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उच्च व्यावसायिक शिक्षा के संघीय राज्य बजटीय शैक्षिक संस्थान

ओम्स्क राज्य तकनीकी विश्वविद्यालय

डीटीएम विभाग

निबंध

के विषय में:

माइकल एंजेलो बुओनरोती की पेंटिंग के उदाहरण पर कला के एक काम का विश्लेषण " अंतिम निर्णय»

पूर्ण: छात्र जीआर। ZSR-151 ए.ए. करेवा

जाँचकर्ता: प्रोफ़ेसर गुमेनयुक ए.एन.

परिचय

1. लास्ट जजमेंट का प्लॉट

2. पेंटिंग और आइकन के बीच अंतर के बारे में सामान्य जानकारी

3. माइकल एंजेलो बुओनारोटी (1475-1564) "द लास्ट जजमेंट" (1535-1541) द्वारा सिस्टिन चैपल के वेदी फ्रेस्को की रचना

निष्कर्ष

प्रयुक्त साहित्य की सूची

परिचय

द लास्ट जजमेंट वेटिकन में सिस्टिन चैपल की वेदी की दीवार पर माइकल एंजेलो का एक फ्रेस्को है। कलाकार ने चार साल तक - 1537 से 1541 तक फ्रेस्को पर काम किया। माइकल एंजेलो अपनी छत की पेंटिंग पूरी करने के तीन दशक बाद सिस्टिन चैपल में लौट आए। सिस्टिन चैपल की वेदी के पीछे पूरी दीवार पर एक बड़े पैमाने पर फ्रेस्को है। इसका विषय मसीह और सर्वनाश का दूसरा आगमन था।

द लास्ट जजमेंट को एक ऐसा काम माना जाता है जिसने कला में पुनर्जागरण को समाप्त कर दिया, जिसके लिए माइकल एंजेलो ने खुद सिस्टिन चैपल की छत और तिजोरी के चित्रों में श्रद्धांजलि अर्पित की, और मानवशास्त्रीय मानवतावाद के दर्शन में निराशा की एक नई अवधि खोली।

1. अंतिम निर्णय की साजिश

मसीह का दूसरा आगमन, जब, ईसाई सिद्धांत के अनुसार, मृतकों का एक सामान्य पुनरुत्थान होगा, जो जीवितों के साथ मिलकर अंत में न्याय करेंगे, और यह उनके लिए नियुक्त किया जाएगा कि क्या स्वर्ग में ले जाया जाना है या फेंक दिया जाना है नरक में। पवित्र शास्त्र कई बार इसकी बात करता है, लेकिन मुख्य अधिकार शिष्यों के लिए मसीह का भाषण है, जो मैथ्यू द्वारा बताया गया है: और जैसे चरवाहा भेड़ों को बकरियों से अलग कर देता है, वैसे ही वे एक दूसरे को अलग करें; और भेड़ों को उसके दाहिने हाथ, और बकरियों को उसके बाएं हाथ रख दे।” उनकी दया के कामों के अनुसार उनका न्याय किया जाना चाहिए, जो उन्होंने अपने सांसारिक जीवन में किए थे। पापियों को "अनन्त पीड़ा" में जाना होगा।

मसीह (या पृथ्वी पर मसीह के राज्य) के दूसरे आगमन की उम्मीद वर्ष 1000 में की गई थी, और जब ये अपेक्षाएँ पूरी नहीं हुईं, तो चर्च ने "चार अंतिम कर्मों" के सिद्धांत को महत्व देना शुरू कर दिया - मृत्यु , निर्णय, स्वर्ग, नरक।

उस समय से, फ्रांसीसी गिरिजाघरों के मूर्तिकला पश्चिमी पेडिमेंट्स पर अंतिम निर्णय की छवियां (मुख्य रूप से 12 वीं -13 वीं शताब्दी में) दिखाई देने लगीं।

यह कई भागों वाली एक बड़ी कहानी है। क्राइस्ट द जज केंद्रीय व्यक्ति है। उसके दोनों ओर प्रेरित हैं जो अंतिम भोज में उसके साथ थे: "और तुम इस्राएल के 12 गोत्रों का न्याय करने के लिए सिंहासन पर बैठोगे।"

नीचे कब्रों से या पृथ्वी या समुद्र से उठने वाले मृतक हैं: "और जो पृथ्वी की धूल में सोए हुए हैं उनमें से बहुत से लोग जाग उठेंगे, कुछ अनन्त जीवन के लिए, दूसरे अनन्त तिरस्कार और लज्जा के लिए।" “तब समुद्र ने उन मरे हुओं को जो उन में थे दे दिया; और हर एक का उसके कामों के अनुसार न्याय किया गया।” महादूत माइकल वह तराजू रखता है जिस पर वह आत्माओं को तौलता है। धर्मी - द्वारा दांया हाथमसीह, स्वर्गदूतों द्वारा स्वर्ग में पहुँचाया गया, बायां हाथपापियों को नीचे से नरक में ले जाया जाता है, जहाँ उन्हें भयानक पीड़ा में चित्रित किया जाता है। (हॉल डी। कला में भूखंडों और प्रतीकों का शब्दकोश। एम, 1996)

2. आम हैंएक पेंटिंग और एक आइकन के बीच अंतर के बारे में जानकारी

चित्र मुख्य रूप से प्रभावित करता है भावनात्मक क्षेत्र. चिह्न - मन और अंतर्ज्ञान पर। तस्वीर मूड, आइकन - व्यक्ति की स्थिति को दर्शाती है। चित्र में सीमाएँ हैं, कथानक की रूपरेखा; आइकन - असीमित में शामिल है। कुछ का मानना ​​​​है कि प्राचीन आइकन चित्रकार प्रत्यक्ष परिप्रेक्ष्य और समरूपता के नियमों को नहीं जानते थे। मानव शरीर, अर्थात। शारीरिक एटलस से अपरिचित थे। हालाँकि, उस युग के कलाकारों ने मानव शरीर के सटीक अनुपात का अवलोकन किया जब उन्होंने सामान्य रूप से मूर्तियाँ या मूर्तियाँ बनाईं (पूर्वी चर्च में त्रि-आयामी छवि का उपयोग नहीं किया गया था, लेकिन केवल धर्मनिरपेक्ष कला में हुआ था)। अंतरिक्ष पर शासन करने के लिए किसी व्यक्ति की संभावनाओं के लिए प्रत्यक्ष परिप्रेक्ष्य की अनुपस्थिति अन्य स्थानिक आयामों की गवाही देती है। अंतरिक्ष एक बाधा बनना बंद कर देता है। दूर की वस्तु भ्रमात्मक रूप से कम नहीं हो जाती। आइकनों में मूल्य स्थानिक नहीं हैं, लेकिन प्रकृति में स्वयंसिद्ध हैं, गरिमा की डिग्री व्यक्त करते हैं। उदाहरण के लिए, राक्षसों को स्वर्गदूतों से छोटा दिखाया गया है; शिष्यों के बीच मसीह उनसे ऊपर उठता है, आदि।

तस्वीर को विश्लेषणात्मक रूप से देखा जा सकता है। आप चित्र के अलग-अलग अंशों के बारे में बात कर सकते हैं, इंगित करें कि आपको क्या पसंद है और आपको इसके बारे में क्या पसंद नहीं है। और आइकन को कोशिकाओं में, टुकड़ों में, विवरणों में विभाजित नहीं किया जा सकता है, इसे एक आंतरिक धार्मिक भावना द्वारा कृत्रिम रूप से माना जाता है। आइकन सुंदर है जब यह किसी व्यक्ति को प्रार्थना करने के लिए बुलाता है, जब आत्मा ऊर्जा के एक गतिशील क्षेत्र को महसूस करती है और साम्राज्य से आइकन के माध्यम से विकीर्ण होती है अनन्त प्रकाश. आइकन में, आंकड़े गतिहीन हैं, वे जमे हुए लगते हैं। लेकिन यह मौत की ठंड नहीं है; यह आंतरिक जीवन, आंतरिक गतिशीलता पर जोर देती है। संत एक तीव्र आध्यात्मिक उड़ान पर हैं, दिव्यता की ओर शाश्वत गति में हैं, जहां दिखावटी मुद्राओं, उधम मचाने और बाहरी अभिव्यक्ति के लिए कोई जगह नहीं है।

एक गहरी भावना या विचार में डूबा हुआ व्यक्ति भी आंतरिक में बदल जाता है, और बाहरी से यह वियोग उसकी आत्मा की तीव्रता और तीव्रता की गवाही देता है। इसके विपरीत, बाहरी गतिकी - अस्थायी अवस्थाओं के रूप में भावनाओं की मुहर - बताती है कि वे जिसे आइकन पर चित्रित करना चाहते थे वह अनंत काल में नहीं है, बल्कि समय में, कामुक और क्षणिक की शक्ति में है।

माइकल एंजेलो द्वारा बनाई गई सिस्टिन चैपल में लास्ट जजमेंट की पेंटिंग पश्चिमी कला के शिखर में से एक है। आंकड़े मानव शरीर के अनुपात और सद्भाव के नियमों के अद्भुत ज्ञान के साथ निष्पादित किए जाते हैं। वे शरीर रचना विज्ञान का अध्ययन कर सकते हैं। प्रत्येक व्यक्ति का अपना अनूठा व्यक्तित्व और मनोवैज्ञानिक विशेषताएं होती हैं। वहीं इस तस्वीर का धार्मिक महत्व जीरो है। इसके अलावा, यह बुतपरस्ती का पुनरुत्थान है जो कैथोलिक दुनिया के दिल में पैदा हुआ है। पेंटिंग "द लास्ट जजमेंट" का विषय बुतपरस्त और यहूदी परंपराओं का प्रतीक है। कैरन मृतकों की आत्माओं को वैतरणी नदी के पानी के पार ले जाता है। से लिया गया चित्र प्राचीन पौराणिक कथा. मृतकों का पुनरुत्थान यहोशापात की घाटी में होता है, जैसा कि तलमुदिक परंपरा बताती है।

पेंटिंग एक जोरदार प्राकृतिक शैली में बनाई गई है। माइकल एंजेलो ने शरीरों को नग्न करके चित्रित किया। जब पोप पॉल III ने सिस्टिन चैपल की पेंटिंग की जांच करते हुए, पोप अदालत के समारोहों के मास्टर, बियागियो दा सेसेना से पूछा कि उन्हें पेंटिंग कैसी लगी, तो उन्होंने जवाब दिया: "परम पावन, ये आंकड़े किसी मधुशाला में कहीं उपयुक्त होंगे, और आपके चैपल में नहीं।" ("ऑर्थोडॉक्स आइकन की भाषा पर।" आर्किमांड्राइट राफेल (कारेलिन), 1997)

रूढ़िवादी कला से इसके मूलभूत अंतर पर जोर देने के लिए हमने पश्चिमी यूरोपीय चित्रकला को छुआ। यह इस बात का स्पष्ट उदाहरण है कि प्रपत्र सामग्री से कैसे मेल नहीं खाता, चाहे वह अपने आप में कितना भी शानदार क्यों न हो। पुनर्जागरण की तथाकथित धार्मिक पेंटिंग में एक पद्धतिगत त्रुटि है। चित्रकार नकल कला के माध्यम से प्रयास करते हैं, अर्थात। एक तस्वीर जो भावनाओं और जुनून से संतृप्त है, स्वर्गीय को सांसारिक विमान में स्थानांतरित करने के लिए, लेकिन विपरीत प्राप्त करने के लिए - वे अपरिवर्तित भौतिकता को स्वर्ग के क्षेत्र में स्थानांतरित करते हैं; सांसारिक और कामुक के साथ, वे आध्यात्मिक और शाश्वत को विस्थापित करते हैं (या बल्कि, वहाँ स्वर्ग के लिए कोई जगह नहीं है, पृथ्वी ने कब्जा कर लिया है और सब कुछ निगल लिया है), उनका दिल; थोड़ा झुका हुआ आंकड़ा, ईश्वर की इच्छा का पालन करना, आदि।

कैथोलिक तस्वीर एक आयामी है, रूढ़िवादी आइकन बहुआयामी है। एक आइकन में, विमान एक दूसरे के साथ प्रतिच्छेद करते हैं, वे एक दूसरे में विलय या घुलने के बिना सह-अस्तित्व में रहते हैं या इंटरपेनेट्रेट करते हैं। चित्र में समय दर्ज किया जाता है, जैसे कि कलाकार की इच्छा से रुके हुए क्षण, जैसे कि एक फोटोग्राफिक फ्लैश द्वारा। एक आइकन में, समय सशर्त है, इसलिए कालानुक्रमिक बेमेल घटनाओं को आइकन के क्षेत्र में दर्शाया जा सकता है। आइकन आंतरिक योजना और घटनाओं की ड्राइंग के समान है। प्रतीक छवि की एक साथ विशेषता है: सभी घटनाएं एक ही बार में होती हैं। माइकल एंजेलो सिस्टिन फ्रेस्को आइकन

चित्र कल्पना के तत्वों के साथ वास्तविकता की नकल है, जो सांसारिक वास्तविकताओं से अपने मूड के लिए सामग्री भी लेता है। आइकन आध्यात्मिक चिंतन का अवतार है, जो एक रहस्यमय अनुभव में दिया जाता है, भगवान के साथ संवाद की स्थिति में, लेकिन चिंतन को रेखाओं और रंगों की प्रतीकात्मक भाषा के माध्यम से प्रसारित और वस्तुबद्ध किया जाता है। एक आइकन एक ब्रश और पेंट के साथ चित्रित एक धर्मशास्त्रीय पुस्तक है। आइकन में, दो क्षेत्रों की छवि - स्वर्गीय और सांसारिक - समानता के सिद्धांत के अनुसार नहीं, बल्कि समरूपता के सिद्धांत के अनुसार दी गई है। धार्मिक विषयों पर एक पेंटिंग में, जिसे गलत तरीके से एक आइकन कहा जाता है, या तो स्वर्गीय और सांसारिक चीजों के बीच कोई अंतर नहीं है, परिसीमन, या वे इतिहास की "समानांतर रेखाओं" से जुड़े हुए हैं, समय और स्थान में एक ही प्राणी के रूप में।

तस्वीर में, प्रत्यक्ष, रैखिक परिप्रेक्ष्य का सिद्धांत, सामग्री और आध्यात्मिक दोनों संस्थाओं की छवि में मात्रा, त्रि-आयामीता का भ्रम देता है। आध्यात्मिक तस्वीर में खुद को प्रकट नहीं करता है, लेकिन इसमें भौतिक, विशाल रूपों और निकायों द्वारा प्रतिस्थापित किया जाता है, और इन विदेशी रूपों में गायब हो जाता है। तस्वीर में आध्यात्मिक होना बंद हो जाता है, लेकिन "प्राकृतिक" हो जाता है, यहाँ तीर्थ का अपवित्रीकरण होता है। धार्मिक विषयों पर चित्र चित्रों को नकारते हुए आइकोनोक्लास्ट्स द्वारा इसे सही ढंग से इंगित किया गया था, लेकिन गलत तरीके से ललित कला की सभी संभावनाओं का सामान्यीकरण - इस मामले में, आइकनोग्राफी - जो खुलता है आध्यात्मिक दुनिया, अनंत विस्तार के रूप में अनंत के साथ इसकी पहचान किए बिना, भौतिक दुनिया की वास्तविकताओं के साथ, जो मृत्यु और क्षय की शक्ति के अधीन है।

मूर्तिभंजकों ने कल्पना या रूपक के साथ एक नकली चित्र के साथ आइकन की पहचान की, लेकिन आइकन, एक पवित्र प्रतीक के रूप में, उनके द्वारा अनदेखा या गलत समझा गया। आइकन में, न केवल समय और अनंत काल के दो क्षेत्रों का विरोध, बल्कि इसकी लय में - समय की चर्चिंग, अनंत काल के लिए इसका आकर्षण। ("ऑर्थोडॉक्स आइकन की भाषा पर।" आर्किमांड्राइट राफेल (कारेलिन), 1997)

3. सिस्टिन चैपल के वेदी फ्रेस्को की रचनामाइकल एंजेलो बुओनारोटी(1475-1564) "अंतिम निर्णय" (1535-1541)

रचना के निर्माण में लेखक का असामान्य निर्णय सबसे महत्वपूर्ण है पारंपरिक तत्वआइकनोग्राफी। अंतरिक्ष को दो मुख्य विमानों में विभाजित किया गया है: स्वर्गीय - मसीह के साथ न्यायाधीश, भगवान और संतों की माँ, और सांसारिक - मृतकों के पुनरुत्थान के दृश्यों के साथ और उन्हें धर्मी और पापियों में विभाजित करना।

ट्रम्पेटिंग एन्जिल्स अंतिम निर्णय की शुरुआत की घोषणा करते हैं। एक किताब खोली जाती है जिसमें इंसान के सारे कर्म लिखे होते हैं। मसीह स्वयं एक दयालु उद्धारक नहीं है, बल्कि एक दंड देने वाला स्वामी है। न्यायधीश का इशारा गति में धीमी लेकिन कठोर परिपत्र गति को सेट करता है जो धर्मी और पापियों के रैंकों को अपनी धारा में खींचता है। मसीह के बगल में बैठी भगवान की माँ जो हो रहा था उससे दूर हो गई।

वह मध्यस्थ के रूप में अपनी पारंपरिक भूमिका को त्याग देती है और अंतिम फैसले पर कांपती है। संतों के आसपास: प्रेरित, नबी। शहीदों के हाथों में यातना के औजार हैं, उस पीड़ा के प्रतीक हैं जो उन्होंने अपने विश्वास के लिए सहा।

मृतक, आशा और भय के साथ अपनी आँखें खोलते हुए, अपनी कब्रों से उठते हैं और परमेश्वर के न्याय के लिए जाते हैं। कुछ आसानी से और स्वतंत्र रूप से उठते हैं, अन्य धीरे-धीरे, अपने स्वयं के पापों की गंभीरता पर निर्भर करते हैं। आत्मा में मजबूत उन लोगों की मदद करते हैं जिन्हें उठने में मदद की जरूरत होती है।

जिन लोगों को शुद्ध होने के लिए नीचे जाना है उनके चेहरे डरावने हैं। भयानक पीड़ाओं की आशा करते हुए, पापी नरक में नहीं जाना चाहते। लेकिन न्याय को बनाए रखने के उद्देश्य से ताकतें उन्हें वहां धकेलती हैं जहां पीड़ित लोगों को माना जाता है। और शैतान उन्हें मिनोस की ओर खींचते हैं, जो अपनी पूंछ को शरीर के चारों ओर लपेटकर नरक के चक्र को इंगित करता है, जिसमें पापी को उतरना चाहिए। (कलाकार ने मृत आत्माओं के न्यायाधीश को समारोहों के मास्टर, पोप बियाजियो दा सेसेना के चेहरे की विशेषताएं दीं, जिन्होंने अक्सर चित्रित आंकड़ों की नग्नता के बारे में शिकायत की। उनके गधे के कान अज्ञानता के प्रतीक हैं।) और उसके बगल में है। वाहक कैरन द्वारा संचालित एक बजरा। एक ही चाल से पाप आत्माओं को ले जाता है। उनकी निराशा और रोष को जबरदस्त ताकत के साथ व्यक्त किया जाता है। बजरे के बाईं ओर एक नारकीय खाई है - वहाँ शुद्धिकरण का प्रवेश द्वार है, जहाँ राक्षस नए पापियों की प्रतीक्षा कर रहे हैं। ऐसा लगता है कि डरावनी चीखें और अभागे लोगों के दांत पीसना सुनाई देता है।

ऊपर, शक्तिशाली चक्र के बाहर, मोक्ष की प्रतीक्षा कर रही आत्माओं के ऊपर, पंखहीन स्वर्गदूत स्वयं मुक्तिदाता की पीड़ा के प्रतीकों के साथ मंडराते हैं। शीर्ष दाईं ओर, सुंदर और युवा प्राणियों में पापियों के उद्धार के गुण हैं। (स्मिर्नोवा I.A. इतालवी पुनर्जागरण की स्मारकीय पेंटिंग। एम .: ललित कला, 1987)

निष्कर्ष

इस निबंध में, माइकल एंजेलो के फ्रेस्को "द लास्ट जजमेंट" को "द लास्ट जजमेंट" (1580 के दशक) के आइकन की तुलना में माना गया था। आइकन और फ़्रेस्को दोनों एक ही कथानक पर लिखे गए हैं - मसीह का दूसरा आगमन और मानव जाति के पापों पर भयानक निर्णय। उनकी एक समान रचना है: मसीह को केंद्र में दर्शाया गया है, और प्रेरित उनके बाएँ और दाएँ हाथों पर स्थित हैं। भगवान उनके ऊपर है। मसीह के अधीन पापी हैं जिन्हें नरक का वादा किया गया है। दोनों छवियां विपरीत परिप्रेक्ष्य में हैं। लेकिन एक ही समय में, माइकल एंजेलो के फ्रेस्को की तुलना में आइकन में कम चमकीले रंगों का उपयोग किया जाता है। आइकन में कई प्रतीकात्मक चित्र हैं (एक बच्चे के साथ एक हथेली - "ईश्वर के हाथ में धर्मी आत्माएं", और यहां, तराजू - अर्थात, "मानव कर्मों का एक उपाय")।

आधुनिक समय में, इन कार्यों का निर्माण eschatological विचारों वाले लोगों के बीच लोकप्रिय था, इसलिए इन छवियों ने मानवता को डराने के लिए नहीं, बल्कि उन्हें एक धर्मी जीवन जीने के विचार से अवगत कराने के लिए अपने उद्देश्य को सही ठहराया, जो सांसारिक पाप रहित जीवन के समान है। यीशु मसीह।

प्रयुक्त साहित्य की सूची

1. हॉल डी। कला में भूखंडों और प्रतीकों का शब्दकोश। एम, 1996

2. "रूढ़िवादी आइकन की भाषा पर।" आर्किमांड्राइट राफेल (कारेलिन) 1997

3. स्मिर्नोवा I.A. इतालवी पुनर्जागरण की स्मारक पेंटिंग। एम .: विजुअल आर्ट्स, 1987

4. बसलाव एफ.आई. रूसी मूल के अनुसार अंतिम निर्णय की छवियां // बुस्लाव एफ.आई. काम करता है। टी। 2. सेंट पीटर्सबर्ग, 1910।

5. अलेक्सेव एस। दृश्यमान सत्य। रूढ़िवादी चिह्नों का विश्वकोश। 2003

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विधायी स्पष्टीकरण

पाठ्यक्रम "विश्व संस्कृति और कला" चित्रकला, ग्राफिक्स, मूर्तिकला और वास्तुकला पर केंद्रित है। यह उनके माध्यम से है कि विभिन्न युगों में शैलियों की विशेषताएं सबसे स्पष्ट रूप से प्रकट होती हैं। युग के सौंदर्यशास्त्र को समझना, इसकी कलात्मक सामग्री कला स्मारकों की समझ, उनकी विशेषताओं, उनकी सुंदरता और कल्पना को समझने के माध्यम से प्रकट होती है।

तकनीक एक संक्षिप्त एल्गोरिथम प्रदान करती है, ग्राफिक कार्यों, चित्रों, वास्तुकला और मूर्तिकला के अनुकरणीय विश्लेषण का एक क्रम।

सभी अपरिहार्य रेखाचित्रों और अत्यधिक संक्षिप्तता के साथ, यह छात्रों को स्वतंत्र रूप से सांस्कृतिक स्मारकों की खूबियों का आकलन करने में मदद करेगा। कला शब्दावली के चक्र का परिचय देता है।

कला के कार्यों की सराहना करने के लिए न केवल इसकी अभिव्यक्ति के सभी तत्वों को सूचीबद्ध करना है, कलात्मक छवि के साथ भावनात्मक संपर्क में आने के लिए भावना को जोड़ना भी आवश्यक है।

विश्लेषण का क्रम अनुकरणीय है। इसे बदला जा सकता है। प्रस्तावित योजनाओं के लिए एक रचनात्मक दृष्टिकोण की आवश्यकता है। वे कला के किसी विशेष काम के बारे में एक जीवंत भावनात्मक कहानी को संकलित करने के लिए केवल सहायक सामग्री हैं।

कला के एक ग्राफिक कार्य का विश्लेषण

तत्वों		टिप्पणियाँ
जीवर्नबल
1. परिभाषा	माने गए ग्राफ़िक का प्रकार	अक्सर के शीर्षक में
ग्राफिक्स का प्रकार	काम करता है: एक ड्राइंग या एक प्रकार का मुद्रित ग्राफिक्स	भौतिक उत्पाद
	फ़िकी (वुडकट, कॉपर उत्कीर्णन, नक़्क़ाशी, लिथोग्राफी और	प्रकार का ग्राफ दर्शाया गया है
	वगैरह।)। इससे इसकी विशेषताओं का मूल्यांकन करना संभव हो जाता है	की: “ड्राइंग
	संदर्भ: रेखा की प्रकृति (यह विभिन्न प्रजातियों के लिए अलग है	"नक़्क़ाशी", "लिथोग्राफी"
	नक्काशियां), काइरोस्कोरो (यह कमोबेश कॉन- हो सकता है)
	भरोसा, तकनीक पर निर्भर करता है), आदि।
2. घटकों का विश्लेषण	रचना विश्लेषण समग्र का एक आकलन है		"रचना"
	एक ड्राइंग का निर्माण, एक आलंकारिक-प्लास्टिक विचार: क्यों	(अव्य।) का अर्थ है संकलन करना
	ऐसे ही, ऐसे पैमाने पर, मुड़ता है, ऐसे बिंदु से	नी, बंधन।
	दृश्य में, कलाकार ने एक आकृति, लोगों के एक समूह को चित्रित किया,
	मेटा, आदि
3. तकनीक विश्लेषण
		है
	छवि: स्पॉट (टोनल ड्राइंग), स्ट्रोक (लाइन ड्राइंग)	तकनीकी
	सुनोक)। रेखा (लाइन ड्राइंग)। या तो इस्तेमाल किया	ग्राफिक
		डेनिया। यहाँ
		चिह्नित करना
		दृश्य लिखावट

3. तकनीक विश्लेषण	ड्राइंग तकनीक का विश्लेषण यह निर्धारित करना चाहिए कि कौन सा
	बनाने के लिए ग्राफिक्स का उपयोग किया जाता है	है
	छवि: स्पॉट (टोन पैटर्न), स्ट्रोक (लाइन	तकनीकी
	चित्रकला)। रेखा (लाइन ड्राइंग)। या तो इस्तेमाल किया	ग्राफिक
	सभी तीन ग्राफिक्स। यह मूल्यांकन भी करता है
	ड्राइंग शैली: अकादमिक के करीब, विस्तृत,	चिह्नित करना
	प्रकृतिवादी, या मुक्त, सामान्यीकृत, तेज।	तस्वीर
	संपूर्ण कार्य सटीक, संगत के चयन में निहित है
	परिभाषाओं और विशेषणों के निष्पादन का तरीका।
	मूल्यांकन रेखा की प्रकृति के विश्लेषण पर केंद्रित है।	चरित्र का आकलन करने के लिए-
	ग्राफिक काम की कलात्मकता। की छवि	आरए लाइनों का चयन करने की जरूरत है
	एक रेखा (स्ट्रोक, स्पॉट) द्वारा दिया गया, इसकी अभिव्यक्ति,		परिभाषाएँ।
	इसकी कृपा, लय। रेखा के चरित्र को महसूस करें, यह	उदाहरण के लिए: सुशोभित, लो-
	छवि के साथ संलयन, इसे शब्दों में व्यक्त करें, मुख्य बनाएं	मनया, नर्वस, रूखा
	एक ग्राफिक काम के विश्लेषण पर काम करें। अगला-	ताई, आदि
	युगल पंक्तियों की लय पर भी ध्यान देते हैं। (ताल में देखें
	रचनाएँ, पी। 5).

कला के एक सचित्र कार्य का विश्लेषण

अनावृत					टिप्पणियाँ
1. परिभाषा	प्रारंभ में, कैसे करने का प्रश्न				विधा उप की परिभाषा
	पेंटिंग में मौजूदा शैलियों में से कौन सा संबंधित है				महत्वपूर्ण भाग कहूँगा
	चित्रमय विश्लेषण किया	काम		कला	नेस: किस सटीक मूल्य पर
	(ऐतिहासिक, पौराणिक, घरेलू, युद्ध				विषय और आत्माओं का रोना-
	चित्र, परिदृश्य, स्थिर जीवन)। पोर्ट्रेट का विश्लेषण करते समय,				दुनिया की दिलचस्पी खींची जाती है
	बस्ट विश्लेषण तकनीकों का उपयोग करें (इस पद्धति का पृष्ठ 8)
	प्लॉट विश्लेषण के लिए सामग्री को समझने की क्षमता की आवश्यकता होती है और				अक्सर तस्वीर का प्लॉट
	कलाकार द्वारा दर्शाई गई घटनाओं का अर्थ। प्राणी-				को प्रकट करता है
	और प्लॉटलेस पेंटिंग: नॉन-ऑब्जेक्टिव पेंटिंग।
	इसका मूल्यांकन वोल्टेज, di- जैसे शब्दों में किया जाता है।
	गतिशीलता, सद्भाव, इसके विपरीत,		और विशेष की आवश्यकता है
	विश्लेषण के तरीके। गैर-उद्देश्य पेंटिंग अपना खुद का निर्माण करती है
	लाक्षणिकता विशेष रूप से
	अभिव्यंजना के मुख्य तत्वों के रूप में उनकी लय
	सुरम्य भाषा। गैर-उद्देश्य पेंटिंग का एक उदाहरण
	सी अमूर्ततावाद, सर्वोच्चतावाद है।

	एक कलात्मक छवि का प्रकटीकरण किसका आकलन है?
	चुने हुए के प्रतिबिंब में हड़ताली, प्रामाणिकता, ताकत
	थीम कलाकार द्वारा नूह। इस प्रकार, कई कलाकार मुड़ते हैं
	जागृति प्रकृति के विषय पर पहुंचे, लेकिन दुर्लभ
	तेरा इतनी ऊंचाई तक बढ़ गया जितना सावरासोव में
	वसंत की थीम को कवर करना ("बदमाश आ गए हैं")।
4. घटकों का विश्लेषण	पेंटिंग में रचना का विश्लेषण उसी तरह किया जाता है जैसे	जो कहा जाता है, निश्चित रूप से नहीं है
	चार्ट में (पृष्ठ 2 देखें)। रचना सक्रिय रूप से प्रजनन को प्रभावित करती है	निकास		सभी प्राणियों का
	कार्यों की स्वीकृति।		के लिए सिद्धांत
	तो, रचना को नाट्य पर जोर दिया जा सकता है	रचना की संरचना, लेकिन
	नूह, मंच सिद्धांत के अनुसार बनाया गया। या हो सकता है	मुझे लगता है कि यह अभिविन्यास की अनुमति देगा
	यादृच्छिकता की भावना पैदा करें। कॉम का विश्लेषण-	उसके आकलन में घूमना।
	स्थिति, कोई इसके सामंजस्यपूर्ण के बारे में निष्कर्ष पर आ सकता है
	संरचना, सभी भागों का संतुलन, या तीव्र
	गतिशीलता।
	यदि रचना सीधे क्षैतिज द्वारा बनाई गई है			साइको के बारे में जानें
रचना में	ताल या थोड़ी तिरछी रेखाएँ, निर्मित	तार्किक		प्रभाव
	शांत या मापा आंदोलन की छाप। सोचे-	कार्यक्षेत्र		रूप रेखा लाइंस।
	तीखे ऊर्ध्वाधर कोण या गोल रेखाएँ खींचना	समोच्च रेखाओं की प्रबलता
	संरचनागत योजना को गतिशीलता देता है। डायगो-	शांत या यहां तक ​​कि
	जन्मजात निर्माण गति को बेहतर महसूस करने में मदद करता है,	बनाता		उदास
	दबाव, आंदोलन। चित्रकार अक्सर उपयोग करता है	आकाश मोड, दबा देता है। वर्टी-
	कॉल करने योग्य परिपत्र निर्माण, जो आपको कॉल करने की अनुमति देता है	पोटेशियम सक्रिय, ऑप-
	एक निश्चित क्रम में बड़ी संख्या में व्यवस्थित करें	थाइमिज़्म, प्रफुल्लता, मनोदशा
	लोगों की। आपको रचना की लय पकड़नी चाहिए, देखिए	आनंद के लिए वायु, उत्थान।
	बुनियादी योजना।

	रंग चित्रकला की "आत्मा" है, इसकी विशेष रूप से आवश्यकता होती है
रंग - अंग-	विचारशील और विस्तृत विश्लेषण।
	रंग प्रणाली का विश्लेषण करते समय, यह निर्धारित किया जाता है कि कौन सा है	की स्थानीय प्रणाली
रंग परिवर्तन चालू	रंग प्रणाली मानचित्र की रंग प्रणाली को रेखांकित करती है	रीता ऐतिहासिक रूप से पहले है
	कीचड़: स्थानीय रंग या तानवाला। स्थानीय में	नया। में व्यापक रूप से प्रयोग किया जाता है
	रंग श्रेणी, रंग को प्रकाश की स्थिति से अलग किया जाता है	सजावटी पेंटिंग।
	सामान्य तौर पर, रंगों का कोई खेल नहीं होता है। टोनल रंग स्ट्रो है-
	यह रंग, उसके रंगों के जटिल अनुपात पर आधारित है; पीछे-
	रोशनी, दूरदर्शिता, छाया, चकाचौंध पर निर्भर करता है
coloristic	रंग सीमा का विश्लेषण करते समय, यह अनुमान लगाया जाता है	ध्यान देना चाहिए
	रंगों के चयन में कलाकार का कौशल, संयोजन करने की क्षमता	रंग धब्बों की लय के लिए।
	उनके रंगों को टटोलें। कलाकार न केवल विषय का समर्थन करता है		कलाकार
	आप रंग के साथ, वह एक रंग रचना बनाता है, जहाँ	एक या दूसरे फ़ाइ को हाइलाइट करें
	कुछ रंग और उनके रंग हावी होते हैं। हां जाओ-	गुरु, चेहरा, आदि
	वे सिल्वर-ग्रे-ग्रीन, पर्पल - बकाइन के बारे में बात करते हैं
	- गुलाबी, आदि। रंग श्रेणी।
	रंग उत्तेजित कर सकते हैं और शांत कर सकते हैं, परेशान कर सकते हैं
मूड, बनाया	और शांत करो। आवंटित गर्म (लाल, नारंगी-
	vyy, सुनहरा और उनके रंग) और ठंडा (बैंगनी-
रंग द्वारा दिया गया	vyy, नीला, हरा और उनके रंग) रंग पैमाने। वे-	रंग सक्रिय है, यह चित्र में है
	सपाट रंग सक्रिय, उत्तेजित, मनोरंजक होते हैं, लेकिन वे भी कर सकते हैं	आगे आता है, आकर्षित करता है
	चिढ़ाना। शीत - शांत करना, शांत करना,	कोई ध्यान नहीं। ठंडा
	कभी-कभी उदास। चित्र की रंग योजना के पीछे है	रंग उड़ जाता है
	अभी भी एक निश्चित मनोदशा है जिसे कलाकार ने बनाया है	गहराई। कुशल स्वभाव
	रंग देता है। इसे पकड़ने और इसे देने की कोशिश करें-	गर्म और ठंडा

	तस्वीर के रंग संरचना के विश्लेषण के दौरान संरचना। रंग		टोन कलाकार कुछ बनाता है
	संगठित होने पर अपनी अभिव्यक्ति प्राप्त करता है		दृश्य दृष्टिकोण।
	कम और इसकी तीव्रता तीव्रता से मेल खाती है
	मानवीय भावनाओं की तीव्रता।
6. स्मियर तकनीक	स्मीयर की प्रकृति अतिरिक्त जोड़ सकती है		धब्बे मोटे हो सकते हैं
	हड़ताली, पेंटिंग में कलात्मक प्रभाव जोड़ देगा		स्टाई, अपारदर्शी - पास-
	प्रभाव। कलाकार मुखौटा लगा सकता है, संशोधन कर सकता है		टॉनिक और तरल - कम-
	स्मीयर का "बिछाना", या, इसके विपरीत, बेनकाब करने के लिए, ओवरले-			पेस्टी काम करो
	अलग रंग के थक्के के साथ वाई पेंट, अधिक		आघात जीवन की बनावट बनाता है
	गुलाब। स्मीयर तकनीक का विश्लेषण आपको अतिरिक्त की पहचान करने की अनुमति देता है		कैनवास
	सचित्र छवि की पूर्ण अभिव्यक्ति।		जीवित, उभरा हुआ।
7. प्रकटीकरण	कुछ अभिव्यंजक तत्वों के विश्लेषण के पीछे		जनरल का खुलासा
सामान्य डिजाइन	पेंटिंग को सबसे महत्वपूर्ण चीज नहीं खोनी चाहिए, क्या				अंतिम
कलाकार	विश्लेषणात्मक मार्ग भेजा जाता है:	इरादे का खुलासा			आलंकारिक
	कलाकार। मिजाज को समझना	उसे प्रेरित किया	इमारत के चित्र।
	एक ब्रश पकड़ो।
	यूरोपीय चित्रकला का विकास आगे बढ़ा
	vilo, एक विशेष शैली या दिशा के ढांचे के भीतर।
	शैलियों में परिवर्तन ने कलात्मक परिवर्तन की गवाही दी
	सिद्धांत, मानदंड, स्वाद। सबसे उज्ज्वल ईव में-
	यूरोपीय चित्रकला ने इस तरह की शैलियों को प्रकट किया
	क्लासिकिज़्म, बारोक, रूमानियत, यथार्थवाद, आदि। कानून-
	विश्लेषण के दृष्टिकोण से तस्वीर का आकलन दिया जाएगा
	शैली।

मूर्तिकला विश्लेषण

	कम्पोजिट		टिप्पणी
	1. परिभाषा	मूर्तिकला के प्रकार का निर्धारण करने का कार्य (गोल		- मूर्तिकला पर
	एक प्रकार की मूर्तिकला	मूर्तिकला-प्रतिमा, बस्ट, मूर्तिकला समूह: रिल-	विमानों। मूर्ति, बस्ट,
		ईएफ - बेस-रिलीफ, हाई रिलीफ) किसी भी तरह से नहीं है	मूर्तिकला समूह - विभिन्न
		जटिल। हालाँकि, एक या दूसरे प्रकार की मूर्तिकला की आवश्यकता होती है	दृश्यता		मूर्ति-
		अलग तरीका अपनाएंगे। प्रतिमा का विश्लेषण अलग होगा-
		बस्ट, मूर्तिकला समूह, आदि के विश्लेषण से ज़िया।
		किसी मूर्ति का विश्लेषण करते समय सबसे पहले उसका मूल्यांकन किया जाता है			तर-बतर
		प्लास्टिसिटी की अभिव्यक्ति, इसका शब्दार्थ और भावनात्मक
		अंतिम संतृप्ति। व्यक्त करने के लिए एक महत्वपूर्ण तत्व	इसे संबोधित किया जाना चाहिए
		कुरसी मुख्य मूल्य है, हार्मो-	किसी भी विवरण पर ध्यान दें:
		प्रतिमा के साथ इसके संयोजन का महत्व। कपड़े सकते हैं	क्या धारण करता है, क्या धारण करता है
		छवि या गतिशील की स्मारक पर जोर दें	मूर्ति, आदि
		उसकी प्लास्टिसिटी का रहस्य। फोकस करना चाहिए
		मूर्ति के चेहरे पर भी (बस्ट देखें)।

	बस्ट विश्लेषण तकनीकें विश्लेषण के तरीकों की ओर बढ़ती हैं
	सामान्य रूप से पोर्ट्रेट का लिसा, यानी। पहचान करने के उद्देश्य से
	चरित्र का आंतरिक मनोविज्ञान, में व्यक्त किया गया
	चेहरे की प्लास्टिसिटी, चेहरे के भाव। अवश्य ध्यान दें
	ध्यान सामान्यीकृत या तीव्रता से व्यक्तिगत हा-
	छवि का लक्षण वर्णन, मॉडलिंग सुविधाओं की प्रकृति
	tsa: स्पष्ट, विस्तृत, कमजोर या नरम, इसके समर्थक
मूर्तिकला	मूर्तिकला समूह की अभिव्यक्ति का मूल्यांकन	सफल मूर्तिकला के उदाहरण
	प्लास्टिक छवि की अखंडता के विश्लेषण से संबंधित,	टूर ग्रुप काफी बड़ा है
	कई आकृतियों से बना है। यदि यह असंभव है	लो, लेकिन उनके लिए, ज़ाहिर है,
	लेकिन उल्लंघन किए बिना एक आकृति को दूसरे से अलग करना	"काम करने और" के लिए जिम्मेदार ठहराया जा सकता है
	प्लास्टिक एकता - तो हमारे पास एक उदाहरण है	कलेक्टिव फार्म गर्ल" मुखिना, "पाई-
	सफलतापूर्वक निष्पादित मूर्तिकला समूह। पर	तू ”माइकल एंजेलो द्वारा।
	यह अक्सर मूर्तिकला के पात्रों में से प्रत्येक होता है
	समूह "अपनी भूमिका निभाता है", अपने तरीके से व्यक्त करता है
	भावनाओं और अनुभवों।
	राहत अक्सर साजिश होती है, यह एक कहानी का सुझाव देती है	अक्सर राहत के रूप में मो-
	एक विशिष्ट विषय पर। वह बहुआयामी है। इसका विश्लेषण	चित्र भी बनाया जा सकता है।
	व्यक्तिगत पात्रों के लक्षण वर्णन शामिल है,	ऐसे संबंध के विश्लेषण की तकनीकें
	मुद्राओं और इशारों में व्यक्त किया। में राहत मिली है	ईएफए बस्ट की ओर गुरुत्वाकर्षण।
	स्मारकीय शैली, ज़ाहिर है, अधिक संतृप्त
	साजिश की तुलना में विचार और प्रतीक।

कार्यों का विश्लेषण

दृश्य कला

अंज़ेरो - सुदज़ेंस्क

केमेरोव्स्क क्षेत्र के शिक्षा और विज्ञान विभाग

GOU SPO Anzhero - SUDZHENSKY PEDAGOGICAL COLLEGE

कार्यों का विश्लेषण

दृश्य कला

GOU SPO Anzhero की परिषद -

"___" ____________ 2009

आरआईएस अध्यक्ष

समीक्षक:

शिक्षण

GOU SPO Anzhero - सुजेंस्क पेडागोगिकल कॉलेज।

फाइन आर्ट वर्क्स का विश्लेषण: दिशानिर्देश। - एंजेरो - सुदजेन्स्क: जीओयू एसपीओ अंजेरो - सुजेंस्क पेडागोगिकल कॉलेज, 2009 - पी।

इस में पद्धतिगत विकासललित कलाओं के कार्यों के विश्लेषण से संबंधित मुद्दों को शामिल किया गया है।

इसके फायदों में एक एप्लिकेशन की उपस्थिति शामिल है जिसमें ललित कला के कार्यों के विश्लेषण के लिए योजनाएं और एल्गोरिदम शामिल हैं।

© GOU SPO Anzhero-Sudzhensky

शिक्षा के कॉलेज

	परिचय …..………………………………………………………..
	पद्धति संबंधी नींवललित कला के कार्यों का विश्लेषण …………………………… ..
	साहित्य …………………………………………………………..
	आवेदन पत्र …………………………………………………………

परिचय

हम दुनिया को कैसे देखते हैं

इससे पहले कि हम ललित कला के कार्यों के विश्लेषण के बारे में बात करें, आइए इस बारे में सोचें कि उन्हें दृश्य क्यों कहा जाता है और वे वास्तव में क्या हैं। "देखो को दुलारने के लिए, आँखों के लिए!" - आप कहेंगे और सही भी होंगे, हालांकि अगर आर्किटेक्चर और डिजाइन की बात करें तो ये न सिर्फ लुक को बल्कि बॉडी को भी कैरी कर सकते हैं। दृश्य कलाएं दृश्य धारणा पर केंद्रित हैं। आइए जानें हमारी देखने की इस क्षमता को।

तो, एक सामान्य व्यक्ति दो आँखों से देखता है, प्रत्येक आँख में एक ऑप्टिकल केंद्र होता है - एक बिंदु जिससे आसपास की वस्तुओं की छवि सबसे स्पष्ट रूप से दिखाई देती है। इसका मतलब है कि हमारी दृष्टि के उपकरण में दो फोकस होते हैं। चलो एक प्रयोग करते हैं: कागज की एक शीट लें, इसमें एक छोटा सा छेद करें और इसे दूर से आजमाएं हाथ फैलानाइस छेद के माध्यम से दीवार पर एक दूरस्थ बिंदु पर देखें (उदाहरण के लिए, एक स्विच)। अपने हाथों को हिलाए बिना, हम वैकल्पिक रूप से दाहिनी या बाईं आंख को बंद कर देंगे - छेद में स्विच की छवि या तो गायब हो जाएगी या फिर से दिखाई देगी। इसका क्या मतलब होगा?

मानव दृश्य तंत्र में, केवल एक फ़ोकस काम करता है - या तो दाहिनी या बाईं आँख (जिस पर निर्भर करता है कि कौन सी आँख अग्रणी है: यदि दाहिनी आँख बंद होने पर छवि गायब हो जाती है, तो यह अग्रणी है, और यदि बाईं ओर है, तो अग्रणी बाईं आंख)। एक आंख "वास्तविक रूप से" देखती है, और दूसरी एक सहायक कार्य करती है - यह "झाँकती है", मस्तिष्क को पूरी तस्वीर को पूरा करने में मदद करती है।

जबकि वार्ताकार को ध्यान से देखें सामान्य बातचीत. आपकी दृष्टि उसकी दाहिनी आंख को ठीक करती है (आपके लिए यह बाईं ओर होगी), और आप स्पष्ट रूप से केवल उसे देखते हैं। वार्ताकार की बाकी छवि धीरे-धीरे केंद्र से (उसकी दाहिनी आंख से) परिधि तक धुंधली हो जाती है। इसका मतलब क्या है? हमारी आंख का लेंस - लेंस - एक गोले के रूप में व्यवस्थित होता है। और किनारों के आसपास की छवि हमेशा धुंधली होगी - विषय केवल एक बिंदु पर स्पष्ट रूप से परिलक्षित होता है। फ़ोकस से जितना दूर होगा, छवि उतनी ही धुंधली होगी।

यह स्पष्ट है कि दृष्टि, अंतरिक्ष, वस्तुओं के आकार और यहां तक ​​कि रंगों की ऐसी "दयनीय संभावनाओं" के साथ स्वाभाविक रूप से विकृत हो जाते हैं। विरोधाभास यह है कि अधिकांश वस्तुओं को हम उतना नहीं देखते हैं जितना सोचते हैं, हमारी दृष्टि के तंत्र से पूरी तरह अनजान हैं। और चूँकि हमारी दृष्टि समाज के सांस्कृतिक स्थान में अगोचर रूप से प्रशिक्षित है (और पिछले छह सौ वर्षों में यह प्रशिक्षण मुख्य रूप से क्लासिक्स के प्रत्यक्ष रैखिक दृष्टिकोणों में हुआ है), हम ऐसी सरल चीजों के बारे में सोचते भी नहीं हैं जो हमारे सामने आती हैं। शरीर विज्ञानियों का मन या कलाकार की. और हम अभी भी सोचते हैं कि छवि के यथार्थवाद की सीमा वांडरर्स के कामों में है, न कि सीज़ेन की पेंटिंग में।

इसलिए हम ललित कला के कार्यों के विश्लेषण के विषय पर आते हैं। ललित कलाओं को देखने के दो तरीके हैं: एक हृदय के माध्यम से, दूसरा मन के माध्यम से। यह किसी भी कला को समझने का पद्धतिगत आधार है।

ललित कला के कार्यों के विश्लेषण के लिए पद्धति संबंधी आधार

जिन लोगों को पहली बार कला के किसी काम के विश्लेषण का सामना करना पड़ता है, उनके पास लगभग तुरंत स्वाभाविक प्रश्न होते हैं: “क्या कला में विश्लेषण वास्तव में आवश्यक है? क्या यह कला के सजीव, प्रत्यक्ष, भावनात्मक बोध को नहीं मार देता? यदि सही ढंग से किया जाए तो आवश्यक है।

स्पष्ट विश्लेषण भावनात्मक कला में हस्तक्षेप नहीं करता है, लेकिन काम के नए पहलुओं को दिखाने में मदद करता है गहन अभिप्राय. ऐसा करने के लिए, विश्लेषण को कैनवास पर किसी वस्तु या चरित्र की उपस्थिति के एक साधारण कथन पर नहीं रुकना चाहिए, बल्कि चित्र के अर्थ के लिए आगे (या गहरा) जाना चाहिए।

लेकिन अर्थ बाह्य रूप से व्यक्त होता है। कार्य में हमें सीधे अर्थ नहीं दिया जाता है, बल्कि केवल एक निश्चित रूप दिया जाता है। और हमें इसे "पढ़ना" चाहिए, इसके पीछे का अर्थ देखना चाहिए। इसके अलावा, कलाकार कार्यों के रूप का निर्माण करता है ताकि वह उस अर्थ को बेहतर ढंग से व्यक्त कर सके जिसकी उसे आवश्यकता है।

कला के प्रत्येक कार्य के कई स्तर होते हैं। ये भावनात्मक, विषय, कथानक, प्रतीकात्मक स्तर और कार्य के आंतरिक उपकरण (माइक्रोक्रिकिट) के स्तर हैं. कला की हमारी धारणा भावनाओं से शुरू होती है।

भावनात्मक स्तर।

पहली चीज जो हम "पकड़ते हैं" वह काम की भावनात्मक संरचना है। यह गंभीर या गीतात्मक है, हम मजाकिया हैं या दुखी हैं। अगर काम ने हमें भावनात्मक रूप से प्रभावित नहीं किया, तो आगे का विश्लेषण नहीं होगा।! इसलिए, विश्लेषण की शुरुआत में उन भावनाओं को पकड़ने की कोशिश करना बहुत उपयोगी होता है जो काम के साथ संचार से पैदा होती हैं। यह और भी आवश्यक है जब काम लंबे समय से परिचित हो। आखिरकार, हमने अनैच्छिक रूप से उन "पुरानी" भावनाओं को याद किया जो कैनवास एक बार हमारे अंदर पैदा हुई थी। लेकिन अब हम अलग हैं, और इसलिए हमारी धारणा अलग है। और अब हमारे पास पुराने, बहुत समय पहले के लिए अलग भावनाएं होंगी प्रसिद्ध कार्य. और छात्रों के लिए विश्लेषण की शुरुआत में चित्र से पैदा हुए पहले प्रभाव के बारे में प्रश्न पूछना बहुत उपयोगी है।

इसके अलावा, इस पहली छाप को पूरे विश्लेषण के दौरान हर संभव तरीके से संरक्षित और बनाए रखा जाना चाहिए। अक्सर यह पहला भावनात्मक प्रभाव होता है जो विश्लेषणात्मक निष्कर्षों की शुद्धता का परीक्षण करता है। धीरे-धीरे, विश्लेषण की प्रक्रिया में, विश्लेषणात्मक निष्कर्षों की शुद्धता की जाँच की जाती है। धीरे-धीरे, विश्लेषण की प्रक्रिया में, हम यह देखना शुरू करते हैं कि कलाकार इस या उस भावनात्मक छाप को कैसे प्राप्त करता है।

विश्लेषण का निष्कर्ष भी भावनात्मक होना चाहिए। बहुत अंत में, यह न केवल उपयोगी है, बल्कि समग्र भावनात्मक छाप पर एक बार फिर से लौटने के लिए आवश्यक है। केवल अब अर्थ के ज्ञान से भावना प्रबल होती है।

भावनात्मक स्तर पर किसी कार्य के विश्लेषण के लिए नमूना प्रश्न.

1. टुकड़ा क्या प्रभाव डालता है?

3. आगंतुक किन अनुभूतियों (वास्तुकला) का अनुभव कर सकता है?

4. कार्य की प्रकृति क्या है?

5. कार्य का पैमाना, प्रारूप, भागों की ऊर्ध्वाधर, क्षैतिज या तिरछी व्यवस्था, वास्तु रूपों का उपयोग, चित्र में रंगों का उपयोग और प्रकाश का वितरण भावनात्मक छाप में कैसे मदद करता है?

विषय स्तर।

यह दर्शाता है कि प्रत्यक्ष रूप से क्या दर्शाया गया है। यह इस स्तर पर है कि विश्लेषण तुरंत शुरू होता है। कोई भी वस्तु, कोई भी चरित्र या घटना अत्यंत महत्वपूर्ण है। अच्छे कलाकारों के चित्रों में कोई बेतरतीब चीजें नहीं होतीं। इसलिए, कैनवास पर जो स्थित है, उसकी एक साधारण गणना भी आपको पहले से ही सोचने पर मजबूर कर देती है।

और यहाँ हम अक्सर कठिनाइयों का सामना करते हैं।

मानव का ध्यान चयनात्मक होता है और काफी लंबे समय तक हम कैनवास पर कोई महत्वपूर्ण विवरण नहीं देख सकते हैं। हां, और ऐतिहासिक चीजें कभी-कभी पहचान से परे बदल जाती हैं। या एक पोशाक जो किसी भी युग में एक व्यक्ति के बारे में एक समकालीन के बारे में बहुत कुछ कहती है - आखिरकार, यह न केवल बाहरी जीवन का, बल्कि नैतिकता, चरित्र, जीवन लक्ष्यों का भी एक संपूर्ण विश्वकोश है।

इसलिए, आपको उस चित्र को "पढ़ना" शुरू करने के लिए एक नियम बनाने की आवश्यकता है, जिसमें उस पर रखी गई सभी चीजों के अर्थ और उद्देश्य के बारे में पूरी तरह से स्पष्टीकरण दिया गया हो। चित्र का विषय संसार वे शब्द हैं जो "हमें दिया गया पाठ" बनाते हैं।

पहले से ही इस स्तर पर, परिचित होने की शुरुआत में वस्तुनिष्ठ दुनियापेंटिंग, हम बहुत जल्दी नोटिस करते हैं कि सभी वस्तुएं और चेहरे कैनवास पर बेतरतीब ढंग से बिखरे हुए नहीं हैं, बल्कि एक तरह की एकता बनाते हैं। और हम अनैच्छिक रूप से इस एकता को बनाने, समझने लगते हैं चित्र की रचना के लिए पहला कदम. हम अंत में इसे बहुत अंत में मास्टर करेंगे। लेकिन व्यक्तिगत सुविधाओं को तुरंत नोट करना शुरू करना जरूरी है। एक नियम के रूप में, यह तुरंत स्पष्ट हो जाता है कि सबसे महत्वपूर्ण तत्व सरल और स्पष्ट आकार (त्रिकोण, वृत्त, पिरामिड, वर्ग ...) बनाते हैं। इन रूपों को कलाकार द्वारा मनमाने ढंग से नहीं चुना जाता है, वे एक निश्चित भावनात्मक संरचना बनाते हैं। चक्र और अंडाकार शांत, पूर्ण। एक वर्ग या झूठ बोलने वाला आयत स्थिरता और अनुल्लंघनीयता की भावना पैदा करता है। पिरामिड और त्रिकोण दर्शकों को आकांक्षा का भाव देते हैं। विश्लेषण के इस चरण में, चित्र में मुख्य और द्वितीयक को आसानी से अलग किया जा सकता है।

एक अलग वस्तु, एक अलग रंग, एक अलग स्ट्रोक अर्थ को समझने के लिए कुछ नहीं करता है। केवल उनके अनुपात महत्वपूर्ण हैं। रंगों, ध्वनियों, विषयों, वस्तुओं, मात्राओं के अनुपात के माध्यम से, कार्य के अर्थ को "पढ़ने" में सक्षम होना चाहिए।

विरोधाभासी विरोध, आंदोलन की प्रबलता या कैनवास पर आराम, पृष्ठभूमि और आंकड़ों का अनुपात - यह सब पहले से ही विश्लेषण के इस चरण में नोट किया गया है। यहां हम देखते हैं कि आंदोलन का संचरण वस्तु के सामने एक विकर्ण, मुक्त स्थान है, आंदोलन के चरमोत्कर्ष की छवि, असममित योजनाएं; और आराम का संचरण विकर्णों की अनुपस्थिति, वस्तु के सामने मुक्त स्थान, स्थिर आसन, सममित योजनाएं हैं। लेकिन यह सब अभी नोट किया जा रहा है। सही मतलबरचना की विशेषताएं हमारे लिए विश्लेषण के अंत में ही प्राप्त होंगी।

विषय स्तर पर कला के काम का विश्लेषण करने के लिए नमूना प्रश्न।

1. चित्र में क्या (या कौन) दिखाया गया है?

2. अग्रभाग के सामने खड़े होने पर आगंतुक क्या देखता है? अंदरूनी में?

3. मूर्ति में आप किसे देखते हैं?

4. आपने जो देखा उसमें से मुख्य बात को हाइलाइट करें?

5. यह समझाने की कोशिश करें कि यह आपके लिए मुख्य बात क्यों लगती है।

6. कलाकार, वास्तुकार किस माध्यम से मुख्य बात को उजागर करता है?

7. कार्य (विषय रचना) में वस्तुओं की व्यवस्था कैसे की जाती है?

8. काम (रंग रचना) में रंगों की तुलना कैसे की जाती है?

9. वास्तु संरचना में आयतन और रिक्त स्थान की तुलना कैसे की जाती है?

कहानी का स्तर।

मैं तुरंत खतरे के खिलाफ चेतावनी देना चाहता हूं, बहुत बार शोधकर्ता को चेतावनी देता हूं। यह कलाकार द्वारा कैनवास पर प्रस्तुत कथानक को इतिहास, पौराणिक कथाओं, कलाकार के बारे में कहानियों से ज्ञात कथानक से बदलने की इच्छा है। आखिरकार, कलाकार न केवल कथानक का वर्णन करता है, बल्कि उसे एक समझ देता है, कभी-कभी इस कथानक के दायरे से बहुत आगे निकल जाता है। अन्यथा, कला इतिहास टिकटों का जन्म होता है।

लोग अक्सर पूछते हैं: क्या सभी कैनवस में एक प्लॉट होता है? शैली पर या ऐतिहासिक तस्वीरयह ज्यादातर स्पष्ट है। और एक चित्र, परिदृश्य, स्थिर जीवन में? अमूर्त पेंटिंग के बारे में क्या? यहाँ सब कुछ इतना स्पष्ट नहीं है। फ्रांसीसी शब्द "प्लॉट" का अर्थ घटनाओं का खुलासा नहीं है, लेकिन सामान्य तौर पर कार्य का "विषय" या "कारण, कारण, मकसद" है। और इस शब्द का पहला अर्थ "पूर्वनिर्धारित, विषय" है। इस प्रकार, कथानक हमारे सामने कैनवास पर कलाकार द्वारा निर्मित कार्य-कारण संबंधों के रूप में प्रकट होता है। ऐतिहासिक में या शैली पेंटिगये कनेक्शन ऐतिहासिक या घरेलू घटनाओं से संबंधित होंगे। चित्र में - चित्रित किए जा रहे व्यक्ति के व्यक्तित्व का संबंध, वह क्या है, जिसके साथ वह प्रकट होना चाहता है। अभी भी जीवन में - एक व्यक्ति द्वारा छोड़ी गई चीजों और खुद "पर्दे के पीछे" के बीच संबंध। और अमूर्त पेंटिंग में, कलाकार रेखाओं, धब्बों, रंगों, आकृतियों के अनुपात का निर्माण करता है। और ऐसा अनुपात सुरिकोव रईस मोरोज़ोवा के इशारे से कम महत्वपूर्ण और कथानक से प्रेरित नहीं है।

ऊपर से दो निष्कर्ष निकलते हैं।

पहला: किसी विशेष चित्र की वास्तविकताओं के आधार पर कथानक का निर्माण किया जाना चाहिए। " अर्थ विलक्षण पुत्र की बहुत याचिका में नहीं है और स्वयं पश्चाताप में नहीं है, बल्कि आश्चर्य में है कि इस तरह के पितृ प्रेम का कारण बनता है, ऐसी क्षमा।».

और दूसरा निष्कर्ष: एक तरह से या किसी अन्य, लेकिन साजिश का स्तर हमेशा कैनवास पर मौजूद होता है। और विश्लेषण में इसे दरकिनार करना केवल तर्कहीन है। कार्य-कारण संबंध केवल चित्र के लिए एक विशेष स्थान और समय का निर्माण करते हैं।

कथानक स्तर स्पष्ट करता है और रचना संबंधी विशेषताएंकैनवस। हम एक चित्र-एक कहानी और एक चित्र-प्रदर्शन के बीच अंतर करते हैं, हम चित्रात्मकता और कैनवास पर अभिव्यक्ति के बारे में बात करते हैं। यहाँ कार्य की शैली निर्धारित की जाती है।

और यह तुरंत स्पष्ट हो जाता है कि सभी व्यक्ति, वस्तुएं, घटनाएँ चित्र में उसी अर्थ में नहीं दिखाई देती हैं जैसे कि जीवन में। उनमें से कुछ संस्कृति में एक विशेष प्रतीकात्मक अर्थ से संपन्न हैं जो कलाकार को लाया। दूसरों ने स्वयं लेखक द्वारा बहुपत्नी प्रतीकों का अर्थ दिया। तो हम अगले स्तर पर जाते हैं - प्रतीकात्मक।

प्लॉट स्तर पर कार्य के विश्लेषण के लिए नमूना प्रश्न।

1. चित्र का कथानक बताने का प्रयास करें।

2. कल्पना करने की कोशिश करें कि इस वास्तु कार्य में कौन सी घटनाएं अधिक बार हो सकती हैं।

3. यदि यह मूर्ति सजीव हो जाए तो क्या कर सकती है (या कह सकती है)?

प्रतीकात्मक स्तर।

प्रतीकात्मक स्तर पर, हम चित्र की विषय सामग्री पर लौटते हुए प्रतीत होते हैं, लेकिन एक भिन्न गुणात्मक स्तर पर। अभी भी जीवन की वस्तुएं अचानक समझ में आने लगती हैं। घड़ीबीत रहा समय है खाली गोले- खाली नश्वर जीवन, भोजन के अवशेष- अचानक टूट गया जीवन का रास्ता.

इसके अलावा, प्रत्येक रूप पर पुनर्विचार किया जाता है।

गोलाकार रचनाअनंत काल का प्रतीक है। वर्ग (घन)- यह पृथ्वी का प्रतीक है, स्थायी सांसारिक अस्तित्व। हम देखते हैं कि एक कलाकार एक कैनवास बनाता है, इसे बाएं से दाएं टुकड़ों में तोड़ता है। और फिर सकारात्मक मूल्य दाईं ओर दिखाई देते हैं, और नकारात्मक बाईं ओर। आँख को बाएँ से दाएँ घुमाने से हम बाएँ आधे भाग में घटना की शुरुआत और दाएँ आधे भाग में उसका परिणाम देखते हैं।

एक और कलाकार पेंटिंग के लंबवत विभाजन को हाइलाइट करेगा। और फिर हमारे आसपास की दुनिया में ऊपर और नीचे के बारे में हमारे विचार लागू होते हैं। एक उच्च, निम्न या मध्य क्षितिज, कैनवास के ऊपर या नीचे का "रंग भारीपन", आंकड़ों के साथ एक या दूसरे भाग की संतृप्ति, अंतरिक्ष का खुलापन - यह सब प्रतीकात्मक स्तर पर विश्लेषण का विषय बन जाता है।

हमें यह नहीं भूलना चाहिए कि चित्र की बहुत लंबवत या क्षैतिज रचना भी एक महत्वपूर्ण प्रतीक है। आइकनोग्राफिक निर्माण लंबवत रूप से सामने आते हैं, और नए युग के चित्र लगभग सभी क्षैतिज हैं।

और यद्यपि चित्र विमान की व्यवस्था है, कलाकार लगातार अंतरिक्ष की गहराई में महारत हासिल करने का प्रयास कर रहे हैं। अंतरिक्ष की गहराई प्रकट हो सकती है विभिन्न तरीके. और उनमें से प्रत्येक प्रतीकात्मक है। निकट की वस्तुएं दूर की वस्तुओं को अस्पष्ट करती हैं। फर्श के तल के कारण अंतरिक्ष की गहराई "खींची" जाती है, पृथ्वी - तल चित्र में मुख्य, शांति-निर्माण अर्थ प्राप्त करता है। गहराई वास्तु संरचनाओं की मदद से बनाई गई है। और वास्तुकला पात्रों को सक्रिय रूप से प्रभावित करना शुरू कर देती है - उन्हें ऊपर उठाने या उन्हें नीचे दबाने, उन्हें छिपाने या उन्हें प्रदर्शित करने के लिए।

विश्लेषण के इस स्तर पर बडा महत्वचित्र में रंग और प्रकाश प्राप्त करें.

यह ज्ञात है कि प्राचीन विश्व और मध्य युग में रंग उज्ज्वल प्रतीकों के रूप में स्पष्ट रूप से उपयुक्त तरीके से जुड़े थे। और चूंकि पेंटिंग के काम में रंग चित्रमय दुनिया के निर्माण का मुख्य साधन है, इसलिए नए युग के कलाकार भी इस प्रतीकात्मक प्रभाव से नहीं बचते हैं। उजाला और अँधेरा हमेशा इंसान के लिए सिर्फ हालात नहीं रहे हैं वास्तविक जीवन. लेकिन बाहरी और आंतरिक का प्रतीकात्मक विरोध भी: एक उज्ज्वल चेहरा और आंतरिक ज्ञान; डार्क पेंटिंग और जीवन का कठिन तरीका। तो इस कैनवस की दुनिया की भव्य व्यवस्था धीरे-धीरे निर्मित होती है।

प्रतीकात्मक स्तर पर कार्य के विश्लेषण के लिए नमूना प्रश्न।

1. क्या काम में कोई वस्तु है जो किसी चीज का प्रतीक है?

2. कार्य की रचना करें और इसके मुख्य तत्वों का एक प्रतीकात्मक चरित्र है: क्षैतिज, ऊर्ध्वाधर, विकर्ण, वृत्त, रंग, घन, गुंबद, मेहराब, तिजोरी, शिखर, मीनार, इशारा, मुद्रा, वस्त्र, ताल, स्वर, आदि। ?

3. कार्य का शीर्षक क्या है? यह अपने कथानक और प्रतीकवाद से कैसे संबंधित है?

इसके बाद, हम चित्र की समझ के एक नए स्तर तक पहुँचते हैं। यहां, विश्लेषण के अलग-अलग पहलुओं को हमारे लिए इस विशेष कार्य की एक ही दुनिया में जोड़ा जाना चाहिए।. इस पर विश्लेषण का अंतिम चरणतस्वीर में एक भी विवरण नहीं रहना चाहिए, किसी तरह पूरे से बाहर गिरना चाहिए। यहां हमें फिर से ईमानदारी की बात करनी चाहिए। और यह अखंडता अधिक बार तार्किक रूप से नहीं, बल्कि भावनात्मक रूप से समझी जाती है। "कितना अद्भुत और बुद्धिमान!" - सावधान विश्लेषण के परिणामस्वरूप प्रशंसा हमारे पास आनी चाहिए। इस प्रारूप में आंकड़ों को मानसिक रूप से स्थानांतरित करने का प्रयास करें, कुछ बुझाएं और दूसरों को हाइलाइट करें, और आप देखेंगे कि यह न केवल अभिव्यक्ति को प्रभावित करता है, बल्कि तस्वीर का अर्थ भी प्रभावित करता है। इस स्तर पर, चित्र "उसका" बन जाता है।

लेकिन यह विश्लेषण की एक आदर्श प्रणाली है। वास्तव में, कुछ काम नहीं करता है, कहीं हम इसे नहीं सोचते हैं, कभी-कभी हमारे पास इसे ठीक से महसूस करने का समय नहीं होता है। लेकिन कम से कम एक बार छात्रों को विश्लेषण की पूरी प्रक्रिया दिखाने के लिए, उन्हें समझ के माध्यम से आगे बढ़ाने के लिए, हमें बस यह करना चाहिए।

प्रत्येक विशिष्ट कार्य में, हम एक स्तर को अलग कर सकते हैं और उस पर छात्रों के साथ काम कर सकते हैं। इसके अलावा, कला का कोई भी काम इनमें से प्रत्येक स्तर पर अपने पूरी तरह से स्वतंत्र अस्तित्व की अनुमति देता है। इसके अलावा, एक कार्य में कथानक का स्तर स्पष्ट रूप से प्रतिष्ठित है, दूसरे में - प्रतीकात्मक।

विश्लेषण कौशल विकसित करने के लिए, निजी तकनीकों का उपयोग करना उपयोगी होता है:

Ú तस्वीर का एक साधारण विवरण, यानी कि वास्तव में इसमें क्या दर्शाया गया है। इस तरह के विवरण किसी दिए गए कैनवास पर ध्यान केंद्रित करने में, चित्र की दुनिया में प्रवेश करने में अत्यंत सहायक होते हैं;

Ú सामग्री को संक्षिप्त करें। यहाँ शिक्षक केवल छवि को फिर से बताने के लिए कहता है, लेकिन हर बार अपनी कहानी को छोटा करता है। अंत में, कहानी को कुछ मतलबी वाक्यांशों तक सीमित कर दिया जाता है, जिसमें केवल सबसे महत्वपूर्ण बात रह जाती है;

Ú पदानुक्रम का निर्माण। यहां शिक्षक, छात्रों के साथ, कलाकार द्वारा प्रस्तावित मूल्यों को प्रश्न का उत्तर देने के लिए सहसंबंधित करने का प्रयास कर रहा है: "अधिक महत्वपूर्ण क्या है?" - यह तकनीक सभी स्तरों पर उपयोगी है;

Ú विश्लेषण के "क्षेत्र" का निर्माण। अक्सर अर्थ की "खोज" को कलाकार की जीवनी के कुछ महत्वहीन तथ्य या किसी संस्कृति के तथ्य से मदद मिलती है। यह हमारा ध्यान दूसरे विमान की ओर ले जाता है। हमारे विचारों को एक अलग रास्ता लेने दें। इसलिए तथ्य जुटाना जरूरी है। और, जैसा कि अभ्यास से पता चलता है, एक व्यक्तित्व विशेषता या घटना हमें जितनी अधिक असामान्य लगती है, उतना ही इसमें हमारे लिए रचनात्मक होता है;

Ú चिंतनशील और मोटर सहानुभूति (सहानुभूति)। यह पहले से ही एक अभिनय तकनीक है - तस्वीर की दुनिया में खुद की कल्पना करने का प्रयास, पोज़ लेने की कोशिश करना अभिनेताओं, उनके चेहरे की अभिव्यक्ति पर रखो, परिदृश्य के रास्तों पर चलो। रास्ते में कई खोजें हैं। इस तकनीक का सहारा अक्सर तब लिया जाता है जब किसी कारणवश विश्लेषण बंद हो जाता है।

यह स्पष्ट है कि विश्लेषण के रूप भिन्न हो सकते हैं। ये एक साधारण पाठ में अलग-अलग प्रश्न हैं, बच्चों को किसी की तरह महसूस करना, किसी चीज़ की कल्पना करना सिखाते हैं; अपने आप को एक या दूसरे वातावरण में विसर्जित करें। ये भी तुलनात्मक प्रश्न हैं। ये ध्यान अभ्यास हैं (आप क्या देखते हैं?) ये किसी विशेष कार्य के बारे में सरल तार्किक रचनाएँ हैं।

परिशिष्ट 1

पेंटिंग विश्लेषण योजना

1. नाम।

2. एक सांस्कृतिक और ऐतिहासिक युग, शैली से संबंधित।

4. कार्य के निर्माण का इतिहास।

5. नाम का अर्थ। प्लॉट की विशेषताएं। शैली से संबंधित।

6. रचना (क्या दर्शाया गया है, चित्र के तत्व कैसे स्थित हैं, गतिकी, लय)।

7. अचल संपत्ति कलात्मक अभिव्यक्ति(रंग, रेखा, चिरोस्कोरो, बनावट, लिखने का तरीका)।

8. आपका व्यक्तिगत प्रभाव।

नमूना

सावरसोव की पेंटिंग "द रूक्स हैव अराइव्ड"। सावरसोव एक अद्भुत कलाकार थे, जिनकी पेंटिंग को देखकर आप कभी नहीं थकते। वे हल्के होते हैं और विभिन्न प्रकार के रंगों में आते हैं। वह एक ऐसे कलाकार थे जिन्होंने रूसी परिदृश्य में क्रांति ला दी। अन्य कलाकारों के विपरीत, उन्होंने सरल रूसी परिदृश्यों को चित्रित किया। उनकी सबसे प्रसिद्ध कृतियों में से एक पेंटिंग "द रूक्स हैव अराइव्ड" है।

चित्र 1860-70 के मोड़ पर चित्रित किया गया था। इस पर, लेखक शुरुआती वसंत को दर्शाता है, वह क्षण जब पहले पक्षी (बदमाश) आते हैं और पेड़ों में घोंसले बनाना शुरू करते हैं।

हम चित्र के रंग पैलेट पर ध्यान देना चाहेंगे। सावरसोव एक बादल वसंत परिदृश्य की छाप का उपयोग करता है, लेकिन साथ ही, सूरज की किरणें परिदृश्य को अधिक धूपदार बनाती हैं। बेशक, तस्वीर का एक महत्वपूर्ण तत्व चर्च है। उसका सिल्हूट एक ग्रे दिन की छवि में कविता का एक नोट लाता है।

यह महसूस करते हुए कि कलाकार हमारे साथ अपने परिदृश्य की प्रशंसा कैसे करता है.

अनुलग्नक 2

स्मारक वास्तुकला विश्लेषण योजना

1. नाम।

2. जगह।

3. वास्तुकार।

4. कार्य सौपना:

एक कल्ट;

बी) धर्मनिरपेक्ष:

आवास,

एक सार्वजनिक भवन।

5. से क्या बना है. यदि संभव हो, तो इस विशेष सामग्री को चुनने का कारण बताएं।

6. प्रारुप सुविधाये, जिसके द्वारा आप शैली (या प्रयुक्त वास्तुशिल्प विवरण, योजना, आयाम, आदि) निर्धारित कर सकते हैं।

7. कार्य के प्रकार, स्थापत्य शैली, या किसी सभ्यता से संबंधित होने के बारे में अनुमान।

8. स्मारक के प्रति आपका दृष्टिकोण क्या है?. अपने मत की पुष्टि कीजिए।

नमूना

1. जोसर का पिरामिड।

2. मिस्र, सक़कारा।

3. वास्तुकार इम्होटेप।

4. पंथ भवन - समाधि।

5. पत्थर का निर्माण।

6. एक मकबरे के कमरे के साथ एक सीढ़ीदार पिरामिड का आकार। ऊंचाई 60 मीटर, साइड की लंबाई 120 मीटर।

7. कोई स्थापत्य शैली नहीं है, इमारत प्राचीन मिस्र की सभ्यता से संबंधित है।

8. …

परिशिष्ट 3

मूर्तिकला विश्लेषण योजना

1. नाम।

2. मूर्तिकार।

3. मूर्तिकला प्रकार:

ए) निष्पादन में:

1. गोल;

2. राहत:

में गहन

§ उच्च राहत।

बी) नियुक्ति के द्वारा:

1. पंथ,

2. धर्मनिरपेक्ष,

ग) उपयोग द्वारा:

1. स्वतंत्र,

2. वास्तु पहनावा का हिस्सा,

3. भवन की स्थापत्य सजावट का हिस्सा;

डी) शैली द्वारा:

1.पोर्ट्रेट:

§ पूर्ण विकास में;

2. विधा दृश्य।

4.वह सामग्री जिससे काम बनाया जाता है।

5.विस्तार के लिए देखभाल और ध्यान की डिग्री।

6.क्या अधिक ध्यान दिया जाता है (विशेषताएं):

ए) समानता

बी) सजावटी

ग) प्रदर्शन आंतरिक स्थितिइंसान,

डी) कुछ विचार।

7.क्या यह कैनन के अनुरूप है, अगर यह था।

8.जगह:

ए) विनिर्माण

बी) वह अब कहाँ है?

9. मूर्तिकला के विकास की शैली, दिशा या अवधि और किसी दिए गए कार्य में इसकी अभिव्यक्ति।

10.स्मारक के प्रति आपका दृष्टिकोण क्या है?. अपने मत की पुष्टि कीजिए.

परिशिष्ट 4

नमूना

1. सैमोथ्रेस का नाइके।

2. मूर्तिकला अज्ञात है।

3. मूर्तिकला प्रकार:

ए) निष्पादन में - दौर,

बी) नियुक्ति द्वारा - पंथ,

वी) मूल उपयोग से - वास्तु कलाकारों की टुकड़ी का हिस्सा,

जी) शैली द्वारा - पूर्ण विकास में देवी का चित्र।

4. संगमरमर से बना है।

5. काम बहुत बारीक है।

6. विजय की अजेय उड़ान के विचार पर ध्यान दिया जाता है।

7. कोई कैनन नहीं था।

8. चौथी शताब्दी में ग्रीस में बनाया गया। ईसा पूर्व ई।, अब लौवर (पेरिस, फ्रांस) में है।

9. प्राचीन हेलेनिस्टिक युग की मूर्ति।

10.मुझे स्मारक पसंद है (इसे नापसंद) क्योंकि…

परिशिष्ट 5

कला के कार्यों के विश्लेषण के लिए एल्गोरिदम

पेंटिंग के विश्लेषण के लिए एल्गोरिथम।

इस एल्गोरिथम पर काम करने की मुख्य शर्त यह है कि काम करने वालों को तस्वीर का नाम पता नहीं होना चाहिए।

1. आप इस पेंटिंग को क्या कहेंगे?

2. आपको तस्वीर पसंद है या नहीं? (उत्तर अस्पष्ट होना चाहिए।)

3. इस तस्वीर के बारे में बताएं ताकि जो इसे नहीं जानता उसे इसके बारे में अंदाजा लग सके।

4. यह तस्वीर आपको कैसा महसूस कराती है?

7. क्या आप पहले प्रश्न के अपने उत्तर में कुछ जोड़ना या बदलना चाहेंगे?

8. दूसरे प्रश्न के उत्तर पर लौटें। क्या आपका आकलन वही रहा है या बदल गया है? आप इस चित्र को अभी इतना अधिक मूल्य क्यों दे रहे हैं?

कला के कार्यों के विश्लेषण के लिए एल्गोरिथम।

2. कलात्मक युग से संबंधित ।

3. चित्र के नाम का अर्थ।

4. शैली संबद्धता।

5. चित्र के कथानक की विशेषताएं। पेंटिंग के कारण। प्रश्न के उत्तर की तलाश करें: क्या लेखक ने दर्शकों को अपना इरादा बताया?

6. चित्र की रचना की विशेषताएं।

7. एक कलात्मक छवि का मुख्य साधन: रंग, ड्राइंग, बनावट, चिरोस्कोरो, लेखन शैली।

8. कला के इस काम का आपकी भावनाओं और मनोदशा पर क्या प्रभाव पड़ा?

10. यह कलाकृति कहाँ स्थित है?

परिशिष्ट 6

आर्किटेक्चर के काम का विश्लेषण करने के लिए एल्गोरिदम।

1. एक वास्तुशिल्प संरचना और उसके लेखक के निर्माण के इतिहास के बारे में क्या ज्ञात है?

2. इस कार्य के सांस्कृतिक और ऐतिहासिक युग से संबंधित होने का संकेत दें, कलात्मक शैली, दिशा।

3. विट्रुवियस के सूत्र ने इस काम में क्या अवतार पाया: शक्ति, उपयोगिता, सौंदर्य?

4. इंगित करें कलात्मक साधनऔर टेक्टोनिक सिस्टम (पोस्ट-बीम, लैंसेट-आर्क, आर्क-डोम) पर एक वास्तुशिल्प छवि (समरूपता, लय, अनुपात, प्रकाश और छाया और रंग मॉडलिंग, स्केल) बनाने की तकनीकें।

5. वास्तुकला के प्रकार से संबंधित इंगित करें: त्रि-आयामी संरचनाएं (सार्वजनिक: आवासीय, औद्योगिक); परिदृश्य (परिदृश्य या छोटे रूप); शहरी नियोजन।

6. एक वास्तुशिल्प संरचना के बाहरी और आंतरिक स्वरूप के बीच संबंध, भवन और राहत के बीच संबंध, परिदृश्य की प्रकृति को इंगित करें।

7. इसकी स्थापत्य उपस्थिति के डिजाइन में अन्य प्रकार की कलाओं का उपयोग कैसे किया जाता है?

8. काम का आप पर क्या असर पड़ा?

9. कलात्मक छवि किन साहचर्यों को उद्घाटित करती है और क्यों?

10. वास्तु संरचना कहाँ स्थित है?

मूर्तिकला के कार्यों के विश्लेषण के लिए एल्गोरिथम।

1. कार्य के निर्माण का इतिहास।

3. कलात्मक युग से संबंधित ।

4. कार्य के शीर्षक का अर्थ।

5. मूर्तिकला के प्रकार (स्मारकीय, स्मारक, चित्रफलक) से संबंधित।

6. प्रयुक्त सामग्री और इसके प्रसंस्करण की तकनीक।

7. मूर्तिकला के आयाम (यदि यह जानना महत्वपूर्ण है)।

8. पेडस्टल का आकार और आकार।

9. यह मूर्ति कहाँ स्थित है?

10. इस काम का आप पर क्या असर हुआ?

11. कलात्मक छवि किन साहचर्यों को उद्घाटित करती है और क्यों?

साहित्य

1. आयुव, वी. एन. लाक्षणिकता [पाठ] /. - एम .: पूरी दुनिया, 2002।

2. इवलेव, एस. ए. विश्व कला संस्कृति को पढ़ाने में छात्रों के ज्ञान का नियंत्रण [पाठ] /। - एम।, 2001।

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5. व्यवस्थितसंदर्भ में "संगीत", "एमएचके", "थिएटर" विषयों पर सामग्री शिक्षा का क्षेत्र"कला" [पाठ]: सत, शिक्षक की मदद करने के लिए। - एम .: एमएचके फर्म, 2001।

6. Oistrakh, O. G.दुनिया कला संस्कृति[पाठ]: MHC शिक्षक / के लिए सामग्री। - एम।, 2001।

7. पोचेप्त्सोव, जी. जी.रूसी लाक्षणिकता [पाठ] /. - एम।: रेफ्ल-बुक, के।: "वाकलर", 2001।

8. सोलोबड, यू.पी। कला के एक काम में एक प्रतीक का पाठ बनाने का कार्य [पाठ] / // दार्शनिक विज्ञान। - 2002. - नंबर 2। - पृ.46-55।

पेंटिंग का विश्लेषण करते समय पूछे जाने वाले प्रश्न
कथानक-रोजमर्रा की धारणा से अमूर्त करने के लिए, याद रखें कि एक चित्र दुनिया के लिए एक खिड़की नहीं है, बल्कि एक ऐसा विमान है जिस पर अंतरिक्ष का भ्रम सचित्र माध्यमों से बनाया जा सकता है। इसलिए, पहले काम के बुनियादी मापदंडों का विश्लेषण करें:

1) पेंटिंग का आकार क्या है (स्मारकीय, चित्रफलक, लघु?

2) चित्र का प्रारूप क्या है: एक क्षैतिज या लंबवत लम्बी आयत (संभवतः एक गोल सिरे के साथ), एक वर्ग, एक वृत्त (टोंडो), एक अंडाकार?

3) किस तकनीक (टेम्परा, तेल, पानी के रंग आदि) में और किस आधार पर (लकड़ी, कैनवास, आदि) पेंटिंग बनाई गई थी?

4) इसे किस दूरी से सबसे अच्छा देखा जाता है?

I. छवि विश्लेषण।

4. क्या तस्वीर में कोई प्लॉट है? क्या दिखाया गया है? चित्रित वर्ण, वस्तुएँ किस वातावरण में स्थित हैं?

5. छवि के विश्लेषण के आधार पर, आप शैली के बारे में निष्कर्ष निकाल सकते हैं। कौन सी शैली: चित्र, परिदृश्य, स्थिर जीवन, नग्न, रोजमर्रा की जिंदगी, पौराणिक, धार्मिक, ऐतिहासिक, पशुवत, पेंटिंग से संबंधित है?

6. आपकी राय में, कलाकार किस कार्य को हल करता है - दृश्य? अभिव्यंजक? छवि के सम्मेलन या प्रकृतिवाद की डिग्री क्या है? क्या पारंपरिकता आदर्शीकरण की ओर या अभिव्यंजक विकृति की ओर बढ़ती है? एक नियम के रूप में, चित्र की रचना शैली से संबंधित है।

7) रचना के घटक क्या हैं? छवि की वस्तु और चित्र के कैनवास पर पृष्ठभूमि / स्थान का अनुपात क्या है?

8) छवि में वस्तुएं पिक्चर प्लेन के कितने करीब हैं?

9) कलाकार ने किस कोण को चुना - ऊपर से, नीचे से, चित्रित वस्तुओं के साथ फ्लश?

10) दर्शक की स्थिति कैसे निर्धारित की जाती है - क्या वह चित्र में दर्शाई गई छवि के साथ बातचीत में शामिल है, या क्या उसे एक अलग विचारक की भूमिका सौंपी गई है?
11) क्या रचना को संतुलित, स्थिर या गतिशील कहा जा सकता है? यदि गति होती है तो उसे किस प्रकार निर्देशित किया जाता है?

12) सचित्र स्थान कैसे बनाया जाता है (सपाट, अनिश्चित काल के लिए, स्थानिक परत को बंद कर दिया जाता है, गहरी जगह बनाई जाती है)? स्थानिक गहराई का भ्रम कैसे प्राप्त किया जाता है (चित्रित आंकड़ों के आकार में अंतर, वस्तुओं या वास्तुकला की मात्रा दिखाते हुए, रंग उन्नयन का उपयोग करके)? चित्र के माध्यम से रचना का विकास किया गया है।

13) तस्वीर में रैखिक शुरुआत कितनी स्पष्ट है?

14) क्या अलग-अलग वस्तुओं के परिसीमन पर बल दिया गया है या छुपाया गया है? यह प्रभाव किस माध्यम से प्राप्त किया जाता है?

15) वस्तुओं का आयतन किस सीमा तक व्यक्त किया जाता है? कौन सी तकनीकें मात्रा का भ्रम पैदा करती हैं?

16) चित्र में प्रकाश की क्या भूमिका है? यह कैसा है (चिकनी, तटस्थ; विपरीत, मूर्तिकला मात्रा; रहस्यमय)। क्या प्रकाश स्रोत/दिशा पठनीय है?

17) क्या चित्रित आकृतियों/वस्तुओं के छायाचित्र पढ़ने योग्य हैं? वे अपने आप में कितने अभिव्यंजक और मूल्यवान हैं?

18) छवि कितनी विस्तृत (या इसके विपरीत सामान्यीकृत) है?

19) क्या चित्रित सतहों (चमड़ा, कपड़े, धातु, आदि) के बनावट की विविधता संचरित है? रंग।

20) चित्र में रंग क्या भूमिका निभाता है (क्या यह चित्र और आयतन के अधीनस्थ है, या इसके विपरीत, क्या यह चित्र को अपने अधीन करता है और स्वयं रचना बनाता है)।

21) क्या रंग केवल आयतन का रंग है या कुछ और? क्या यह वैकल्पिक रूप से वफादार या अभिव्यंजक है?

22) क्या पेंटिंग में स्थानीय रंग या तानल रंग प्रमुख हैं?

23) क्या रंग के धब्बों की सीमाएँ अलग-अलग हैं? क्या वे वॉल्यूम और ऑब्जेक्ट्स की सीमाओं से मेल खाते हैं?

24) क्या कलाकार बड़े रंग या छोटे स्ट्रोक के साथ काम करता है?

25) गर्म और ठंडे रंग कैसे लिखे जाते हैं, क्या कलाकार पूरक रंगों के संयोजन का उपयोग करता है? वह इसे क्यों कर रहा है? सर्वाधिक प्रकाशित और छायांकित स्थानों को कैसे स्थानांतरित किया जाता है?

26) क्या चकाचौंध, सजगता है? छाया कैसे लिखी जाती है (बहरी या पारदर्शी, क्या वे रंगीन हैं)?

27) क्या किसी रंग या रंगों के संयोजन के उपयोग में लयबद्ध दोहराव को भेद करना संभव है, क्या किसी रंग के विकास का पता लगाना संभव है? क्या कोई प्रभावशाली रंग/रंग संयोजन है?

28) सचित्र सतह की बनावट कैसी है - चिकनी या पेस्टी? क्या व्यक्तिगत स्ट्रोक अलग-अलग हैं? यदि हां, तो वे क्या हैं - छोटा या लंबा, तरल, गाढ़ा या लगभग सूखा पेंट लगाया गया?

06.08.2013

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ललित कला के कार्यों के विश्लेषण के सिद्धांत

ललित कला के कार्यों के विश्लेषण और विवरण के मूल सिद्धांत

आपको जो जानने की आवश्यकता है उसकी अनुमानित राशि है

• –अनुशासन के अध्ययन का परिचय "कला के काम का विवरण और विश्लेषण।"

अनुशासन की प्रमुख अवधारणाएँ: कला, कलात्मक छवि; कला की आकृति विज्ञान; प्रकार, जीनस, कला की शैली; प्लास्टिक अस्थायी, सिंथेटिक कला रूप; विवर्तनिक और सचित्र; शैली, कला की "भाषा"; सांकेतिकता, हेर्मेनेयुटिक्स, साहित्यिक पाठ; औपचारिक विधि, शैलीगत विश्लेषण, आइकनोग्राफी, आइकनोलॉजी; विशेषता, पारखी; कला इतिहास में सौंदर्य मूल्यांकन, समीक्षा, मात्रात्मक तरीके।

• - कला का सौंदर्यवादी सिद्धांत: कलात्मक छवि कला और कलात्मक सोच का एक सार्वभौमिक रूप है; कला के काम की संरचना; कला में स्थान और समय, कला रूपों की ऐतिहासिक गतिशीलता; ऐतिहासिक और सांस्कृतिक प्रक्रिया में कला का संश्लेषण।
• – कला की आकृति विज्ञान: कला रूपों का वर्गीकरण; कलात्मक आकृति विज्ञान की एक श्रेणी के रूप में शैली।
• - प्रकार के रूप में प्लास्टिक कला की विशिष्ट विशेषताएं: वास्तुकला, मूर्तिकला, ग्राफिक्स, पेंटिंग।
• - कला के एक काम के विवरण और विश्लेषण के संदर्भ में कला के लाक्षणिकता और हेर्मेनेयुटिक्स: कला की भाषाएं, कला के अध्ययन के लिए संकेत दृष्टिकोण, पाठ के रूप में कला का काम, पाठ की व्याख्यात्मक समझ।
• - एक साहित्यिक पाठ के विश्लेषण के लिए पद्धति संबंधी नींव: औपचारिक शैलीगत, आइकनोग्राफिक, आइकनोलॉजी।

किसी भी विज्ञान की तरह, कला इतिहास के सिद्धांत के अपने तरीके हैं। आइए हम मुख्य का नाम लें: आइकनोग्राफिक विधि, वोल्फलिन की विधि, या औपचारिक शैलीगत विश्लेषण की विधि, आइकॉनोलॉजिकल विधि, हेर्मेनेयुटिक्स की विधि।

आइकनोग्राफिक पद्धति के संस्थापक रूसी वैज्ञानिक एन.पी. कोंडाकोव और फ्रांसीसी ई। मल। दोनों वैज्ञानिक मध्य युग की कला में लगे हुए थे (कोंडाकोव एक बीजान्टिन चित्रकार थे, मल ने पश्चिमी मध्य युग का अध्ययन किया था)। यह विधि "छवि के इतिहास", कथानक के अध्ययन पर आधारित है। जो दर्शाया गया है, उसकी जांच करके कार्यों के अर्थ और सामग्री को समझा जा सकता है। छवियों की उपस्थिति और विकास के इतिहास का गहराई से अध्ययन करके ही प्राचीन रूसी आइकन को समझा जा सकता है।

समस्या यह नहीं है कि क्या चित्रित किया गया है, लेकिन यह कैसे चित्रित किया गया है, प्रसिद्ध जर्मन वैज्ञानिक जी। वोल्फलिन लगे हुए थे। वोल्फलिन ने कला के इतिहास में एक "औपचारिकतावादी" के रूप में प्रवेश किया, जिनके लिए कला की समझ इसकी औपचारिक संरचना के अध्ययन तक सीमित है। उन्होंने एक "उद्देश्य तथ्य" के रूप में कला के एक काम के अध्ययन के लिए एक औपचारिक-शैलीगत विश्लेषण करने का प्रस्ताव रखा, जिसे मुख्य रूप से स्वयं से समझा जाना चाहिए।

अमेरिकी इतिहासकार और कला सिद्धांतकार ई. पैनोफ़्स्की (1892-1968) द्वारा कला के काम के विश्लेषण की प्रतीकात्मक पद्धति विकसित की गई थी। यह विधि किसी कार्य के अर्थ को प्रकट करने के लिए "सांस्कृतिक" दृष्टिकोण पर आधारित है। छवि को समझने के लिए, वैज्ञानिक के अनुसार, न केवल आइकनोग्राफिक और औपचारिक-शैलीगत तरीकों का उपयोग करना, उनसे एक संश्लेषण बनाना आवश्यक है, बल्कि किसी व्यक्ति के आध्यात्मिक जीवन की आवश्यक प्रवृत्तियों से परिचित होना भी है, अर्थात। युग और व्यक्तित्व, दर्शन, धर्म, सामाजिक स्थिति का विश्वदृष्टि - जिसे "समय के प्रतीक" कहा जाता है। यहाँ, कला समीक्षक को संस्कृति के क्षेत्र में विशाल ज्ञान की आवश्यकता होती है। यह विश्लेषण करने की इतनी क्षमता नहीं है, बल्कि अंतर्ज्ञान को संश्लेषित करने की आवश्यकता है, क्योंकि कला के एक काम में, जैसा कि यह था, एक संपूर्ण युग संश्लेषित होता है। इस प्रकार, पैनोफ़्स्की ने शानदार ढंग से ड्यूरर द्वारा कुछ नक्काशियों का अर्थ प्रकट किया, टिटियन द्वारा काम करता है, और अन्य इन तीनों विधियों, उनके सभी प्लसस और माइनस के साथ, शास्त्रीय कला को समझने के लिए इस्तेमाल किया जा सकता है।

XX सदी की कला को समझना मुश्किल है। और विशेष रूप से 20 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में, उत्तर आधुनिकतावाद की कला, जिसे हमारी समझ के लिए एक प्राथमिकता नहीं बनाया गया है: इसमें अर्थ की अनुपस्थिति कार्य का अर्थ है। उत्तर-आधुनिकतावाद की कला कुल खेल सिद्धांत पर आधारित है, जहाँ दर्शक काम बनाने की प्रक्रिया के सह-लेखक के रूप में कार्य करता है। हेर्मेनेयुटिक्स व्याख्या के माध्यम से समझ रहा है। लेकिन आई. कांत ने यह भी कहा कि कोई भी व्याख्या इस बात का स्पष्टीकरण है कि क्या स्पष्ट नहीं है, और यह एक हिंसक कृत्य पर आधारित है। हां यह है। समकालीन कला को समझने के लिए, हमें इस "बिना नियमों के खेल" में शामिल होने के लिए मजबूर किया जाता है, और आधुनिक कला सिद्धांतकार समानांतर चित्र बनाते हैं, जो वे देखते हैं उसकी व्याख्या करते हैं।

इस प्रकार, कला को समझने के इन चार तरीकों पर विचार करने के बाद, यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि कला के इतिहास में किसी विशेष अवधि से निपटने वाला प्रत्येक वैज्ञानिक हमेशा काम के अर्थ और सामग्री को प्रकट करने के लिए अपना दृष्टिकोण खोजने की कोशिश करता है। और यह कला के सिद्धांत की मुख्य विशेषता है।

• - कला का फैक्टोग्राफिक अध्ययन। कला के एक काम का श्रेय: आरोपण और पारखीता, आरोपण सिद्धांत और इसके गठन का इतिहास, सिद्धांत और आरोपण कार्य के तरीके।

पारखी का इतिहास विशद और विस्तार से घरेलू कला विद्वानों द्वारा वर्णित है। वी.एन. लाज़रेव (1897-1976) ("पारखी का इतिहास"), बी.आर. वाइपर (1888-1967) ("एट्रिब्यूशन की समस्या पर")। XIX सदी के मध्य में। दिखाई पड़ना नया प्रकारकला का "पारखी", जिसका लक्ष्य विशेषता है, अर्थात। कार्य, समय, सृजन के स्थान और ग्रन्थकारिता की प्रामाणिकता स्थापित करना। पारखी के पास एक अभूतपूर्व स्मृति और ज्ञान, त्रुटिहीन स्वाद होता है। उन्होंने कई संग्रहालय संग्रह देखे हैं और, एक नियम के रूप में, किसी कार्य को श्रेय देने का उनका अपना तरीका है। एक विधि के रूप में ज्ञान के विकास में अग्रणी भूमिका इटालियन की थी जियोवानी मोरेली (1816-1891), जिन्होंने पहली बार "कलात्मक भाषा का व्याकरण" बनाने के लिए एक पेंटिंग के निर्माण में कुछ नियमितताओं को निकालने की कोशिश की, जो कि एट्रिब्यूशन पद्धति का आधार बन गया (और बन गया)। मोरेली ने इतालवी कला के इतिहास में कई मूल्यवान खोजें कीं। मोरेली के अनुयायी थे बर्नार्ड बर्नसन (1865-1959), जिन्होंने तर्क दिया कि निर्णय का एकमात्र सच्चा स्रोत कार्य ही है। बर्नसन लंबे समय तक जीवित रहे और उज्जवल जीवन. वी.एन. लाज़रेव ने पारखी के इतिहास पर एक प्रकाशन में उत्साहपूर्वक पूरे का वर्णन किया रचनात्मक तरीकावैज्ञानिक। पारखी के इतिहास में कोई कम दिलचस्प जर्मन वैज्ञानिक नहीं है मैक्स फ्रीडलैंडर (1867-1958)। फ्रीडलैंडर ने कला के देखे गए काम से प्राप्त पहली छाप को एट्रिब्यूशन पद्धति का आधार माना। तभी कोई वैज्ञानिक विश्लेषण के लिए आगे बढ़ सकता है, जिसमें सबसे छोटा विवरण मायने रख सकता है। उन्होंने स्वीकार किया कि कोई भी शोध पहली छाप की पुष्टि और पूरक कर सकता है या इसके विपरीत, इसे अस्वीकार कर सकता है। लेकिन यह इसे कभी नहीं बदलेगा। फ्रीडलैंडर के अनुसार, पारखी के पास एक कलात्मक स्वभाव और अंतर्ज्ञान होना चाहिए, जो "कम्पास तीर की तरह, उतार-चढ़ाव के बावजूद, हमें रास्ता दिखाता है।" घरेलू कला के इतिहास में, कई वैज्ञानिक और संग्रहालय कार्यकर्ता आरोपण कार्य में लगे हुए थे और पारखी के रूप में जाने जाते थे। बी.आर. Wipper ने एट्रिब्यूशन के तीन मुख्य मामलों को प्रतिष्ठित किया: सहज, यादृच्छिक, और तीसरा - एट्रिब्यूशन में मुख्य तरीका - जब शोधकर्ता विभिन्न तरीकों का उपयोग करके काम के लेखक की स्थापना के लिए संपर्क करता है। वाइपर की विधि की परिभाषित कसौटी पेंटिंग की बनावट और भावनात्मक लय है। बनावट से तात्पर्य पेंट, स्ट्रोक की प्रकृति आदि से है। भावनात्मक ताल एक पेंटिंग या ललित कला के किसी अन्य रूप में कामुक और आध्यात्मिक अभिव्यक्ति की गतिशीलता है। लय और बनावट को समझने की क्षमता कलात्मक गुणवत्ता की सही समझ और सराहना का सार है। इस प्रकार, पारखी, संग्रहालय के कर्मचारियों द्वारा की गई कई विशेषताओं और खोजों ने कला के इतिहास में एक निर्विवाद योगदान दिया है: उनकी खोजों के बिना, हम मूल के लिए नकली लेते हुए, कार्यों के सच्चे लेखकों को नहीं पहचान पाएंगे। हमेशा कुछ वास्तविक विशेषज्ञ रहे हैं, वे कला की दुनिया में जाने जाते थे और उनके काम को बहुत महत्व दिया जाता था। पारखी-विशेषज्ञ की भूमिका विशेष रूप से 20 वीं शताब्दी में बढ़ गई, जब ललित कला के कार्यों की भारी मांग के कारण कला बाजार नकली से भर गया। एक भी म्यूजियम नहीं, कलेक्टर बिना गहन जांच के खरीद लेंगे काम यदि पहले पारखी ज्ञान और व्यक्तिपरक धारणा के आधार पर अपने निष्कर्ष निकालते हैं, तो आधुनिक विशेषज्ञ तकनीकी और तकनीकी विश्लेषण के वस्तुनिष्ठ डेटा पर निर्भर करते हैं, अर्थात्: चित्र का एक्स-रे संचरण, पेंट की रासायनिक संरचना का निर्धारण, कैनवास, लकड़ी, मिट्टी की उम्र का निर्धारण। इस तरह गलतियों से बचा जा सकता है। इस प्रकार, एक स्वतंत्र मानवतावादी विज्ञान के रूप में कला के इतिहास के निर्माण के लिए संग्रहालयों के उद्घाटन और पारखी लोगों की गतिविधियों का बहुत महत्व था।

• - कला के काम का भावनात्मक और सौंदर्य मूल्यांकन। शैली के रूप, कला इतिहास अनुसंधान के तरीके।

आदिम विश्लेषण एल्गोरिथम:

कला के कार्यों के विश्लेषण के लिए एल्गोरिथम

1. पेंटिंग के शीर्षक का अर्थ।
2. शैली संबद्धता।
3. चित्र के कथानक की विशेषताएं। पेंटिंग के कारण। प्रश्न के उत्तर की तलाश करें: क्या लेखक ने दर्शकों को अपना इरादा बताया?
4. चित्र की रचना की विशेषताएं।
5. कलात्मक छवि का मुख्य साधन: रंग, ड्राइंग, बनावट, चिरोस्कोरो, लेखन शैली।
6. कला के इस काम का आपकी भावनाओं और मनोदशा पर क्या प्रभाव पड़ा?
7. कला का यह टुकड़ा कहाँ स्थित है?

वास्तुकला के कार्यों के विश्लेषण के लिए एल्गोरिथम

1. एक वास्तुशिल्प संरचना और उसके लेखक के निर्माण के इतिहास के बारे में क्या ज्ञात है?
2. इस कार्य के सांस्कृतिक और ऐतिहासिक युग, कलात्मक शैली, दिशा से संबंधित होने का संकेत दें।
3. इस काम में विटरुवियस के सूत्र को क्या मिला: शक्ति, उपयोगिता, सौंदर्य?
4. एक वास्तुशिल्प छवि (समरूपता, ताल, अनुपात, प्रकाश और छाया और रंग मॉडलिंग, स्केल), टेक्टोनिक सिस्टम (पोस्ट-बीम, लैंसेट-आर्क, आर्क-डोम) बनाने के लिए कलात्मक साधनों और तकनीकों का संकेत दें।
5. वास्तुकला के प्रकार से संबंधित इंगित करें: त्रि-आयामी संरचनाएं (सार्वजनिक: आवासीय, औद्योगिक); परिदृश्य (परिदृश्य या छोटे रूप); शहरी नियोजन।
6. एक वास्तुशिल्प संरचना के बाहरी और आंतरिक रूप के बीच संबंध, भवन और राहत के बीच संबंध, परिदृश्य की प्रकृति का संकेत दें।
7. इसकी स्थापत्य उपस्थिति के डिजाइन में अन्य प्रकार की कलाओं का उपयोग कैसे किया जाता है?
8. काम का आप पर क्या प्रभाव पड़ा?
9. कलात्मक छवि किन संघों को उद्घाटित करती है और क्यों?
10. वास्तु कहाँ स्थित है?

मूर्तिकला के कार्यों के विश्लेषण के लिए एल्गोरिथम

1. काम के निर्माण का इतिहास।
2. लेखक के बारे में। यह कार्य उसके कार्य में किस स्थान पर है?
3. कलात्मक युग से संबंधित।
4. काम के शीर्षक का अर्थ।
5. मूर्तिकला के प्रकार (स्मारकीय, स्मारक, चित्रफलक) से संबंधित।
6. सामग्री का उपयोग और इसके प्रसंस्करण की तकनीक।
7. मूर्तिकला के आयाम (यदि यह जानना महत्वपूर्ण है)।
8. पेडस्टल का आकार और आकार।
9. यह मूर्ति कहाँ स्थित है?
10. इस काम का आप पर क्या प्रभाव पड़ा?
11. कलात्मक छवि किन संघों को उद्घाटित करती है और क्यों?

अधिक:

कला के काम का विश्लेषण करने के लिए नमूना प्रश्न

भावनात्मक स्तर:

• काम क्या प्रभाव डालता है?
• लेखक किस मनोदशा को व्यक्त करने का प्रयास कर रहा है?
• दर्शक किन संवेदनाओं का अनुभव कर सकता है?
• कार्य की प्रकृति क्या है?
• भागों के पैमाने, प्रारूप, क्षैतिज, ऊर्ध्वाधर या विकर्ण व्यवस्था, कुछ वास्तु रूपों का उपयोग, चित्र में कुछ रंगों का उपयोग और स्थापत्य स्मारक में प्रकाश का वितरण काम की भावनात्मक छाप में कैसे मदद करता है?

विषय स्तर:

• तस्वीर में क्या (या कौन) है?
• अग्रभाग के सामने खड़े होने पर दर्शक क्या देखता है? अंदरूनी में?
• आप मूर्तिकला में किसे देखते हैं?
• आपने जो देखा उसमें से मुख्य बात को हाइलाइट करें।
• यह समझाने की कोशिश करें कि यह आपके लिए मुख्य बात क्यों लगती है?
• कलाकार (वास्तुकार, संगीतकार) किस माध्यम से मुख्य बात को अलग करता है?
• कार्य (विषय रचना) में वस्तुओं को कैसे व्यवस्थित किया जाता है?
• कार्य (रैखिक रचना) में मुख्य रेखाएँ कैसे खींची जाती हैं?
• आर्किटेक्चरल स्ट्रक्चर (वास्तु संरचना) में वॉल्यूम और स्पेस की तुलना कैसे की जाती है?
• कहानी का स्तर:
• चित्र के कथानक को फिर से बताने का प्रयास करें।
• कल्पना करने की कोशिश करें कि इस वास्तुशिल्प संरचना में कौन सी घटनाएं अधिक बार हो सकती हैं।
• यदि यह जीवन में आता है तो यह मूर्तिकला क्या कर सकती है (या कह सकती है)?

प्रतीकात्मक स्तर:

• क्या काम में ऐसी वस्तुएँ हैं जो किसी चीज़ का प्रतीक हैं?
• कार्य की रचना करें और इसके मुख्य तत्वों में एक प्रतीकात्मक चरित्र है: क्षैतिज, ऊर्ध्वाधर, विकर्ण, वृत्त, अंडाकार, रंग, घन, गुंबद, मेहराब, तिजोरी, दीवार, मीनार, शिखर, इशारा, मुद्रा, कपड़े, लय, लय , आदि।?
• काम का शीर्षक क्या है? यह अपने कथानक और प्रतीकवाद से कैसे संबंधित है?
• आपको क्या लगता है कि काम के लेखक लोगों को बताना चाहते थे?

एक पेंटिंग के विश्लेषण के लिए योजना

1. 1. लेखक, कार्य का शीर्षक, निर्माण का समय और स्थान, विचार का इतिहास और इसके कार्यान्वयन। मॉडल चयन।
2. 2. शैली, दिशा।
3. 3. पेंटिंग का प्रकार: चित्रफलक, स्मारक (फ्रेस्को, टेम्परा, मोज़ेक)।
4. 4. सामग्री का विकल्प (चित्रफलक पेंटिंग के लिए): तैलीय रंग, जल रंग, गौचे, पेस्टल। कलाकार के लिए इस सामग्री के उपयोग की विशेषताएं।
5. 5. चित्रकला की शैली (चित्र, परिदृश्य, स्थिर जीवन, इतिहास पेंटिंग, पैनोरमा, डायोरमा, आइकनोग्राफी, मरीना, पौराणिक शैली, घरेलू शैली)। कलाकार के कार्यों के लिए शैली की विशेषताएं।
6. 6. सुरम्य भूखंड। प्रतीकात्मक सामग्री (यदि कोई हो)।
7. 7. काम की सुरम्य विशेषताएं:

• रंग;
• रोशनी;
• आयतन;
• समतलता;
• रंग;
• कलात्मक स्थान (कलाकार द्वारा रूपांतरित स्थान);
• पंक्ति।

9. कार्य को देखने पर प्राप्त व्यक्तिगत प्रभाव।

विशिष्टता:

• संरचना योजना और इसके कार्य
  • आकार
  • प्रारूप (लंबवत और क्षैतिज रूप से लम्बी, वर्गाकार, अंडाकार, गोल, पहलू अनुपात)
  • ज्यामितीय पैटर्न
  • मुख्य रचना पंक्तियाँ
  • संतुलन, छवि के हिस्सों का एक दूसरे के साथ और पूरे के साथ अनुपात,
  • देखने का क्रम
• अंतरिक्ष और इसके कार्य।
  • परिप्रेक्ष्य, लुप्त बिंदु
  • समतलता और गहराई
  • स्थानिक योजनाएँ
  • दर्शक और कार्य के बीच की दूरी, चित्र के स्थान पर या उसके बाहर दर्शक का स्थान
  • दृष्टिकोण और कोणों की उपस्थिति, क्षितिज रेखा
• चिरोस्कोरो, आयतन और उनकी भूमिका।
  • मात्रा और विमान
  • रेखा, सिल्हूट
  • प्रकाश स्रोत, दिन का समय, प्रकाश प्रभाव
  • प्रकाश और छाया का भावनात्मक प्रभाव
• रंग, रंग और इसके कार्य
  • तानवाला या स्थानीय रंग की प्रबलता
  • गर्म या ठंडे रंग
  • रैखिकता या चित्रमयता
  • मुख्य रंग के धब्बे, उनके संबंध और रचना में उनकी भूमिका
  • स्वर, वैलेरी
  • सजगता
  • रंग का भावनात्मक प्रभाव
• सतह की बनावट (स्मियर)।
  • स्ट्रोक की प्रकृति (खुली बनावट, चिकनी बनावट)
  • स्मीयर अभिविन्यास
  • धब्बा आकार
  • ग्लेज़िंग

स्थापत्य स्मारकों का विवरण और विश्लेषण

विषय 1। वास्तुकला की कलात्मक भाषा।

एक कला के रूप में वास्तुकला। "कलात्मक वास्तुकला" की अवधारणा। वास्तुकला में कलात्मक छवि। वास्तुकला की कलात्मक भाषा: रेखा, विमान, अंतरिक्ष, द्रव्यमान, ताल (अतालता), समरूपता (विषमता) के रूप में कलात्मक अभिव्यक्ति के ऐसे साधनों की अवधारणा। वास्तुकला में विहित और प्रतीकात्मक तत्व। भवन योजना, बाहरी, आंतरिक की अवधारणा। वास्तुकला में शैली।

विषय 2। मुख्य प्रकार की वास्तु संरचनाएँ

शहरी कला के स्मारक: ऐतिहासिक शहर, उनके हिस्से, प्राचीन योजना के स्थल; वास्तु परिसरों, टुकड़ियों। आवासीय वास्तुकला के स्मारक (व्यापारियों, रईसों, किसानों, लाभदायक घरों, आदि के सम्पदा) नागरिक सार्वजनिक वास्तुकला के स्मारक: थिएटर, पुस्तकालय, अस्पताल, शैक्षिक भवन, प्रशासनिक भवन, रेलवे स्टेशन, आदि। पंथ स्मारक: मंदिर, चैपल, मठ . रक्षा वास्तुकला: जेल, किले की मीनारें, आदि। औद्योगिक वास्तुकला के स्मारक: कारखाने के परिसर, भवन, फोर्ज आदि।

उद्यान और पार्क स्मारक, भूनिर्माण कला: उद्यान और पार्क।

विषय 3. एक स्थापत्य स्मारक का विवरण और विश्लेषण

भवन योजना, निर्माण सामग्री, बाहरी मात्रा की संरचना। सड़क और आंगन के अग्रभाग, दरवाजे और खिड़की के खुलने, बालकनियों, बाहरी और आंतरिक सजावट का विवरण। शैली और कलात्मक योग्यता पर निष्कर्ष स्थापत्य स्मारक, शहर, गांव, क्षेत्र की ऐतिहासिक और स्थापत्य विरासत में इसका स्थान।

एक वास्तुशिल्प स्मारक के मोनोग्राफिक विश्लेषण के तरीके

1. रचनात्मक और विवर्तनिक प्रणालियों के विश्लेषण में शामिल हैं:

ए) इसके रचनात्मक आधार के स्मारक के परिप्रेक्ष्य या ऑर्थोगोनल अनुमानों पर ग्राफिकल पहचान (उदाहरण के लिए, एक बिंदीदार रेखा के साथ वाल्टों और गुंबदों की रूपरेखा तैयार करना, मुखौटा पर आंतरिक संरचना को "प्रदर्शित करना", एक प्रकार का "संयोजन" मुखौटा अनुभाग के साथ, आंतरिक की संरचना आदि को स्पष्ट करने के लिए वर्गों पर सतहों को छायांकित करना)

बी) संरचनात्मक तत्वों और संबंधित विवर्तनिक वास्तुशिल्प रूपों की निकटता और परस्पर संबंध की डिग्री की व्याख्या (उदाहरण के लिए, परिधि मेहराब की पहचान, वर्गों में वाल्ट और उनकी परिभाषा, ज़कोमार, कोकेशनिक, तीन-पैर वाले मेहराब के रूपों पर उनका प्रभाव , वगैरह।)

ग) एक स्मारक की कुछ विवर्तनिक योजनाओं को चित्रित करना (उदाहरण के लिए, एक गोथिक गिरजाघर के गुंबददार घास के आवरण का आरेख या स्तंभ रहित मंदिर के आंतरिक स्थान का "कास्ट" आरेख - एक्सोनोमेट्री, आदि में);

2. अनुपात और अनुपात का विश्लेषण, एक नियम के रूप में, ऑर्थोगोनल अनुमानों में किया जाता है और इसमें दो बिंदु होते हैं:

ए) स्मारक के मुख्य आयामी मापदंडों के बीच कई अनुपातों (उदाहरण के लिए, 2:3, 4:5, आदि) की खोज करें, इस तथ्य को ध्यान में रखते हुए कि निर्माण के दौरान इन अनुपातों का उपयोग एक समय में अलग करने के लिए किया जा सकता है। प्रकार में आवश्यक मूल्य। साथ ही, स्मारक में बार-बार सामना किए जाने वाले आयामी मूल्यों (मॉड्यूल) की तुलना लंबाई के ऐतिहासिक उपायों (पैर, साजेन इत्यादि) से की जानी चाहिए;

बी) सबसे सरल ज्यामितीय आकृतियों (वर्ग, डबल वर्ग, समबाहु त्रिभुज, आदि) के तत्वों के नियमित संबंधों के आधार पर स्मारक के मुख्य रूपों और कलाकृतियों के आकार के बीच अधिक या कम निरंतर ज्यामितीय संबंध की खोज और उनके डेरिवेटिव। प्रकट अनुपात को स्मारक के विवर्तनिक रूपों के निर्माण के तर्क और इसके अलग-अलग हिस्सों के निर्माण के स्पष्ट अनुक्रम का खंडन नहीं करना चाहिए। विश्लेषण मूल के आयामों को जोड़ने के साथ समाप्त हो सकता है ज्यामितीय आकृति(उदाहरण के लिए, एक वर्ग) एक मापांक के साथ और लंबाई के ऐतिहासिक माप के साथ।

प्रशिक्षण अभ्यास में, किसी को बहुत सारे रिश्तों की पहचान करने का प्रयास नहीं करना चाहिए, चयनित अनुपातों और अनुपातों की गुणवत्ता पर ध्यान देना बहुत महत्वपूर्ण है, अर्थात, उनका संरचनागत महत्व, मुख्य विवर्तनिक के आयामी संबंधों के साथ उनका संबंध वॉल्यूम के विभाजन और एक स्मारक के निर्माण की प्रक्रिया में उनके उपयोग की संभावना।

3. मेट्रो-रिदमिक पैटर्न का विश्लेषण ऑर्थोगोनल ड्रॉइंग और स्मारक की परिप्रेक्ष्य छवियों (ड्राइंग, फोटोग्राफ, स्लाइड आदि) दोनों पर किया जा सकता है। विधि का सार मीट्रिक और लयबद्ध श्रृंखला के रूपों के स्मारक की किसी भी छवि पर लंबवत और क्षैतिज रूप से ग्राफिक अंडरलाइनिंग (लाइन, टोन, छायांकन या रंग द्वारा) तक कम हो गया है। इस तरह से प्रतिष्ठित मीट्रिक पंक्तियाँ (उदाहरण के लिए, कोलोनेड, विंडो ओपनिंग, कॉर्निस, आदि) और लयबद्ध पंक्तियाँ (उदाहरण के लिए, ऊँचाई में कमी, मेहराब के बदलते फैलाव आदि) "स्थिर" की पहचान करना संभव बनाती हैं या इस स्मारक की "गतिशील" स्थापत्य रचना। साथ ही, रूपों की लयबद्ध श्रृंखला के सदस्यों में परिवर्तन के पैटर्न की व्याख्या अनुपात के विश्लेषण से निकटता से संबंधित है। अध्ययन के परिणामस्वरूप, सशर्त योजनाएँ तैयार की जाती हैं, जो इस स्थापत्य स्मारक के रूपों की मेट्रो-लयबद्ध श्रृंखला के निर्माण की विशेषताओं को दर्शाती हैं।

4. ग्राफिक पुनर्निर्माण आपको अपने ऐतिहासिक अस्तित्व के किसी भी स्तर पर स्मारक के खोए हुए स्वरूप को फिर से बनाने की अनुमति देता है। पुनर्निर्माण या तो एक ऑर्थोगोनल ड्राइंग (योजना, मुखौटा) के रूप में किया जाता है, जब एक उपयुक्त अंतर्निहित आधार होता है, या जीवन या एक तस्वीर (स्लाइड) से ड्राइंग से बनाई गई परिप्रेक्ष्य छवि के रूप में। पुनर्निर्माण के स्रोत के रूप में, किसी को स्मारक की प्रकाशित प्राचीन छवियों, विभिन्न ऐतिहासिक विवरणों के साथ-साथ उसी युग के समान स्मारकों पर सामग्री का उपयोग करना चाहिए।

शैक्षिक उद्देश्यों के लिए, छात्र को केवल एक स्केच पुनर्निर्माण करने के लिए आमंत्रित किया जाता है, जो केवल सामान्य शब्दों में स्मारक के मूल या परिवर्तित रूप की प्रकृति को बताता है।

कई मामलों में, एक छात्र विभिन्न शोधकर्ताओं द्वारा बनाए गए एक ही स्मारक के पुनर्निर्माण विकल्पों की तुलना करने के लिए खुद को सीमित कर सकता है। लेकिन फिर इन विकल्पों को एक उचित मूल्यांकन देना और उनमें से सबसे संभावित को उजागर करना आवश्यक है। छात्र को समान स्मारकों या उनके टुकड़ों की छवि के साथ ग्राफिक रूप से अपनी पसंद की पुष्टि करनी चाहिए।

एक विशेष प्रकार का पुनर्निर्माण - स्मारक के मूल और बाद में खोए हुए रंग की बहाली - एक ऐतिहासिक शहरी वातावरण के संभावित समावेश के साथ ऑर्थोगोनल पहलुओं या परिप्रेक्ष्य छवियों के आधार पर किया जाता है।

ग्राफिक पुनर्निर्माण कार्य करते समय, ड्राइंग और फोटोमॉन्टेज की विधि का व्यापक रूप से उपयोग किया जा सकता है।

5. वास्तुशिल्प चित्रों का निर्माण एक विकसित त्रि-आयामी रचना के साथ स्मारकों का विश्लेषण करने की एक तकनीक है, जो समय के साथ धीरे-धीरे धारणा के लिए डिज़ाइन की गई है, जैसे कि एथेंस में एराचेथियोन या मॉस्को में पोक्रोव्स्की कैथेड्रल। इस तरह के एक स्मारक के चारों ओर घूमते समय, दर्शक, दूसरों द्वारा कुछ संस्करणों को कवर करने के कारण, एक दूसरे में प्रवाहित होने वाली बहुत सारी परिप्रेक्ष्य छवियों को देखते हैं, जिन्हें वास्तु चित्र कहा जाता है।

छात्र का कार्य वास्तुशिल्प चित्रों के गुणात्मक रूप से अलग-अलग समूहों को अलग करना है, चित्रों के इन समूहों की धारणा के क्षेत्रों को योजना पर नामित करना और प्रत्येक समूह को एक विशेषता के साथ एक परिप्रेक्ष्य ड्राइंग या फोटोग्राफ (स्लाइड) के रूप में चित्रित करना है।

गुणात्मक रूप से भिन्न चित्रों की संख्या आमतौर पर पाँच या छह से अधिक नहीं होती है।

6. पैमाने और पैमाने के विश्लेषण में आर्किटेक्चरल वॉल्यूम के डिवीजनों की बड़े पैमाने पर भूमिका की पहचान करना और विशेषता विवरण के स्मारक के ऑर्थोगोनल या परिप्रेक्ष्य छवियों पर ग्राफिकल चयन शामिल है - "स्केल संकेतक", जैसे चरण, बेलस्ट्रेड इत्यादि। एक सार्वभौमिक उपकरण वास्तुशिल्प पैमाने के रूप में आदेश की भूमिका पर विशेष ध्यान दिया जाना चाहिए।

स्थापत्य स्मारकों के तुलनात्मक विश्लेषण के तरीके

1. दो स्मारकों की त्रि-आयामी रचना की तुलना योजनाओं, अग्रभागों या वर्गों की तुलना करके की जाती है, जो एक सामान्य पैमाने पर कम हो जाती है। योजनाओं, पहलुओं और वर्गों को ओवरले या संयोजित करना बहुत प्रभावी है; कभी-कभी, दो स्मारकों के अनुमानों की तुलना करते समय, उन्हें कुछ सामान्य आकार में लाना उपयोगी होता है, उदाहरण के लिए, समान ऊँचाई या चौड़ाई (इस मामले में, स्मारकों के अनुपात की भी तुलना की जाती है)।

तुलना प्रकृति या तस्वीरों से चित्र के रूप में स्मारकों की परिप्रेक्ष्य छवियों की तुलना करने के उद्देश्य से भी संभव है। इस मामले में, चित्र या तस्वीरें समान कोणों से और ऐसे बिंदुओं से ली जानी चाहिए, जिनसे स्मारकों की वॉल्यूमेट्रिक रचना की विशेषताएँ सामने आती हैं। यह सुनिश्चित किया जाना चाहिए कि, उनके सापेक्ष आकार के संदर्भ में, स्मारकों की छवियां लगभग प्रकृति में उनके आकार के अनुपात के अनुरूप हों।

तुलनात्मक तुलना के सभी मामलों में, स्मारकों के बीच का अंतर आमतौर पर उनकी समानता के क्षणों की तुलना में अधिक स्पष्ट रूप से सामने आता है। इसलिए, ग्राफिक रूप से जोर देना जरूरी है कि तुलनात्मक वस्तुओं को एक साथ लाता है, उदाहरण के लिए, रचनात्मक तकनीकों की पहचान, वॉल्यूम्स के संयोजन में समानता, डिवीजनों की समान प्रकृति, उद्घाटन का स्थान इत्यादि।

मूर्तिकला के स्मारकों का विवरण और विश्लेषण

मूर्तिकला की कलात्मक भाषा

मूर्तिकला के कार्यों का विश्लेषण करते समय, कला के रूप में मूर्तिकला के अपने मापदंडों को ध्यान में रखना आवश्यक है। मूर्तिकला एक कला रूप है जिसमें एक वास्तविक त्रि-आयामी आयतन आसपास के त्रि-आयामी स्थान के साथ परस्पर क्रिया करता है। मूर्तिकला के विश्लेषण में मुख्य बात मात्रा, स्थान और वे कैसे परस्पर क्रिया करते हैं। मूर्तिकला सामग्री। मूर्तिकला के प्रकार। मूर्तिकला की शैलियाँ।

मूर्तिकला के काम का विवरण और विश्लेषण।

नमूना योजना:

1. इस मूर्ति का आकार क्या है? मूर्तिकला स्मारकीय, चित्रफलक, लघु है। आकार प्रभावित करता है कि यह अंतरिक्ष के साथ कैसे इंटरैक्ट करता है।

2. विश्लेषित कार्य किस स्थान पर स्थित था (मंदिर में, चौक पर, घर में, आदि)? इसे किस दृष्टिकोण से (दूरी से, नीचे से, पास से) डिजाइन किया गया था? क्या यह एक वास्तुशिल्प या मूर्तिकला पहनावा का हिस्सा है या यह एक स्वतंत्र कार्य है?

3. विचाराधीन कार्य किस हद तक त्रि-आयामी स्थान को कवर करता है (वास्तुकला से संबंधित गोल मूर्तिकला और मूर्तिकला; वास्तुशिल्प और मूर्तिकला रूप, उच्च राहत; राहत; आधार-राहत; सुरम्य राहत; प्रति-राहत)

4. यह किस सामग्री से बना है? इस सामग्री की विशेषताएं क्या हैं? यहां तक ​​​​कि अगर आप कास्ट का विश्लेषण कर रहे हैं, तो यह याद रखना महत्वपूर्ण है कि मूल किस सामग्री से बना है। मूल के हॉल में जाएं, देखें कि जिस सामग्री में आप रुचि रखते हैं, उसमें बनाई गई मूर्तिकला कैसी दिखती है। मूर्तिकला की कौन सी विशेषताएं इसकी सामग्री से तय होती हैं (इस सामग्री को इस काम के लिए क्यों चुना गया)?

5. क्या मूर्तिकला निश्चित दृष्टिकोण के लिए डिज़ाइन की गई है, या घूमने पर यह पूरी तरह से खुलती है? इस मूर्तिकला में कितने पूर्ण अभिव्यंजक छायाचित्र हैं? ये सिल्हूट क्या हैं (बंद, कॉम्पैक्ट, ज्यामितीय रूप से सही या सुरम्य, खुला)? सिल्हूट एक दूसरे से कैसे संबंधित हैं?

6. इस मूर्तिकला या मूर्तिकला समूह में अनुपात (भागों और पूरे के अनुपात) क्या हैं? मानव आकृति के अनुपात क्या हैं?

7. मूर्तिकला का पैटर्न क्या है (बड़े रचनात्मक ब्लॉकों के बीच संबंधों का विकास और जटिलता, आंतरिक आर्टिक्यूलेशन की लय और सतह के विकास की प्रकृति)? अगर हम बात कर रहे हैंराहत के बारे में - जब आप देखने का कोण बदलते हैं तो सब कुछ कैसे बदल जाता है? राहत की गहराई कैसे बदलती है और स्थानिक योजनाएँ कैसे बनती हैं, कितने हैं?

8. गढ़ी गई सतह की बनावट कैसी है? सजातीय या विभिन्न भागों में भिन्न? औजारों के स्पर्श के चिकने या "स्केची" निशान दिखाई देते हैं, प्राकृतिक-समान, सशर्त। यह बनावट भौतिक गुणों से कैसे संबंधित है? बनावट एक मूर्तिकला रूप के सिल्हूट और मात्रा की धारणा को कैसे प्रभावित करती है?

9. मूर्तिकला में रंग की क्या भूमिका है? मात्रा और रंग कैसे परस्पर क्रिया करते हैं, वे एक दूसरे को कैसे प्रभावित करते हैं?

10. यह मूर्ति किस शैली से संबंधित है? यह किस लिए था?

11. मकसद की व्याख्या क्या है (प्राकृतिक, सशर्त, कैनन द्वारा निर्धारित, अपने वास्तुशिल्प वातावरण में मूर्तिकला द्वारा कब्जा कर लिया गया स्थान, या कुछ अन्य)।

12. क्या आप काम में कुछ अन्य प्रकार की कलाओं का प्रभाव महसूस करते हैं: वास्तुकला, पेंटिंग?

चित्रों का विवरण और विश्लेषण

चित्रकला की कलात्मक भाषा

पेंटिंग की अवधारणा। कलात्मक अभिव्यक्ति के साधन: कलात्मक स्थान, रचना, रंग, लय, एक रंगीन स्ट्रोक का चरित्र। पेंटिंग सामग्री और तकनीक: तेल, तड़का, गौचे, जल रंग, मिश्रित मीडिया, आदि चित्रफलक और स्मारकीय पेंटिंग। स्मारकीय चित्रकला की किस्में: फ्रेस्को, मोज़ेक, सना हुआ ग्लास, आदि। चित्रकारी की शैलियाँ: चित्र, परिदृश्य, रोजमर्रा की शैली, स्थिर जीवन, पशुवत, ऐतिहासिक, आदि।

चित्रों का वर्णन

कार्य के मूल मापदंडों का निर्धारण: लेखक, निर्माण की तिथि, चित्र का आकार, चित्र प्रारूप: क्षैतिज या लंबवत लम्बी आयत (संभवतः एक गोल अंत के साथ), वर्ग, वृत्त (टोंडो), अंडाकार। तकनीक (तापमान, तेल, जल रंग, आदि) और किस आधार पर (लकड़ी, कैनवास, आदि) पेंटिंग बनाई गई, आदि।

चित्रों का विश्लेषण

नमूना विश्लेषण योजना:

1. क्या तस्वीर में कोई साजिश है? क्या दिखाया गया है? चित्रित वर्ण, वस्तुएँ किस वातावरण में स्थित हैं?
2. छवि के विश्लेषण के आधार पर, आप शैली के बारे में निष्कर्ष निकाल सकते हैं। कौन सी शैली: चित्र, परिदृश्य, स्थिर जीवन, नग्न, रोजमर्रा की जिंदगी, पौराणिक, धार्मिक, ऐतिहासिक, पशुवत, पेंटिंग से संबंधित है?
3. आपको क्या लगता है कि कलाकार किस कार्य को हल कर रहा है - दृश्य? अभिव्यंजक? छवि के सम्मेलन या प्रकृतिवाद की डिग्री क्या है? क्या पारंपरिकता आदर्शीकरण की ओर या अभिव्यंजक विकृति की ओर बढ़ती है? एक नियम के रूप में, चित्र की रचना शैली से संबंधित है।
4. एक रचना के घटक क्या हैं? छवि की वस्तु और चित्र के कैनवास पर पृष्ठभूमि / स्थान का अनुपात क्या है?
5. इमेज में ऑब्जेक्ट पिक्चर प्लेन के कितने करीब हैं?
6. कलाकार ने किस कोण को चुना - ऊपर से, नीचे से, चित्रित वस्तुओं के साथ फ्लश?
7. दर्शक की स्थिति कैसे निर्धारित की जाती है - क्या वह चित्र में दर्शाई गई छवि के साथ बातचीत में शामिल है, या उसे एक अलग विचारक की भूमिका सौंपी गई है?
8. क्या रचना को संतुलित, स्थिर या गतिशील कहा जा सकता है? यदि गति होती है तो उसे किस प्रकार निर्देशित किया जाता है?
9. सचित्र स्थान कैसे बनाया जाता है (सपाट, अनिश्चित काल के लिए, स्थानिक परत को बंद कर दिया जाता है, गहरी जगह बनाई जाती है)? स्थानिक गहराई का भ्रम कैसे प्राप्त किया जाता है (चित्रित आंकड़ों के आकार में अंतर, वस्तुओं या वास्तुकला की मात्रा दिखाते हुए, रंग उन्नयन का उपयोग करके)? चित्र के माध्यम से रचना का विकास किया गया है।
10. तस्वीर में रैखिक शुरुआत कितनी स्पष्ट है?
11. क्या अलग-अलग वस्तुओं का परिसीमन करने वाली रूपरेखाओं पर जोर दिया गया है या छुपाया गया है? यह प्रभाव किस माध्यम से प्राप्त किया जाता है?
12. वस्तुओं का आयतन किस सीमा तक व्यक्त किया जाता है? कौन सी तकनीकें मात्रा का भ्रम पैदा करती हैं?
13. पेंटिंग में प्रकाश क्या भूमिका निभाता है? यह कैसा है (चिकनी, तटस्थ; विपरीत, मूर्तिकला मात्रा; रहस्यमय)। क्या प्रकाश स्रोत/दिशा पठनीय है?
14. क्या चित्रित आकृतियों/वस्तुओं के छायाचित्र पढ़ने योग्य हैं? वे अपने आप में कितने अभिव्यंजक और मूल्यवान हैं?
15. छवि कितनी विस्तृत (या इसके विपरीत सामान्यीकृत) है?
16. क्या चित्रित सतहों (चमड़ा, कपड़े, धातु, आदि) की बनावट की विविधता से अवगत कराया गया है? रंग।
17. चित्र में रंग क्या भूमिका निभाता है (क्या यह चित्र और आयतन के अधीन है, या इसके विपरीत, क्या यह चित्र को अपने अधीन करता है और स्वयं रचना बनाता है)।
18. क्या रंग सिर्फ मात्रा का रंग है या कुछ और? क्या यह वैकल्पिक रूप से वफादार या अभिव्यंजक है?
19. क्या तस्वीर में स्थानीय रंग या तानल रंग प्रमुख हैं?
20. क्या रंग के धब्बे की सीमाएं अलग-अलग हैं? क्या वे वॉल्यूम और ऑब्जेक्ट्स की सीमाओं से मेल खाते हैं?
21. क्या कलाकार बड़े पैमाने पर रंग या छोटे स्मीयर के साथ काम करता है?
22. गर्म और ठंडे रंग कैसे लिखे जाते हैं, क्या कलाकार पूरक रंगों के संयोजन का उपयोग करता है? वह इसे क्यों कर रहा है? सर्वाधिक प्रकाशित और छायांकित स्थानों को कैसे स्थानांतरित किया जाता है?
23. क्या चकाचौंध, सजगता है? छाया कैसे लिखी जाती है (बहरी या पारदर्शी, क्या वे रंगीन हैं)?
24. क्या किसी रंग या रंगों के संयोजन के उपयोग में लयबद्ध दोहराव को भेद करना संभव है, क्या किसी रंग के विकास का पता लगाना संभव है? क्या कोई प्रभावशाली रंग/रंग संयोजन है?
25. सचित्र सतह की बनावट कैसी है - चिकनी या पेस्टी? क्या व्यक्तिगत स्ट्रोक अलग-अलग हैं? यदि हां, तो वे क्या हैं - छोटा या लंबा, तरल, गाढ़ा या लगभग सूखा पेंट लगाया गया?

ग्राफिक कार्यों का विवरण और विश्लेषण

ग्राफिक्स की कलात्मक भाषा

ललित कला के रूप में ग्राफिक्स। ग्राफिक्स की कलात्मक अभिव्यक्ति का मुख्य साधन: लाइन, स्ट्रोक, स्पॉट इत्यादि। रैखिक और काले और सफेद ड्राइंग। उत्कीर्णन, उत्कीर्णन के प्रकार: काइलोग्राफी, लिथोग्राफी, लिनोकट, नक़्क़ाशी, मोनोटाइप, एक्वाटिंट, आदि चित्रफलक ग्राफिक्स। पुस्तक ग्राफिक्स. पोस्टर कला, पोस्टर। एप्लाइड ग्राफिक्स।

ग्राफिक्स के कार्यों का विवरण

कार्य के मूल मापदंडों का निर्धारण: लेखक, निर्माण की तिथि, शीट का आकार, प्रारूप, तकनीक।

ग्राफिक कार्यों का विश्लेषण

नमूना विश्लेषण योजना:

1. स्थानिक स्थिति की सामान्य परिभाषा, चित्रित स्थान की विशेषताएं। अंतरिक्ष - गहरा या नहीं, बंद या खुला, जिस पर उच्चारण केंद्रित हैं। गहराई निर्माण के प्रमुख (इस कार्य के लिए अति आवश्यक) साधन एवं उनका उपयोग। उदाहरण के लिए: रेखीय या हवाई परिप्रेक्ष्य की प्रकृति (यदि प्रयोग किया जाता है)। चित्रित स्थान के लक्षण। अंतरिक्ष की अखंडता / विघटन। योजनाओं में विभाजन, ध्यान का वितरण (कुछ योजनाओं में से एकल या धारणा की एकरूपता)। दृष्टिकोण। दर्शक और चित्रित स्थान की सहभागिता (गहरे स्थान की कोई छवि न होने पर भी यह आइटम आवश्यक है)।
2. स्थान, अनुपात, विमान पर और अंतरिक्ष में तत्वों का संबंध।

रचना के प्रकार का निर्धारण - यदि संभव हो तो। भविष्य में, एक स्पष्टीकरण: इस ग्राफिक कार्य में वास्तव में इस प्रकार की रचना कैसे सन्निहित है, इसके उपयोग की बारीकियाँ क्या हैं। प्रारूप विशेषताएँ (अनुपात आकार)। प्रारूप और संरचना का अनुपात: छवि और इसकी सीमाएं। शीट के भीतर जनता का वितरण। संरचनागत उच्चारण और उसका स्थान; अन्य तत्वों के साथ इसका संबंध; प्रमुख दिशाएँ: गतिकी और सांख्यिकी। स्थानिक संरचना, लहजे की नियुक्ति के साथ रचना के मुख्य तत्वों की सहभागिता।

1. ग्राफिक तकनीक का विश्लेषण।
2. विश्लेषण का परिणाम रूप, उसके अभिव्यंजक गुणों और प्रभाव के निर्माण के सिद्धांतों की पहचान है। कार्य के औपचारिक और अभिव्यंजक गुणों के आधार पर, कोई इसके अर्थ (सामग्री, विचार) का प्रश्न उठा सकता है, अर्थात। इसकी व्याख्या करने के लिए आगे बढ़ें। उसी समय, प्लॉट को ध्यान में रखना आवश्यक है (इस काम में प्लॉट की व्याख्या कैसे की जाती है?), पात्रों के चित्रण की बारीकियों (प्लॉट पिक्चर और पोर्ट्रेट में - आसन, हावभाव, चेहरे के भाव, टकटकी) , प्रतीकवाद (यदि कोई हो), आदि, लेकिन एक ही समय में प्रतिनिधित्व का साधन है और इसलिए चित्र का प्रभाव है। व्यापक कलात्मक संदर्भ (संपूर्ण रूप से लेखक का काम: युग, स्कूल, आदि की कला) के साथ, उस प्रकार और शैली की आवश्यकताओं के साथ कार्य की पहचान की गई व्यक्तिगत विशेषताओं को सहसंबद्ध करना भी संभव है। . इससे कला के इतिहास में काम के मूल्य और महत्व, इसके स्थान के बारे में एक निष्कर्ष निकाला जा सकता है।

कला और शिल्प और लोक कला के कार्यों का विवरण और विश्लेषण

कला और शिल्प और लोक कला के प्रकार

लकड़ी, धातु आदि पर चित्रकारी। कढ़ाई। कालीन बुनाई। आभूषण कला। लकड़ी की नक्काशी, हड्डियाँ। चीनी मिट्टी की चीज़ें। कलात्मक वार्निश, आदि।

सजावटी, लागू और लोक कला के स्मारकों का विवरण

सजावटी और अनुप्रयुक्त कला के प्रकार। सामग्री। इसके प्रसंस्करण की विशेषताएं। आयाम। नियुक्ति। रंग, बनावट की विशेषता। वस्तु के उपयोगितावादी और कलात्मक-सौंदर्य कार्यों के बीच सहसंबंध की डिग्री।

कला और शिल्प और लोक कला के स्मारकों का विश्लेषण

नमूना विश्लेषण योजना

1. यह आइटम किस लिए है?
2. इसके आयाम क्या हैं?
3. आइटम की सजावट कैसे स्थित है? आलंकारिक और सजावटी सजावट के क्षेत्र कहाँ स्थित हैं? छवियों की नियुक्ति वस्तु के आकार से कैसे संबंधित है?
4. किस प्रकार के आभूषणों का उपयोग किया जाता है? वे वस्तु के किस भाग पर स्थित हैं?
5. आलंकारिक चित्र कहाँ स्थित हैं? क्या वे सजावटी की तुलना में अधिक जगह लेते हैं, या वे केवल सजावटी रजिस्टरों में से एक हैं?
6. आलंकारिक छवियों के साथ एक रजिस्टर कैसे बनाया जाता है? क्या यह कहना संभव है कि यहाँ मुक्त रचना तकनीकों का उपयोग किया जाता है या सन्निकटन के सिद्धांत का उपयोग किया जाता है (समान मुद्राओं में आंकड़े, न्यूनतम गति, एक दूसरे को दोहराते हैं)?
7. आंकड़े कैसे दर्शाए गए हैं? क्या वे मोबाइल, जमे हुए, शैलीबद्ध हैं?
8. आंकड़ों का विवरण कैसे हस्तांतरित किया जाता है? क्या वे अधिक प्राकृतिक या सजावटी दिखते हैं? आंकड़े स्थानांतरित करने के लिए किन तकनीकों का उपयोग किया जाता है?
9. यदि संभव हो तो वस्तु के अंदर देखें। क्या कोई छवि और गहने हैं? ऊपर दिए गए चित्र के अनुसार उनका वर्णन कीजिए।
10. गहनों और आकृतियों के निर्माण में कौन से प्राथमिक और द्वितीयक रंगों का उपयोग किया जाता है? मिट्टी का स्वर ही क्या है? यह छवि के चरित्र को कैसे प्रभावित करता है - क्या यह इसे और अधिक सजावटी बनाता है या, इसके विपरीत, अधिक प्राकृतिक?

बोल:

किसी कार्य का विश्लेषण बुद्धि का एक जटिल कार्य है, जिसके लिए बहुत अधिक ज्ञान और कौशल की आवश्यकता होती है।

कई दृष्टिकोण, तकनीकें, विश्लेषण के तरीके हैं, लेकिन वे सभी कई जटिल क्रियाओं में फिट होते हैं:

1. 1) काम के ताने-बाने में निहित जानकारी को डिकोड करना,
2. 2) कला के काम के निर्माण की प्रक्रिया और परिस्थितियों का एक विश्लेषणात्मक अध्ययन, इसकी समझ को गहरा और समृद्ध करने में मदद करता है,
3. 3) व्यक्तिगत और सामूहिक धारणा में काम की कलात्मक छवि की ऐतिहासिक गतिशीलता का अध्ययन।

पहले मामले में, काम के साथ काम अपने आप में एक मूल्य है - एक "पाठ"; दूसरे में, हम संदर्भ में पाठ पर विचार करते हैं, कलात्मक छवि में बाहरी आवेगों के प्रभाव के निशान प्रकट करते हैं, तीसरे में, हम कलात्मक छवि में परिवर्तन का अध्ययन करते हैं, यह इस बात पर निर्भर करता है कि विभिन्न युगों में इसकी धारणा कैसे बदलती है।

प्रत्येक कला का टुकड़ाअपनी मौलिकता के कारण, यह अपना रास्ता, अपना तर्क, विश्लेषण के अपने तरीके तय करता है।

फिर भी, मैं कला के काम के साथ व्यावहारिक विश्लेषणात्मक कार्य के कुछ सामान्य सिद्धांतों पर आपका ध्यान आकर्षित करना चाहता हूं और कुछ सलाह देना चाहता हूं।

"यूरेका!" (विश्लेषण साज़िश)। पहली और सबसे महत्वपूर्ण बात यह है कि कला का काम ही वह रास्ता सुझाता है जिसके द्वारा व्यक्ति कलात्मक छवि के अर्थ की गहराई में प्रवेश कर सकता है। एक तरह का "हुक" है जो अचानक पूछे गए सवाल से दिमाग को जकड़ लेता है। इसके उत्तर की खोज - चाहे एक आंतरिक एकालाप में, कर्मचारियों या छात्रों के साथ संचार में - अक्सर अंतर्दृष्टि (यूरेका!) की ओर ले जाती है। इसलिए, इस तरह की बातचीत - आपको यह सीखना चाहिए कि उन्हें एक समूह के साथ कैसे संचालित किया जाए - इसे अनुमानी कहा जाता है। एक संग्रहालय या स्थापत्य वातावरण में विश्लेषणात्मक कार्य आमतौर पर ऐसे प्रश्नों से शुरू होता है - "डिकोडिंग" कलात्मक "पाठ" में निहित जानकारी।

प्रश्न पूछना अक्सर उत्तर खोजने से कहीं अधिक कठिन होता है।

- अलेक्जेंडर इवानोव के "नेकेड बॉय" का इतना दुखद चेहरा क्यों है?

- उसी इवानोव द्वारा पेंटिंग "द अपीयरेंस ऑफ द मसीहा" में एक लकवाग्रस्त व्यक्ति को उठाते हुए एक युवक का चित्र क्यों बनाया गया है, जो मसीह के कपड़े पहने हुए है?

— के.एस. की तस्वीर में आइकन केस खाली क्यों है? पेट्रोव-वोडकिन "माँ" 1915?

— क्यों पी.डी. पेंटिंग "मेजर मैचमेकिंग" के दूसरे संस्करण में फेडोटोव झूमर को हटा देता है - वह विवरण जो वह इतने लंबे समय से देख रहा था?

- श्री आई। की मूर्तिकला में क्यों। शुबिन के मार्बल द्वारा मैखेलसन को एक चिकना चमक के लिए पॉलिश किया गया है, जबकि ज्यादातर मामलों में उनके चित्रों में चेहरे की "त्वचा" मैट लगती है?

ऐसे अनेक प्रश्न हैं जिनका स्मरण किया जा सकता है, वे सभी प्रत्येक व्यक्ति में निहित एक अद्वितीय, व्यक्तिगत दृष्टि के प्रमाण हैं। मैं जानबूझकर यहां उत्तर नहीं देता - उन्हें स्वयं खोजने का प्रयास करें।

कला के एक काम के साथ विश्लेषणात्मक काम में, आपको न केवल इसे एक नई नज़र से देखने की क्षमता से मदद मिलेगी, इसे सीधे देखने के लिए, बल्कि अमूर्त करने की क्षमता, धारणा के कुछ क्षणों और रूप और सामग्री के तत्वों को अलग करने में भी मदद मिलेगी। .

यदि हम प्लास्टिक की कलाओं के बारे में बात कर रहे हैं, तो ये रचनात्मक, आरेख, विश्लेषणात्मक रेखाचित्र, रंगीन "लेआउट", स्थानिक निर्माण का विश्लेषण, सहायक उपकरण का "खेल" आदि हैं। इन सभी और अन्य साधनों का उपयोग कार्य में किया जा सकता है। लेकिन एक बात याद रखनी चाहिए: कोई भी विश्लेषणात्मक तकनीक, सबसे पहले, रूप के तत्वों की व्याख्या करने, उन्हें समझने का एक तरीका है। मापें, बाहर रखें, आरेख बनाएं, लेकिन इन आरेखों के लिए नहीं, बल्कि उनके अर्थ को समझने के नाम पर, क्योंकि वास्तव में कलात्मक छवि में कोई "शून्यता" नहीं है - सामग्री ही, और आकार, और प्रारूप, बनावट के नीचे, यानी वस्तु कला की सतह अर्थ से भरी है। दूसरे शब्दों में, यह कला की भाषा के बारे में है।

उनकी मौलिकता, विशिष्टता के बावजूद, कला के काम खुद को टाइपोलॉजी के लिए उधार देते हैं, उन्हें समूहीकृत किया जा सकता है, ज़ाहिर है, मुख्य रूप से कला के प्रकार से।

टाइपोलॉजी की समस्या आपके लिए कला सिद्धांत और सौंदर्यशास्त्र के पाठ्यक्रमों में अध्ययन का विषय होगी, और पाठ्यक्रम की शुरुआत में हम इसके उन पहलुओं पर ध्यान देना चाहेंगे जो विश्लेषण में महत्वपूर्ण भूमिका निभाते हैं, विशेष रूप से कला की व्याख्या। इसके अलावा, हमें मौलिक अवधारणाओं के अर्थ को निर्धारित करने का अवसर मिलता है (इस कार्य का महत्व ऊपर वर्णित किया गया था)।

इसलिए, कला का एक काम एक प्रकार का हो सकता है, जिन्हें विभाजित किया गया है: एकल-घटक (मोनोस्ट्रक्चरल), सिंथेटिक और तकनीकी।

• एक घटक - पेंटिंग, ग्राफिक्स, मूर्तिकला, वास्तुकला, साहित्य, संगीत, कला और शिल्प।
• सिंथेटिक - नाट्य और शानदार कला।
• तकनीकी - फिल्म, टेलीविजन, कंप्यूटर ग्राफिक्स।

बदले में, एक-घटक कलाओं को विभाजित किया गया है:

• स्थानिक (वास्तुकला, चित्रकला, ग्राफिक्स, कला और शिल्प)
• अस्थायी (साहित्य, संगीत),

साथ ही सचित्र (पेंटिंग, ग्राफिक्स, मूर्तिकला) और गैर-सचित्र (वास्तुकला, कला और शिल्प, साहित्य, संगीत)।

चूँकि कलाओं के वर्गीकरण में विभिन्न दृष्टिकोण हैं, और चूँकि ये सभी परिभाषाएँ निरपेक्ष नहीं हैं, बल्कि सापेक्ष हैं, हम उन्हें निर्धारित करेंगे, और सबसे पहले हम ध्यान केन्द्रित करेंगे - बहुत संक्षेप में - स्थान और समय की समस्या पर कला, क्योंकि यह उतना सरल नहीं है जितना पहली नज़र में लग सकता है, और काम के विश्लेषण में बहुत महत्वपूर्ण है।

सबसे पहले, हम ध्यान दें कि स्थानिक और लौकिक में कला का विभाजन बहुत ही सशर्त है और काम के अस्तित्व की विशेषताओं पर आधारित है: स्थानिक कला के भौतिक वाहक वास्तव में वस्तुनिष्ठ हैं, अंतरिक्ष में एक जगह पर कब्जा करते हैं, और केवल बढ़ते हैं पुराना और समय में पतन। लेकिन संगीत के भौतिक वाहक और साहित्यिक कार्यअंतरिक्ष में भी अपना स्थान बनाते हैं (नोट्स, रिकॉर्ड, कैसेट, और अंत में, कलाकार और उनके उपकरण; पांडुलिपियां, किताबें, पत्रिकाएं)। अगर हम कलात्मक छवियों के बारे में बात करते हैं, तो वे एक निश्चित आध्यात्मिक स्थान पर "कब्जा" करते हैं और समय के साथ सभी कलाओं का विकास होता है।

इसलिए, हम कोशिश करेंगे, इन श्रेणियों के वर्गीकरण के रूप में अस्तित्व को ध्यान में रखते हुए, उनके बारे में एक विश्लेषणात्मक दृष्टिकोण से बात करने के लिए, हमारे लिए - इस मामले में - अधिक महत्वपूर्ण।

हमने ऊपर उल्लेख किया है कि कला का प्रत्येक कार्य, भौतिक-आदर्श घटना के रूप में, अंतरिक्ष और समय में मौजूद है, और इसका भौतिक आधार किसी तरह मुख्य रूप से अंतरिक्ष से जुड़ा है, और आदर्श समय के साथ है।

हालाँकि, कला का एक काम अन्य पहलुओं में भी अंतरिक्ष से संबंधित है। किसी व्यक्ति द्वारा प्राकृतिक स्थान और उसके अनुभव का कलात्मक छवि पर बहुत बड़ा प्रभाव पड़ता है, उदाहरण के लिए, पेंटिंग और ग्राफिक्स में स्थानिक निर्माण की विभिन्न प्रणालियों के लिए, वास्तुकला में स्थानिक समस्याओं को हल करने की विशेषताओं का निर्धारण, साहित्य में अंतरिक्ष की छवि . सभी कलाओं में, "एक चीज़ का स्थान", "एक व्यक्ति का स्थान", "समाज का स्थान", प्राकृतिक - सांसारिक और लौकिक - स्थान, और अंत में, उच्चतम आध्यात्मिक वास्तविकता का स्थान - निरपेक्ष, भगवान, अलग हैं।

कलात्मक सोच की प्रणाली के बाद दुनिया की दृष्टि बदल रही है; पुरानी प्रणाली से नई व्यवस्था में यह आंदोलन अंतरिक्ष की अवधारणा में परिवर्तन से चिह्नित है। इस प्रकार, सर्वोच्च आध्यात्मिक वास्तविकता - ईश्वर, 17 वीं शताब्दी में रूसी में एक व्यक्ति के लिए ध्यान का हस्तांतरण कला XVIIलगता है कि सदियों ने कलाकार के क्षितिज को संकुचित कर दिया है, और विपरीत परिप्रेक्ष्य की अनंतता को प्रत्यक्ष की सीमा से बदल दिया गया है।

समय गतिशील भी है और बहुआयामी भी।

यह भौतिक वाहक का वास्तविक समय है, जब नोट पीले हो जाते हैं, फिल्में विमुद्रीकृत हो जाती हैं, तेल से सना हुआ बोर्ड काला हो जाता है, और कलात्मक छवि का समय, अंतहीन रूप से विकसित होता है, व्यावहारिक रूप से अमर हो जाता है। यह एक भ्रामक समय भी है जो कलात्मक छवि के भीतर मौजूद है, वह समय जिसमें चित्रित वस्तु और व्यक्ति, समाज, मानवता पूरी तरह से जीवित हैं। यह काम के निर्माण का समय है, ऐतिहासिक युग और जीवन की अवधि, और अंत में, लेखक की उम्र, यह समय कार्रवाई की लंबाई और "विराम" का समय है - चित्रित एपिसोड के बीच टूट जाता है। अंत में, यह धारणा के लिए तैयारी का समय है, काम के संपर्क में धारणा, कथित कलात्मक छवि का अनुभव और समझ।

प्रत्येक कला में, स्थान और समय को अलग-अलग प्रदर्शित किया जाता है, और इसकी चर्चा निम्नलिखित अध्यायों में की जाती है, जिनमें से प्रत्येक कलात्मक छवि की अंतर्निहित संरचना के साथ एक विशेष प्रकार की कला के लिए समर्पित है।

यह कोई संयोग नहीं है कि मैंने "प्रदर्शित" लिखा और "चित्रित" नहीं किया, क्योंकि हमें इन अवधारणाओं को भी अलग करने की आवश्यकता है।

प्रदर्शित करने का अर्थ है वास्तविकता की घटना के लिए एक आलंकारिक समकक्ष खोजना, इसे एक कलात्मक छवि के ताने-बाने में बुनना, चित्रित करना - एक दृश्य - दृश्य, मौखिक - मौखिक या ध्वनि - किसी चीज़ का श्रवण एनालॉग बनाना। जैसा कि ऊपर उल्लेख किया गया है, कलाओं को सचित्र और गैर-चित्रात्मक में विभाजित किया गया है, क्योंकि संगीत में इसे चित्रित करना असंभव है, उदाहरण के लिए, ट्रेन का शोर या मुर्गे का रोना (या यहां तक ​​​​कि पूरे पोल्ट्री यार्ड), लेकिन में साहित्य लगभग किसी भी दृश्य या श्रव्य वस्तु का वर्णन करना असंभव है। यह संगीत और साहित्य दोनों में संभव है: पहले मामले में, हम ओनोमेटोपोइया से निपट रहे हैं, दूसरे में, विवरण के साथ। इसके अलावा, एक प्रतिभाशाली लेखक, जिसने पेंटिंग, मूर्तिकला, संगीत के काम के साथ गहराई से अनुभव किया है, ऐसे शब्द पा सकते हैं कि उसका विवरण ललित या संगीत कला के काम का एक पूर्ण और अत्यधिक कलात्मक मौखिक (मौखिक) एनालॉग बन जाएगा। .

वास्तुशिल्प कार्य (उनके भागों का उल्लेख नहीं करना: मिस्र के मंदिरों, छाल, अटलांटिस, राहत और अन्य सजावटी मूर्तिकला तत्वों के कमल के आकार के स्तंभ) भी चित्र हो सकते हैं: उदाहरण के लिए, 1930 के दशक में सोवियत संघ में घरों का निर्माण करना फैशनेबल था कारों या अन्य वस्तुओं का रूप। लेनिनग्राद में, एक हथौड़ा और दरांती के आकार में एक स्कूल भी बनाया गया था, हालाँकि इसे केवल एक पक्षी की नज़र से देखा जा सकता है। और गैर-ललित कला और शिल्प में पक्षियों, मछली, मानव आकृतियों आदि के रूप में विभिन्न बर्तन!

इसके विपरीत, ललित कला के कार्य अक्सर अमूर्त पेंटिंग और मूर्तिकला की तरह "कुछ भी चित्रित नहीं करते" हैं।

तो यह वर्गीकरण सुविधा सापेक्ष हो जाती है। और फिर भी यह मौजूद है: नेत्रहीन हैं, अर्थात्, नेत्रहीन "ललित कलाएं", जो दुनिया की घटनाओं की छवि पर आधारित हैं, और गैर-चित्रात्मक, मौखिक और संगीतमय हैं।

कला हमेशा सशर्त होती है और जीवन जीने की इस या उस घटना की पूर्ण समानता नहीं बना सकती (यह उल्लेख नहीं करना चाहिए कि इसे नहीं करना चाहिए)। कलाकार मौजूदा वास्तविकता की नकल नहीं करता है, वह दुनिया या उसके तत्वों के कलात्मक और आलंकारिक मॉडल बनाता है, उन्हें सरल और रूपांतरित करता है। यहां तक ​​​​कि पेंटिंग, कला का सबसे "भ्रम", बहुरंगी दुनिया की सभी समृद्धि को कैनवास पर पकड़ने और संप्रेषित करने में सक्षम प्रतीत होता है, एक अत्यंत है विकलांगनस्ल की नकल।

मैं वास्तव में सीएस से प्यार करता हूँ। पेट्रोव-वोडकिन। उनकी एक प्रदर्शनी में, उनकी "हमारी महिला - दुष्ट दिलों की कोमलता" - शुद्ध लाल, नीले और सोने की चमक - खिड़की के बगल की दीवार पर रूसी संग्रहालय के हॉल में रखी गई थी।

कई वर्षों तक, तस्वीर को स्टोररूम में छिपा कर रखा गया था, और अब जब वह हॉल में थी, तो कोई भी बैठकर इसे देख सकता था, ऐसा लग रहा था, अनंत तक। पृष्ठभूमि स्वर्ग की गहराइयों की एक गहरी, भेदी शुद्ध रोशनी के साथ चमकती है, छायांकन, एक साथ स्कार्लेट मेफोरियम के साथ, भगवान की माँ का सुंदर नम्र चेहरा ...

मैं बहुत देर तक बैठा रहा, बाहर अंधेरा हो गया, सर्दी की शामखिड़की में चमक गया - और मेरे लिए खिड़की में मामूली सर्दी पीटर्सबर्ग गोधूलि की शांत चमक क्या थी - वे पेट्रोव-वोडकिन की तस्वीर में नीले रंग के बगल में नीले कागज के बगल में एक चमकदार नीलम की तरह दिखते थे, जिसके साथ माचिस की डिब्बियाँ चिपकाई जाती हैं। तब मेरे पास यह पता लगाने का मौका नहीं था, लेकिन यह देखने और महसूस करने का मौका था कि जीवन की नकल करने में कला की संभावनाएं वास्तव में कितनी सीमित हैं, अगर हम इसे एक भोले दर्शक की पसंदीदा कसौटी के आधार पर देखते हैं: छवि समान है या नहीं मूल को। और यह जीवन की घटनाओं को यथासंभव समान रूप से पुन: पेश करने की उनकी ताकत में नहीं है, जितना संभव हो उतना अनुकरणीय।

एक कलात्मक छवि केवल जीवन की पुनरावृत्ति नहीं है, और इसकी सत्यता, मौखिक या दृश्य, किसी भी तरह से मुख्य गुण नहीं है। कला दुनिया में महारत हासिल करने के तरीकों में से एक है: इसका ज्ञान, मूल्यांकन, मनुष्य द्वारा परिवर्तन। और हर बार एक कलात्मक छवि में - अलग-अलग तरह की कलाओं में और अलग-अलग तरीकों से कला प्रणाली- घटना (किसी व्यक्ति की भावनाओं से जो महसूस होता है, वह उसके सामने प्रकट होता है) और सार (घटना का सार, उसके आवश्यक गुणों की समग्रता) सहसंबद्ध होते हैं, जिसे प्रदर्शित करने के लिए कला को मान्यता दी जाती है।

कलात्मक सोच की प्रत्येक प्रणाली सार को पहचानने की अपनी विधि बनाती है - रचनात्मक विधि। स्कूल में, आप पहले से ही इस तरह के विशिष्ट यूरोपीय रचनात्मक तरीकों से परिचित हो गए हैं जैसे कि बारोक, क्लासिकवाद, भावुकता, रूमानियत, यथार्थवाद, प्रतीकवाद, आधुनिकतावाद, समाजवादी यथार्थवाद, अतियथार्थवाद, आदि। निश्चित रूप से, आपको याद है कि प्रत्येक विधि समझ के नाम पर बनाई गई थी। , प्रशंसा, मनुष्य और दुनिया का संपूर्ण और उनके व्यक्तिगत गुणों के रूप में परिवर्तन। याद रखें कि किसी व्यक्ति के बारे में ज्ञान लगातार "एकत्रित" कैसे होता है: बैरोक अध्ययन और एक व्यक्ति की तूफानी, बेलगाम भावनाओं की दुनिया को प्रदर्शित करता है; क्लासिकिज़्म - इसका सर्व-संतुलित संतुलित दिमाग; भावुकता मानव अधिकार की पुष्टि करती है गोपनीयताऔर उदात्त, लेकिन विशुद्ध रूप से व्यक्तिगत भावनाएँ; स्वच्छंदतावाद - "अच्छे या बुरे के लिए" व्यक्ति के मुक्त विकास की सुंदरता, दुनिया के "घातक मिनटों" में इसकी अभिव्यक्तियाँ; यथार्थवाद मनुष्य के गठन और जीवन की सामाजिक नींव को दर्शाता है; प्रतीकात्मकता फिर से रहस्यमयी गहराई में चली जाती है मानवीय आत्मा, और अतियथार्थवाद अवचेतन की गहराई में घुसने की कोशिश करता है, आदि। इसलिए इनमें से प्रत्येक रचनात्मक प्रणाली का अपना छवि विषय है, जो एक ही वस्तु में अलग-थलग है - एक व्यक्ति। और उनके कार्य: आदर्श, अध्ययन, एक्सपोजर इत्यादि की पुष्टि।

इसके अनुसार, किसी वस्तु को बदलने के लिए एक विधि भी विकसित की जाती है, जिससे उसकी वास्तविक सामग्री को प्रकट करना संभव हो जाता है: यह किसी वस्तु का आदर्शीकरण है - परिवर्तन, "अपूर्ण वास्तविकता से उसकी अपूर्णता" की कलात्मक मुक्ति, इसकी तुलना करना एक आदर्श (संक्षिप्त दार्शनिक विश्वकोश। एम।, 1994) इस तरह के तरीकों में बैरोक, क्लासिकिज़्म, रोमांटिकतावाद, जो आपस में भिन्न होते हैं कि आदर्श को अलग तरह से समझा जाता है; यह यथार्थवाद की एक विशेषता है, और एक प्रतीक है जिसे मानव जाति ने दुनिया के कलात्मक विकास के विभिन्न चरणों में उपयोग किया है।

सामान्यीकरण के बहुत उच्च स्तर पर कला के विकास के इतिहास को देखते हुए, हम कह सकते हैं कि यह दुनिया के कलात्मक-आलंकारिक मॉडलिंग के दो ध्रुवों के बीच विकसित होता है: इसे बनाने की इच्छा से लेकर भ्रम तक परम सामान्यीकरण के लिए एक प्रशंसनीय प्रजनन। इन दो तरीकों को मस्तिष्क के दो गोलार्द्धों के काम से जोड़ा जा सकता है: बाएं विश्लेषणात्मक, घटना को अपने ज्ञान के नाम पर भागों में विभाजित करना, और सही - सामान्यीकरण, कल्पनाशील, अभिन्न छवियां बनाना (जरूरी नहीं कि कलात्मक) एक ही उद्देश्य।

पृथ्वी पर, एक गोलार्ध के विकास में ध्यान देने योग्य लाभ वाले लोगों के प्रभुत्व वाले क्षेत्र हैं। आप निश्चित रूप से, बहुत ही सशर्त रूप से कह सकते हैं कि "पूर्व", "पूर्व का आदमी" की अवधारणाएं दाएं-गोलार्द्ध से जुड़ी हैं - कल्पनाशील (आलंकारिक) सोच, जबकि "पश्चिम", "पश्चिम का आदमी" के साथ वाम-गोलार्द्ध, विश्लेषणात्मक, वैज्ञानिक।

और यहाँ हम एक दृश्यमान विरोधाभास का सामना कर रहे हैं।

स्मरण करो: बायाँ गोलार्द्ध सार-तार्किक, मौखिक, विश्लेषणात्मक सोच की देखरेख करता है; सही - ठोस, आलंकारिक, गैर-मौखिक, सामान्यीकरण।

पहली नज़र में, यह निर्धारित करना आसान है कि अधिक विशिष्ट क्या है: एक चित्र जो एक निश्चित व्यक्ति की उपस्थिति और चरित्र को व्यक्त करता है, या कहें, ट्रैफिक लाइट पर एक छोटा आदमी - एक व्यक्ति का एक अत्यंत सामान्यीकृत पदनाम, का एक गुच्छा एक डच अभी भी जीवन में चित्रित अंगूर, या एक प्राच्य आभूषण में एक अंतहीन बेल, जिसमें कई सशर्त होते हैं, पत्तियों और समूहों के सजावटी तत्वों के स्तर पर लाए जाते हैं।

उत्तर स्पष्ट है: मिमिक्री छवियां - एक चित्र, एक स्थिर जीवन - ठोस हैं, सजावटी सामान्यीकरण अधिक सार हैं। पहले मामले में, "इस व्यक्ति", "इस गुच्छा" की अवधारणाएं आवश्यक हैं, दूसरे में, "आदमी", "गुच्छा" पर्याप्त हैं।

यह समझना कुछ अधिक कठिन है कि चित्र और स्थिर जीवन, कलात्मक चित्र होने के नाते, एक ही समय में अधिक विश्लेषणात्मक हैं - आभूषण के तत्वों की तुलना में "बाएं गोलार्ध"। वास्तव में, कल्पना करें कि चित्र का वर्णन करने के लिए कितने शब्दों की आवश्यकता होगी - इस छवि का मौखिक "अनुवाद" काफी लंबा और अधिक या कम उबाऊ होगा, जबकि आभूषण में बेल को एक, अधिकतम तीन शब्दों में परिभाषित किया गया है: चढ़ाई बेल आभूषण। लेकिन, प्रकृति से एक बेल को स्केच करने के बाद, आभूषण के लेखक ने इस छवि को एक से अधिक बार दोहराया, अंतिम सामान्यीकरण प्राप्त किया, जो एक प्रतीक के स्तर तक पहुंचने की अनुमति देता है, जिसमें एक नहीं, बल्कि कई अर्थ होते हैं।

यदि आप एक दृश्य छवि बनाने के पश्चिमी विश्लेषणात्मक (नकलात्मक, अनुकरणीय) और पूर्वी सामान्यीकृत (सजावटी) तरीकों के बारे में अधिक जानना चाहते हैं, तो एल.ए. की उत्कृष्ट पुस्तक पढ़ें। लेलेकोव "प्राचीन रूस की कला और पूर्व" (एम।, 1978)। कलात्मक-आलंकारिक सोच की दो प्रणालियों पर चर्चा करते हुए, लेखक बयानों की दो श्रृंखलाओं का विरोध करता है।

पहला सॉक्रेटीस से संबंधित है: "पेंटिंग हम जो देखते हैं उसकी छवि है।"

दूसरा बुद्ध के लिए है: "कलाकार ने रंगों को एक ऐसा चित्र बनाने के लिए तैयार किया है जिसे रंग में नहीं देखा जा सकता है।"

दो कुशल चित्रकारों की प्रतियोगिता के बारे में प्राचीन किंवदंती - ज़ेक्सिस और पार्राशियस - बताती है कि उनमें से एक ने एक बेल की शाखा को कैसे चित्रित किया और कैसे पक्षी इस चित्र पर उस पर चित्रित जामुनों को चोंचने के लिए आते हैं - जीवन का भ्रम इसे भरने के लिए बहुत अच्छा था। दूसरे ने अपने सहयोगी की आंख को धोखा दिया, कैनवास पर उस पर्दे का चित्रण किया जिसके साथ चित्र को कथित रूप से कवर किया गया था, इस तरह की कला के साथ कि उसने उसे जल्दी से वापस खींचने के लिए कहा। एक भ्रम की रचना - दृश्यमान की नकल - प्रत्येक प्रतिद्वंद्वियों के लिए सर्वोच्च लक्ष्य था।

बुद्ध एक पूरी तरह से अलग लक्ष्य की बात करते हैं: रंगों से चित्रित एक दृश्य छवि केवल उस छवि का वाहक है जो किसी व्यक्ति की आत्मा में पैदा होती है। दमिश्क के ईसाई दार्शनिक जॉन ने बुद्ध को प्रतिध्वनित किया: "प्रत्येक छवि एक रहस्योद्घाटन और छिपे हुए का संकेत है।"

वास्तव में, आइकोस्टेसिस के स्तंभों को सुशोभित करने वाली बेल जीवन और उर्वरता का प्रतीक है, ईडन गार्डन (क्राइस्ट गार्डन), अनंत काल का प्रतीक है।

यहां बताया गया है कि कैसे एल.ए. एक अन्य आभूषण के बारे में लेलेकोव: बारी-बारी से फल और फूल की बुनाई, जो ओरिएंटल आभूषणों में बहुत आम है, "कारण और प्रभाव की एकता की अवधारणा और होने की अनंतता, निर्माण के विषय और जीवन के निरंतर नवीकरण, को दर्शाता है।" भूत और भविष्य का संबंध, विरोधों का टकराव” (वही. S. 39)।

लेकिन जैसा कि स्पष्ट "बाएं-गोलार्द्ध" वैज्ञानिकों और "दाएं-गोलार्द्ध" कलाकारों के अपेक्षाकृत कुछ समूहों के बीच में संक्रमणकालीन प्रकार की भीड़ मौजूद होती है जो संख्या में प्रबल होती है, इसलिए प्रकृतिवादी के बीच, जो स्वयं के बराबर है, अपने आप में मूल्यवान है और नहीं है छिपे हुए अर्थ, एक उपस्थिति (घटना) की एक भ्रामक छवि और कई अर्थों वाला एक शुद्ध आभूषण, मिश्रित प्रकार की छवियों द्वारा कब्जा कर लिया गया एक विशाल स्थान है - हमने उनके बारे में ऊपर बात की।

शायद उनमें से सबसे सामंजस्यपूर्ण यथार्थवादी छवि है, जब कलाकार दृश्य के प्रतीक के रूप में घटना के सार को मूर्त रूप देने का प्रयास करता है। हाँ, अल। इवानोव ने प्लेन एयर के नियमों की खोज की और किसी व्यक्ति के आंतरिक गुणों और गुणों को उसके बाहरी रूप में मूर्त रूप देने के लिए एक विधि विकसित की, जिसने अपनी रचनाओं को एक गहरे प्रतीकात्मक अर्थ से भर दिया।

20 वीं सदी के अमूर्तवादी कलाकार, अपने चित्रों को विघटित करते हुए, वितरित करते हुए, कैनवास पर एक "दूसरा", भ्रामक वास्तविकता बनाने से इनकार करते हुए, मानव अतिचेतना के क्षेत्र में बदल गए, छवि को उसकी मौलिकता में, मानव की गहराई में पकड़ने की कोशिश की आत्मा, या, इसके विपरीत, इसका निर्माण किया।

इसलिए, विश्लेषण में, पहले प्रश्न की साज़िश के बाद, आपको यह सोचना होगा कि कार्य की कलात्मक छवि का "स्पेस-टाइम सातत्य" क्या है, छवि का विषय, विधि और साधन वस्तु को बदलना। और आपके सामने एक और महत्वपूर्ण प्रश्न उठता है: तात्विक रचना और संबंध क्या हैं - कलात्मक छवि की संरचना।

एक काम की कलात्मक छवि एक अखंडता है, और किसी भी अखंडता की तरह, इसे तत्वों से मिलकर एक प्रणाली के रूप में वर्णित किया जा सकता है (जिनमें से प्रत्येक, बदले में, अभिन्न भी है और एक प्रणाली के रूप में प्रतिनिधित्व किया जा सकता है) और उनके अंतर्संबंध। संरचना और पर्याप्त संख्या में तत्व कलात्मक छवि के कामकाज को समग्र रूप से सुनिश्चित करते हैं, जैसे आवश्यक भागों की उपस्थिति और उनकी सही असेंबली - कनेक्शन, संरचना, अलार्म घड़ी की प्रगति और समय पर बजना सुनिश्चित करती है।

एक कलात्मक छवि के तत्वों के रूप में क्या नामित किया जा सकता है? तुकबंदी, सामंजस्य, रंग, मात्रा, आदि? ये रूप तत्व हैं। छवि, वस्तु, सार, घटना का विषय? ये सामग्री तत्व हैं। तार्किक रूप से तर्क करते हुए, यह स्पष्ट रूप से माना जाना चाहिए कि किसी काम की कलात्मक छवि के तत्व भी छवियां हैं: पेट्रोग्लिफ्स में सबसे सरल प्रतीकात्मक छवि से मनोवैज्ञानिक चित्र तक पूरी श्रृंखला में एक व्यक्ति; मानव निर्मित चीजों की असंख्य विविधता में भौतिक वस्तु दुनिया, जिसकी समग्रता को अक्सर सभ्यता या "दूसरी प्रकृति" कहा जाता है; सामाजिक संबंध, परिवार से सार्वभौमिक तक; प्रकृति अपनी सभी अभिव्यक्तियों और रूपों में चमत्कारी है: जानवरों की चेतन दुनिया, निर्जीव दुनिया - निकट, ग्रह और लौकिक; अंत में, वह उच्च आध्यात्मिक क्रम, जो सभी कलात्मक प्रणालियों में मौजूद है और जिसे अलग-अलग युगों के ऋषियों द्वारा अलग-अलग कहा जाता है: उच्च मन, निरपेक्ष, ईश्वर।

इन छवियों में से प्रत्येक को अलग-अलग कलाओं में अलग-अलग तरीकों से महसूस किया जाता है और इसमें एक विशिष्ट, सामान्य चरित्र होता है।

कला के एक काम के भीतर संक्षिप्तता प्राप्त करना, ऐसी छवि को एक अधिक जटिल पूरे की प्रणाली में एक घटक के रूप में शामिल किया जा सकता है (उदाहरण के लिए, प्रकृति की छवियां तुर्गनेव के उपन्यासों में, रिमस्की-कोर्साकोव के ओपेरा में और रेपिन के चित्रों में एक महत्वपूर्ण स्थान रखती हैं। ). छवियों में से एक केंद्रीय स्थान ले सकता है, बाकी को अधीन कर सकता है (जैसे कि ललित कला की मोनोस्ट्रक्चरल शैलियाँ - चित्र, परिदृश्य, आदि), या यह कला के कार्यों की एक विस्तृत परत बना सकती है - एक के काम में श्रृंखला से मास्टर (उदाहरण के लिए, .A. Serova में "पेट्रियाडा") I सोवियत कला में "लेनिनियाना" जैसी विशाल संरचनाओं के लिए।

इसलिए किसी कार्य के विश्लेषण की प्रक्रिया में, आलंकारिक तत्वों को अलग किया जा सकता है और उनके बीच संबंध स्थापित किया जा सकता है। अक्सर, इस तरह के काम लेखक के इरादे को और अधिक गहराई से समझने में मदद करते हैं, और कलात्मक छवि को बेहतर ढंग से समझने और व्याख्या करने के लिए काम के साथ संवाद करने में अनुभव की जाने वाली भावनाओं से अवगत होते हैं।

इस छोटे खंड को सारांशित करना "पाठ" की आत्मनिर्भर अखंडता के रूप में कला के काम का विश्लेषणआइए सबसे महत्वपूर्ण हाइलाइट करें:

1. 1) विश्लेषण कला के काम के साथ काम करने की प्रणाली में शामिल कार्यों में से केवल एक है। विश्लेषणात्मक कार्य की प्रक्रिया में आपको सबसे महत्वपूर्ण प्रश्नों में से एक का उत्तर देना चाहिए: कैसे, किस तरीके से और किस माध्यम से कलाकार वास्तव में उस छाप को प्राप्त करने में सक्षम था जिसे आपने पूर्व-विश्लेषणात्मक संचार में अनुभव किया और महसूस किया। कलात्मक छवि?
2. 2) संपूर्ण को भागों में विभाजित करने के एक ऑपरेशन के रूप में विश्लेषण (हालांकि संश्लेषण के तत्वों को शामिल करना) अपने आप में एक अंत नहीं है, लेकिन कलात्मक छवि के शब्दार्थ कोर में गहरी पैठ का एक तरीका है;
3. 3) कला का प्रत्येक कार्य अद्वितीय, अनुपयोगी है, इसलिए यह व्यवस्थित रूप से सही है - और शिक्षक के लिए यह बहुत महत्वपूर्ण है - "विश्लेषण की साज़िश" खोजने के लिए - मुख्य प्रश्न जो विशेष रूप से सामूहिक कार्य में, एक श्रृंखला, या बल्कि, प्रश्नों की एक प्रणाली, जिनके उत्तर और विश्लेषण की एक समग्र तस्वीर बनाएंगे;
4. 4) कला का प्रत्येक कार्य दुनिया का एक कलात्मक-आलंकारिक मॉडल है, जो वास्तविक पहलुओं, भागों, पहलुओं को दर्शाता है
   दुनिया और उसके मुख्य तत्व: मनुष्य, समाज, सभ्यता, प्रकृति, ईश्वर। होने के ये पहलू, भाग, पहलू एक सार्थक आधार बनाते हैं - छवि का विषय, जो एक ओर, पहले से ही वस्तुगत वास्तविकता है, क्योंकि यह इसका केवल एक हिस्सा है, और दूसरी ओर, यह शुरू में समृद्ध है, क्योंकि यह लेखक के दृष्टिकोण को वहन करता है, रचनात्मक प्रक्रिया में समृद्ध होता है, कला के काम में वस्तुनिष्ठ रूप में दुनिया के बारे में ज्ञान की वृद्धि करता है, और अंत में, यह रचनात्मकता की प्रक्रिया में वास्तविक होता है। विश्लेषणात्मक कार्य में, आपको प्रश्नों का उत्तर देना चाहिए: इस कार्य में छवि का उद्देश्य क्या है? चित्र का विषय क्या है? काम की कलात्मक छवि को आत्मसात करके हम दुनिया के बारे में क्या नई चीजें सीखते हैं?
5. 5) कला का प्रत्येक कार्य कला के प्रकारों में से एक है, जिसके अनुसार छवि के विषय को बदलने की विधि, कलात्मक छवि का निर्माण, कला की विशिष्ट भाषा बनती है।
6. 6) भौतिक दुनिया की एक घटना के रूप में कला पूरी तरह से और एक अलग काम अंतरिक्ष और समय में मौजूद है। प्रत्येक युग, प्रत्येक सौंदर्य प्रणाली इन वास्तविकताओं और उसके लक्ष्यों की समझ के अनुसार समय और स्थान की अपनी कलात्मक अवधारणा विकसित करती है। इसलिए, किसी कार्य में स्थान और समय के अवतार की विशेषताओं का विश्लेषण एक आवश्यक विश्लेषणात्मक ऑपरेशन है;
7. 7) दुनिया का एक कलात्मक-आलंकारिक मॉडल सचित्र (दृश्य) या गैर-सचित्र (श्रवण, मौखिक या दृश्य-रचनात्मक) हो सकता है। जीवन की नकल (एक भ्रम पैदा करने की इच्छा तक- "धोखा") या, इसके विपरीत, छवि का पूर्ण "अस्पष्टीकरण", सभी मध्यवर्ती रूपों की तरह, अपने आप में एक अंत नहीं है, यह हमेशा सार्थक होता है, विश्लेषण में प्रकट लक्ष्य-निर्धारण के अवतार के रूप में कार्य करता है। उसी समय, घटना और सार के बीच एक संबंध स्थापित होता है, जिसकी समझ और विकास अंततः कला के मुख्य कार्यों में से एक है। इसलिए विश्लेषण की प्रक्रिया में, यह समझना आवश्यक है कि कौन सी घटना कलात्मक छवि (छवि वस्तु) को रेखांकित करती है, कौन से गुण, गुण, वस्तु के पहलू कलाकार (छवि वस्तु) के लिए रुचि रखते थे, कैसे, किस तरह से वस्तु रूपांतरित हो गया था और संरचना क्या है - मौलिक रचना और संरचना - परिणामी कलात्मक छवि। इन सवालों का जवाब देते हुए, कोई भी कला के काम के अर्थ को अच्छी तरह से समझ सकता है कि कलात्मक छवि के ताने-बाने के माध्यम से चमकने वाला सार क्या है।

इससे पहले कि मैं कला के काम के साथ काम करने में विश्लेषण और उसके स्थान के बारे में बात करना समाप्त करूँ, मैं आपको दो सलाह देता हूँ।

पहला विश्लेषण के अर्थ की चिंता करता है। भले ही कला का यह या वह काम आपके करीब हो या आंतरिक रूप से अलग-थलग हो, विश्लेषण - व्याख्या आपको लेखक को समझने में मदद करेगी, और काम के बारे में बातचीत में, आपके मूल्यांकन को सही ठहराएगा। कला के साथ संबंधों में, "पसंद - नापसंद" को अन्य योगों से बदलना बेहतर है:

"मैं समझता हूं और स्वीकार करता हूं" या "मैं समझता हूं, लेकिन मैं स्वीकार नहीं करता!" और साथ ही अपनी राय को सही ठहराने के लिए हमेशा तैयार रहें।

यदि आपको किसी प्रदर्शनी में काम करना है तो दूसरी युक्ति आपके लिए विशेष रूप से उपयोगी होगी। समकालीन कलाया कलाकार से मिलने - उसके स्टूडियो में।

किसी भी सामान्य व्यक्ति के लिए, लेखक की उपस्थिति एक निवारक है, इसलिए एक समकालीन कला प्रदर्शनी में हमेशा काम करें जैसे कि लेखक आपके बगल में खड़ा हो - यह एक बहुत ही वास्तविक अवसर है।

लेकिन मुख्य बात: एक बार और सभी के लिए, इस विचार को त्याग दें कि "सही" और "गलत" कला, "अच्छा" और "बुरा" है। कला का एक काम मूल्यांकन के अधीन है: आखिरकार, इसका निर्माता एक मास्टर हो सकता है, या शायद एक अकड़नेवाला शौकिया, एक सुपर-अनुकूली अवसरवादी, एक सट्टेबाज।

लेकिन प्रदर्शनी हॉल में, आपको एक अभियोजक के रूप में कार्य करने में जल्दबाजी नहीं करनी चाहिए, पहले यह समझने की कोशिश करना बेहतर है कि अपेक्षित आनंद के बजाय काम ने आपको इतनी जलन क्यों दी: क्या यह इसलिए है क्योंकि आपने सहजता से छवि की बेरुखी महसूस की, इसकी सामान्य विनाशकारी शक्ति, इससे आने वाली नकारात्मक ऊर्जा की तरंगें, या कि, आपके व्यक्तित्व की ख़ासियत के कारण, आप उन लोगों के साथ "प्रतिध्वनि" में नहीं आते हैं, लाक्षणिक रूप से बोलते हैं, कंपन जो कलात्मक छवि का कारण बनते हैं।

हम सभी कला को कितना अलग समझते हैं - इसके तत्वों और सामान्य रूप से - मुझे टीवी स्क्रीन के पास पूरी तरह से अप्रत्याशित रूप से महसूस हुआ। ... मुझे कोलोमेन्सकोय बहुत पसंद है - कज़ान मदर ऑफ़ गॉड के अपने शांत सफेद चर्च के साथ, मसीह के स्वर्गारोहण के चर्च का पतला तम्बू मोस्कवा नदी के ऊपर तेजी से बढ़ रहा है, जॉन द बैपटिस्ट के कैथेड्रल के सोने का पानी चढ़ा हुआ गुंबद खड्ड के पीछे पहाड़ पर डायकोवो, घने हरे घास में पेड़ों के गुच्छों, प्राचीन स्तंभों और पोषित पत्थरों के साथ। कई वर्षों से कला इतिहास के क्रम में मैं विद्यार्थियों को 16वीं-17वीं शताब्दी की इन अद्भुत कृतियों के बारे में बताता आ रहा हूं। लेकिन टीवी पर "ट्रैवल क्लब" की एक छोटी सी कहानी मेरे लिए एक रहस्योद्घाटन थी। प्रमुख पादरी ने दिखाया और साबित किया कि प्राकृतिक और स्थापत्य रूपों में सन्निहित मेट्रिक रूप से गठित पहनावा, सोफिया - द विजडम ऑफ गॉड के आइकन की छवि है। मैं, एक स्थापित तर्कसंगत चेतना वाला व्यक्ति, इस चमत्कार को इस तरह कभी नहीं देख पाता। लेकिन अब, निश्चित रूप से, स्रोत के संदर्भ में, मैं छात्रों को, दूसरों के बीच, इस व्याख्या की पेशकश करूंगा।

साहित्य:

वोल्फलिन

जानसन एच.वी., जानसन ई.एफ. कला इतिहास के मूल तत्व - खोजने के लिए। मिला। शेयर करना। और गोम्ब्रिच भी।

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