; lucrează cu surse suplimentare de informații, creează prezentări; să dezvolte conexiuni interdisciplinare cu cursul literaturii, cultura artei mondiale.

Relaţie , valorile , setari interne: evaluează activitățile creatorilor de artă ai Renașterii, valorile morale după care au fost ghidați; pentru a-și exprima atitudinea față de operele de artă ale Renașterii.

Echipament: harta „Europa în secolele XVI-XVII”, echipament multimedia, portrete ale personalităților culturale ale Renașterii, reproduceri de picturi, pachet cu sarcini de testare.

Tip de lecție: lectie metodologica generala.

În timpul orelor

Organizarea timpului

Actualizarea cunoștințelor de bază

Mesaje de la studenți despre viața și părerile umaniștilor New Age.

(Discuție colectivă a mesajelor. Finalizarea sarcinilor de testare.)

Erasmus din Rotterdam aparține Peruului scriind:

„Lauda înțelepciunii” 3) „Lauda proștilor”

„Lauda prostiei” 4) „Lauda proștilor”

F. Rabelais 3) M. Montaigne

T. Mai mult 4) J. Morelli

Romanul „Gargantua și Pantagruel” scria:

M. Cervantes 3) T. Mai mult

M. Montaigne 4) F. Rabelais

Traducerea literală a cuvântului „utopia”:

cel mai bun loc 3) pământul viitorului

loc nou 4) un loc care nu există

Pictura Capelei Sixtine din Vatican a fost comandată de:

Michelangelo

Leonardo da Vinci

Rafael

Hans Holbein cel Tânăr

Lordul Cancelar al Angliei a fost:

Erasmus din Rotterdam 3) F. Rabelais

T. Mai mult 4) M. Montaigne

Termenul „utopie” a fost introdus de:

T. Mai mult 3) F. Campanella

F. Rabelais 4) N. Machiavelli

Thomas More a locuit în:

Germania 3) Olanda

Franta 4) Anglia

(Verificarea executării sarcinilor.)

Stadiul motivațional-țintă

secolele XVI-XVII au fost epoca umanismului. Idealurile oamenilor de știință umaniști s-au reflectat și în lucrările de cultură artistică ale Renașterii. Această perioadă a fost numită epoca titanilor. Ce contribuție au adus creatorii Renașterii culturii artistice mondiale? Vom afla în lecția noastră. Tema lecției: „Lumea culturii artistice a Renașterii”. Planul lecției

Epoca Titanilor.

Renașterea de Nord. „Pictor masculin”.

Leonardo da Vinci din Germania.

Pe drumul spre nemurire Lucrați la tema lecției

„Ce miracol al naturii este omul!”

Prezentarea elevilor despre personalitățile culturale ale Renașterii (W. Shakespeare și M. Cervantes).

Lucrând de la § 8-9 din manual (p. 75-77), completați tabelul.

Făcător

O tara

Opere de arta

Conținutul creativității

William

Shakespeare

(1564-1616)

Anglia

Romeo și Julieta, Hamlet, Othello, Regele Lear etc.

Comediile lui Shakespeare uimesc prin vivacitatea și spiritul lor strălucitor. Există mulți oameni frumoși, înțelepți și mândri în tragediile sale. Eroii iubesc și suferă, greșesc, sunt dezamăgiți, luptă pentru fericirea lor și de cele mai multe ori pierd în această luptă.

Miguel

Cervantes

(1547-1616)

Ispa

nia

„Don Quijote”

În spatele faptelor în exterior ridicole ale nebunului Don Quijote - înțelepciunea, noblețea și umanitatea; ultimul cavaler al binelui într-o lume a nedreptății îi ajută pe oameni să devină puțin mai buni

Epoca Titanilor

Leonardo da Vinci

Un adevărat monument la ceea ce este Leonardo ca artist, ca om de știință, ca inventator, ca inginer, sunt notele sale. Aceste note conțin un număr imens de schițe, desene, schițe, conțin o cantitate inepuizabilă de idei științifice și concepte tehnice.

Se poate spune fără exagerare că nu există o singură ramură a științei în care Leonardo să nu fi conturat noi căi. Mintea lui cercetătoare a pătruns peste tot. În toate ramurile științei, el a încercat să întoarcă pe un drum nou ceea ce se făcuse înaintea lui. Dar omenirea a profitat de o parte minimă din ceea ce a gândit Leonardo, pentru că tot ceea ce a scris a rămas îngropat în notițele sale.

Moștenirea sa literară, sub forma unui număr imens de codice și folii, a trecut după moartea sa elevului său Francesco Melzi, care a selectat din scrisul lui Leonardo o parte din ceea ce ține de pictură și a făcut din ele cartea care este acum cunoscută sub titlu „Tratate de pictură. După moartea lui Francesco, prețioasele folii Leonardo au rămas abandonate multă vreme în podul vilei Vaprio, unde Leonardo a petrecut atât de mult timp în 1506-1512. zile fericite. Apoi au fost jefuiti. Timp de secole, aceste manuscrise, coduri întregi și foi individuale, au umblat în jurul lumii. Acum sunt concentrate în diferite depozite europene. Unele dintre ele au fost deja publicate și toate sunt studiate cu atenție. Dar, în timp ce erau ascunși, gândirea științifică a continuat să funcționeze, iar majoritatea descoperirilor și invențiilor lui Leonardo i-au glorificat pe alți oameni de știință.

Doar o mică parte din moștenirea sa s-a dovedit a fi o contribuție directă la știință, care a căzut accidental în mâinile unor oameni cunoscători în anii de după moartea sa. Vesalius cunoștea înregistrările anatomice ale lui Leonardo, dacă nu în întregime, atunci unele dintre ele. În mod similar, celebrul matematician Girolamo Cardano a reușit să profite de unele dintre ideile matematice ale lui Leonardo.

Leonardo a negat orice fel de autoritate. El a respins cu desăvârșire criteriile religioase care încă dominau la acea vreme domeniul științific. El a insistat că fiecare poziție științifică trebuie verificată prin experiență, iar aceasta a fost principala lui teză metodologică. În ochii lui, experiența era singurul test decisiv al adevărului științific. Prin urmare, știința îl onorează pe bună dreptate în Leonardo nu numai pe unul dintre cei mai mari pictori, ci și pe unul dintre primii pionieri ai adevăratelor metode științifice.

(Jivelegov A. „Leonardo da Vinci”)

Despre David lui Michelangelo Buonarotti

Michelangelo a modelat un model de ceară, plănuind să-l înfățișeze ca emblemă de palat pe tânărul David cu o praștie în mână, astfel încât, așa cum David și-a apărat poporul și i-a condus în mod corect, conducătorii acestui oraș [Florența! a fost apărat cu curaj și stăpânit cu dreptate... Marmura era deja stricată și mutilată de maestrul Simone, iar pe alocuri nu i-a fost suficient ca Michelangelo să facă ceea ce avea în minte. Pe suprafața marmurei a trebuit să lase primele tăieturi ale maestrului Simone, pentru ca și acum unele dintre ele să fie vizibile și, bineînțeles, Michelangelo a făcut un adevărat miracol, reînviind ceea ce era mort.

Între timp, s-a întâmplat ca Pier Soderini, ridicând privirea spre statuia, care îi plăcea foarte mult, să-i spună lui Michelangelo, care la vremea aceea o tundea ici-colo, că, după părerea lui, nasul ei era mare: Michelangelo, observând că gonfalonierul stătea sub cel mai gigantic și punctul de vedere l-a înșelat, s-a urcat, ca să-i facă pe plac, pe schela de la umerii statuii și, indicând cu o daltă, pe care o ținea în mâna stângă, puțin praf de marmură. de pe platforma schelei, a început să ducă treptat praful în jos, lucrând parcă cu alte dalte, dar fără să atingă nasul. Apoi, aplecându-se spre Gonfaloniere, care îl privea, spuse: — Hai, uită-te la el acum. „Acum îmi place mai mult”, a spus gonfalonierul, „ai adus-o la viață”. Michelangelo a coborât apoi de pe pod, râzând de el în sinea lui și compătimindu-se de oameni care, dorind să se arate ca experți, spun lucruri pe care ei înșiși nu le înțeleg. Când statuia a fost în sfârșit instalată, el a deschis-o, și cu adevărat o creație, a umbrit toate statuile cunoscute, noi și vechi, fie ele grecești sau romane... Michelangelo a terminat-o cu atâta proporție și frumusețe, cu atât de bună calitate.

Despre pictura Capelei Sixtine

Când lucrarea a fost adusă la jumătatea drumului, papa [Iulius al II-lea], care urcase de mai multe ori pe scări cu ajutorul lui Michelangelo pentru a o privi, a cerut să fie deschisă, întrucât era prin fire grabit și nerăbdător și nu putea. așteptați, când este finalizat, adică, după cum se spune, ultima lovitură de pensulă.

Și, de îndată ce s-a deschis, s-a adunat toată Roma să-l privească, și în primul rând papa, care abia aștepta să se aseze praful după scoaterea schelei. Văzând-o, Rafael de Urbinsky, care a imitat foarte excelent, și-a schimbat imediat felul și a scris imediat, pentru a arăta de ce era în stare, profeții și sibilele din Santa Maria della Ritm; apoi Bramante a încercat să se asigure că a doua jumătate papa a predat capelele lui Rafael... Dar papa, care se convingea din ce în ce mai mult de abilitățile lui Michelangelo, îi dorea să-și continue munca; căci, văzând lucrarea deschisă, a gândit că a doua jumătate ar fi putut să iasă și mai bine cu Michelangelo: și într-adevăr, a dus lucrarea la perfecțiune în numai douăzeci de luni, chiar și fără ajutorul celor care i-ar șlefui vopselele. Cu toate acestea, Michelangelo a trebuit uneori să se plângă de felul în care tatăl său îl grăbea cu solicitări imputabile când avea să termine, nepermițându-i să termine în felul lui, așa cum dorea el. Iar la una dintre numeroasele cereri, el a răspuns odată că sfârșitul va fi atunci când el însuși va fi mulțumit de arta sa. [Michelangelo] a trebuit să scrie cu capul în sus și și-a stricat vederea atât de mult încât timp de câteva luni nu a putut să citească ce era scris și să se uite la desene... La urma urmei, luminându-se în fiecare zi din ce în ce mai mult de dorință să creeze, să acumuleze și să îmbunătățească ceea ce a fost creat, nu a observat oboseală și nu i-a păsat de confort.

(Vasari J. „Viețile celor mai faimoși pictori, sculptori și arhitecți”)

„Madona Sixtina” de Rafael

„Madona Sixtina” a fost comandată de Rafael ca altar pentru capela mănăstirii Sfântul Sixtus din Piacenza. Acesta este cel mai faimos tablou al lui Rafael. Artistul a creat-o în 1515-1519. Se pare că cortina tocmai s-a despărțit și o viziune cerească s-a deschis în ochii credincioșilor - Fecioara Maria călcând ușor pe un nor cu Pruncul Iisus în brațe. Măsura domnește în imagine. Echilibru și armonie. Se distinge prin linii netede și rotunjite, model moale și melodic, bogăție și suculenta culorii. Madonna însăși emană energie și mișcare. Cu această lucrare, Raphael a creat cel mai sublim și imagine poetică Madonele în arta Renașterii. Ea merge la oameni, tineri si maiestuosi, tinand in suflet ceva nelinistit; vântul suflă părul copilului, iar ochii lui se uită la noi, la lumea cu atâta putere și cu atâta iluminare, de parcă ar vedea atât propriul destin, cât și destinul întregului neam uman. Privirea ei, îndreptată către privitor, este plină de o previziune tulburătoare asupra soartei tragice a fiului ei. Chipul Madonei este întruchiparea idealului antic de frumusețe combinat cu spiritualitatea idealului creștin. Aceasta nu este realitatea, ci un spectacol. Nu e de mirare că artistul însuși a despărțit o cortină grea în fața publicului din imagine. Un spectacol care transformă realitatea în măreția lucrurilor, înțelepciunea și frumusețea, un spectacol care înalță sufletul cu armonia lui absolută, ne cucerește și ne înnobilează.

Rânduri entuziaste ale unor scriitori și critici atât de diferiți precum V.A. Jukovski, V.G. Belinsky, N.P. Ogarev. Doi mari scriitori ruși, L.N. Tolstoi și F.M. Dostoievski, avea reproduceri ale „Madonei Sixtine” în birourile lor. „O poză am vrut să fiu pentru totdeauna un spectator...” - a spus Pușkin despre ea. Dostoievski a văzut în Madona Sixtină cea mai înaltă măsură a nobilimii umane, cea mai înaltă manifestare a geniului uman.

Făcător

O tara

Opere de arta

Conținutul creativității

Leonardo da Vinci (1452-1519)

Italia

„Madonna Litta”, „Gioconda”, „Cina cea de taină”, etc.

Leonardo a fost un pictor strălucit și un cercetător priceput. Experimentele de lungă durată l-au învățat să înfățișeze volumul cu cele mai fine nuanțe, jocul de lumină. El a fost capabil să arate lumii, inaccesibil imaginației unui simplu muritor

Făcător

O tara

Opere de arta

Conținutul creativității

Mikel

angelo

Buonarroti

(1475-1564)

Italia

„David”, „Moise”, „Pieta”, pictura Capelei Sixtine, cupola Bisericii Sf. Petru din Roma IT. d.

El a considerat sculptura „prima dintre arte”, cel mai bine gloriind o persoană, frumusețea sa. „David” trebuia să reamintească autorităților administrația dreaptă și apărarea curajoasă a orașului. Pictura de pe cupola Capelei Sixtine reprezintă mai multe scene din Cartea Genezei

Rafael

Santi

(1483-1520)

Italia

„Madonna co-

instabil",

„Sistine

madona,

"Atenian

școală”, etc.

Lumea din picturile lui Rafael arată perfectă și frumoasă, armonioasă și calmă.

Renașterea de Nord. "Pictor masculin"

Prezentarea elevilor despre personalitățile culturale ale Renașterii (Peter Brueghel cel Bătrân).

Făcător

O tara

Opere de arta

Conținutul creativității

Pieter Brueghel cel Bătrân (țăran) (între 1525 și 1530-1569)

Nieder

terenuri

„Dansul țărănesc”, o serie de „Anotimpuri” („Recolta”, „Întoarcerea vânătorilor”)

Poreclit Muzhitsky pentru dragostea lui de a reprezenta oameni de rând și scene populare. În mișcările incomode și figurile stângace ale personajelor lui Brueghel cel Bătrân, chipurile lor rustice, se poate ghici puterea și puterea oamenilor.

4. Leonardo da Vinci din Germania

Prezentarea studenților despre personalitățile culturale ale Renașterii (Albrecht Dürer).

- Lucrând cu§ 8-9 din manual (pag. 83-85), completați tabelul.

Făcător

O tara

Opere de arta

Conținutul creativității

Albrecht

Durer

(1471-1528)

germa

nia

Autoportret, seria Apocalipsa

A aprobat o înțelegere umanistă a individului, stima de sine, dorința de a vedea în artiști nu artizani, ci gânditori

Lucrând cu § 8-9 din manual (pag. 81-83), completați tabelul Pe drumul către nemurire

Conținutul aproximativ al răspunsului

Ca și în pictură și sculptură, în muzică, lucrările au început să facă apel la sentimentele umane. Lucrările seculare sunt dezvoltate și diseminate pe scară largă. Regulile bunelor maniere prescriu tinerilor din familii bogate să poată cânta la instrumente muzicale.

Pictorii Adevărului

Prezentarea studenților despre personalitățile culturale ale Renașterii (Hans Holbein cel Tânăr, Rembrandt, Velasquez).

Lucrând de la § 8-9 din manual (p. 87-90), completați tabelul.

Făcător

O tara

Opere de arta

Conținutul creativității

Hans

Holbein

Jr

(1497-1543)

germa

nia

Portretele lui HeinrichVIII, Erasmus din Rotterdam, ilustrații pentru „In Praise of Stupidity”

În spatele impenetrabilității și echilibrului imaginilor oamenilor, iese în mod clar individualitatea, complexitatea și inconsecvența naturii umane.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606-1669)

Nieder

terenuri

"Întoarcere fiu risipitor”, „Portretul unui bătrân în roșu”, etc.

Rembrandt a încercat să transmită pe pânză starea de spirit a unei persoane, trăsături observate cu pricepere, gesturi și ipostaze caracteristice.

Diego

Velazquez

(1599-1660)

Ispa

nia

portrete

Spaniolă

aristocraţie,

"Mic dejun",

"Spinners"

Artistul reproduce cu acuratețe detaliile vestimentației, posturile nobilimii de curte, caracterul personajelor sale. Tablourile dedicate oamenilor de rând reflectă nobilimea muncitorilor

Consolidarea materialului studiat

Să verificăm cât de bine ai învățat noul material.

Numiți operele literare din perioada modernă timpurie.(„Romeo și Julieta”, „Hamlet”, „Othello”, „Regele Lear”, „Don Quijote » si etc.)

De ce se numește Renașterea Epoca Titanilor? ( Natura a înzestrat cu generozitate mulți artiști ai acestei perioade cu talente universale.)

Pentru ce era cunoscut Lorenzo Magnificul? (Lorenzo Magnificul a compus melodii de dans vesele pentru festivaluri populare. De ce a primit Pieter Brueghel cel Bătrân porecla de „Pictor țărănesc”? (Din dragostea de a portretiza oameni de rând și scene populare.)

Rezumând lecția

Renașterea a adus o contribuție uriașă la cultura artistică mondială. Lucrările marilor maeștri ai literaturii, picturii, sculpturii și muzicii au devenit un model de urmat și o sursă pentru creativitatea generațiilor viitoare. Ele constituie vistieria omenirii.

Istoria Renașterii începe în Totuși, această perioadă se numește Renaștere. Renașterea s-a transformat în cultură și a devenit precursorul culturii New Age. Și Renașterea s-a încheiat în secolele XVI-XVII, deoarece în fiecare stat are propria sa dată de început și de sfârșit.

Câteva informații generale

Reprezentanții Renașterii sunt Francesco Petrarca și Giovanni Boccaccio. Au devenit primii poeți care au început să exprime imagini și gânduri înalte într-un limbaj sincer și comun. Această inovație a fost primită cu succes și răspândită în alte țări.

Renaștere și artă

Caracteristicile Renașterii sunt că corpul uman a devenit principala sursă de inspirație și subiect de cercetare pentru artiștii din acest timp. Astfel, s-a pus accent pe asemănarea sculpturii și picturii cu realitatea. Principalele trăsături ale artei din perioada Renașterii includ strălucirea, pensularea rafinată, jocul de umbre și lumini, minuțiozitatea în procesul de lucru și compozițiile complexe. Pentru artiștii Renașterii, imaginile din Biblie și mituri au fost principalele.

In asemanare persoana reala cu imaginea lui pe cutare sau cutare pânză era atât de aproape încât personajul fictiv părea viu. Acest lucru nu se poate spune despre arta secolului al XX-lea.

Renașterea (principalele sale tendințe sunt prezentate pe scurt mai sus) a perceput corpul uman ca un început fără sfârșit. Oamenii de știință și artiștii și-au îmbunătățit în mod regulat abilitățile și cunoștințele studiind corpurile indivizilor. În acel moment, opinia predominantă era că omul a fost creat după asemănarea și chipul lui Dumnezeu. Această afirmație reflecta perfecțiunea fizică. Obiectele principale și importante ale artei renascentiste au fost zeii.

Natura și frumusețea corpului uman

Arta Renașterii a acordat o mare atenție naturii. Un element caracteristic al peisajelor a fost o vegetație variată și luxuriantă. Cerul de o nuanță albastru-albastru, care era străpuns de razele soarelui care pătrundeau în norii de alb, reprezentau un fundal magnific pentru creaturile înălțătoare. Arta Renașterii venera frumusețea corpului uman. Această caracteristică s-a manifestat în elementele rafinate ale mușchilor și corpului. Poze dificile, expresii faciale și gesturi, o paletă de culori bine coordonată și clară sunt caracteristice lucrării sculptorilor și sculptorilor din perioada Renașterii. Printre aceștia se numără Titian, Leonardo da Vinci, Rembrandt și alții.

rubrica de spiritualitate. 9.3 Renaștereîmpărțit cronologic în 4 etape: 1) Proto-Renaștere(Înainte de renaștere) - secolul XIII. (anii 200 - ducento) și secolul XIV. (anii 300 - trecento); 2) Trezire timpurie - secolul 15 (quattrocento); 3) înaltă trezire - anii 80 secolul 15 - 30 de ani al 16-lea secol (cinquicento); 4) Trezire târzie până la sfârşitul secolului al XVI-lea

La sfârşitul secolului XIV - începutul secolului XV. in Europa si anume Italia, a început să se contureze o cultură burgheză timpurie, care a fost numită cultura Renașterii (Renașterea). Termenul „Renaștere” a indicat legătura noii culturi cu antichitatea. Renașterea a fost caracterizată de multe schimbări foarte semnificative în mentalitatea oamenilor față de perioada Evului Mediu. Odată cu distrugerea vechilor idei feudal-religioase și crearea unui nou sistem de valori care corespundea celei emergente. epoca burgheză, a fost asociat și antropocentrismul. Omul este declarat centrul universului,înțeles ca parte a naturii și a creației sale cele mai perfecte. Omul ca măsură a tuturor lucrurilor, ca personalitate eroică, independentă, dezvoltată cuprinzător, ca forță creatoare în lupta împotriva naturii și asuprirea constrângerii bisericești-feudale. Acest laitmotiv se reflectă viu în toate ramurile artei.

La originile Renașterii („Renașterea timpurie”) în Italia s-a aflat marele Dante Alighieri, autorul Comediei, pe care urmașii, exprimându-și admirația, au numit-o „Divina Comedie”. Sonetele Francescei Petrarh (1304-1374) despre viața și moartea Madonei Laura au primit faimă în întreaga lume. Un adept al lui Petrarh este Giovanni Boccaccio (1313-1375), autorul cărții Decameronul, o colecție de nuvele realiste unite printr-un ideal umanist comun și reprezentând un singur întreg. Renumitii poeți ai Renașterii au creat limba literară italiană. În timpul vieții lor, operele lor au devenit cunoscute pe scară largă nu numai în Italia, ci și dincolo de granițele acesteia și au intrat în vistieria literaturii mondiale.

Renașterea se caracterizează prin cultul frumosului, în special al frumuseții omului. Pictura italiană, care pentru o vreme devine principala formă de artă, înfățișează oameni frumoși, perfecți. Pictura Renașterii timpurii este reprezentată de opera lui Botticelli (1445-1510), Giotto (1266-1337), Masaccio (1401-1428). Unul dintre cei mai cunoscuți sculptori ai vremii a fost Donatello (1386-1466), autorul unui număr de lucrări realiste de tip portret, pentru prima dată după antichitate, a prezentat din nou un corp gol în sculptură. Cel mai mare arhitect al Renașterii timpurii este Brunelleschi (1377-1446). El a căutat să combine elemente ale romanului antic și stiluri gotice, a construit temple, palate, capele.

Pentru schimbare Renașterea timpurie a venit Înalta Renaștere- timpul celei mai înalte înfloriri a culturii umaniste a Italiei. Atunci ideile despre onoarea și demnitatea omului, destinul său înalt pe Pământ au fost exprimate cu cea mai mare plenitudine și forță. Titanii Înaltei Renașteri au fost Leonardo da Vinci (1456-1519), Rafael Santi (1483-1520), Michelangelo Buonarotti (1475-1564).

Mișcarea umanistă este recunoscută ca un fenomen paneuropean. În secolul XV. umanismul depășește granițele Italiei și se răspândește rapid în toate țările vest-europene. Fiecare țară a avut propriile caracteristici în formarea culturii Renașterii, realizările sale naționale, conducătorii săi.

În Germania ideile umanismului au devenit cunoscute la mijlocul secolului al XV-lea, exercitând o puternică influență asupra cercurilor universitare și a intelectualității progresiste. Un reprezentant remarcabil al literaturii umaniste germane a fost Johann Reuchlin (1455-1522), care a căutat să arate divinitatea în om însuși. Este autorul celebrei lucrări satirice „Scrisori ale oamenilor întunecați”, în care se afișează un șir de oameni ignoranți, întunecați - maeștri și licențe, care, de altfel, au diplome academice. În timpul Reformei s-a remarcat talentatul poet Hans Sachs (1494-1576), care a scris multe fabule edificatoare, cântece, schwanks etc.

a înflorit artă. Renumitul pictor și gravor Albrecht Durer (1471-1528) a lucrat în acest domeniu - fondatorul și cel mai mare reprezentant al Renașterii germane, " nordul Leonardo da Vinci”, artiștii Hans Holbein cel Tânăr (1497-1543), Lucas Cranach cel Bătrân (1472-1553).

Cel mai mare reprezentant al culturii Renașterii în Olanda a fost Erasmus din Rotterdam (1496-1536). Valoarea lucrărilor acestui mare umanist și educator, inclusiv faimoasa sa „Lauda prostiei”, pentru educația liberului gândire, a atitudinii critice față de scolastică, superstiție este cu adevărat de neprețuit. Lucrările sale satirice au fost cunoscute pe scară largă în Germania, Franța, Spania, Anglia. Excelenți ca formă, profunde în conținut, își găsesc cititorii de mai bine de un secol.

În Anglia Universitatea Oxford a fost considerată centrul ideilor umaniste, unde au ținut prelegeri oameni de știință de seamă din acea vreme - Grosin, Linacre, Colet. Dezvoltarea concepțiilor umaniste în domeniul filosofiei sociale este asociată cu numele lui Thomas More (1478-1535), autorul Utopiei, care a prezentat cititorului idealul, în opinia sa, a societății umane. Cea mai mare figură a Renașterii engleze este William Shakespeare (1564-1616), creatorul tragediilor de renume mondial Hamlet, Regele Lear, Othello, piese istorice Henric al IV-lea, Richard al III-lea, sonete.

Renașterea în Spania a fost mai controversat decât în ​​alte țări europene: mulți umaniști de aici nu s-au opus catolicismului și Bisericii Catolice. Romanele cavalerești, precum și cele picaresc, au fost utilizate pe scară largă. Fernando de Rojas, autorul cunoscutei tragicomedie Celestina (scrisă în jurul anilor 1492-1497), a apărut pentru prima dată în acest gen. Această linie a fost continuată și dezvoltată de marele scriitor spaniol Miguel de Cervantes (1547-1616), autorul nemuritorului „Don Quijote”, scriitorul satiric Francisco de Quevedo (1580 - 1645), care a creat celebrul roman „Viața”. Povestea unui necinsti”. Fondatorul dramei naționale spaniole este marele Lope de Vega (1562-1635), autorul a mai mult de 1800 opere literare, inclusiv precum „Dog in the Manger”, „Dance Teacher”. Pictura spaniolă a obținut un succes semnificativ. Un loc aparte în ea îl ocupă El Greco (1541-1614) și Diego Velasquez (1599-1660), a căror activitate a avut un impact uriaș asupra dezvoltării picturii în țările europene.

În Franța Mișcarea umanistă începe să se răspândească abia la începutul secolului al XVI-lea. Un reprezentant remarcabil al umanismului francez este Francois Rabelais (1494-1553), autor al romanului satiric Gargantua și Pantagruel. În centrul temelor poetice se află sentimentele romantice, glorificarea iubirii. Indicative în acest sens sunt sonetele lui Pierre Ronsard (1524-1580), supranumit „prințul poeților”, care a avut o influență foarte puternică asupra dezvoltării poeziei în general. Cel mai mare reprezentant al culturii Franței din secolul al XVI-lea. a fost Michel de Montaigne (1533-1592). Opera sa principală – „Experimente” – a fost o reflecție asupra temelor filozofice, istorice, etice.

Astfel, Renașterea a oferit culturii lumii o imensă galaxie de oameni de știință talentați, figuri ale literaturii și ale artei. Printre ei: filozofi și oameni de știință - Nicolae din Cusa, Picodella Miran-dola, Bruno, Galileo, Machiavelli, Campanella, Montaigne, Müntzer, Kepler, Paracelsus, Copernic; scriitori și poeți - Dante, F. Petrarh, J. Boccaccio, E. Rotterdam, Rabelais, Cervantes, Shakespeare; arhitecți, sculptori, pictori remarcabili - N. Pisano, Donatello, A. Rosselino, S. Botticelli, Leonardo da Vinci, Raphael, Giorgione, Titian, Michelangelo, X. Bosch, A. Durer și alții.

Cu toate acestea, în cultura Renașterii, alături de elemente progresive de umanism și realism, există rămășițe medievale. Este de ajuns să amintim marele rol jucat de teologie și scolastică de-a lungul Renașterii. Pentru a pătrunde în esența culturii și artei acestei epoci, trebuie să ne imaginăm clar contradicțiile și contrastele din care este țesută, contradicțiile libertății și sclaviei, raționalismului și magiei, senzualității și ascezei.

Întrebări pentru autoexaminare:

Care sunt principalele trăsături ale culturii Renașterii. Descrieți arta Renașterii de Nord. De ce D. Alighieri este numit „ultimul poet al Evului Mediu și primul poet al Epocii Moderne”? Ce este antropocentrismul? De ce se bazează umanismul renascentist pe el?

Termeni:

antropocentrismul- un tip de viziune asupra lumii, conform căruia o persoană este centrul universului și scopul final al întregului univers.

asceza - restrângerea sau suprimarea dorințelor senzuale, corporale, pentru a obține concentrarea spiritului, eliberarea de nevoile materiale, dobândirea de abilități supranaturale.

Umanismul - un set de idei și vederi care afirmă valoarea unei persoane, indiferent de a ei poziție socială, și dreptul individului la libera dezvoltare a puterilor sale creatoare.

Madonna- numele Maicii Domnului printre catolici și imaginea ei picturală sau sculpturală.

Valori- definiții elaborate colectiv și individual ale obiectelor lumii, care vizează identificarea semnificației lor culturale pentru o persoană și societate.

Introducere

Renașterea este una dintre cele mai strălucitoare perioade din istoria dezvoltării culturii europene.

Renașterea - o întreagă eră culturală în procesul de tranziție de la Evul Mediu la noul timp, în timpul căreia a avut loc o răsturnare culturală (un punct de cotitură, o schimbare). Schimbările fundamentale sunt asociate cu eradicarea viziunii mitologice creștine antice asupra lumii. În ciuda originii termenului „Renaștere”, strict vorbind, nu a existat și nu putea exista o renaștere a antichității. Omul nu se poate întoarce la trecutul său. Renașterea, folosind lecțiile antichității, a introdus inovații. Nu a readus la viață toate genurile străvechi, ci doar pe cele care erau în ton cu aspirațiile timpului și culturii sale. Renașterea a combinat o nouă lectură a antichității cu o nouă lectură a creștinismului. Renașterea a apropiat aceste două principii fundamentale ale culturii europene.

Originile Renașterii

Conceptul de „Renaștere” are mai multe fațete. Cei care s-au certat în privința asta nu au ajuns la o părere comună. Unii îl consideră „păgânism”, „anticreștinism”, în timp ce alții, dimpotrivă, văd în el elemente creștin-catolice, căutându-și rădăcinile în cultura creștină. Atitudinea față de această problemă dezvăluie viziunea asupra lumii a cercetătorilor înșiși. Sensul anti-creștin în cultura Renașterii este investit de cei care identifică creștinismul cu asceza și negarea lumii.

Printre definițiile fenomenului cultural al Renașterii, nu există una universal recunoscută. Criticii de artă, istoricii, gânditorii, scriitorii își oferă explicațiile pentru acest fenomen, acordând atenție diverselor trăsături. Dacă grupăm multe dintre cele mai comune caracteristici, putem înțelege semnificația culturală a Renașterii ca:

Înflorirea culturii;

Revoluție în cultură;

Etapa culturală de tranziție;

Restaurarea antichității.
Fiecare dintre aceste semne se poate manifesta independent de Renaștere, dar numai complexul lor formează o etapă calitativ nouă a culturii. Renașterea europeană - o perioadă de înflorire culturală puternică și de restaurare a multor tradiții culturale ale antichității greco-romane; restructurare culturală decisivă și trecere la un nou timp în istorie civilizatie europeana.

Perioada de glorie se caracterizează prin creșterea energiei activității culturale, crearea și implementarea de noi stimulente pentru creativitatea culturală. În acest sens, Renașterea poate fi comparată în istoria culturii mondiale cu „miracolul grecesc” din secolele VIII-V. î.Hr. Comparația se bazează pe:

Intensitatea deosebită a vieții culturale, existența multor centre ale acesteia;

Varietate de manifestări ale creativității, libertate creativă;

Combinație de vitalitate și estetică;

Exces de energie spirituală;

O concentrare uimitoare pe un mic interval spațiu-timp de oameni grozavi, talentați universal, care au ales noi moduri de creativitate. Numele lui Petrarh, Boccaccio, Brunelleschi, Botticelli, Leonardo da Vinci, Michelangelo pot fi proclamate simboluri ale culturii renascentiste.

BAZELE RENAVIZĂRII
CULTURILE

Principalul lucru în Renaștere este promovarea și stabilirea personalității umane în cultură și societate, ceea ce are ca rezultat diverse forme de antropocentrism revivalist.

În ea se formează fundamentele Noului European
sentimentele unei personalități - o personalitate individualistă autonomă, conștientă de propria sa valoare, activă și care are nevoie de libertate. Din acest moment, personalitatea umană, și nu lumea, nu întregul, devine pentru prima dată punctul de plecare pentru formarea unui sistem de percepere a lumii. Acest punct de cotitură grandios în cultură se întâmplă tocmai în Renaștere - un nou mod de viziune asupra lumii se formează în Italia în prima jumătate a secolului al XV-lea. Există o afirmare a personalității umane în cultură. Pentru prima dată a existat o izolare a acestei personalități, separarea ei de lume.

Ca rezultat, a avut loc o dezintegrare a lumii întregi în lucruri individualizate separate care au început să se închidă în sine. Cu toate acestea, în Renaștere acest proces nu a fost încă finalizat, fiind limitat în principal la om și mult mai puțin răspândindu-se la alte lucruri din lume.

Rezultatul a fost mișcarea omului către centrul lumii materiale, crescând treptat și umbrind lumea cerească și, în consecință, lumea materială a fost adusă în prim-plan și omul însuși a devenit o forță creatoare activă în ea. Antropocentrismul în prima jumătate a secolului al XV-lea. adus în prim-plan nu doar o persoană, ci o persoană ca principiu activ, activ.

În acest sens, s-a pus tranșant problema demnității unei persoane, care se afirmă în cadrul ei fără compromisuri tocmai în planul material. Una dintre principalele valori de renaștere a fost conceptul de „glorie” ca scop spre care o persoană ar trebui să se îndrepte.

Ca rezultat al acestei afirmații a unui principiu material creativ, activ, a început treptat să apară imagine noua al omului, noul său tip - „homofaber” - „om-creator”, „om-creator”, „om-producător”, a cărui esență a rezultat în cele din urmă într-o formulă aforistică încăpătoare: „omul este fierarul propriei fericiri. ".

Omenirea are propria sa biografie: copilărie, adolescență și maturitate. Epoca, care se numește Renaștere, este cel mai probabil să fie asemănată cu perioada de început a maturității cu romantismul său inerent, căutarea individualității, lupta împotriva prejudecăților trecutului. Fără Renaștere, nu ar exista civilizație modernă. Arta Renașterii a luat naștere pe baza umanismului (din lat. -
„uman”) - o tendință de gândire socială care a apărut în secolul al XIV-lea în Italia, iar apoi în a doua jumătate a secolelor XV-XVI. răspândit în alte țări europene. Toate
principalele tipuri de artă - pictură, grafică, sculptură, arhitectură - s-au schimbat enorm.

Principiile revizuite creativ ale sistemului antic de ordine au fost stabilite în arhitectură și s-au format noi tipuri de clădiri publice. Pictura a fost îmbogățită cu o perspectivă liniară și aeriană, cunoașterea anatomiei și proporțiilor corpului uman. Conținutul pământesc a pătruns în temele religioase tradiționale ale operelor de artă. Interes crescut pentru mitologia antică, povestiri. scene cotidiene, peisaj, portret. Odată cu picturile monumentale murale care împodobesc structurile arhitecturale, a apărut un tablou, a apărut pictura în ulei.

Arta nu s-a desprins încă complet de meșteșug, dar individualitatea creativă a artistului, a cărui activitate la acea vreme era extrem de diversă, a ocupat deja primul loc. Talentul universal al maeștrilor Renașterii este uimitor - au lucrat adesea în domeniul arhitecturii, sculpturii, picturii, și-au combinat pasiunea pentru literatură.

poezia şi filosofia cu studiul ştiinţelor exacte
Conceptul de o personalitate bogată din punct de vedere creativ sau „personalitate renascentist” a devenit ulterior un cuvânt de uz casnic.

În arta Renașterii, căile de înțelegere științifică și artistică a lumii și a omului erau strâns împletite. Semnificația sa cognitivă era indisolubil legată de frumusețea poetică sublimă; în efortul său pentru naturalețe, nu a coborât la viața de zi cu zi meschină. Arta a devenit o nevoie spirituală universală.

Formarea culturii Renașterii în Italia a avut loc în orașe independente din punct de vedere economic. În ascensiunea și înflorirea artei renascentiste, Biserica și curțile magnifice ale suveranilor neîncoronați (familii bogate conducătoare) - cei mai mari patroni și clienți ai lucrărilor de pictură, sculptură și arhitectură - au jucat un rol important.
Principalele centre ale culturii renascentiste au fost la inceput orasele Florenta, Siena, Pisa, apoi Padova. Ferrara, Genova. Milano și mai târziu, în a doua jumătate a secolului al XV-lea, a fost o bogată negustor Veneția. Roma a devenit capitala Renașterii italiene în secolul al XVI-lea. De atunci, centrele de artă locale. cu excepția Veneției, și-au pierdut semnificația anterioară.

PROTORENSAnță

În cultura italiană a secolelor XIII-XIV. pe fundalul tradițiilor bizantine și gotice încă puternice, au început să apară trăsături ale unei arte noi - arta viitoare a Renașterii. Prin urmare, această perioadă a istoriei sale a fost numită Proto-Renaștere (adică a pregătit ofensiva Renașterii: din greacă„protos” - „primul”).

Nu a existat o perioadă de tranziție similară în niciuna dintre cele europene
ţări. În Italia însăși, arta proto-Renașterii a existat doar
în Toscana şi Roma.

În cultura italiană, trăsăturile vechiului și noului erau împletite. „Ultimul poet al Evului Mediu” și primul poet al noii ere, Dante Alighieri a creat limba literară italiană. Ceea ce a început Dante a fost continuat de alți mari florentini ai secolului al XIV-lea - Francesco Petrarca (1304-1374), fondatorul liricii europene și Giovanni Boccaccio (1313-1375), fondatorul genului de roman (nuvela) în lume. literatură. Mândria epocii sunt
arhitecții și sculptorii Niccolo și Giovanni Pisano, Arnolfodi Kam-
bio și pictorul Giotto di Bondone.

ARHITECTURĂ

Arhitectura italiană a urmat mult timp tradițiile medievale,
care s-a exprimat mai ales prin folosirea multor motive gotice.
În același timp, goticul italian în sine nu semăna cu cel nordic: gravita spre forme mari calme, chiar ușoare, orizontale.
articulații ale arhitecturii, suprafețe largi de pereți. Biserica Santa Croce, una dintre cele mai mari din Florența, a fost începută de Arnolfo di Cambio la sfârșitul secolului al XIII-lea. (fațada a fost creată în secolul al XIX-lea). Templul se remarcă prin deschideri largi, un singur spațiu interior luminos, în loc de bolți gotice complexe, folosește un tavan din lemn. În 1296 în
Florența a început să construiască Catedrala Santa Maria del Fiore. Arnolfo di Cambio a vrut să încununeze altarul catedralei cu o cupolă imensă. Cu toate acestea, după moartea arhitectului în 1310, construcția a fost amânată, ea fiind finalizată abia în perioada Renașterii timpurii. În 1334, conform proiectului lui Giotto, s-a început construcția clopotniței catedralei, așa-numitul campanil - un turn dreptunghiular zvelt, cu împărțiri orizontale pe podea și ferestre gotice frumoase, formă arcuită de lancet.
care s-au păstrat multă vreme în arhitectura italiană.

Printre cele mai cunoscute palate ale orașului se numără Palazzo della Signoria din Florența. Se crede că a fost construit de Arnolfo di Cambio. Acesta este un cub greu cu un turn înalt, căptușit cu piatră brută. Pe fațadă - ferestre de diferite dimensiuni, o intrare discretă este situată pe lateral. Clădirea definește aspectul centrului vechi al orașului, invadând piața cu un volum dur. Puternicul palat a servit drept simbol al independenței Florenței.

SCULPTURĂ

Mai devreme decât în ​​arhitectură și pictură, în sculptură s-au conturat noi căutări artistice și, mai ales, în școala pisană, al cărei fondator a fost Niccolo Pisano (aproximativ 1220 - între 1278 și 1284). Opera sa dezvoltată sub influența tradiției antice, el a studiat fără îndoială decorarea sculpturală a sarcofagelor romane târzii și creștine timpurii. Amvonul hexagonal de marmură (1260), realizat de el pentru baptisteriul din Pisa, a devenit o realizare remarcabilă a sculpturii renascentiste și a influențat formarea ulterioară a acesteia. Amvonul, din marmură albă, roz-roșu și verde închis, este o întreagă structură arhitecturală, ușor vizibilă din toate părțile.

Niccolo Pisano a folosit aici comploturi și motive tradiționale, dar amvonul îi aparține deja nouă eră. Principala realizare a sculptorului este că el a reușit a da volum formelor si
expresivitate, iar fiecare imagine are putere corporală. Imaginile lui Pisano sunt statice, maiestuoase și impasibile. Maica Domnului seamănă cu zeița romană Juno, o alegorie a Forței sub forma unui atlet gol - erou antic Hercule.

Un loc special în istoria sculpturii italiene de la sfârșitul secolului XIII - începutul secolului XIV. aparține lui Giovanni Pisano (1245 sau 1250 - după 1314). Student și asistent al lui Nicolò Pisano, a devenit mult mai mult maestru celebru decât celebrul său tată. În lucrările lui Giovanni au existat multe lucruri noi și neobișnuite. Aproape de aceeași vârstă cu Giotto, el era exact opusul reținerii înțeleapte a contemporanului său florentin.

Cele mai cunoscute sunt amvonurile create de Giovanni Pisano în Catedrala din Pisa și Biserica Sant'Andrea din Pistoia, precum și statui de sfinți, profeți, madone.

Reliefuri complexe cu mai multe figuri care decorează amvonul din catedrală
Pisa și bisericile Sant'Andrea din Pistoia sunt într-un rafală de trafic. Figurile, care și-au pierdut calmul imaginilor lui Niccolo Pisano, par să se străduiască să iasă din piatră. Gesturile lor sunt naturale, fețele lor sunt expresive. Deosebit de expresive sunt scenele dramatice precum Răstignirea și Masacrul inocenților.

RENAȘIRE TIMPURIE

În secolul XV. arta Italiei a ocupat o poziţie dominantă în viaţa artistică a Europei. Bazele unei culturi umaniste seculare (adică nu ecleziastice) au fost puse la Florența, ceea ce a împins Siena și Pisa în plan secund. Florența din acea vreme a fost numită „floarea Italiei, rivala glorioasă a orașului Roma. din care a izvorât şi a cărui măreţie o imită. Puterea politică de aici aparținea negustorilor și
artizani, câteva dintre cele mai bogate familii au avut o influență deosebită asupra treburilor orașului. Au concurat constant între ei. Această luptă s-a încheiat la sfârșitul secolului al XIV-lea. victoria casei bancare Medici. Capul său, Cosimo de' Medici, a devenit conducătorul nerostit al Florenței. La Curtea lui Cosimo
Medicii (și mai târziu nepotul său Lorenzo, supranumit Magnificul) s-au înghesuit cu scriitori, poeți, oameni de știință, arhitecți și artiști. O adevărată revoluție a avut loc în arhitectură la acea vreme. În Florența s-a desfășurat o construcție extinsă, schimbând fața orașului în fața ochilor noștri.

ARHITECTURĂ

Originar din Florența a fost Philippe Brunelleschi (1377-1446), fondatorul arhitecturii renascentiste a Italiei, unul dintre fondatorii teoriei științifice a perspectivei (a ridicat clădiri pe baza unor calcule matematice precise). Versatil dotat, pe scară largă
educație umanistă, a lucrat inițial ca sculptor și a participat (dar nu a câștigat) la un concurs în 1401 pentru cel mai bun proiect reliefuri din bronz pentru ușile baptisteriului florentin. Clădirea timpurie a lui Brunelleschi este cupola Catedralei Santa Maria del Fiore din Florența; acesta este un exemplu de soluție genială din plastic (spațială) și de inginerie. Brunelleschi a trebuit să blocheze deschiderea uriașă a cupolei (diametrul bazei patruzeci și doi de metri) fără a ridica schele. Arhitectul a inventat un design neobișnuit de complex pentru timpul său: o cupolă ușoară goală avea o carcasă dublă și un cadru de opt nervuri,
care erau înconjurate de inele. Domul grandios, acoperit cu plăci roșu închis, legat cu nervuri albe puternice și încoronat cu un luminator elegant de marmură albă, se înalță solemn asupra orașului ca o imagine maiestuoasă a Florenței. Marele arhitect italian Leon Battista Alberti, dedicându-i lui Brunelleschi tratatul său de pictură, scria că această „mare clădire care se ridică spre ceruri umbrește toate pământurile toscane”. Creația lui Brunelleschi este precursorul a numeroase temple cu cupolă din Italia și din alte țări europene.

Brunelleschi a inițiat crearea unui templu cu cupolă pe
baza ordinii antice. În 1421-1428. a construit capela laterală a Bisericii San Lorenzo din Florența. Principiile arhitecturale folosite de Brunelleschi în această clădire au fost dezvoltate în continuare în celebra sa Capelă Pazzi (1429-1443) - o adevărată perlă a Renașterii timpurii. Situat în adâncime
Curtea îngustă a Bisericii Santa Croce, capela bogatei familii florentine Pazzi primește porticul grațios cu șase coloane, cu o deschidere mare arcuită centrală. Conform datelor arhivei recente, porticul ridicat de Brunelleschi a fost ulterior reconstruit. Cu toate acestea, este greu de presupus că noua structură nu a reflectat figurativul general
ideea unui mare arhitect. Capela Pazzi în sine, inundată de lumină, este mică, în plan dreptunghiular și captivează prin frumusețea proporțiilor, echilibrul părților și puritatea liniilor. Planurile pereților gri sidefat par a fi căptușite cu dungi de baghete arhitecturale din piatră gri închis, dreptunghiuri, cercuri, arce de arcade. Decorul pereților este perceput ca un element de arhitectură, dând impresia de lejeritate și spiritualitate.

La începutul anilor 30. secolul 15 Brunelleschi, împreună cu prietenul său,
sculptorul Donatello. a vizitat Roma. În stadiile incipiente ale
naştere.cunoaşterea societăţii italiene cu cultura antică
s-a datorat studiului supravieţuirii monumente de arhitectura antichități și manuscrise descoperite - au fost adunate, studiate și copiate. În timpul călătoriei, Brunelleschi și Donatello au participat la săpături, măsurate, examinate și clasificate monumente antice. Influența clasicilor romani s-a reflectat în clădirile mari de mai târziu din Brunelleschi - bisericile florentine San Lorenzo (1442-1444) și Santo Spirito (început de el în 1444; finalizat după moartea sa în 1487.

Crearea unui nou tip de palate ale orașului, care a servit drept model
pentru clădirile publice de mai târziu, a devenit una dintre sarcinile principale ale arhitecturii italiene a secolului al XV-lea.

SCULPTURĂ

În secolul XV. Sculptura italiană a înflorit. Ea a dobândit
independent, independent de sensul arhitecturii, au apărut noi genuri în ea. Practica vieții artistice a început să includă comenzi de la negustori și meșteri înstăriți de a decora clădirile publice; concursurile de artă au căpătat caracterul de evenimente publice larg. Evenimentul care
deschide o nouă perioadă în dezvoltarea sculpturii renascentiste italiene, se consideră că concursul desfășurat în 1401 pentru fabricarea
bronzuri ale celei de-a doua uși nordice ale baptisteriului florentin. Printre participanții la concurs s-au numărat tineri maeștri - Philippe Brunelleschi și Lorenzo Ghiberti (circa 1381-1455).

Genialul desenator Ghiberti a câștigat concursul. Unul dintre cei mai educați oameni ai timpului său, primul istoric al artei italiene, Ghiberti, în a cărui operă principalul era echilibrul și armonia tuturor elementelor imaginii, și-a dedicat viața unui tip de sculptură - relieful. Căutarea lui a atins culmea
la fabricarea ușilor de est ale baptisteriului florentin (1425-1452), pe care Michelangelo le-a numit „Porțile Paradisului”. cele zece compoziții pătrate din bronz aurit care le fac să transmită adâncimea spațiului în care figurele, natura și arhitectura se îmbină. Ele amintesc de picturile pitorești expresive. Atelierul lui Ghiberti a devenit o adevărată școală pentru o întreagă generație de artiști. În atelierul său, tânărul Donatello, marele reformator al sculpturii italiene, a lucrat ca asistent.

Donato diNiccolodiBettoBardi, care se numea Donatello
(circa 1586-1466), s-a născut la Florența în familia unui pieptănător
lână. A lucrat la Florența. Siena, Roma, Padova. Cu toate acestea, faima uriașă nu i-a schimbat modul simplu de viață. Se spunea că abnegatul Donatello a atârnat o poșetă cu bani la ușa atelierului său, iar prietenii și studenții săi au luat din poșetă cât au avut nevoie.

Pe de o parte, Donatello tânjea după adevărul vieții în artă. Pe de altă parte, el a dat lucrărilor sale trăsăturile eroismului sublim. Aceste calități sunt deja evidente în lucrări timpurii ah maestru - statui de sfinți, destinate nișelor exterioare ale fațadelor Bisericii Or San Michele din Florența și profeților Vechiului Testament ai campanilului florentin. Statuile erau în nișe, dar au atras imediat atenția prin expresivitatea dură și forța interioară a imaginilor.
Mai ales celebru este „Sfântul Gheorghe” (1416) - un tânăr războinic cu scut
volum în mână. Are o privire concentrată, profundă; el stă ferm pe
pământ cu picioarele larg depărtate. În statuile profeților se află în special Donatello
le-a subliniat trăsături de caracter, uneori nepoliticos, ne-
pictat, chiar urat, dar viu si natural. Profeții lui Donatello Ieremia și Habacuc sunt naturi întregi și bogate din punct de vedere spiritual. Al lor
figurile puternice sunt ascunse de falduri grele de mantie. Viața a brăzdat fața decolorată a lui Avvakum cu riduri adânci;
chel, pentru care a fost supranumit Zuccone (Dovleac) în Florența.

În 1430, Donatello a creat „David” - prima statuie nudă din
Sculptura italiană a Renașterii. Statuia a fost destinată unei fântâni în curtea Palatului Medici. Păstorul biblic, câștigătorul gigantului Goliat, este una dintre imaginile preferate ale Renașterii. Înfățișând corpul său tânăr, Donatello a pornit, fără îndoială, de la mostre antice, dar le-a reelaborat în spiritul timpului său. David gânditor și calm, într-o pălărie de cioban care îl umbrește
chip, călcând cu piciorul capul lui Goliat și parcă nu ar fi conștient de isprava pe care o înfăptuise încă.

O călătorie la Roma cu Brunelleschi a extins foarte mult posibilitățile artistice ale lui Donatello, opera sa s-a îmbogățit cu imagini și tehnici noi, care au afectat influența antichității.
O nouă perioadă a început în munca maestrului. În 1433 a finalizat amvonul de marmură al catedralei florentine. Întregul câmp al amvonului este ocupat de un dans rotund jubilat de dansatori putti - ceva de genul cupidonilor antici
și, în același timp, îngeri medievali sub formă de băieți goi,
uneori înaripat, înfățișat în mișcare. Acesta este un motiv preferat în sculptura Renașterii italiene, care apoi s-a răspândit în
arta XVII-XVIII secole

Timp de aproape zece ani, Donatello a lucrat la Padova, vechiul oraș universitar, unul dintre centrele culturii umaniste, patria.
profund venerat în Biserica Catolică Sfântul Antonie de Padova. Pentru catedrala orașului dedicată Sfântului Antonie, Donatello a fost finalizată în 1446-1450. un uriaș altar sculptat cu multe statui și reliefuri. Locul central de sub baldachin era ocupat de statuia Fecioarei cu Pruncul, pe ambele părți ale căreia se aflau șase statui de sfinți. La sfârşitul secolului al XVI-lea. altarul a fost demolat. Doar o parte din ea a supraviețuit până în zilele noastre, iar acum este greu de imaginat cum arăta inițial.

Patru reliefuri de altar existente înfățișând faptele miraculoase ale Sfântului Antonie ne permit să apreciem tehnicile neobișnuite folosite de maestru. Acesta este un tip de plat, parcă aplatizat
relief. Scenele aglomerate sunt prezentate într-o singură mișcare într-un cadru real. Pe fundal sunt un oraș imens
cladiri si arcade. Prin transferul de perspectivă apare impresia adâncimii spațiului, ca
în tablouri.

În ultimii ani petrecuți la Florența, Donatello a cunoscut o criză spirituală, imaginile sale au devenit din ce în ce mai dramatice. A creat un grup complex și expresiv „Judith și Holofernes” (1456-1457); statuia „Mariei Magdalena” (1454-1455)
sub forma unei bătrâne decrepite, un pustnic slăbit într-o piele de animal; reliefuri pentru biserica San Lorenzo, tragică în dispoziție, deja finalizate de studenții săi ai atelierului, iar prietenii și studenții săi au luat din poșetă cât au avut nevoie.

Pe de o parte, Donatello tânjea după adevărul vieții în artă. Pe de altă parte, el a dat lucrărilor sale trăsăturile unui eroism sublim.

Pictura

Un loc special în pictura Renașterii timpurii îi aparține lui Sandro Botgicelli, un contemporan al lui Leonardo da Vinci și al tânărului Michelangelo.

Alessandro Filipepi, supranumit Botticelli (1445-1510), s-a născut la Florența. A studiat pictura cu Filippo Lippi, a urmat
atelierul celebrului sculptor și pictor Verrocchio, unde a reunit
Xia cu Leonardo, care a fost și elev al lui Verrocchio.

Numele său a devenit cunoscut datorită picturii „Adorația Magilor”

(1476), care a atras atenția familiei Medici. În imaginea
au fost înfățișați trei generații ale acestor conducători neîncoronați ai Florenței. Botticelli a început să lucreze la curtea Medici.

Arta rafinată a lui Botticelli cu elemente de stilizare, adică generalizarea imaginilor folosind tehnici convenționale - simplificarea formei, culorii și volumului, s-a bucurat de un mare succes în rândul florentinilor cu o educație ridicată. În arta lui Botticelli, spre deosebire de majoritatea maeștrilor Renașterii timpurii, experiența personală a maestrului a prevalat. Excepțional de sensibil și sincer, artistul a parcurs un drum dificil și tragic de căutare creativă - de la o percepție poetică a lumii în tinerețe până la un pesimism dureros la maturitate.

A lui tablouri celebre perioada de maturitate „Primăvara” (aproximativ 1477-
1478) și Nașterea lui Venus (1483-1484) sunt inspirate din poeziile remarcabilului umanist Angelo Poliziano, poet de curte al familiei Medici. Tabloul alegoric „Primăvara”, scris pentru a decora vila Medici, este unul dintre cele mai multe lucrări complexe Botticelli.

Pe fundalul verdeață întunecată a unei grădini fantastice, figuri flexibile și zvelte apar ca siluete grațioase. Lunca înflorită de sub picioarele lor seamănă cu un covor strălucitor. În profunzimea compoziției, Venus într-o rochie inteligentă stă într-o gândire melancolică. Este înconjurată de o suită obligatorie: un cupidon cu arc plutește deasupra capului, trei tinere grații conduc un dans rotund, o nimfă fuge dintr-un crâng urmărită de un faun. În prim plan este Primăvara, sau zeița Flora, în
o coroană și o rochie țesute cu flori mărșăluiesc repede și atât de ușor,
care abia atinge pământul cu picioarele goale. În colțul din stânga este figura unui tânăr, care este de obicei numit Mercur. Ritmul liniilor curgătoare
unește compoziția într-un singur întreg, creează o armonie sofisticată de culoare. Artistul a aplicat o tehnică arhaică pentru timpul său - cea mai fină nuanță cu auriu a unor detalii, printre care - flori, fructe, raze, coroane, modele de țesături. Figurile individuale și grupurile sunt încântătoare, în special cele trei haruri de dans. Cucerește farmecul contururilor figurilor lor, hainelor, parcă țesute din aer, mișcări ale mâinii, atingeri ale degetelor.
Pătrunsă de ritmul muzical al dansului, de tremurul replicilor, imaginea celor trei haruri gloriifică primăvara care vine, o sărbătoare a naturii și a sentimentelor umane. Dar în tabloul lui Botticelli se simte o nuanță de tristețe, o detașare rece, caracteristică artei sale. Personajele sunt absorbite de sine, singure în interior.

Mai direct percepută este pictura „Nașterea lui Venus”, care nu este atât de puternic asociată cu tonuri alegorice. Aceasta este una dintre cele mai captivante creații ale picturii mondiale. Tabloul o înfățișează pe Venus, zeița iubirii și a frumuseții, plutind pe o cochilie mare. „Barca” este condusă la țărm de zeul și zeița vântului, zburând, împletite în brațele lor. Pe mal, o nimfă o așteaptă pe Venus, care se grăbește să-i arunce pe umeri un văl purpuriu ușor țesut cu flori. Maestrul aurește părul suflat de vânt al lui Venus, iar acest lucru îi conferă aspectului feminin ceva nepământesc. Aspectul unei zeități departe de realitate se reflectă și în gama de culori reci, transparente, deschise.

În pictura Renașterii timpurii, printre multele chipuri - frumoase și aproape urâte, dar întotdeauna semnificative - imaginile de femei, fete, băieți și copii, aparținând pensulei lui Botticelli, sunt imediat recunoscute. Ele se disting nu prin corectitudinea clasică a trăsăturilor, nu prin frumusețe, ci prin farmecul purității fără păcat, al lipsei de apărare, al tristeții nerostite. Imaginea lui Venus este cea mai înaltă întruchipare a acestui ideal. Patru secole mai târziu, oamenii se uită la trăsăturile ei clare și găsesc ceva interesant în ele.
si atractiv. La începutul anilor 90. Secolul al XV-lea în opera lui Botticelli a existat un punct de cotitură decisiv. A fost puternic influențat de predicile pasionate ale călugărului dominican Savonarola, care a denunțat papalitatea, aristocrația, cultura bogată și umanistă.

REVIERE ÎNALTĂ

Înalta Renaștere, care a dat omenirii atât de mari maeștri precum Leonardo da Vinci, Rafael, Michelangelo, Giorgione, Titian, Bramante, acoperă o perioadă relativ scurtă - de la sfârșitul secolului al XV-lea. până la sfârşitul celui de-al doilea deceniu al secolului al XVI-lea. Numai la Veneția înflorirea artei a continuat până la mijlocul sec.

Schimbările fundamentale asociate cu evenimente decisive din istoria lumii, succesele gândirii științifice avansate, au extins la infinit ideile oamenilor despre lume - nu numai despre pământ, ci și despre Cosmos. Percepția asupra lumii și asupra personalității umane păreau a fi lărgite; V creativitatea artistică acest lucru s-a reflectat nu numai în amploarea maiestuoasă a structurilor arhitecturale, a monumentelor, a ciclurilor solemne de frescă și a picturilor, ci și în conținutul lor, expresivitatea imaginilor. Limbajul pictural, care, după definiția unor cercetători, la începutul Renașterii putea părea prea „vorbăreț”, a devenit generalizat și restrâns. Arta Înaltei Renașteri este un proces artistic plin de viață și complex, cu creșteri uluitor de strălucitoare și crize ulterioare.

LEONARDO DA VINCI

În istoria omenirii nu este ușor să găsești un altul la fel de strălucit
personalitate ca fondator al artei înaltei Renașteri Leonardo
da Vinci (1452-1519). Natura cuprinzătoare a activităților acestui mare artist și om de știință a devenit clară numai atunci când manuscrisele împrăștiate din moștenirea sa au fost examinate. Literatura colosală este dedicată lui Leonardo. în modul cel mai detaliatși-a studiat viața. Cu toate acestea, multe din lucrările sale rămân misterioase și continuă să emoționeze mințile oamenilor.

Printre lucrările sale timpurii se numără pictura „Madona cu floare” (1472). Spre deosebire de maeștrii secolului al XV-lea. Leonardo a refuzat narațiunea, utilizarea detaliilor care distrag atenția privitorului, saturate de imagini de fundal. Imaginea este percepută ca o scenă simplă, lipsită de artă, a maternității fericite a tinerei Maria. Două figuri mari umplu întregul spațiu al imaginii, doar în afara ferestrei din peretele întunecat se vede un cer albastru și rece. Este surprins un moment specific: mama, ea însăși încă o fată afectuoasă și plină de viață, îi întinde o floare copilului ei, zâmbind și urmărește cum un copil serios examinează cu atenție un obiect necunoscut. Floarea leagă ambele figuri.

Donatello Și Monumentul lui Verrocchio a fost supranumit Marele Colos.

Picturile lui Leonardo din perioada Milano au supraviețuit până în vremea noastră. Primul retablo al Înaltei Renașteri a fost Madonna in the Grotto (1483-1494). Pictorul s-a îndepărtat de tradițiile secolului al XV-lea, în ale căror picturi religioase a prevalat rigiditatea solemnă.În retabloul lui Leonardo sunt puține figuri: Maria feminină, Pruncul Hristos care binecuvântează pe micuțul Ioan Botezătorul și un înger îngenuncheat, ca și cum privea afară din fotografia. Imaginile sunt perfect frumoase, conectate în mod natural cu mediul lor. Acesta este un fel de grotă printre stâncile de bazalt întunecate, cu un decalaj în adâncuri - un peisaj tipic lui Leonardo: în general, fantastic de misterios, dar în special - în imaginea fiecărei plante, a fiecărei floare printre iarba densă - realizat cu o precizie. cunoaşterea formelor naturale. Figurile și fețele sunt învăluite într-o ceață aerisită, dându-le o moliciune deosebită. Italienii au numit această tehnică Leonardo sfumato.

La Milano, se pare, maestrul a creat pânza „Madonna and Child” („Madonna Litta”). Aici, spre deosebire de Madona cu floare, el
s-a străduit pentru o mai mare generalizare și idealitate a imaginii. Înfățișează nu un anumit moment, ci o anumită stare de lungă durată de bucurie calmă, în care tânăra este cufundată. o femeie frumoasa copilul care alapteaza. Expresivă este claritatea compoziției echilibrate cu două ferestre situate simetric, între care este înscrisă o silueta plină de viață și flexibilă a unei jumătăți de figură feminină. O lumină rece, clară, îi luminează chipul subțire, ușor sculptat și un zâmbet ușor, abia perceptibil. Tabloul este pictat în tempera, dând sonoritate tonurilor mantiei albastre și rochiei roșii a Mariei. Părul pufos și creț auriu închis al Bebelușului este uimitor de scris, privirea lui atentă îndreptată spre privitor nu este copilăresc de serioasă.

O stare de spirit diferită, dramatică distinge pictura monumentală a lui Leonardo " Ultima cina„, realizată de el în 1495-1497. comandat de Lodovico Moro pentru biserica trapezoială Santa Mariadella Grazie din Milano. Soarta acestei opere celebre a lui Leonardo este tragică. Mai multîn timpul vieții maestrului, vopseaua a început să se prăbușească. În HUL a fost spartă o ușă în peretele trapezei, care a distrus o parte din compoziție, iar în secolul al XVIII-lea. Clădirea a fost transformată într-un depozit de fân. Restaurările inepte au cauzat un mare rău frescei. ÎN
În 1908 s-au efectuat lucrări de curățare și întărire a picturii murale.
În timpul celui de-al Doilea Război Mondial, tavanul și peretele sudic al trapezei au fost distruse de o bombă. Restaurarea întreprinsă în 1945 a salvat pictura de la distrugerea ulterioară, rămășițele picturii lui Leonardo au fost identificate și securizate. Cu toate acestea, doar ideea cea mai generală se poate forma acum despre marea creație a maestrului.

Este imposibil de imaginat că Leonardo da Vinci ar putea trăi și crea într-o altă epocă. Și totuși personalitatea lui și-a depășit timpul, s-a ridicat deasupra lui. Opera lui Leonardo înainte de Vinci este inepuizabilă. Amploarea și unicitatea talentului său pot fi judecate după desenele maestrului, care ocupă unul dintre locurile de onoare în istoria artei mondiale. Cu desenele lui Leonardo da Vinci, schițele, schițele, diagramele, nu numai manuscrisele dedicate științelor exacte, ci și lucrările despre teoria artei sunt indisolubil legate.

Arta lui Leonardo da Vinci, cercetările sale științifice și teoretice, unicitatea personalității sale au trecut prin întreaga istorie a culturii mondiale și au avut un impact uriaș asupra acesteia.

Ideea de frumusețe și armonie sublimă este asociată cu opera lui Rafael (1483-1520) în istoria artei mondiale.
Este general acceptat că în constelație maeștri ai geniuluiÎnalta Renaștere, în care Leonardo personifica intelectul, iar Michelangelo - puterea, Rafael a fost principalul purtător al armoniei. Desigur, într-o măsură sau alta, fiecare dintre ei poseda toate aceste calități. Totuși, nu există nicio îndoială că străduința necruțătoare pentru un început luminos și perfect pătrunde în toată opera lui Rafael și constituie sensul ei interior.

Rafael a studiat inițial la Urbino cu tatăl său, apoi cu localnic
celebrul pictor Timoteo Vite. În 1500, s-a mutat la Perugia, capitala Umbriei, pentru a-și continua educația în atelierul celebrului
al-lea pictor, conducătorul școlii din Umbria Pietro Perugino. Tânărul maestru și-a depășit rapid profesorul.

Imaginea preferată a lui Rafael este Madona cu Pruncul. În istoria artei, „Madona Sixtina” este o imagine de o frumusețe desăvârșită. Acest
un tablou mare de altar o înfățișează nu doar pe Mama Divină
cu Pruncul Divin și miracolul apariției Reginei Cerești,
supă poporului Fiului Său ca jertfă ispășitoare. Încadrat de verde
Pe norii strălucitori stă Maria cu Pruncul în brațe. Privirea ochilor ei întunecați, fără strălucire, este îndreptată spre trecut și, parcă, prin privitor. Acest aspect este disponibil. ceea ce este ascuns altora. În chipul lui Hristos, un copil mare și frumos, se ghicește ceva care nu este copilăresc tensionat și vizionar. Aici artistul a realizat un echilibru dinamic rar: simplitatea aparentă clară, trăsăturile idealității abstracte, divinitatea unui miracol și greutatea reală a formelor se împletesc, se completează și se îmbogățesc reciproc.
prieten. În stânga Madonei, Papa Sixtus al IV-lea în rugăciune tandrețe
contempla un miracol. Sfânta Barbara, coborându-și cu evlavie privirea, care, ca și Maria, este a cerului, se înalță ușor în nori. Doi îngeri, sprijiniți de parapet, ridică privirea și readuc atenția privitorului asupra imaginii centrale.

Michelangelo

Michelangelo Bounarroti (1475-1564) - cel mai mare maestru al Înaltei Renașteri, care a creat lucrări remarcabile de sculptură, pictură, arhitectură. Michelangelo a executat o statuie colosală de marmură a lui David. Statuia atinge cinci metri și jumătate înălțime. Ea personifică puterea nelimitată a omului. David tocmai se pregătește să lovească inamicul cu o piatră trasă dintr-o praștie, dar deja se simte că acest lucru viitor un cuceritor, plin de conștiință a puterii sale fizice și spirituale. Chipul eroului exprimă o voință de neclintit.

Realizată din ordinul Republicii Florentine, statuia a fost instalată la intrarea în Talazzo Vskchio. Deschiderea monumentului în 1504 s-a transformat într-o sărbătoare națională. „David” a decorat piața timp de mai bine de trei secole și jumătate. În 1873, monumentul a fost instalat în Galeria Academiei de Arte Frumoase din Florența. În vechiul loc unde însuși Michelangelo a așezat statuia, există acum o copie de marmură.

SEMNIFICAȚIA CULTURII
EPOCA RENAŞTERII

Astfel, în efortul de a învăța cultura Renașterii, secretele artei sale, este necesar să se analizeze tradițiile nu numai ale Italiei, ci și ale altor țări occidentale, doar pentru o astfel de asociație, legată de aceleași idei și vederi, va oferi o imagine completă a Renașterii.

Semnificația revoluționară a Renașterii este importantă pentru toate timpurile ulterioare, deoarece în această perioadă au fost puse principalele opinii umaniste, a căror dezvoltare este relevantă pentru întreaga omenire de astăzi.

În perioadele de apogeu ale dezvoltării culturii, un exemplu al căruia este Renașterea, de regulă, se dezvăluie contradicții profunde, depășind care apar noi tradiții și tehnici. Și alături de cele mai revoluționare pretenții în domeniul gândirii și voinței, care au dus la cele mai îndrăznețe postulate în domeniul moralității, științei și artei, alături de îndrăzneala nemărginită de a distruge vechiul și a crea noul, dând uneori impresia. a ceva foarte modern, supraviețuirea unor vederi vechi.

Și cele mai creative și productive gânduri sunt testate tocmai în îmbunătățirea și dezvoltarea ideilor vechi.

Renașterea a inaugurat o eră a unui om complet nou în istoria civilizației europene. Acest lucru s-a reflectat în primul rând în viziunea asupra lumii, credințe, în toate domeniile activității individului, precum și în sfera sentimentelor și emoțiilor sale. În această epocă, voința și acțiunea au mers împreună, vechi și nou, unindu-se, au dat naștere la idei, imagini și lucrări strălucitoare; perfecțiunea creativității unui individ era la fel de semnificativă ca și activitățile școlilor și perioadelor. Gânditori umaniști, oameni de artă și-au propus sarcini eroice și le-au rezolvat cu succes. Cei care au văzut rezolvarea tuturor problemelor în îmbunătățirea ideilor de ordine socială, au mers la moarte și la privare de dragul binelui comun al omenirii și au creat condițiile prealabile pentru activitatea grandioasă a generațiilor următoare.

În domeniul filozofiei și al științelor (atât umanitare, cât și matematice) s-a înregistrat un salt semnificativ în dezvoltare, caracterizat prin idei umaniste, o nouă privire asupra omului și capacităților sale.

În domeniul artei, sarcinile unei persoane au fost lăsate moștenire viitorului într-o formă degradată, deoarece tehnicile și principiile de bază sunt clare pentru noi, dar modul în care se realizează impresia de ansamblu a unei opere este un mister, mai ales în domeniul artistic. reprezentarea unei persoane, a frumuseții și a sublimității sale.

Această eră a dat omenirii un număr imens de personalități cuprinzătoare, titanice, misterioase - Petrarh, Shakespeare, Giotto, Rafael, Tițian, Michelangelo, sunt necesare secole pentru a le înțelege creativitatea și personalitatea umană.

Antropocentrismul Renașterii se manifestă în noua colorare semantică microcosmicitatea - pe care o persoană o transformă în macrocosmos într-una dintre cele mai multe în viaţăȘi forte active. Prin urmare, nu uitați că Renașterea nu este doar epoca lui Leonardo și Michelangelo, ci și epoca Paracelsus(1493-1541) și Nostradamus (1503-1566).

Concluzie

Rezultatul principal și principal cucerire Renaștere - afirmarea unei personalități umane active, potenţialul său optimist şi creativitate, care a dus la multe realizări mari ale omenirii, facilități, confort și îmbunătățirea calității vieții - până la sfârșitul secolului al XV-lea. nu se potrivește bine cu fondurile de ten tradiționale cultura medievalăși viața, amenință să se transforme într-un conflict ascuțit cu ea și într-o ruptură completă cu întregul medieval.

Toate acestea au exacerbat și mai mult contradicțiile Renașterii, transformându-le într-un conflict acut atât în ​​interiorul personalității Renașterii în sine, cât și între straturile culturale ale epocii, dar, în același timp, Renașterea a fost imboldul pentru crearea unei noi culturi - cultura New Age.