उन वर्षों के हॉलैंड ने व्यापक औपनिवेशिक व्यापार किया, उसके पास एक शक्तिशाली बेड़ा था, जहाज निर्माण प्रमुख उद्योगों में से एक था। मेहनती किसान, डच अपेक्षाकृत छोटी भूमि पर एक डेयरी फार्म बनाने में कामयाब रहे, जो यूरोपीय बाजार में प्रसिद्ध हो गया। वहीं हॉलैंड यूरोपीय संस्कृति का सबसे महत्वपूर्ण केंद्र है। प्रोटेस्टेंटवाद, जिसने कैथोलिक चर्च के प्रभाव को पूरी तरह से बदल दिया, इस तथ्य को जन्म दिया कि फ़्लैंडर्स में पादरी का इतना प्रभाव नहीं था। डच कलाकारों का एक अलग ग्राहक था: बर्गर, मजिस्ट्रेट, इसलिए, हॉलैंड में उस समय के चित्रों में रूबेन्स या जॉर्डन के कैनवस के समान आयाम नहीं थे, और वे मुख्य रूप से गैर-स्मारकीय और सजावटी कार्यों को हल करते हैं। 17वीं सदी की डच कला की मुख्य उपलब्धि ईजल पेंटिंग में है। डच कलाकारों द्वारा मनुष्य और प्रकृति अवलोकन और चित्रण की वस्तु थे। घरेलू पेंटिंगप्रमुख शैलियों में से एक बन जाता है, जिसके रचनाकारों को "लिटिल डच" नाम मिला, या तो भूखंडों की व्याख्या के लिए, या चित्रों के छोटे आकार के कारण। इसलिए व्यक्तिगत विषयों पर पेंटिंग की विस्तृत श्रृंखला: चित्र, परिदृश्य, अभी भी जीवन, पशु शैली।
फ्रैंस हेल्स हॉलैंड के सबसे महान चित्रकारों में से एक थे। उन्होंने एक समूह चित्र की शैली में काम किया, जिसमें राइफल गिल्ड - शहरों की रक्षा और सुरक्षा के लिए अधिकारियों के निगमों का चित्रण किया गया था। छवि की विशेष विशिष्टता के कारण व्यक्तिगत चित्रों को कभी-कभी शैली चित्र कहा जाता है।
लैंडस्केप शैलीविशेष रूप से दिलचस्प। यह बिल्कुल प्रकृति नहीं है, कुछ समग्र चित्रब्रह्मांड का, लेकिन राष्ट्रीय, अर्थात् डच परिदृश्य, जिसे हम आधुनिक हॉलैंड में भी पहचानते हैं: पवनचक्की, रेगिस्तान के टीले, गर्मियों में नावों के साथ नहरें और सर्दियों में स्केटर्स के साथ। रचनाओं में धूसर आकाश का बड़ा स्थान है। 17 वीं शताब्दी के मध्य में लैंडस्केप पेंटिंग का उत्कर्ष, यथार्थवादी परिदृश्य का सबसे बड़ा स्वामी था जैकब वैन रुइसडेल (पुनरुत्पादन देखें). उनकी रचनाएँ आमतौर पर गहरे नाटक से भरी होती हैं, चाहे वह जंगल के घने इलाकों, झरनों के साथ परिदृश्य या कब्रिस्तान के साथ एक रोमांटिक परिदृश्य को दर्शाती हो। Ruisdael की प्रकृति गतिकी में, शाश्वत नवीकरण में प्रकट होती है। ब्रश के नीचे प्रकृति का सबसे सरल रूप जन वैन गोयेनऔर सॉलोमन वैन रुइसडेलस्मारक बन जाओ। केवल सीस्केप किया जान पोर्सेलिस. डच परिदृश्य के साथ घनिष्ठ संबंध पशुवादी शैली है। पसंदीदा मोटिफ अल्बर्ट क्यूप- गायों को पानी के छेद पर। पॉल पोर्टर, सामान्य योजनाओं के अलावा, एक परिदृश्य की पृष्ठभूमि के खिलाफ एक या एक से अधिक जानवरों को क्लोज-अप चित्रित करना पसंद करते हैं।
चहुँओर विकास पहुँचे स्थिर वस्तु चित्रण. डच अभी भी जीवन, फ्लेमिश के विपरीत, एक मामूली आकार और अंतरंग रूपांकनों का है। पीटर क्लासऔर विलेम खेड़ाअधिक बार उन्होंने तथाकथित "नाश्ते" का चित्रण किया: अपेक्षाकृत मामूली रूप से परोसी गई मेज पर हैम या पाई के साथ व्यंजन। एक कुशल लेआउट में, वस्तुओं को इस तरह से दिखाया जाता है कि कोई महसूस करता है, जैसा कि यह था, चीजों का आंतरिक जीवन। रंग संयमित और परिष्कृत है। डच समाज के जीवन में परिवर्तन के साथ स्थिर जीवन की प्रकृति भी बदलती है। खेड़ा के "नाश्ते" की जगह शानदार मिठाइयों ने ले ली है कल्फा. साधारण बर्तनों की जगह संगमरमर की मेज़ों, कालीन मेज़पोशों, चाँदी के प्याले, मोतियों की सीपियों और क्रिस्टल के गिलासों ने ले ली है। आड़ू, अंगूर और क्रिस्टल सतहों की बनावट को संप्रेषित करने में काफ अद्भुत गुण प्राप्त करता है। पूर्व काल के अभी भी जीवन के एकल स्वर को सबसे उत्तम रंगीन रंगों के समृद्ध क्रम से बदल दिया गया है।
फ्रांज हेल्स के घेरे में, जहां फ्लेमिश चित्रकार एड्रियन ब्रोवर विकसित हुए, विषयों में एक अलग रुचि थी घरेलू पेंटिंग
. एड्रियन वैन ओस्टेडआमतौर पर किसान जीवन के छाया पक्ष को दर्शाता है। 1940 के दशक के बाद से, उनके काम में व्यंग्यात्मक नोटों को तेजी से हास्य से बदल दिया गया है। कभी-कभी ये छोटे-छोटे चित्र बड़े गेय भाव से रंगे होते हैं।
इंटीरियर "छोटे डच" के बीच विशेष रूप से काव्यात्मक हो जाता है। इस थीम के असली गायक पीटर डी हूच थे। आधी खुली खिड़की वाले उनके कमरे, अनजाने में फेंके गए जूतों या छोड़े गए झाड़ू के साथ, एक नियम के रूप में, एक मानव आकृति के बिना चित्रित किए गए हैं, लेकिन एक व्यक्ति यहां अदृश्य रूप से मौजूद है, हमेशा इंटीरियर और लोगों के बीच एक संबंध होता है। जब वह लोगों को चित्रित करता है, तो वह जानबूझकर एक निश्चित जमी हुई लय पर जोर देता है, जीवन को जमे हुए के रूप में चित्रित करता है, जैसे कि चीजें स्वयं के रूप में गतिहीन होती हैं।
डच यथार्थवाद का शिखर, डच संस्कृति की सचित्र उपलब्धियों का परिणाम है, रेम्ब्रांट का काम है। एक सच्चे डचमैन के रूप में, वह यथार्थवादी विवरणों से डरता नहीं है, एक महान कलाकार के रूप में वह जानता है कि प्रकृतिवाद से कैसे बचा जाए। 30 के दशक में, रेम्ब्रांट ने पहली बार ग्राफिक्स, विशेष रूप से नक़्क़ाशी में गंभीरता से शामिल होना शुरू किया। उत्कीर्णन और अद्वितीय चित्र छोड़ने वाले ग्राफिक कलाकार रेम्ब्रांट की विरासत सचित्र विरासत से कम महत्वपूर्ण नहीं है। नक़्क़ाशी ज्यादातर बाइबिल और सुसमाचार विषय हैं, लेकिन ड्राइंग में, एक सच्चे डच कलाकार के रूप में, वह अक्सर रोजमर्रा की शैली में बदल जाता है। रेम्ब्रांट का कला पर बहुत बड़ा प्रभाव था, उनके कई छात्र थे, कुछ शिक्षक की बाहरी नकल से आगे नहीं बढ़े, और बहुमत ने उन्हें बदल दिया, अकादमिकता की स्थिति और फ्लेमिंग्स की नकल और फिर फ्रेंच की ओर बढ़ गए। 17 वीं शताब्दी की अंतिम तिमाही में, पेंटिंग के डच स्कूल का पतन शुरू होता है, इसकी राष्ट्रीय पहचान का नुकसान होता है, और 18 वीं शताब्दी की शुरुआत से, डच यथार्थवाद के महान युग का अंत शुरू होता है।
सत्रवहीं शताब्दी दुनिया को दो दिखाए कला विद्यालय - डच और फ्लेमिश. दोनों नीदरलैंड की कलात्मक परंपराओं के उत्तराधिकारी थे - एक यूरोपीय देश, जिसके क्षेत्र में उस समय तक कैथोलिक फ़्लैंडर्स का गठन किया गया था, जिसका नाम सबसे महत्वपूर्ण प्रांत (आज यह बेल्जियम और फ्रांस का क्षेत्र है) के नाम पर रखा गया है। अन्य प्रांतों ने, सुधार के विचारों के पालन का बचाव किया, एकजुट हुए और डच गणराज्य या केवल हॉलैंड कहलाने लगे। 17वीं सदी में हॉलैंड में लगभग तीन-चौथाई आबादी शहरी थी, मुख्य वर्ग को मध्यम वर्ग माना जाता था। सुधारित चर्च ने सजावट के वैभव को छोड़ दिया, कोई ताज पहनाया हुआ ग्राहक और आदिवासी अभिजात वर्ग नहीं था, जिसका अर्थ है कि पूंजीपति वर्ग के प्रतिनिधि कला के मुख्य उपभोक्ता बन गए। पेंटिंग के लिए बनाई गई जगह बर्गर और सार्वजनिक भवनों के घरों तक ही सीमित थी।
चित्रों का आकार, एक नियम के रूप में, बड़े नहीं थे (चर्चों के लिए महल के चित्रों या वेदी की रचनाओं की तुलना में), और भूखंडों में एक कक्ष चरित्र था, जिसमें निजी, रोजमर्रा की जिंदगी के दृश्य थे। XVII सदी की डच कला की मुख्य उपलब्धि। - चित्रफलक पेंटिंग में। डच कलाकारों द्वारा मनुष्य और प्रकृति अवलोकन और चित्रण की वस्तु थे। परिश्रम, परिश्रम, व्यवस्था के प्रति प्रेम और स्वच्छता डच जीवन शैली को चित्रित करने वाले चित्रों में परिलक्षित होती है। इसीलिए 17वीं शताब्दी के डच स्वामी (रेम्ब्रांट और हेल्स के अपवाद के साथ) कहलाते थे "लिटिल डच" 17वीं शताब्दी के डच चित्रकारों का एक व्यापक समूह। उनके काम की कक्षीय प्रकृति, उनके चित्रों के छोटे आकार (परिदृश्य, आंतरिक, रोजमर्रा के दृश्य) के संबंध में उत्पन्न हुई। लिटिल डच की पेंटिंग को लेखन की सूक्ष्मता, छोटे विवरणों की अभिव्यक्ति, प्रकाश और रंग की बारीकियों की सुंदरता, आराम की सामान्य भावना, एक परिदृश्य या आंतरिक वातावरण में पात्रों की निकटता और एकता की विशेषता है। इनमें से सबसे महत्वपूर्ण प्रमुख प्रतिनिधियों- जान वर्मियर, ओस्टेड बंधु (एड्रियन वैन ओ. और इसाक वैन ओ.), जेरार्ड टेरबोर्च, जान स्टीन, गेब्रियल मेत्सु)।
अधिकांश कलाकारों ने अपने चित्रों के लिए थीम को भीतर पाया स्वदेश, रेम्ब्रांट की सलाह का पालन करते हुए: “सबसे पहले समृद्ध प्रकृति का पालन करना सीखें और सबसे बढ़कर, आप इसमें क्या पाते हैं। आकाश, पृथ्वी, समुद्र, पशु, अच्छा और बुरे लोग- सब कुछ हमारे व्यायाम के लिए कार्य करता है। मैदान, पहाड़ियाँ, नाले और पेड़ कलाकार को पर्याप्त काम देते हैं। शहर, बाजार, चर्च और हजारों प्राकृतिक खजाने हमें पुकारते हैं और कहते हैं: जाओ, ज्ञान के प्यासे, हमें चिंतन करो और हमें पुन: उत्पन्न करो। कलाकारों की उत्पादकता अविश्वसनीय अनुपात में पहुंच गई, नतीजतन, चित्रकारों के बीच प्रतिस्पर्धा पैदा हुई, जिसके परिणामस्वरूप स्वामी की विशेषज्ञता हुई। और, शायद, इस वजह से, शैली द्वारा विविध भिन्नता थी। कलाकार दिखाई दिए जिन्होंने केवल सीस्केप शैली या शहरी विचारों की शैली में काम किया, या परिसर (कमरे, मंदिर) के अंदरूनी हिस्सों को चित्रित किया। चित्रकला के इतिहास में अभी भी जीवन और परिदृश्य के उदाहरण थे, लेकिन इससे पहले कभी भी ये विधाएं इतने व्यापक चरित्र और आत्मनिर्भरता तक नहीं पहुंची थीं जितनी 17 वीं शताब्दी में हॉलैंड में थीं।
डच पूरी विविध दुनिया को तस्वीरों में देखना चाहते थे। इसलिए इस शताब्दी की पेंटिंग की विस्तृत श्रृंखला, कुछ प्रकार के विषयों में "संकीर्ण विशेषज्ञता": चित्र और परिदृश्य, अभी भी जीवन और पशुवत शैली। हॉलैंड में इटली के साथ कोई संबंध नहीं था और फ़्लैंडर्स में शास्त्रीय कला ने ऐसी भूमिका नहीं निभाई थी। यथार्थवादी प्रवृत्तियों की महारत, विषयों की एक निश्चित श्रेणी का निर्माण, और एकल प्रक्रिया के रूप में शैलियों का विभाजन 1720 के दशक तक पूरा हो गया था।
सत्रहवीं शताब्दी में डच चित्रकला का इतिहास हॉलैंड के सबसे बड़े चित्रकारों में से एक के काम के विकास को पूरी तरह से प्रदर्शित करता है फ्रैंस हल्स(1580-1666) उनकी गतिविधियाँ लगभग पूरी तरह से हार्लेम में हुईं। यहाँ, पहले से ही 1616 के आसपास, उन्हें एक उन्नत प्रमुख चित्रकार के रूप में पदोन्नत किया गया था और उन्होंने अपने जीवन के अंत तक इस क्षेत्र में अपनी भूमिका बनाए रखी। हेल्स के आगमन के साथ, कड़ाई से यथार्थवादी और तेज व्यक्तिगत डच चित्र परिपक्वता पर आता है। सब कुछ डरपोक, क्षुद्र, स्वाभाविक, जो अपने पूर्ववर्तियों को अलग करता है, दूर हो गया है।
खल कला के प्रारंभिक चरण को स्पष्ट नहीं किया गया है। हम तुरंत मास्टर को समूह चित्र की सबसे कठिन समस्या को हल करते हुए देखते हैं। वह सेंट पॉल के निगम के निशानेबाजों को चित्रित करते हुए एक के बाद एक चित्र बनाता है। एड्रियन और सेंट. जॉर्ज (हार्लेम, फ्रैंस हेल्स म्यूजियम), जहां एक भीड़ भरी बैठक की जीवंतता और उपस्थित लोगों में से प्रत्येक के प्रकार की चमक दोनों को सहजता से व्यक्त किया जाता है। विशेषताओं के असाधारण तीखेपन के साथ इन चित्रों में समूहों का चित्रात्मक कौशल और रचनात्मक संसाधनशीलता हाथ से जाती है। हल्स मनोवैज्ञानिक नहीं हैं: मानसिक जीवनउनके मॉडल आमतौर पर उनके पास से गुजरते हैं। हां, और वह अधिकांश लोगों के लिए लिखता है, जिनका पूरा जीवन तीव्र, जोरदार गतिविधि की स्थितियों में होता है, लेकिन मनोवैज्ञानिक प्रकृति के प्रश्नों में बहुत अधिक नहीं होता है। लेकिन हल्स, किसी और की तरह, इन लोगों की उपस्थिति पर कब्जा नहीं करता है, सबसे क्षणभंगुर पर कब्जा करने में सक्षम है, लेकिन साथ ही चेहरे की अभिव्यक्ति में, मुद्रा में, इशारों में सबसे विशेषता है। स्वभाव से हंसमुख, वह हर छवि को पुनरुद्धार, आनंद के क्षण में पकड़ने का प्रयास करता है, और कोई भी इतनी सूक्ष्मता और विविधता के साथ हंसी नहीं उड़ाता है जैसा वह करता है। एक अधिकारी का चित्र (1624, लंदन, वालेस संग्रह), एक कुर्सी पर झूलता हुआ "हार्लेम विच" - "मैले बोबे"(बर्लिन) को उनकी तेज और अक्सर दिलेर कला के विशिष्ट उदाहरणों के रूप में उद्धृत किया जा सकता है। पुरुषों, महिलाओं, बच्चों को उनके द्वारा एक जीवित छवि के समान अर्थ के साथ चित्रित किया गया है (" एक दस्ताने के साथ एक युवक का चित्र", ठीक है। 1650, हर्मिटेज)। हल्स तकनीक से ही जीवंतता का आभास भी होता है, जो असामान्य रूप से मुक्त है और वर्षों से इसकी चौड़ाई में बढ़ रहा है। शुरुआती कार्यों की सजावटी प्रतिभा बाद में नरम हो जाती है, रंग चांदी हो जाता है, काले और सफेद टन का उपयोग करने की स्वतंत्रता एक ऐसे कौशल की बात करती है जो बोल्ड चित्रात्मक साहस को वहन कर सकती है।
बाद की अवधि (50-60 के दशक) के चित्रों में, लापरवाह कौशल, ऊर्जा और दबाव गायब हो जाते हैं। हर्मिटेज में पुरुष चित्रआकृति के सभी प्रभाव के लिए, थकान और उदासी का पता लगाया जा सकता है। चौड़ी-चौड़ी टोपी (कैसेल में संग्रहालय) में एक आदमी के शानदार ढंग से चित्रित चित्र में इन विशेषताओं को और बढ़ाया गया है। हेल्स इन वर्षों के दौरान लोकप्रिय होना बंद कर देता है, क्योंकि यह कभी भी चापलूसी नहीं करता है और धनी ग्राहकों के पुनर्जन्म के स्वाद के लिए विदेशी हो जाता है, जिन्होंने अपनी लोकतांत्रिक भावना खो दी है। लेकिन यह रचनात्मकता के बाद के दौर में है कि हेल्स महारत के शिखर पर पहुंच जाता है और सबसे गहरा काम करता है। कुछ कार्यों में, रंग समाधानों की प्रभाववादी तकनीकों को रेखांकित किया गया है। हेल्स अपने जीवन के अंतिम वर्षों तक अनगिनत अलग-अलग चित्रों को चित्रित करता है, लेकिन समूह चित्रों में फिर से लौट आता है। उन्होंने 2 चित्रों को चित्रित किया - एक नर्सिंग होम के रीजेंट और रीजेंट, उनमें से एक में उन्होंने खुद को अपने जीवन के अंत में आश्रय पाया। रीजेंट के चित्र में, पिछली रचनाओं का कोई ऊहापोह नहीं है, मॉडल असंतुष्ट हैं, शक्तिहीन हैं, उनके पास बादल हैं, उनके चेहरे पर तबाही लिखी हुई है। उदास रंग (काले, ग्रे और सफेद) में, एक रीजेंट के घुटने पर एक गुलाबी-लाल धब्बा एक विशेष तनाव लाता है। तो 9 साल की उम्र में, एक बीमार, अकेला और दरिद्र कलाकार शिल्प कौशल के मामले में अपने सबसे नाटकीय और सबसे उत्तम काम करता है।
हल्स की कला का अपने समय के लिए बहुत महत्व था, इसका न केवल चित्र के विकास पर प्रभाव पड़ा, बल्कि रोजमर्रा की जिंदगी, परिदृश्य, अभी भी जीवन की शैली भी प्रभावित हुई।
लैंडस्केप शैलीहॉलैंड 17 वीं शताब्दी विशेष रूप से दिलचस्प। यह सामान्य रूप से प्रकृति नहीं है, ब्रह्मांड की एक निश्चित सामान्य तस्वीर है, लेकिन राष्ट्रीय, अर्थात् डच परिदृश्य, जिसे हम आधुनिक हॉलैंड में पहचानते हैं: प्रसिद्ध पवन चक्कियां, रेगिस्तान के टीले। रचनाओं में धूसर आकाश का बड़ा स्थान है। इस तरह हॉलैंड को चित्रित किया गया है जन वैन गोयेन (1596-1656) और सॉलोमन वान रुइसडेल (1600-1670)।
डच स्कूल में लैंडस्केप पेंटिंग की शुरुआत मध्य को संदर्भित करती है। सत्रवहीं शताब्दी यथार्थवादी परिदृश्य के महानतम स्वामी थे जैकब वैन रुइसडेल (1628-1682), अटूट कल्पना के कलाकार। उनकी रचनाएँ आम तौर पर गहरे नाटक से भरी होती हैं, चाहे वे घने जंगल ("फ़ॉरेस्ट दलदल") हों, झरनों के साथ परिदृश्य ("झरना") या कब्रिस्तान ("यहूदी कब्रिस्तान") के साथ एक रोमांटिक परिदृश्य। Ruisdael में प्रकृति गतिकी में, शाश्वत नवीकरण में प्रकट होती है। यहां तक कि प्रकृति के सबसे कठिन रूप कलाकार के ब्रश के नीचे एक स्मारकीय चरित्र प्राप्त करते हैं। Ruisdael छवि के सिंथेटिक चरित्र के साथ, महान महत्वपूर्ण अखंडता के साथ सावधानीपूर्वक लेखन को संयोजित करने का प्रयास करता है।
उनका जन्म हरलेम में 1628 या 1629 में हुआ था। उनका पहला जीवित काम, दिनांक 1646, एक परिपक्व गुरु के काम जैसा दिखता है - और तब वह केवल 18 साल का था। पूरे विश्वास के साथ हम कह सकते हैं कि 1648 में रुइसडेल हरलेम के कलाकारों के गिल्ड का सदस्य बन गया।
अपनी युवावस्था में, रुइसडेल ने प्रकृति की खोज में काफी यात्रा की - प्रस्थान किए बिना, हालांकि, अपने मूल हरलेम से सौ मील से अधिक दूर। 1650 के दशक के मध्य में, कलाकार हरलेम से एम्स्टर्डम चले गए, जहाँ वे अपने दिनों के अंत तक रहे।
Ruisdael के समय मेट्रोपॉलिटन एम्स्टर्डम प्रांतीय हरलेम से आश्चर्यजनक रूप से अलग था (हालांकि इन शहरों के बीच की दूरी तब भी दो घंटे में दूर हो गई थी)। Ruisdael ने अपने चित्रों को निजी आदेशों पर नहीं, बल्कि मुफ्त बिक्री के लिए चित्रित किया। 1670 के आसपास, वह शहर के बहुत केंद्र में, डैम स्क्वायर में चले गए, जहां उन्होंने चित्रों और पुस्तकों के एक डीलर हिरोनिमस स्वेर्ट्स की दुकान के ठीक ऊपर एक अपार्टमेंट किराए पर लिया। .
मेइंडर्ट हॉबेमा(1638, एम्स्टर्डम, - 7 दिसंबर, 1709) - अपने गुरु, जैकब वैन रुइसडेल के बाद डच परिदृश्य के सबसे महत्वपूर्ण स्वामी।
यह ज्ञात है कि होब्बेमा और रुइसडेल ने एक साथ यात्रा की और प्रकृति से रेखाचित्र बनाए। नवंबर 1668 में, हॉबेमा ने एम्स्टर्डम के बर्गोमास्टर से शादी की, और उसके माध्यम से आयातित वाइन की गुणवत्ता के निरीक्षक का पद प्राप्त किया। लंबे समय तक यह माना जाता था कि यह उनके चित्रकला पाठ का अंत था।
हो सकता है कि उन्हें पहले की तुलना में पेंटिंग के लिए कम समय देना पड़ा हो, लेकिन उनका सबसे अच्छा काम, द एले एट मिडेलहर्निस, दिनांक 1689 है, और एक अन्य लंदन पेंटिंग, द रूइन्स ऑफ ब्रेडरोड कैसल, 1671 है। ये बाद के कार्य डच लैंडस्केप पेंटिंग की सबसे सफल उपलब्धियों से संबंधित हैं और संक्षेप में, इसके विकास में एक रेखा खींचते हैं।
कलाकार की गरीबी में मृत्यु हो गई, लेकिन पहले से ही 18 वीं शताब्दी में उनकी बहुत नकल की गई, और उनकी रचनाएँ कलेक्टरों के बीच प्रतिद्वंद्विता का विषय बन गईं। रुइसडेल के विपरीत, जो वन्यजीवों को पकड़ना पसंद करते थे, होबेम शांत ग्रामीण दृश्यों के प्रति आकर्षित थे, जहां से सूरज की रोशनी में नहाए हुए गांवों के दृश्य दिखाई देते थे, जो यहां और वहां पेड़ों के विशाल समूहों द्वारा विविधता प्रदान करते हैं। इन ग्रामीण मुहावरों में, सब कुछ बहुत सावधानी से लिखा गया है, और विशेष रूप से पत्ते।
डच परिदृश्य के साथ घनिष्ठ संबंध है पशुवत शैली. लैंडस्केप पेंटिंग के कई प्रतिनिधि जानवरों के हस्तांतरण में रुचि रखते हैं। उत्तरार्द्ध बहुत बार विशुद्ध रूप से परिदृश्य तत्वों के बराबर हो जाते हैं, और कभी-कभी परिदृश्य उनके लिए एक पृष्ठभूमि से ज्यादा कुछ नहीं होता है। एक जानवर की नस्ल, उसकी संरचना, रंग, विशिष्ट आंदोलनों की पहचान करने की क्षमता डच के हड़ताली गुणों में से एक है। वातावरण और प्रकाश के संचरण की सूक्ष्मता, इस कौशल के साथ मिलकर, कुछ पशु चित्रकारों में असाधारण पूर्णता तक पहुँचती है। यह कई कार्यों से प्रमाणित है पॉलस पॉटर(1625-1654) और अल्बर्ट क्यूप(1620-1691)। उन दोनों ने, जानवरों के चरने या खुले में आराम करने वाले चित्रों के साथ (पॉटर का फार्म, हरमिटेज, 1649), क्लोज-अप में उनकी अलग-अलग प्रतियां भी लिखीं। कुम्हार, सामान्य शॉट्स के अलावा, एक परिदृश्य की पृष्ठभूमि के खिलाफ एक या एक से अधिक जानवरों को क्लोज-अप चित्रित करना पसंद करता है ("ए डॉग ऑन ए चेन")। केप का पसंदीदा रूप पानी के छेद पर गाय है ("सनसेट ऑन द रिवर", "काउ ऑन द बैंक ऑफ द स्ट्रीम")। पेंटिंग "एक झुंड, सवार और किसानों के साथ लैंडस्केप"।
शांतिपूर्ण ग्रामीण दृश्य सूर्यास्त की सुनहरी चमक में नहाया हुआ है। एक चमकदार प्रभाव पैदा करते हुए, गर्म प्रकाश रचना के हर विवरण की अनुमति देता है। यह आश्चर्यजनक रूप से केप के रंग को उनके समकालीनों के ठंडे नीले और हरे रंग से अलग करता है, जैसे कि मेइंडर्ट हॉबेमा. प्रकाश और छाया के खेल को दिखाने के लिए जानवरों की व्यवस्था की प्रतीत होने वाली यादृच्छिकता वास्तव में सावधानी से विचार की जाती है।
इसके अलावा, केप शुद्ध परिदृश्य के प्रतिनिधियों में पहले स्थान पर है। उनके चित्रों को सुनहरी, धूप, उद्देश्यों में बेहद विविध और कई मरीना (समुद्र के दृश्य) को शामिल करने में असाधारण कौशल द्वारा प्रतिष्ठित किया जाता है।
सीस्केप केवल(मरीना) लगी हुई थी जान पोर्सेलिस(1584-1632)। मरीना ने 17वीं शताब्दी में हॉलैंड की कला में एक बहुत ही महत्वपूर्ण भूमिका निभाई और कई प्रथम श्रेणी के विशेषज्ञों को आगे लाया। मरीना के विकास का सामान्य पाठ्यक्रम डच परिदृश्य के इतिहास में आम तौर पर देखे जाने वाले समान प्रतीत होता है। प्रारंभिक अवस्था में, रचनाएँ सरल होती हैं। कलाकार अपने लक्ष्य को प्राप्त करता हुआ देखता है यदि वह समुद्र के विस्तार, उस पर लहराते जहाजों और सबसे बड़ी संभावना के साथ पानी को व्यक्त करता है। तो जान पोर्सेलिस लिखते हैं। अगली पीढ़ी में, समुद्री प्रजातियों के संचरण की प्रकृति अधिक गतिशीलता की ओर बदलती है। हालाँकि, पहले की तरह, जल तत्व की शांति को दर्शाते हुए चित्र बनाए गए हैं, लेकिन अब यह पर्याप्त नहीं है; तूफान जहाजों को चट्टानों पर फेंकना शुरू करते हैं, विशाल लहरें उन्हें मौत की धमकी देती हैं और नाविकों को बंदरगाह में शरण लेने के लिए प्रेरित करती हैं। दोनों ही मामलों में बैकहुइज़न (1631-1709) के लिए कोई कठिनाई नहीं है। उसी गुण के साथ उनका ब्रश आकाश, चक्रवात, स्प्रे, चट्टानों और मलबे के निशान की मेघहीनता को व्यक्त करता है।
शानदार विकास स्थिर जीवन तक पहुँचता है। डच अभी भी जीवन, फ्लेमिश के विपरीत, एक अंतरंग प्रकृति के चित्रों के आकार और उद्देश्यों में मामूली है। पीटर क्लास (1597-1661), विलेम खेड़ा(1594-1680) ने सबसे अधिक बार तथाकथित चित्रित किया। नाश्ता: अपेक्षाकृत मामूली रूप से परोसी गई मेज पर हैम या पाई के साथ व्यंजन। एक कुशल लेआउट में, वस्तुओं को इस तरह से दिखाया जाता है कि कोई महसूस करता है, जैसा कि यह था, चीजों का आंतरिक जीवन (यह व्यर्थ नहीं था कि डच ने अभी भी जीवन को "अभी भी लेवन" - "शांत जीवन" कहा था, और नहीं "प्रकृति मोर्ट" - "मृत प्रकृति")। रंग संयमित और परिष्कृत है (हेडा "लॉबस्टर के साथ नाश्ता", 1658; कक्षा "मोमबत्तियों के साथ स्थिर जीवन", 1627)
विलेम हेडा ने हरलेम में काम किया और पीटर क्लेज़ से प्रभावित थे। मामूली अभी भी जीवित है - हेड द्वारा "नाश्ता", एक नियम के रूप में, घरेलू बर्तनों और भोजन का एक छोटा सा सेट, चीजों की बनावट, एक विवेकपूर्ण चांदी-हरे या चांदी-भूरे रंग () को व्यक्त करने में ठीक शिल्प कौशल की विशेषता है। "ब्लैकबेरी पाई के साथ नाश्ता", 1631, आर्ट गैलरी, ड्रेसडेन; "हैम एंड सिल्वरवेयर", 1649, राज्य संग्रहालयललित कला, मास्को)।
दूसरे भाग में डच समुदाय के जीवन में परिवर्तन के साथ। 17वीं शताब्दी में, बुर्जुआ वर्ग की अभिजात वर्ग की इच्छा में क्रमिक वृद्धि और इसके पूर्व लोकतंत्र की हानि के साथ, स्थिर जीवन की प्रकृति भी बदल जाती है। खेड़ा के "नाश्ते" की जगह शानदार "मिठाई" ने ले ली विलेम कल्फ़ (1619-1693)।साधारण बर्तनों की जगह संगमरमर की मेज़ों, कालीन मेज़पोशों, चाँदी के प्याले, मोतियों की सीपियों और क्रिस्टल के गिलासों ने ले ली है। आड़ू, अंगूर और क्रिस्टल सतहों की बनावट को संप्रेषित करने में काफ अद्भुत गुण प्राप्त करता है। पूर्व काल के अभी भी जीवन के एकल स्वर को सबसे उत्तम रंगीन रंगों के समृद्ध क्रम से बदल दिया गया है।
डच चित्रकार। 1640-1645 में उन्होंने फ्रांस में, 1653 से - एम्स्टर्डम में काम किया। भविष्य में, विलेम कल्फ़ मुख्य रूप से एम्स्टर्डम में रहते थे और काम करते थे। उनके चित्रों के गहरे, समृद्ध रंग, अभी भी जीवन का यह चित्रकार अपने समकालीन जन वर्मियर के काम के प्रभाव के कारण हो सकता है। सबसे महान स्वामी में से एक डच स्कूलअभी भी जीवन, कल्फ़ ने गरीब रसोई और पिछवाड़े ("एक किसान घर का आंगन", राज्य हर्मिटेज संग्रहालय, सेंट पीटर्सबर्ग) के आधार पर मामूली चित्रों को चित्रित किया, और बहुमूल्य बर्तनों और विदेशी दक्षिणी फलों ("नाश्ता", राज्य संग्रहालय, एम्स्टर्डम; "स्टिल लाइफ", स्टेट हर्मिटेज म्यूजियम, सेंट पीटर्सबर्ग)। स्थिर जीवन चित्रकार के रूप में कल्फ़ की खूबी ने स्थानिक निर्माणों के शास्त्रीय शोधन, प्रत्येक वस्तु की मौलिकता और आंतरिक मूल्य की सूक्ष्म भावना, प्रकाश और छाया और रंग संबंधों के परिष्कार और समृद्धि, और विभिन्न बनावटों की शानदार विपरीत तुलना में खुद को प्रकट किया। और सामग्री।
"लॉबस्टर, वाइन हॉर्न और ग्लास के साथ स्टिल लाइफ।"मेज पर रखे विदेशी और शानदार वस्तुओं का संग्रह शानदार शिल्प कौशल और रंग की गहरी समझ के साथ चित्रित किया गया है। एक लॉबस्टर, एक स्पार्कलिंग चांदी के फ्रेम के साथ एक वाइन हॉर्न, पारदर्शी चश्मा, एक नींबू और एक तुर्की कालीन को इतनी अद्भुत देखभाल के साथ प्रस्तुत किया जाता है कि भ्रम होता है कि वे असली हैं और आप उन्हें अपने हाथ से छू सकते हैं। प्रत्येक आइटम को रखने के लिए जगह को इस तरह से चुना जाता है कि समूह एक पूरे के रूप में रंग, आकार और बनावट का सामंजस्य बनाता है। वस्तुओं को ढकने वाली गर्म रोशनी उन्हें कीमती गहनों की गरिमा देती है, और उनकी दुर्लभता, भव्यता और सनक 17 वीं शताब्दी में डच कलेक्टरों के परिष्कृत स्वाद को दर्शाती है - एक समय जब जीवन असाधारण रूप से लोकप्रिय था।
डच अभी भी जीवन- कलात्मक अहसासों में से एक महत्वपूर्ण विषयडच कला - विषय गोपनीयतासमान्य व्यक्ति। में इस विषय को पूर्ण रूप से समाविष्ट किया गया है शैली पेंटिग. 20-30 के दशक में। सत्रवहीं शताब्दी डचों ने एक विशेष प्रकार की छोटी छोटी आकृति वाली पेंटिंग बनाई। 40-60 - चित्रकला का उत्कर्ष, हॉलैंड के शांत बर्गर जीवन को गौरवान्वित करते हुए, दैनिक अस्तित्व को मापा। हल्स के घेरे में भी, जहां फ्लेमिश चित्रकार एड्रियन ब्रोवर भी विकसित हुए, किसान जीवन के विषयों में एक अलग रुचि पैदा हुई। एड्रियन वैन ओस्टेड(1610-1685) - कृषक जीवन के चित्रण में अपनी सचित्र खूबियों की दृष्टि से सबसे बड़ा था। वह आमतौर पर अपने छायादार पक्षों ("लड़ाई") को अपने अन्य प्रतिनिधियों की तरह चित्रित करता है, वह आमतौर पर शासक वर्ग की विचारधारा की भावना में पूरी तरह से अपने विषयों पर पहुंचता है और या तो वास्तविकता को आदर्श बनाता है या किसानों में केवल अजीब जीवों को देखता है, जिनके रीति-रिवाजों को जन्म देते हैं हँसी और मजाक। ("एक गांव सराय में" 1660)।
उनकी कला बाद की अवधि में गीतात्मकता की विशेषताओं को प्राप्त करती है, और पूर्व भूखंडों को एक झोपड़ी की दहलीज पर या एक गाँव के आंगन में शांतिपूर्ण आराम की छवियों के साथ-साथ शांत पारिवारिक आराम के दृश्यों के साथ आंतरिक रूप से बदल दिया जाता है ("देश कॉन्सर्ट", 1655, हर्मिटेज)। इस तरह के छोटे चित्र चित्रों के अलावा, ओस्टेड अक्सर और अधिक चित्रित करते थे क्लोज़ अपविभिन्न शिल्पों के प्रतिनिधियों के कड़ाई से यथार्थवादी आधे आंकड़े। दाईं ओर, ओस्टेड की पेंटिंग "द पेंटर इन द स्टूडियो" (1663) को पेंटिंग की उत्कृष्ट कृति माना जाता है, जिसमें कलाकार किसी घोषणा या पथ का सहारा लिए बिना मानव श्रम का महिमामंडन करता है।
लेकिन मुख्य विषय"छोटा डच" अभी भी किसान नहीं है, बल्कि एक बर्गर लाइफ है। आमतौर पर ये बिना किसी आकर्षक कथानक के चित्र होते हैं। इस शैली के चित्रों में कुछ भी घटित होता हुआ प्रतीत नहीं होता। एक महिला पत्र पढ़ रही है, एक सज्जन और एक महिला संगीत बजा रहे हैं। या वे अभी मिले हैं और एम / उन्हें पहली भावना है, लेकिन यह केवल उल्लिखित है, दर्शक को खुद को अनुमान लगाने का अधिकार दिया जाता है। इस तरह की तस्वीरों में सबसे मनोरंजक कहानीकार था जन स्टेन(1626-1679)। स्टेन के लिए, उनके अधिकांश समकालीनों के विपरीत, कहानी पक्ष उदासीन नहीं है। वह अपने चित्रों में कथा की शुरुआत को निर्दिष्ट करता है महत्वपूर्ण भूमिकाऔर निम्न पूंजीपति वर्ग के दैनिक जीवन से कुछ मनोरंजक दृश्यों को चित्रित करना पसंद करते हैं। उनमें, मास्टर अवलोकन की तेज शक्तियों को प्रकट करता है, उपयुक्त रूप से प्रकारों की विशेषता बताता है और सूक्ष्म हंसमुख हास्य के साथ उनके द्वारा चुने गए एपिसोड को बताता है। पेंटिंग "द सिक वुमन एंड द डॉक्टर" (सी। 1660, हर्मिटेज) उनका संकेत है। स्टेन की गतिविधि की देर की अवधि में, ये विशेषताएं अपनी तीक्ष्णता खो देती हैं, और सामान्य प्रवृत्ति का पालन करते हुए, वह कला के मार्ग पर आगे बढ़ती है, वास्तविक दुनिया की विशुद्ध रूप से दृश्य धारणा की समस्याओं के लिए अधिक सुरुचिपूर्ण और समर्पित।
बड़ा हुनर हासिल किया जेरार्ड टेरबोर्च(1617-1681)। उन्होंने सबसे लोकतांत्रिक विषयों ("ग्राइंडर") के साथ शुरुआत की। रेशमी और साटन, कांच के गोले की पारदर्शिता, किसी भी चीज की सतह का चित्रण करने में उन्हें अत्यंत कौशल से प्रतिष्ठित किया गया था। टेरबोरच के आंकड़े अक्सर एक प्रसिद्ध अभिजात वर्ग की उपस्थिति की विशेषता रखते हैं, जिसे बड़प्पन के वातावरण से उनके मॉडल की पसंद के द्वारा समझाया गया है। टेरबोर्च की कला का परिष्कार काफी हद तक उसके रंग के कारण होता है, जिस पर उत्तम चांदी के स्वर हावी होते हैं। कलाकार के सर्वश्रेष्ठ चित्रों में "ए ग्लास ऑफ़ लेमोनेड" (हर्मिटेज) और "कॉन्सर्ट" (बर्लिन, डाहलेम) हैं।
इंटीरियर छोटे डचों के बीच विशेष रूप से काव्यात्मक हो जाता है। डचों का जीवन मुख्यतः घर में ही चलता था। इस विषय के वास्तविक गायक थे पीटर डी हूच(1629-1689)। चीजों के हस्तांतरण की भ्रामक प्रकृति इस मास्टर के लिए पृष्ठभूमि में आती है, और रुचि स्थानिक संबंधों के विकास पर केंद्रित है, विशेष रूप से अंदरूनी के चित्रण के साथ-साथ आंगनों और उनके पीछे खुलने वाली सड़कों पर ("मालकिन के साथ ए सर्वेंट", द हर्मिटेज, सी. 1660)। अनजाने में फेंके गए जूतों के साथ आधी खुली खिड़की वाले उनके कमरे या एक झाड़ू, एक नियम के रूप में, एक मानव आकृति के बिना चित्रित किए गए हैं, लेकिन लोग यहां अदृश्य रूप से मौजूद हैं, इंटीरियर और लोगों के बीच हमेशा एक संबंध होता है। जब वह लोगों को चित्रित करता है, तो वह जानबूझकर जमी हुई लय पर जोर देता है, जीवन को जमे हुए के रूप में चित्रित करता है, जैसे कि चीजें स्वयं ("यार्ड") के रूप में गतिहीन होती हैं।
जीवन की धीमी लय, दैनिक दिनचर्या की सटीकता, अस्तित्व की एक निश्चित एकरसता पूरी तरह से बता देती है गेब्रियल मेत्सु(1629-1667; "नाश्ता")। अपनी शैली की छवियों के सामान्य चरित्र में, वह टेरबोरच के करीब है, लेकिन रंगों में उज्जवल है।
शैली चित्रकला का एक नया चरण 50 के दशक में शुरू होता है और तथाकथित से जुड़ा होता है। डेल्फ़्ट स्कूल, जैसे कलाकारों के नाम के साथ कारेल फैब्रिसियस, इमैनुएल डी विट्टे और जान वर्मियर(1632-1675), कला के इतिहास में डेल्फ़्ट के वर्मियर के रूप में जाना जाता है (उनकी गतिविधि के स्थान के नाम पर)। डेल्फ़्ट के वर्मियर की कला हॉलैंड के विकास के बाद की अवधि से संबंधित है। स्वतंत्रता के लिए वीर लेकिन असभ्य सेनानियों की पीढ़ी और शांत व्यवसायी - पूंजीवादी अर्थव्यवस्था के आयोजक - अतीत के थे। उनके पोते ऐतिहासिक क्षेत्र में प्रवेश कर गए, जो अधिग्रहीत लाभों का सुरक्षित रूप से उपयोग कर सकते थे। इन परिस्थितियों में, डच गणराज्य के उत्कर्ष के अंतिम चरण की एक जीवंत, हर्षित कला आकार ले रही है।
इस विशेष अवधि में परिपक्व, मर्मज्ञ और एक ही समय में स्पष्ट और सरल है, प्रौद्योगिकी के सभी परिष्कार के बावजूद, डेल्फ़्ट के वर्मियर की कला। वर्मियर द्वारा कुछ प्रामाणिक कार्य हैं, केवल कुछ संग्रहालयों में डेल्फ़्ट मास्टर द्वारा छोटे और हमेशा कीमती चित्र हैं। वर्मियर की विषय वस्तु कमोबेश पारंपरिक है; युवा महिलाएँ पत्र पढ़ रही हैं, कशीदाकारी कर रही हैं, एक सज्जन के साथ, एक चित्रफलक के सामने एक चित्रकार, एक लड़की बस खिड़की पर सपना देख रही है ("गर्ल विद ए लेटर", ड्रेसडेन; "द कैवेलियर एंड द लेडी एट द स्पिनेट" , आदि) - एक शब्द में, वह सब कुछ जो डच चित्रकारों द्वारा एक से अधिक बार चित्रित किया गया है। विषय वस्तु के संदर्भ में, शब्द के संकीर्ण अर्थ में, वर्मीर के पास कुछ भी मूल नहीं है। केवल दुर्लभ मामलों में ही वह मनोरंजक भूखंडों की ओर मुड़ता है और रचना में क्रिया के एक तत्व का परिचय देता है ("एट द मैचमेकर", 1656, ड्रेसडेन)। हालाँकि, उनकी सभी छवियों में एक पूरी तरह से व्यक्तिगत चरित्र है। उनके द्वारा चित्रित सभी पात्रों में किसी न किसी तरह की हल्की और हल्की कविता है, और इस कविता और कोमलता के साथ, उनकी सभी रचनाओं पर गंभीर सादगी की एक विशेष भावना, कुछ सही मायने में क्लासिक है।
वर्मियर निस्संदेह पश्चिमी यूरोपीय कला के इतिहास में सबसे महान रंगकर्मियों में से एक है। न केवल रंगों के चुनाव में उनका नाजुक स्वाद, बल्कि एक दूसरे के साथ उनके संबंध को खोजने की क्षमता भी वर्मियर को रंग के सबसे परिष्कृत स्वामी में से एक बनाती है। अनुपात और चातुर्य की अत्यधिक भावना के साथ, वह नींबू-पीले, नीले, बैंगनी रंगों की एक विस्तृत विविधता, लाल और हरे रंग के रंगों को एक सोनोरस टोनल रेंज में जोड़ती है। यह डेल्फ़्ट के वर्मियर के काम में था कि प्रकाश की पारंपरिक डच कला समस्या को इसका सबसे सही समाधान मिला। इंद्रधनुषी मदर-ऑफ-पर्ल लाइट डेल्फ़्ट मास्टर के चित्रों की सबसे विशिष्ट विशेषताओं में से एक है। इसमें भी कोई संदेह नहीं है कि डेल्फ़्ट के वर्मीर अपने समय के सबसे कुशल तकनीशियनों में से एक थे। उनके कुछ चित्र एक समृद्ध और विविध बनावट में लिखे गए हैं। पेंट लगाने की उनकी विधि, प्रभाववादियों की बाद की तकनीक को पूर्वनिर्धारित करते हुए, वर्मियर के लिए यह संभव हो गया कि वह प्रकाश को घेरने वाली वस्तुओं को उसकी सभी सचित्र संक्षिप्तता में चित्रित कर सके। वर्मियर के चित्रों में प्रकाश केवल एक पारदर्शी माध्यम नहीं है, बल्कि हवा है, जो चांदी के स्वरों के सूक्ष्म संक्रमणों से समृद्ध है।
17 वीं शताब्दी में वर्मियर ने वह किया जो किसी और ने नहीं किया: उन्होंने प्रकृति से परिदृश्य ("स्ट्रीट", "डेल्फ़्ट का दृश्य") चित्रित किया। उन्हें प्लेन एयर पेंटिंग का पहला उदाहरण कहा जा सकता है। अपनी सादगी में परिपक्व, शास्त्रीय, वर्मीर की कला का भविष्य के युगों के लिए बहुत महत्व था।
डच यथार्थवाद का शिखर, 17वीं शताब्दी की डच संस्कृति की सचित्र उपलब्धियों का परिणाम है। रेम्ब्रांट का काम है। लेकिन आर का मूल्य, किसी की तरह शानदार कलाकार, केवल डच कला और डच स्कूल से आगे जाता है। अपने उच्चतम उत्कर्ष के युग के डच स्कूल में एक केंद्रीय स्थान पर कब्जा करते हुए, रेम्ब्रांट अभी भी अपनी मातृभूमि के कई कलाकारों से अलग है। वे रेम्ब्रांट के कलात्मक हितों की सीमा और उनके काम के गहरे मनोविज्ञान के लिए अलग-थलग रहे।
हर्मेंज़ वैन रिजन रेम्ब्रांट 1606 में लीडेन में पैदा हुआ था और एक अमीर आटा चक्की के मालिक का बेटा था। उन्होंने जल्दी ही पेंटिंग के प्रति आकर्षण की खोज की और लीडेन विश्वविद्यालय में एक छोटे से प्रवास के बाद, उन्होंने खुद को पूरी तरह से कला के लिए समर्पित कर दिया। महत्वहीन स्थानीय कलाकार जैकब स्वाननबर्ग के साथ अध्ययन की सामान्य तीन साल की अवधि के अंत में, रेम्ब्रांट सुधार के लिए एम्स्टर्डम गए, जहां वे लास्टमैन के छात्र बन गए। अंतिम आदमी, कुशल कारीगर, जिन्होंने इटली में अध्ययन किया, ने रेम्ब्रांट को काइरोस्कोरो के प्रभाव से परिचित कराया, जिसका उपयोग मात्रा को व्यक्त करने और कार्रवाई के नाटक को प्रकट करने के लिए किया जाता है। कलाकार के काम में यह तकनीक मुख्य होगी। अगले वर्षों में, रेम्ब्रांट ने लीडेन में काम किया, बाइबिल और पौराणिक दृश्यों के एक मास्टर के रूप में ख्याति प्राप्त की। इसलिए, वर्ष 1625-1632 को आमतौर पर कहा जाता है। उनके काम की लीडेन अवधि।
1632 में वे एम्स्टर्डम चले गए, जहाँ उन्होंने "द एनाटॉमी लेसन ऑफ़ डॉ. टल्प" लिखकर तुरंत प्रसिद्धि प्राप्त की। 30 का दशक सर्वोच्च गौरव का समय है, इस चित्र के द्वारा चित्रकार के लिए kt का रास्ता खोल दिया गया था, जिसे एक समूह चित्र माना जाता है और इसका दूसरा नाम "एनाटॉमी पाठ" है। इस कैनवास पर, लोग कार्रवाई से एकजुट होते हैं, सभी को प्राकृतिक मुद्राओं में प्रस्तुत किया जाता है, उनका ध्यान मुख्य पात्र - डॉ. टल्प की ओर खींचा जाता है, जो एक लाश में मांसपेशियों की संरचना का प्रदर्शन करते हैं। वह कला डीलर हेंड्रिक वैन यूलेनबोरच के साथ रहता है, जो उसे संरक्षण देता है, पोर्ट्रेट के लिए ऑर्डर की व्यवस्था करता है, जो युवा कलाकार के लिए एक फैशनेबल सफल मास्टर के रूप में प्रतिष्ठा बनाता है। 1634 में, रेम्ब्रांट ने हेंड्रिक की भतीजी सास्किया से सफलतापूर्वक शादी की और 1639 तक, अपनी पत्नी के साथ मिलकर उन्होंने राजधानी में एक शानदार घर हासिल कर लिया। 1640 के दशक की शुरुआत तक। वह ग्राहकों के साथ बड़ी सफलता का आनंद लेता है, यह उसकी व्यक्तिगत भलाई का समय है। इस अवधि की प्रसिद्ध कृति में - "अपने घुटनों पर सास्किया के साथ स्व-चित्र" (लगभग 1635, आर्ट गैलरी, ड्रेसडेन), रेम्ब्रांट ने उत्सव की मेज पर अपनी युवा पत्नी के साथ खुद को चित्रित किया। सुनहरी स्वरों की कोमल छटा, चित्र में प्रवेश करती प्रकाश की धाराएँ एक युवा और सफल कलाकार और उसकी पत्नी, आशाओं और सपनों से भरे हर्षित मनोदशा को व्यक्त करती हैं।
यह पूरी अवधि रोमांस से आच्छादित है। चित्रकार, जैसा कि था, विशेष रूप से सुस्त बर्गर रोज़मर्रा की जिंदगी से दूर होने के लिए अपने काम में चाहता है। वह खुद को और सस्किया को शानदार आउटफिट्स में, शानदार आउटफिट्स और हेडड्रेस में पेंट करता है, शानदार कंपोज़िशन बनाता है, हर चीज़ में, पोज़ में, मूवमेंट में, कॉमन चीज़ प्रबल होती है - होने का आनंद। (फ्लोरा के रूप में सास्किया)। बैरोक भाषा इस उच्च भावना को व्यक्त करने के सबसे करीब है। इस अवधि के दौरान रेम्ब्रांट काफी हद तक इतालवी बैरोक से प्रभावित थे।
जटिल कोणों में, पेंटिंग "द सैक्रिफाइस ऑफ अब्राहम" (1635) के पात्र हमारे सामने आते हैं। चित्र अब्राहम के मन की स्थिति का पता लगाता है, जिसके पास एक स्वर्गदूत की अचानक उपस्थिति के साथ, एक भयानक बलिदान या कृतज्ञता से मुक्ति की खुशी महसूस करने का समय नहीं था, लेकिन अब तक वह केवल थकान और घबराहट महसूस करता है।
रेम्ब्रांट ने हमेशा नक़्क़ाशी (उत्कीर्णन) और ड्राइंग पर बहुत ध्यान दिया और जल्द ही यूरोप में ग्राफिक तकनीक का सबसे बड़ा मास्टर बन गया। नक़्क़ाशी की तकनीक में उनके द्वारा बनाए गए चित्र और परिदृश्य, हर रोज़ और धार्मिक दृश्यों को कलात्मक तकनीकों की नवीनता, छवियों के गहरे मनोविज्ञान, चिरोस्कोरो की समृद्धि, रेखाओं की अभिव्यंजना और लैकोनिज़्म द्वारा प्रतिष्ठित किया गया था। रेम्ब्रांट के लगभग दो हज़ार चित्र हमारे पास आ चुके हैं। उनमें से प्रारंभिक रेखाचित्र, चित्रों के लिए रेखाचित्र, रोजमर्रा के जीवन के दृश्यों के रेखाचित्र और उनकी कल्पना में पैदा हुए विचार हैं।
रचनात्मकता की शुरुआती अवधि के मोड़ पर उनकी सबसे प्रसिद्ध पेंटिंग "नाइट वॉच" दिखाई देती है - राइफल गिल्ड का एक समूह चित्र। लेकिन ग्रुप पोर्टर उत्पाद का औपचारिक नाम है, जो ग्राहकों की इच्छा से उत्पन्न होता है। द नाइट वॉच में, रेम्ब्रांट डच कला के लिए पारंपरिक, समूह चित्र की शैली के लिए एक नया दृष्टिकोण लेता है। पेंटिंग (1642, रिजक्स म्यूजियम, एम्स्टर्डम) कैप्टन बैनिंग कॉक के शूटिंग गिल्ड के सदस्यों का एक समूह चित्र है और कलाकार द्वारा वास्तविक सड़क दृश्य के रूप में हल किया गया था। रेम्ब्रांट ने उस समय स्वीकार किए गए सभी प्रतिभागियों की स्थिर व्यवस्था को छोड़ दिया, जिससे आंदोलन से भरा एक दृश्य बना। प्रकाश और छाया के विपरीत, पेंटिंग की भावनात्मकता घटना की उत्तेजना व्यक्त करती है। चित्र एक ऐतिहासिक चरित्र पर ले जाता है, जो उन साहसी लोगों के बारे में बताता है जो अपने हाथों में हथियारों के साथ अपनी मातृभूमि की स्वतंत्रता और राष्ट्रीय स्वतंत्रता की रक्षा के लिए तैयार हैं। ग्राहकों ने कलाकार के इरादे को नहीं समझा, और इस तस्वीर से शुरू होकर, प्रमुख वातावरण के साथ संघर्ष तेज हो जाएगा, लेकिन यह मास्टर की ऊर्जा को कम नहीं करेगा, और रेम्ब्रांट अपने भावनात्मक प्रभाव के लिए उल्लेखनीय यथार्थवादी कैनवस बनाना जारी रखेंगे . शानदार, निस्संदेह कुछ नाटकीय, मुक्त रचना, जैसा कि पहले ही उल्लेख किया गया है, प्रत्येक ग्राहक का प्रतिनिधित्व करने का लक्ष्य नहीं था। मोटी छाया और तेज धूप के विपरीत, कई चेहरे बस खराब रूप से "पढ़े" जाते हैं, एक टुकड़ी सीटी के लिए निकलती है (19 वीं शताब्दी में चित्र इतना गहरा हो गया था कि इसे एक रात के दृश्य की छवि माना जाता था, इसलिए लेफ्टिनेंट के चमकीले कपड़ों पर कप्तान का गलत नाम साबित करता है कि यह रात नहीं, बल्कि दिन है)। इस दृश्य में अजनबियों की उपस्थिति, विशेष रूप से एक सुनहरी पीली पोशाक में एक छोटी लड़की, दर्शकों को समझ से बाहर और बेतुकी लग रही थी। यहां सब कुछ जनता के बीच घबराहट और जलन पैदा करता है, और हम कह सकते हैं कि इस तस्वीर के साथ कलाकार और समाज के बीच संघर्ष शुरू होता है। उसी वर्ष सास्किया की मृत्यु के साथ, रेम्ब्रांट का उसके लिए विदेशी बर्गर सर्किलों के साथ प्राकृतिक विराम होता है।
रेम्ब्रांट का यथार्थवादी कौशल वर्षों में गहरा हुआ। वह अधिक गहराई और भावनात्मक तीव्रता के पक्ष में अनावश्यक विवरण और सजावटी प्रभाव से बचता है। कलात्मक छवि. कलाकार के काम में एक बहुत बड़ी जगह एक कक्ष चित्र लेने लगती है। Rembrandt एक व्यक्ति के आध्यात्मिक जीवन को प्रकट करता है, जैसे कि समय और स्थान में स्थायी। यह एक तरह की चित्र-जीवनी है। उदाहरण के लिए, "एक बूढ़ी महिला का चित्र", "खिड़की पर हेंड्रिकजे", "टाइटस पढ़ना", कलाकार के दोस्तों के चित्र एन। ब्रेनिंग, जे सिक्स, कई स्व-चित्र (तेल में सौ से अधिक) और कोयला)।
40-50 - यह रचनात्मक परिपक्वता का समय है।यह उनकी रचनात्मक प्रणाली के जुड़ने का समय है, जिससे बहुत कुछ अतीत की बात हो जाएगी और नए, अमूल्य गुणों की प्राप्ति होगी। इस अवधि के दौरान, वह अक्सर उन्हें नए तरीके से रीमेक करने के लिए पुराने कामों में बदल जाता है। डैने के मामले में यही स्थिति थी, जिसे उन्होंने 1636 में चित्रित किया था। भावनात्मक स्थिति. उन्होंने नायिका और दासी के साथ मध्य भाग को फिर से लिखा। दानी को एक उठे हुए हाथ का एक नया इशारा देते हुए, उसने उसे बहुत उत्साह, आनंद की अभिव्यक्ति, आशा, एक अपील बताया। प्रकाश एक बड़ी भूमिका निभाता है: चमकदार प्रवाह, जैसा कि दाना की आकृति को कवर करता है, वह सभी प्यार और खुशी से चमकती है, इस प्रकाश को मानवीय भावनाओं की अभिव्यक्ति के रूप में माना जाता है।
50 के दशक की शुरुआत में, कलाकार एक के बाद एक उत्कृष्ट कृति बनाता है। वह पहले ही फैशन से बाहर हो गया था, लेकिन अमीर ग्राहकों का अनुवाद नहीं किया गया था।
इन वर्षों के दौरान, वह मानव अस्तित्व के सबसे गेय, काव्यात्मक पहलुओं की व्याख्या के लिए चुनता है, मानव, जो शाश्वत और सर्व-मानव है: मातृ प्रेम, करुणा। सबसे बड़ी सामग्री उसे देती है पवित्र बाइबल, और उससे - पवित्र परिवार के जीवन के दृश्य। अपने विषय में धार्मिक, लेकिन कथानक की व्याख्या में विशुद्ध रूप से शैली, द हर्मिटेज पेंटिंग द होली फैमिली (1645) उस समय की अत्यंत विशेषता है।
बाइबिल-शैली की रचनाओं के साथ, यह अवधि रेम्ब्रांट - परिदृश्य के लिए वास्तविकता के एक नए प्रकार के चित्रण से परिपूर्ण है। कुछ मामलों में अपने रोमांटिक झुकाव के लिए एक श्रद्धांजलि देते हुए, वह इसके साथ-साथ एक अनगढ़ डच गाँव की तस्वीरें बनाता है जो दृष्टिकोण के सख्त यथार्थवाद के साथ मनोरम हैं। छोटा "विंटर व्यू" (1646, कसेल), एक स्पष्ट ठंढे दिन की रोशनी में एक किसान आंगन का चित्रण और एक जमी हुई नहर की चिकनी सतह पर कई आंकड़े, डच यथार्थवादी परिदृश्य के सबसे उत्तम उदाहरणों में से एक है। भावना की सूक्ष्मता और दृश्य धारणा की सत्यता।
इस अवधि के दौरान जो कुछ भी बनाया गया था, उसकी विशालता और कलात्मक मूल्य के बावजूद, 1650 के दशक के मध्य तक रेम्ब्रांट की वित्तीय स्थिति बेहद कठिन हो गई थी। आदेशों की संख्या में गिरावट, चित्रों की कठिन बिक्री और विशेष रूप से अपने मामलों के संचालन में गुरु की लापरवाही के कारण, रेम्ब्रांट ने बड़ी वित्तीय कठिनाइयों का अनुभव किया। सास्किया के जीवनकाल के दौरान एक महंगे घर के अधिग्रहण से जुड़ा कर्ज पूरी तरह से बर्बाद होने का खतरा था। कर्ज से बाहर निकलने की कोशिश में केवल आपदा में देरी हो सकती थी, लेकिन फिर भी यह टूट गया। 1656 की गर्मियों में, रेम्ब्रांट को दिवालिया घोषित कर दिया गया और उनकी सारी संपत्ति नीलामी में बेच दी गई। अपने सामान्य घर से वंचित, उन्हें अपने परिवार के साथ वाणिज्यिक राजधानी के गरीब यहूदी क्वार्टर में जाने के लिए मजबूर किया गया था, और यहाँ उनके आखिरी दिन एक तीव्र अभाव में गुज़रे।
ये विपत्तियाँ, दुर्भाग्य की तरह, जो रेम्ब्रांट को बाद में हुई - हेंड्रिक की मृत्यु, उनके इकलौते बेटे टाइटस की मृत्यु - उनकी प्रतिभा के आगे विकास को रोकने के लिए शक्तिहीन थी।
1650 और 1660 के अंत आर के जीवन के सबसे दुखद वर्ष हैं, लेकिन वे रेम्ब्रांट की भव्य शक्ति की रचनात्मक गतिविधि से भरे हुए हैं। यह उनकी पिछली सभी मनोवैज्ञानिक और सचित्र खोजों के संश्लेषण का प्रतिनिधित्व करता है। इन तस्वीरों में क्षणिक, आकस्मिक सब कुछ साफ हो जाता है। विवरण को न्यूनतम रखा जाता है, इशारों, मुद्राओं, सिर के झुकाव को ध्यान से सोचा और समझा जाता है। आंकड़े बढ़े हुए हैं, कैनवास के सामने के तल के करीब हैं। इन वर्षों के छोटे आकार के काम भी असाधारण भव्यता और सच्ची स्मारकीयता का आभास कराते हैं। मुख्य अभिव्यंजक साधनप्रकाश और रेखाएँ हैं। दिवंगत आर के बारे में यह कहना अधिक सटीक होगा कि उनका रंग "चमकदार" है, क्योंकि उनके कैनवस में प्रकाश और रंग एक हैं, उनके रंग प्रकाश को विकीर्ण करते प्रतीत होते हैं। रंग और प्रकाश की यह जटिल बातचीत अपने आप में एक अंत नहीं है, यह छवि के एक निश्चित भावनात्मक वातावरण और मनोवैज्ञानिक विशेषताओं का निर्माण करती है।
पोर्ट्रेट्स में, रेम्ब्रांट अब मॉडल चुनने में स्वतंत्र हैं और पेंट्स ज्यादातर एक स्पष्ट व्यक्तित्व के साथ चेहरे हैं। ये मुख्य रूप से बुजुर्ग महिलाएं और बूढ़े यहूदी हैं। लेकिन उसी तीक्ष्णता के साथ वह एक युवा के आकर्षण को व्यक्त करने में सक्षम है महिला चेहराया एक युवा रूप का आकर्षण। इन चित्रों में सब कुछ एक सामान्यीकृत के लिए रास्ता देता है, लेकिन एक ही समय में छवि की असामान्य रूप से तेज प्रस्तुति। यह काफी हद तक तकनीकी निष्पादन के तरीके की बढ़ती चौड़ाई से सुगम है।
समूह चित्र के इतिहास में अंतिम कपड़े की दुकान के बुजुर्ग रेम्ब्रांट की छवि थी - तथाकथित। "सिंडिक्स" (1662, एम्स्टर्डम)। रेम्ब्रांट के काम के शिखर में से एक माना जाता है)। एक तेज मनोवैज्ञानिक विशेषता, निर्माण की सादगी, रेखाओं और द्रव्यमानों की लय की अचूकता को छिपाने के साथ-साथ रंगों की संख्या में कंजूस, लेकिन गहन रंग एक चित्रकार के रूप में रेम्ब्रांट के पूरे पिछले मार्ग को संक्षेप में प्रस्तुत करता है।
परिपक्वता (50 के दशक) के वर्षों में, रेम्ब्रांट ने अपनी सर्वश्रेष्ठ नक्काशी की। प्रतिष्ठित रेम्ब्रांट गहराई मनोवैज्ञानिक विश्लेषण, छवियों का अभिव्यंजक यथार्थवाद और कलात्मक तकनीक की पूर्णता अद्भुत चादरों की एक लंबी श्रृंखला में परिलक्षित होती थी, विषयगत रूप से मास्टर की पेंटिंग से भी अधिक विविध। सबसे प्रसिद्ध में "क्राइस्ट हीलिंग द सिक" (तथाकथित "सौ फूलों की पत्ती", सी। 1649), "थ्री क्रॉस" (1653), लुत्मा (1656), हारिंग (1655), सिक्स के चित्र हैं। (1647), साथ ही द थ्री ट्रीज़ (1643) और द एस्टेट ऑफ़ द गोल्ड वीगर (1651) के रूप में जाना जाने वाला परिदृश्य।
से कम नहीं महत्वपूर्ण स्थानरेम्ब्रांट की ग्राफिक विरासत पर रेखाचित्रों का कब्जा है। रेम्ब्रांट की आसपास की दुनिया की धारणा की तीक्ष्णता और मौलिकता विशेष बल के साथ इन असंख्य और विविध चादरों में परिलक्षित हुई। ड्राइंग का तरीका, रेम्ब्रांट के सचित्र तरीके की तरह, विशेष रूप से विकसित होता है रचनात्मक विकासस्वामी। यदि रेम्ब्रांट के शुरुआती चित्रों पर विस्तार से काम किया गया था और रचना में जटिल था, तो अपनी अधिक परिपक्व अवधि में उन्होंने उन्हें व्यापक सचित्र तरीके से, असामान्य रूप से संक्षिप्त और सरल रूप में प्रदर्शित किया। रेम्ब्रांट आमतौर पर एक हंस या ईख की कलम से आकर्षित होते थे और सबसे सरल तकनीकों की मदद से अभिव्यक्ति की एक असाधारण शक्ति हासिल करने में सक्षम थे। आर। ने 2000 चित्र पीछे छोड़ दिए। उनके चित्र, भले ही वे किसी साधारण मकसद के सूक्ष्म रेखाचित्र हों, प्रकृति की सभी विविधता को पूरी तरह से व्यक्त करते हुए एक संपूर्ण संपूर्ण हैं।
आर के काम के उपसंहार को उनका भव्य कैनवास "द रिटर्न" माना जा सकता है खर्चीला बेटा”(लगभग 1668-1669, हर्मिटेज), जिसमें कलाकार की सौंदर्य ऊंचाई और चित्रात्मक कौशल सबसे बड़ी पूर्णता के साथ प्रकट हुए। एक युवक के बारे में दृष्टान्त का दृष्टान्त, जिसने घर छोड़ दिया, अपने भाग्य को बर्बाद कर दिया और अपने पिता के पास दुखी, चीर-फाड़, अपमानित होकर लौट आया, कलाकार एक गहरी मानवीय सामग्री से भर जाता है। एक पीड़ित व्यक्ति के लिए प्यार का महान विचार यहां उन छवियों में प्रकट होता है जो उनके जीवन की तरह प्रेरक हैं। बूढ़े आधे अंधे पिता का चेहरा और उसके हाथों का इशारा असीम दया व्यक्त करता है, और गंदे चिथड़ों में बेटे का आंकड़ा, अपने पिता से लिपटा हुआ, ईमानदार और गहरा पश्चाताप है। शायद रेम्ब्रांट की कोई अन्य पेंटिंग इतनी गहरी और करुणामयी भावनाओं को उद्घाटित नहीं करती है। रेम्ब्रांट ने अपने दर्शकों को प्यार और क्षमा के बारे में सिखाया। इसमें बाद में पिछले साल काऔर महीनों, रेम्ब्रांट का जीवन बाहरी रूप से शांति से बहता है। हेंड्रिकजे और टाइटस के जीवित रहने के बाद, 4 अक्टूबर, 1669 को उनकी मृत्यु हो गई।
आर। का कला पर बहुत बड़ा प्रभाव था। हॉलैंड में ऐसा कोई चित्रकार नहीं था जिसने एक महान कलाकार के प्रभाव का अनुभव न किया हो, जिनमें से फर्डिनेंड बोल (1616-1680), गेरब्रांड वैन डेन एकगाउट (1621-1674) और आर्ट डी गेल्डर (1645-1727) सबसे प्रसिद्ध हुए। विषयों, रचना तकनीकों और शिक्षकों के प्रकारों में महारत हासिल करने के बाद भी, वे रेम्ब्रांट की तकनीकों की बाहरी नकल से परे अपनी चित्र पेंटिंग में आगे नहीं बढ़े। मास्टर के जीवित प्रभाव, इसके विपरीत, निश्चित रूप से उनके आस-पास के कई परिदृश्य चित्रकारों को प्रभावित करते थे - फिलिप्स कोनिंक (1619-1688), डूमर (1622-1700) और अन्य। लेकिन बहुमत ने उन्हें धोखा दिया, अकादमिकता की स्थिति और तत्कालीन फैशनेबल फ्लेमिंग्स और फिर फ्रेंच की नकल करने की स्थिति में चले गए।
जैसा कि अक्सर कला के इतिहास में होता है, अपनी शानदार प्रतिभा के बावजूद, रेम्ब्रांट गरीबी और अकेलेपन में एक विस्मृत, बेकार गुरु के रूप में मर गए। लेकिन जितना अधिक समय बीतता है, मानव जाति की दृष्टि में कलाकार की विरासत उतनी ही अधिक मूल्यवान होती है। यह अतिशयोक्ति के बिना कहा जा सकता है कि रेम्ब्रांट सबसे अधिक में से एक है सबसे महान कलाकारविश्व कला के इतिहास में। कई लोग इसे नायाब कहेंगे। रेम्ब्रांट की कब्र खो गई है, लेकिन उनका काम सदियों तक जीवित रहेगा।
XVII सदी की अंतिम तिमाही में डच पेंटिंग का पतन शुरू होता है, इसकी राष्ट्रीय पहचान का नुकसान और शुरुआत से। 18 वीं सदी डच यथार्थवाद के महान युग का अंत आ रहा है।
डच पेंटिंग - 17वीं सदी की पेंटिंग
डच कला की एक महत्वपूर्ण विशेषता इसकी सभी प्रकार की पेंटिंग में महत्वपूर्ण प्रचलन थी। सत्ता के सर्वोच्च सोपानों के प्रतिनिधियों, गरीब बर्गर, कारीगरों और किसानों ने अपने घरों को चित्रों से सजाया। वे नीलामियों और मेलों में बेचे गए; कलाकार कभी-कभी उन्हें बिल भरने के साधन के रूप में भी इस्तेमाल करते थे।
जंगल में सड़क, मेन्डर्ट होब्बेमा, 1670
बहुत सारे चित्रकार थे, और काफी कड़ी प्रतिस्पर्धा थी, क्योंकि कलाकार का पेशा आम था। बहुत से लोग पेंटिंग करके जीविकोपार्जन नहीं कर सकते थे। अधिकांश कलाकारों को सबसे अधिक प्रदर्शन करना था विविध कार्य: जैकब वैन रुइसडेल एक डॉक्टर थे, मेन्डर्ट होब्बेमा एक आबकारी अधिकारी के रूप में काम करते थे, और जेन स्टीन एक सराय का मालिक था।
17वीं शताब्दी में, डच पेंटिंग तेजी से विकसित हुई, न केवल उन लोगों की बढ़ती मांग के कारण जो पेंटिंग के साथ अपने घरों को सजाने की इच्छा रखते थे, बल्कि इस तथ्य के कारण भी कि उन्हें एक वस्तु के रूप में देखा जाने लगा, अटकलों का एक साधन और एक स्रोत लाभ। कलाकार पूरी तरह से बाजार के रुझानों पर निर्भर था, खुद को ऐसे प्रत्यक्ष ग्राहकों से प्रभावशाली संरक्षक (सामंती प्रभुओं) और कैथोलिक चर्च के रूप में मुक्त करता था। डच समाज के विकास के रास्ते निर्धारित किए गए थे, और जिन कलाकारों ने उनका विरोध किया और रचनात्मकता के मामले में अपनी स्वतंत्रता का बचाव किया, वे अलग-थलग पड़ गए और अकेलेपन और गरीबी में समय से पहले मर गए। ज्यादातर मामलों में, ये सिर्फ सबसे प्रतिभाशाली कलाकार थे, जैसे कि रेम्ब्रांट और फ्रैंस हेल्स।
डच चित्रकारों ने मुख्य रूप से आसपास की वास्तविकता को चित्रित किया, जो चित्रकला के अन्य विद्यालयों के कलाकारों ने पूरी तरह से प्रदर्शित नहीं किया। यथार्थवादी प्रवृत्तियों को मजबूत करने में मुख्य स्थान चित्रों, रोजमर्रा की शैली, अभी भी जीवन और परिदृश्यों द्वारा कब्जा कर लिया गया था, क्योंकि कलाकार जीवन के विभिन्न पहलुओं में बदल गए थे। उन्होंने वास्तविक दुनिया को इतनी गहराई और सच्चाई से चित्रित किया जो उनके सामने खुल गई, उनके काम इतने प्रभावशाली थे।
जेन स्टीन, एनकाउंटर विथ रिवेलर्स, 1679
प्रत्येक शैली की अपनी धाराएँ थीं। परिदृश्यों का चित्रण करने वालों में समुद्री चित्रकार और चित्रकार थे जो मैदानों या जंगलों को पसंद करते थे, वहाँ के स्वामी भी थे सर्दियों के दृश्यऔर चांदनी को दर्शाने वाले दृश्य। शैली के चित्रकारों में, जिन्होंने शहरवासियों और किसानों को चित्रित किया, घरेलू जीवन और पार्टियों, बाज़ारों और शिकार के दृश्यों को चित्रित किया। ऐसे कलाकार भी थे जो चर्च के अंदरूनी और विभिन्न प्रकार के अभी भी जीवन के विशेषज्ञ थे, जैसे "दुकान", "मिठाई", "नाश्ता", आदि। प्रदर्शन किए गए कार्यों की संख्या सीमितता के रूप में डच पेंटिंग की ऐसी विशेषता से प्रभावित थी। हालांकि, चित्रकार की खूबी इस तथ्य से सुगम थी कि प्रत्येक कलाकार एक विशिष्ट शैली पर केंद्रित था। विभिन्न शैलियों में चित्रित केवल सबसे महत्वपूर्ण डच कलाकार।
यथार्थवादी डच पेंटिंग का विकास व्यवहारवाद और इतालवी शास्त्रीय कला की नकल करने वाली दिशा के साथ संघर्ष में हुआ। औपचारिक रूप से उधार लिया गया इतालवी कलाकार, इन प्रवृत्तियों के प्रतिनिधि, राष्ट्रीय डच चित्रकला की परंपराओं के लिए तकनीकें बेहद अप्राकृतिक थीं। डच पेंटिंग के विकास के दौरान यथार्थवादी धाराएं रोजमर्रा की शैली और चित्रों में अधिक स्पष्ट रूप से प्रकट हुईं, जिसमें 1609-1640 शामिल हैं।
जैकब वैन रुइसडेल(1628-1682) परिदृश्य शैली में एक उत्कृष्ट मास्टर थे (उन्होंने क्लासिक डच परिदृश्य को चित्रित किया - रेगिस्तान के टीले, प्रसिद्ध पवन चक्कियां, नहर की नावें, स्केटर्स, और सामान्य रूप से प्रकृति नहीं), असीम कल्पना के कलाकार ("झरना", " वन दलदल "," यहूदी कब्रिस्तान ")। परिश्रम से प्रकृति की नकल करते हुए, रुइसडेल एक ही समय में स्मारकीयता प्राप्त करता है।
विज्क बी डर्स्टेड में विंडमिल। 1670. रिजक्सम्यूजियम। एम्स्टर्डम, जैकब वैन रुइसडेल
इस युग के सबसे प्रतिभाशाली चित्रकारों में से एक कहे जा सकते हैं फ्रैंस हल्स(लगभग 1585-1666)। उन्होंने कई समूह चित्र बनाए, जैसे राइफल गिल्ड्स (शहरों और रक्षा की सुरक्षा के लिए अधिकारियों का एक संघ) की छवियां। बर्गर खुद पर कब्जा करना चाहते थे, और कलाकार को प्रत्येक मॉडल के प्रति सम्मानजनक रवैये के बारे में नहीं भूलना चाहिए। इन चित्रों में युवा गणतंत्र के आदर्शों का प्रदर्शन, भाईचारा, समानता और स्वतंत्रता की भावना आकर्षित करती है। जो लोग खुद पर और भविष्य में आत्मविश्वास से भरपूर हैं, वे दर्शकों को कैनवस ("सेंट जॉर्ज तीरंदाजी गिल्ड", "सेंट। स्वाभाविक रूप से, उन्हें एक दोस्ताना दावत में चित्रित किया गया है। कलाकार की व्यक्तिगत शैली के लिए धन्यवाद - विस्तृत, आत्मविश्वास, समृद्ध, चमकीले रंग (लाल, पीला, नीला, आदि) के साथ - ये व्यक्ति बनते हैं कला दस्तावेज़युग।
स्टीफन गेराड्स का पोर्ट्रेट, 1652, रॉयल म्यूजियम, एंटवर्प
एक शैली पेंटिंग की रूपरेखा के साथ व्यक्तिगत चित्रों में बहुत अधिक लापरवाह उत्साह, दबाव, अपरिवर्तनीय ऊर्जा है। यह बाद के चित्रों में गायब हो जाता है। उदाहरण के लिए, हर्मिटेज पुरुष चित्र में नायक खल की उदासी और थकान को उसके सभी प्रभाव और यहां तक कि स्वैगर के साथ देखा जा सकता है। इन विशेषताओं को एक अन्य चित्र (चौड़ी-चौड़ी टोपी में एक आदमी की छवि) में और बढ़ाया गया है। इस देर की अवधि के दौरान, हेल्स निपुणता के ऊपरी चरण तक पहुंच जाता है, उसके काम में स्वर मोनोक्रोमैटिक (आमतौर पर काले, काले कपड़े, एक सफेद कॉलर और कफ के साथ, और एक गहरे जैतून की पृष्ठभूमि का रंग) बन जाते हैं। सचित्र पैलेट की सभी संक्षिप्तता के लिए, यह अत्यंत सूक्ष्म क्रमों पर आधारित है।
निर्माण रेम्ब्रांट वैन रिजन(1606-1669) डचों की अंतिम उपलब्धि थी कला XVIIसदी और उनके यथार्थवाद का शिखर।
प्रेषक: अलीना आर्ट्योमेंको, -
17वीं शताब्दी में, पेंटिंग का डच स्कूल यूरोप में अग्रणी में से एक बन गया। यह विश्व कला के इतिहास में पहली बार यहीं था, कि आसपास की वास्तविकता की वस्तुएं रचनात्मक प्रेरणा का स्रोत बन गईं, और कलात्मक इरादा. इस समय की डच कला में, पुनर्जागरण में शुरू हुई शैलियों की एक पूरी प्रणाली का गठन पूरा हो गया था। चित्रों, रोजमर्रा के चित्रों, परिदृश्यों और अभी भी जीवन में, दुर्लभ कौशल और गर्मजोशी वाले कलाकारों ने आसपास की प्रकृति और सरल जीवन के अपने छापों को व्यक्त किया। उन्होंने हॉलैंड की सामूहिक छवि को प्रतिबिंबित किया - एक युवा गणतंत्र जिसने स्पेन के साथ युद्ध में अपनी स्वतंत्रता का बचाव किया।
"एक युवा महिला की सुबह" 1660 फ्रैंस मिरिस द एल्डर। लकड़ी, तेल। राज्य हर्मिटेज
रोजमर्रा के विषयों (या शैली चित्रों) पर कलाकारों की पेंटिंग एक परिचित, रोजमर्रा के माहौल में एक व्यक्ति को चित्रित करती है, जो डच समाज के विभिन्न वर्गों से संबंधित लोगों के जीवन, व्यवहार और संचार के स्थापित रूपों को दर्शाती है। व्यापारियों, कारीगरों या धनी किसानों के घरों के अंदरूनी हिस्सों को सजाने के लिए डिज़ाइन किए गए, डच कलाकारों के चित्र आकार में छोटे थे। कलाकारों ने उन पेंटिंग्स को बेचकर पैसा कमाया जिन्हें चित्रित किया गया था और उन्हें करीब से देखने की संभावना थी। बदले में, इसने लेखन के विशेष रूप से सावधान, नाजुक तरीके को जन्म दिया।
टेरेस सोसाइटी। 1620 एसैस वैन डे वेलडे। लकड़ी, तेल। राज्य हर्मिटेज
17वीं शताब्दी के दौरान, डच शैली की पेंटिंग में एक महत्वपूर्ण विकास हुआ। इसके गठन की अवधि में, सदी की शुरुआत में, युवा धनी डचों के मनोरंजन, मनोरंजन या अधिकारियों के जीवन के दृश्यों पर भूखंड आम थे। इस तरह के चित्रों को "भोज", "समाज", "संगीत कार्यक्रम" कहा जाता था। उनकी पेंटिंग एक रंगीन रंग, एक ऊंचे हर्षित स्वर से प्रतिष्ठित थी। Esaias van de Velde की पेंटिंग "सोसाइटी ऑन द टेरेस" इस तरह के कार्यों से संबंधित है।
1930 के दशक की शुरुआत तक, डच शैली की पेंटिंग का गठन पूरा हो गया था। भीड़ भरे "समाजों" ने छोटी-छोटी रचनाओं को रास्ता दिया। एक व्यक्ति के आसपास के वातावरण की छवि एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाने लगी। सामाजिक रेखाओं के साथ शैली चित्रकला का एक विभाजन रहा है: पूंजीपति वर्ग के जीवन से विषयों पर भूखंड, और किसानों और शहरी गरीबों के जीवन के दृश्य। उन दोनों और अन्य चित्रों का उद्देश्य इंटीरियर को सजाना था।
"झगड़ा करना"। 1637 एड्रियन वैन ओस्टेड। लकड़ी, तेल। राज्य हर्मिटेज
सबसे ज्यादा प्रसिद्ध कलाकार"किसान शैली" में काम करने वाले एड्रियन वैन ओस्टेड थे। रचनात्मकता के शुरुआती दौर में, उनके चित्रों में किसानों की छवि एक उच्चारण हास्य से प्रतिष्ठित थी, कभी-कभी कैरिकेचर तक पहुंचती थी। तो, पेंटिंग "द फाइट" में, एक तेज रोशनी से रोशन, लड़ने वाले लोग जीवित लोग नहीं, बल्कि कठपुतली लगते हैं, जिनके चेहरे द्वेष की किरकिरी से विकृत मुखौटे की तरह होते हैं। ठंडे और गर्म रंगों का विरोध, प्रकाश और छाया के तेज विपरीत दृश्य की विचित्रता की छाप को और बढ़ाते हैं।
गाँव के संगीतकार। 1635 एड्रियन वैन डी ओस्टेड 1635 लकड़ी पर तेल। राज्य हर्मिटेज
1650 के दशक में एड्रियन ओस्टेड की पेंटिंग में बदलाव आया। कलाकार अधिक शांत विषयों की ओर मुड़ गया, अभ्यस्त गतिविधियों के दौरान एक व्यक्ति को चित्रित करता है, जो अक्सर आराम के क्षणों में होता है। उदाहरण के लिए, इंटीरियर पेंटिंग "विलेज म्यूजिशियन" है। ओस्टेड कुशलता से "संगीतकारों" की एकाग्रता को व्यक्त करता है जो अपने व्यवसाय से दूर हो जाते हैं, बच्चों को खिड़की के माध्यम से उन्हें बमुश्किल ध्यान देने योग्य हास्य के साथ देखते हुए चित्रित करते हैं। प्रकाश और छाया के खेल की विविधता और कोमलता, हरे-भूरे रंग की योजना लोगों और उनके पर्यावरण को एक पूरे में जोड़ती है।
"शीतकालीन दृश्य"। 1640 इसहाक वैन ओस्टेड। लकड़ी, तेल। राज्य हर्मिटेज
एड्रियन के भाई, आइजैक वैन ओस्टेड, जिनकी जल्दी मृत्यु हो गई, ने भी "किसान शैली" में काम किया। उन्होंने ग्रामीण हॉलैंड के जीवन को चित्रित किया, जिसकी प्रकृति में एक व्यक्ति घर पर महसूस करता था। पेंटिंग "विंटर व्यू" एक विशिष्ट डच परिदृश्य प्रस्तुत करती है जिसमें एक ग्रे आकाश पृथ्वी पर भारी रूप से लटका हुआ है, एक जमी हुई नदी है, जिसके किनारे पर गाँव स्थित है।
"रोगी और डॉक्टर।" 1660 जनवरी स्टीन। लकड़ी, तेल। राज्य हर्मिटेज
ओस्टेड बंधुओं की कला की शैली का विषय जेन स्टीन द्वारा जारी रखा गया था, जो एक प्रतिभाशाली गुरु थे, जिन्होंने हास्य की भावना के साथ, रोजमर्रा की जिंदगी और रिश्तों के विशिष्ट विवरणों पर ध्यान दिया। अभिनेताओंउनके चित्रों में। पेंटिंग "रेवलेर्स" में, कलाकार खुद अपनी पत्नी के बगल में बैठे दर्शक को सहज और धूर्तता से देखता है, जो एक मजेदार दावत के बाद सो गया था। फिल्म "द पेशेंट एंड द डॉक्टर" में, पात्रों के चेहरे के भाव और हावभाव के माध्यम से, जैन स्टीन कुशलता से एक काल्पनिक बीमारी की साजिश का खुलासा करते हैं।
"एक डच घर में एक कमरा"। पीटर जानसेन। कैनवास, तेल। राज्य हर्मिटेज
17 वीं शताब्दी के पचास और साठ के दशक में, शैली चित्रों का विषय धीरे-धीरे संकुचित हो गया। चित्रों की आलंकारिक संरचना बदल रही है। वे शांत हो जाते हैं, अधिक अंतरंग, अधिक गेय चिंतन, शांत विचार उनमें प्रकट होते हैं। इस चरण का प्रतिनिधित्व ऐसे कलाकारों के कार्यों द्वारा किया जाता है जैसे: पीटर डी हूच, जेरार्ड टेरबोर्च, गेब्रियल मेट्सु, पीटर जेन्सेंस। उनके कार्यों ने डच बुर्जुआ वर्ग के रोजमर्रा के जीवन की एक काव्यात्मक और कुछ हद तक आदर्श छवि को मूर्त रूप दिया, जो कभी अपने अधिकारों और स्वतंत्रता के लिए लड़े थे, और अब स्थायी समृद्धि हासिल कर चुके हैं। इसलिए, पीटर जेन्सेंस द्वारा इंटीरियर पेंटिंग "ए रूम इन ए डच हाउस" में, सूर्य के प्रकाश से भरे एक आरामदायक कमरे को जैकब द्वारा "द ओल्ड लेडी बाय द फायरप्लेस" पेंटिंग में फर्श पर और दीवारों पर सूरज की किरणों के साथ चित्रित किया गया है। रेहल, मुलायम गोधूलि में डूबी हुई चिमनी के साथ एक कमरा दर्शाया गया है। दोनों कलाकारों की रचनाओं में रचना का चुनाव मनुष्य और उसके पर्यावरण की एकता पर जोर देता है।
"नींबू पानी का गिलास।" 1664 जेरार्ड टेरबोर्च। होस्ट (लकड़ी से अनुवाद), तेल। राज्य हर्मिटेज
इन वर्षों के दौरान, डच शैली के चित्रकारों ने पहली बार अपने कार्यों में किसी व्यक्ति के आंतरिक जीवन की गहराई को प्रतिबिंबित करने का प्रयास किया। रोजमर्रा की जिंदगी की स्थितियों में, उन्हें सूक्ष्मतम अनुभवों की विविध दुनिया को प्रतिबिंबित करने का अवसर मिला। लेकिन, आप इसे तस्वीर की सावधानीपूर्वक और सावधानीपूर्वक जांच के बाद ही देख सकते हैं। तो, जेरार्ड टेरबोर्च की पेंटिंग "ए ग्लास ऑफ लेमनेड" में, इशारों की सूक्ष्म भाषा, हाथों का स्पर्श और आंखों का संपर्क पात्रों के बीच भावनाओं और संबंधों की एक पूरी श्रृंखला को प्रकट करता है।
"नाश्ता"। 1660 गेब्रियल मेत्सु। लकड़ी, तेल। राज्य हर्मिटेज
इस अवधि के शैली चित्रों में वस्तु जगत एक बड़ी भूमिका निभाने लगता है। यह न केवल किसी व्यक्ति के जीवन के भौतिक और भावनात्मक वातावरण की विशेषता बताता है, बल्कि बाहरी दुनिया के साथ व्यक्ति के संबंधों की विविधता को भी व्यक्त करता है। वस्तुओं का सेट, उनकी व्यवस्था, प्रतीकों की एक जटिल प्रणाली, साथ ही पात्रों के हावभाव - चित्र की आलंकारिक संरचना बनाने में सब कुछ एक भूमिका निभाता है।
"रेवेलर्स"। 1660 जनवरी स्टीन। लकड़ी, तेल। राज्य हर्मिटेज
डच शैली की पेंटिंग विविध प्रकार के विषयों से अलग नहीं थी। कलाकारों ने केवल पात्रों और उनके व्यवसायों के एक निश्चित चक्र को चित्रित करने के लिए खुद को सीमित कर लिया। लेकिन, उनकी मदद से, डच शैली की पेंटिंग 17 वीं शताब्दी में एक व्यक्ति के जीवन के बारे में रीति-रिवाजों, रीति-रिवाजों और विचारों की एक विश्वसनीय छवि देने में सक्षम थी।
प्रकाशन तैयार करने में खुले स्रोतों से सामग्री का उपयोग किया गया।
17वीं शताब्दी में हॉलैंड एक आदर्श पूंजीवादी देश बन गया। उसने व्यापक औपनिवेशिक व्यापार किया, उसके पास एक शक्तिशाली बेड़ा था, जहाज निर्माण प्रमुख उद्योगों में से एक था।
XVII सदी की डच पेंटिंग का इतिहास। हॉलैंड के सबसे बड़े चित्रकारों में से एक के काम के विकास को पूरी तरह से प्रदर्शित करता है फ्रैंस हल्स(लगभग 1580-1666)। 10-30 के दशक में, हेल्स ने समूह चित्रों की शैली में बहुत काम किया। यह मूल रूप से राइफल गिल्ड्स का चित्रण है - शहरों की रक्षा और सुरक्षा के लिए अधिकारियों के निगम। बर्गर कैनवास पर अमर होना चाहते थे, उन्होंने चित्रित किए जाने के अधिकार के लिए एक निश्चित योगदान दिया, और कलाकार को प्रत्येक मॉडल पर समान ध्यान देने के बारे में याद रखना पड़ा। लेकिन यह चित्र सादृश्य नहीं है जो हमें हल्स के इन कार्यों में आकर्षित करता है। वे युवा गणतंत्र के आदर्शों, स्वतंत्रता, समानता और भाईचारे की भावना को अभिव्यक्त करते हैं। इन वर्षों के कैनवस से, हंसमुख, ऊर्जावान, उद्यमी लोग दिखते हैं, अपनी क्षमताओं और भविष्य में विश्वास करते हैं ("सेंट एड्रियन शूटिंग गिल्ड", 1627 और 1633; "सेंट जॉर्ज शूटिंग गिल्ड", 1627)। खले उन्हें आम तौर पर एक कॉमरेड दावत में, एक हंसमुख दावत में दर्शाते हैं। क्षैतिज रूप से लम्बी रचना का बड़ा आकार, विस्तृत आत्मविश्वासपूर्ण लेखन, तीव्र, संतृप्त रंग (पीला, लाल, नीला, आदि) एक स्मारकीय छवि बनाते हैं। कलाकार एक संपूर्ण युग के इतिहासलेखक के रूप में कार्य करता है
डच स्कूल में लैंडस्केप पेंटिंग का उत्कर्ष 17वीं सदी के मध्य से शुरू होता है। यथार्थवादी परिदृश्य का सबसे बड़ा स्वामी जैकब वैन रुइसडेल (1628/29-1682) था, जो अटूट कल्पना का कलाकार था। उनके काम आमतौर पर गहरे नाटक से भरे होते हैं, चाहे वह घने जंगल ("वन दलदल"), झरनों के साथ परिदृश्य ("झरना") या कब्रिस्तान ("यहूदी कब्रिस्तान") के साथ एक रोमांटिक परिदृश्य को दर्शाता है। Ruisdael में प्रकृति गतिकी में, शाश्वत नवीकरण में प्रकट होती है। यहां तक कि प्रकृति के सबसे सरल रूप भी कलाकार के ब्रश के नीचे एक स्मारकीय चरित्र प्राप्त करते हैं। Ruisdael एक सिंथेटिक छवि के साथ, महान जीवन शक्ति के साथ सावधानीपूर्वक लेखन को संयोजित करने का प्रयास करता है।
केवल जैन पोर्सेलिस (लगभग 1584-1632) सीस्केप (मरीना) में लगे हुए थे। यथार्थवादी, विशुद्ध रूप से डच परिदृश्य के बगल में, उस समय एक और दिशा मौजूद थी: इतालवी प्रकृति के परिदृश्य, पौराणिक पात्रों, लोगों और जानवरों के आंकड़ों से अनुप्राणित।
डच अभी भी जीवन डच कला के सबसे महत्वपूर्ण विषय के कलात्मक कार्यान्वयन में से एक है - एक सामान्य व्यक्ति के निजी जीवन का विषय। यह विषय पूरी तरह से शैली चित्र में सन्निहित है। XVII सदी के 20-30 के दशक में। डचों ने एक विशेष प्रकार की छोटी, छोटी आकृति वाली पेंटिंग बनाई। 40-60 के दशक - पेंटिंग का उत्कर्ष, हॉलैंड के शांत बर्गर जीवन को गौरवान्वित करना, एक मापा रोजमर्रा का अस्तित्व।
40-50 रचनात्मक परिपक्वता का समय है। केवल बाहरी जीवन ही नहीं बदला है रेम्ब्रांट,सबसे पहले उन्होंने खुद को बदला। यह उनकी रचनात्मक प्रणाली के निर्माण का समय है, जिससे बहुत कुछ अतीत की बात बन जाएगा और जिसमें अन्य, अमूल्य गुण प्राप्त होंगे। इस अवधि के दौरान, वह अक्सर उन्हें नए तरीके से रीमेक करने के लिए पुराने कामों में बदल जाता है। यह मामला था, उदाहरण के लिए, दानाई के साथ, जिसे उन्होंने 1636 में लिखा था। फिर भी, इस छवि में मुख्य बात व्यक्त की गई थी: कामुक सिद्धांत, बुतपरस्त, कुछ हद तक "टिटियन" इसमें था जटिल भावनात्मक अनुभवों की अभिव्यक्ति में सामान्य, एक आध्यात्मिक आवेग। अपने सौंदर्य आदर्श में शास्त्रीय, सुंदर, लेकिन अमूर्त भी, जीवन की सच्चाई की अभिव्यक्ति, भौतिक गोदाम के उज्ज्वल व्यक्तित्व द्वारा प्रतिस्थापित किया गया था। इस बदसूरत शरीर को बेहद वास्तविक रूप से व्यक्त किया गया था। लेकिन रेम्ब्रांट बाहरी सच्चाई से संतुष्ट नहीं थे। 40 के दशक में चित्र की ओर मुड़ते हुए कलाकार ने भावनात्मक स्थिति को मजबूत किया। उन्होंने नायिका और दासी के साथ मध्य भाग को फिर से लिखा।
स्वर्गीय रेम्ब्रांट के चित्र 30 और 40 के दशक के चित्रों से बहुत अलग हैं। अपनी आंतरिक संरचना में कलाकार के करीबी लोगों की ये अत्यंत सरल (आधी लंबाई या पीढ़ीगत) छवियां हमेशा एक बहुमुखी मानव व्यक्तित्व की एक आलंकारिक अभिव्यक्ति होती हैं, जो अस्थिर, मायावी आध्यात्मिक आंदोलनों को व्यक्त करने की गुरु की क्षमता से टकराती हैं।
रेम्ब्रांट एक चित्र-जीवनी बनाना जानते थे; केवल चेहरे और हाथों को उजागर करते हुए उन्होंने जीवन के पूरे इतिहास को अभिव्यक्त किया
XVII सदी की फ्रांसीसी कला
फ्रेंच कला 15th शताब्दी फ्रांसीसी पुनर्जागरण की परंपराओं पर आधारित है। फौक्वेट और क्लॉएट द्वारा पेंटिंग और चित्र, गौजोन और पिलोन द्वारा मूर्तियां, फ्रांसिस 1 के समय के महल, फॉनटेनब्लियू का महल और लौवर, रोंसार्ड द्वारा कविता और रबेलैस द्वारा गद्य, दार्शनिक अनुभवमॉन्टेनजी, यह सब फॉर्म, सख्त तर्क, तर्कवाद, लालित्य की एक विकसित भावना, यानी की शास्त्रीय समझ की मुहर लगाता है। जो 15वीं सदी में पूरी तरह से साकार होना तय है। Descartes के दर्शन में, Corneille और Racine की नाटकीयता में, Poussin और Lorrain की पेंटिंग में।
ललित कला के क्षेत्र में, क्लासिकवाद के गठन की प्रक्रिया इतनी एकीकृत नहीं थी।
वास्तुकला में, नई शैली की पहली विशेषताओं को रेखांकित किया गया है, हालांकि वे पूरी तरह से नहीं जुड़ते हैं। लक्ज़मबर्ग पैलेस में, सॉलोमन डी ब्रोस द्वारा हेनरी IV, रीजेंट मारिया मेडिसी की विधवा के लिए बनाया गया, गॉथिक और पुनर्जागरण से बहुत कुछ लिया गया है, लेकिन मुखौटा पहले से ही एक आदेश के साथ व्यक्त किया गया है, जो क्लासिकवाद के लिए विशिष्ट होगा। फ़्राँस्वा मैन्सर्ट द्वारा Maisons-Lafitte, वॉल्यूम की सभी जटिलता के साथ, एक संपूर्ण, एक स्पष्ट निर्माण है जो क्लासिकल मानदंडों की ओर बढ़ता है।
पेंटिंग में, स्थिति अधिक जटिल थी, क्योंकि मैनरनिज्म, फ्लेमिश और इटैलियन बैरोक के प्रभाव यहाँ आपस में जुड़े हुए थे। शताब्दी के पूर्वार्द्ध में फ्रांसीसी चित्रकला कारवागिज्म और हॉलैंड की यथार्थवादी कला दोनों से प्रभावित थी। जो भी हो, इन प्रभावों को ले नैन भाइयों के काम में स्पष्ट रूप से देखा जा सकता है। लुइस लेनिन के चित्रों में कोई कथा, चित्रण नहीं है, रचना को कड़ाई से सोचा और स्थिर किया गया है, विवरणों को सावधानीपूर्वक सत्यापित किया गया है और प्रकट करने के लिए चुना गया है, सबसे पहले, काम का नैतिक, नैतिक आधार। बडा महत्वलेनिन के चित्रों में एक परिदृश्य है।
में हाल तकतेजी से, कला इतिहास साहित्य में, लुइस ले नैन जिस दिशा से संबंधित हैं, उसका नाम "वास्तविक दुनिया की पेंटिंग" शब्द से परिभाषित किया गया है। कलाकार जॉर्जेस डी लटौर का काम उसी दिशा का है। शैली विषयों पर अपने पहले काम में, लटौर कारवागियो के करीबी कलाकार के रूप में दिखाई देता है। पहले से ही लटौर के शुरुआती कार्यों में, सबसे महत्वपूर्ण गुणों में से एक प्रकट होता है: उनकी छवियों की अटूट विविधता, रंग की भव्यता, शैली चित्रकला में स्मारकीय महत्वपूर्ण चित्र बनाने की क्षमता।
30 - 40 के दशक की दूसरी छमाही - लटौर की रचनात्मक परिपक्वता का समय। इस अवधि के दौरान, वह शैली विषयों की ओर कम मुड़ता है, ज्यादातर धार्मिक चित्रों को चित्रित करता है। लटौर की कलात्मक भाषा क्लासिकिस्ट शैली का एक अग्रदूत है: कठोरता, रचनात्मक स्पष्टता, रचना की स्पष्टता, सामान्यीकृत रूपों का प्लास्टिक संतुलन, सिल्हूट की त्रुटिहीन अखंडता, स्टैटिक्स। एक उदाहरण उनके बाद के कार्यों में से एक है "सेंट सेबेस्टियन एंड द होली वाइव्स" एक आदर्श रूप से सुंदर, याद दिलाने वाला प्राचीन मूर्तिकलाअग्रभूमि में सेबस्टियन की आकृति, जिसके शरीर में - शहादत के प्रतीक के रूप में - कलाकार केवल एक फंसे हुए तीर को दर्शाता है।
फ्रांसीसी राष्ट्र और फ्रांसीसी राज्य के सामाजिक उत्थान के शिखर पर क्लासिकवाद का उदय हुआ। क्लासिकिज़्म के सिद्धांत का आधार तर्कवाद था, डेसकार्टेस की दार्शनिक प्रणाली के आधार पर, शास्त्रीय कला के विषय को केवल सुंदर और उदात्त घोषित किया गया था, पुरातनता एक नैतिक और सौंदर्यवादी आदर्श के रूप में कार्य करती थी। 15 वीं शताब्दी की फ्रांसीसी चित्रकला में क्लासिकिस्ट प्रवृत्ति के निर्माता। निकोलस पौसिन थे। पुसिन के कैनवस के विषय विविध हैं: पौराणिक कथाएं, इतिहास, नया और पुराना नियम। पोर्सिन के नायक - लोग मजबूत पात्रऔर राजसी कर्म, समाज और राज्य के प्रति कर्तव्य की उच्च भावना। पोसिन के लिए कला का सार्वजनिक उद्देश्य बहुत महत्वपूर्ण था। ये सभी विशेषताएं क्लासिकिज़्म के उभरते हुए कार्यक्रम में शामिल हैं। महत्वपूर्ण विचार और स्पष्ट भावना की कला भी एक विशिष्ट भाषा का विकास करती है। माप और व्यवस्था, संरचनागत संतुलन आधार बन जाता है चित्रकारीश्रेण्यवाद। चिकनी और स्पष्ट रेखीय लय, प्रतिमा प्लास्टिक पूरी तरह से विचारों और पात्रों की गंभीरता और महिमा व्यक्त करते हैं। रंग मजबूत, गहरे स्वरों के अनुरूप बनाया गया है। यह अपने आप में एक सामंजस्यपूर्ण दुनिया है जो बारोक की तरह सचित्र स्थान से आगे नहीं जाती है।
फ्रांस में सार्वजनिक और कलात्मक जीवन के उदय और सक्रिय सामाजिक संघर्ष द्वारा चिह्नित, रचनात्मकता पुसिन सदी के पहले भाग में आती है। इसलिए उनकी कला का सामान्य प्रगतिशील अभिविन्यास, इसकी सामग्री की समृद्धि। 17 वीं शताब्दी के अंतिम दशकों में एक अलग स्थिति विकसित हुई, निरंकुश उत्पीड़न की सबसे बड़ी तीव्रता और सामाजिक विचारों की प्रगतिशील घटनाओं के दमन के दौरान, जब केंद्रीकरण रॉयल अकादमी में एकजुट कलाकारों में फैल गया और अपनी कला के साथ सेवा करने के लिए मजबूर हो गया राजशाही की महिमा। इन परिस्थितियों में, उनकी कला ने अपनी गहरी सामाजिक सामग्री खो दी, और शास्त्रीय पद्धति की कमजोर, सीमित विशेषताएं सामने आईं।
17 वीं शताब्दी की फ़्लैंडर्स कला।
फ्लेमिश कला सबसे पहले रुबेन्स और एक बार फिर रूबेन्स है। हालाँकि उसी समय फ़्लैंडर्स में अन्य उत्कृष्ट कलाकार थे, वे सभी "रूबेंस के सर्कल", "रूबेंस के स्कूल" के रूप में माने जाते हैं, जैसे कि रूबेन्स के सूर्य के चारों ओर घूमने वाले ग्रह।
सत्रहवीं शताब्दी फ़्लैंडर्स में चित्रकला के राष्ट्रीय कला विद्यालय के निर्माण का समय था। जैसा कि इटली में, बारोक यहाँ आधिकारिक प्रमुख प्रवृत्ति बन गई। हालांकि, फ्लेमिश बारोक इतालवी से कई मायनों में काफी अलग है। बरोक रूप यहाँ बुदबुदाते जीवन की भावना, और दुनिया की रंगीन समृद्धि, मनुष्य और प्रकृति के विकास की तात्विक शक्ति की भावना से भरे हुए हैं। बैरोक के ढांचे के भीतर, इटली की तुलना में काफी हद तक, यथार्थवादी विशेषताएं विकसित की जा रही हैं।
बुनियाद कलात्मक संस्कृतिफ़्लैंडर्स - यथार्थवाद, राष्ट्रीयता, विशद प्रफुल्लता, पवित्र उत्सव - पेंटिंग में पूरी तरह से व्यक्त किया गया था। फ्लेमिश चित्रकारों ने अपने कैनवस में दुनिया की काव्यात्मक कामुक सुंदरता और स्वास्थ्य, अटूट ऊर्जा से भरे व्यक्ति की छवि पर कब्जा कर लिया।
परिवार के महल, अभिजात वर्ग के महलों को सजाने का कार्य, कैथोलिक चर्चों ने रंग प्रभाव के आधार पर शक्तिशाली सजावटीवाद की पेंटिंग में व्यापक उपयोग में योगदान दिया।
पेंटिंग के फ्लेमिश स्कूल के प्रमुख पीटर पॉल रूबेन्स (1577-1640) थे। व्यापक रूप से प्रतिभाशाली, शानदार ढंग से शिक्षित, रूबेन्स विशाल रचनात्मक दायरे, तूफानी स्वभाव के कलाकार थे। एक जन्मजात स्मारकीय चित्रकार, एक प्रतिभाशाली राजनयिक जो कई भाषाएँ बोलता है, एक मानवतावादी वैज्ञानिक, उसे मंटुआ, मैड्रिड, पेरिस और लंदन के राजसी और शाही दरबारों में उच्च सम्मान में रखा गया था। जीवंत कल्पना के कलाकार, रूबेंस विशाल दयनीय रचनाओं के निर्माता थे। रूपों की गतिशीलता, प्लास्टिक की कल्पना की शक्ति, सजावटी सिद्धांत की विजय उनके काम का आधार बनती है। हालांकि, रूबेंस की कला मूल रूप से यथार्थवादी है। जीवन के बोध की ताजगी और सत्य की विश्वसनीयता को दर्शाती हर चीज को देने की इच्छा उनकी रचनाओं का सार है।
फ्लेमिश अभी भी जीवन। 17वीं शताब्दी में अभी भी जीवन एक स्वतंत्र शैली के रूप में स्थापित है। यह भौतिक दुनिया में रुचि को दर्शाता है, जो 15 वीं शताब्दी की शुरुआत में निजी जीवन के पंथ की डच कला में "चीजों की पेंटिंग" में उत्पन्न हुआ था। फ्लेमिश "जीवित प्राणियों की दुकानें" शोर-शराबे और उत्सव की सजावट के साथ विस्मित करती हैं। कैनवस, आकार में बड़े, रंग में चमकीले, फ्लेमिश बड़प्पन के विशाल महलों की दीवारों को सजाते हैं, सांसारिक अस्तित्व की सुंदरता, ग्रामीण जीवन की समृद्धि, पृथ्वी, समुद्र, नदियों के फल की महिमा करते हैं।
एंथोनी (एंटोन, एंथोनी) वैन डाइक फ्लेमिशचित्रकार और ग्राफिक कलाकार, कोर्ट पोर्ट्रेट के मास्टर और शैली में धार्मिक दृश्य बरोक.
वैन डाइक ने खुद को धार्मिक और पेंटिंग के लिए चित्रांकन और पेंटिंग के मास्टर के रूप में दिखाया पौराणिक विषय. साथ 1618 द्वारा 1620 वह वर्कशॉप में काम करता था रूबेंस. वह अक्सर कई संस्करणों में धार्मिक विषयों पर काम करता है: कांटों का ताज» « यहूदा का चुंबन» "कैरीइंग द क्रॉस" "सेंट। मार्टिन एंड द बेगर्स", "द शहादत ऑफ सेंट। सेबस्टियन"
जैकब जॉर्डन ( netherl.जैकब जॉर्डन) ( 19 मई 1593, एंटवर्प - 18 अक्टूबर, 1678, एंटवर्प) - फ्लेमिशकलाकार। 1607 से उन्होंने साथ अध्ययन किया एडम वैन नोर्ट. 1616 में उन्होंने अपनी बेटी से शादी की। में अपना सारा जीवन व्यतीत किया दक्षिणी नीदरलैंड, केवल 1641 में उन्होंने थोड़े समय के लिए काम किया इंगलैंड. उनके चित्र एंटवर्प के किसी भी चर्च में देखे जा सकते हैं। उनकी अपील के बाद भी कलविनिज़म 1645 में कैथोलिक चर्च ने उससे काम लेना जारी रखा। जॉर्डन को विशेष रूप से मृत्यु के बाद माना जाता है रूबेंस, जिनका उस पर बहुत प्रभाव था, फ्लेमिश के प्रमुख प्रतिनिधियों में से एक बरोक.
उन्नीसवीं सदी की फ्रेंच पेंटिंग
20s 19 वीं सदी फ्रांस के लिए रोमांटिक कला के गठन का समय था। युवा कलाकारों ने अपने शिक्षकों के लिए वास्तविक युद्ध की घोषणा की। इतिहासकारों ने उनके प्रदर्शन को एक "रोमांटिक लड़ाई" कहा, और चित्रकार यूजीन फर्डिनेंड विक्टर डेलाक्रोइक्स इसके नायक बने। डेलैक्रिक्स - फ्रेंच चित्रकारऔर अनुसूची, नेता प्रेम प्रसंगयुक्तयूरोपीय चित्रकला में रुझान। रोमांटिक कलाकार, चाहे जो भी सिद्धांत मौजूद हों ललित कलापिछले युग, स्वेच्छा से पागलपन, अलौकिक घटना, हिंसा या विदेशी (यानी, "सामान्य" से परे) से जुड़े असामान्य भूखंडों में बदल गए। फ्रांस में डेलैक्रिक्स इस प्रवृत्ति का नेता था। यूजीन डेलाक्रोइक्स का जन्म पेरिस के पास चारेंटन-सेंट-मौरिस शहर में हुआ था। भावी कलाकार जल्दी अनाथ हो गया। 1815 में, उन्होंने पियरे नार्सिसस गुएरिन (1774-1833) के स्टूडियो में प्रवेश किया, जिन्होंने हाल ही में एक प्रशिक्षु के रूप में थियोडोर गेरीकॉल्ट के साथ अध्ययन किया था। Delacroix के समकालीनों ने 1821-1829 में ग्रीस में मुक्ति क्रांति के पाठ्यक्रम का बारीकी से पालन किया। (15वीं सदी से ग्रीस तुर्की के शासन में था)। Delacroix ने ग्रीक महाकाव्य में शायद सबसे दुखद पृष्ठ चुना। सितंबर 1821 में, तुर्की के दंडकों ने एशिया माइनर के तट से दूर ईजियन सागर में एक यूनानी द्वीप चियोस की नागरिक आबादी को नष्ट कर दिया। चालीस हज़ार से अधिक यूनानी मारे गए और लगभग बीस हज़ार गुलाम बनाए गए। इन घटनाओं के लिए कलाकार की प्रतिक्रिया पेंटिंग "द मैसक्रे ऑफ चिओस" (1824) थी। अग्रभूमि में रंगीन चिथड़े में कयामत चियोस के आंकड़े हैं; पृष्ठभूमि सशस्त्र तुर्कों के काले सिल्हूट हैं। अधिकांश बंदी अपने भाग्य के प्रति उदासीन हैं, केवल बच्चे व्यर्थ में अपने माता-पिता से उनकी रक्षा करने की विनती करते हैं। डेलैक्रिक्स ने आधुनिकता में रुचि महसूस की और 1830 में पेंटिंग "लिबर्टी लीडिंग द पीपल (28 जुलाई, 1830)" बनाई। कलाकार ने स्ट्रीट फाइटिंग के एक साधारण एपिसोड के लिए एक कालातीत, महाकाव्य ध्वनि दी। 1832 में, Delacroix एक राजनयिक मिशन के साथ अल्जीरिया और मोरक्को गया। पेरिस लौटने के तुरंत बाद, कलाकार ने "अल्जीरियाई महिलाओं को उनके कक्षों में" (1833) पेंटिंग पर काम करने के लिए तैयार किया। 20 के दशक के अंत के बाद से। 19 वीं सदी चित्रकार ने मध्यकालीन फ्रांसीसी इतिहास को समर्पित कई युद्ध चित्रों का निर्माण किया। नैन्सी की लड़ाई (1828-1834) में, सेना - बहुरंगी चेहरों और बैनरों के साथ ग्रे रैलेड जनता - एक धुंधले पीले सूर्यास्त आकाश के नीचे एक बर्फीले मैदान में अनाड़ी रूप से चलती है। यूजीन डेलाक्रोइक्स - सबसे पहले फ्रांस में सबसे स्वतंत्र चित्रकार XIX का आधावी
जैक्स लुईस डेविड (1748-1825) के प्रारंभिक XIXवी फ्रांसीसी कलाकारों के बीच आम तौर पर मान्यता प्राप्त नेता जैक्स लुई डेविड थे - चित्रकला में नियोक्लासिसवाद का सबसे सुसंगत प्रतिनिधि और उनके अशांत समय के एक संवेदनशील इतिहासकार डेविड का जन्म पेरिस में एक धनी बुर्जुआ परिवार में हुआ था। 1766 में उन्होंने रॉयल एकेडमी ऑफ पेंटिंग एंड स्कल्पचर में प्रवेश किया। उन वर्षों की फ्रांसीसी संस्कृति की एक विशिष्ट विशेषता पुरातनता के साथ सामान्य आकर्षण थी। 1781 में, डेविड को रॉयल अकादमी के सदस्य के रूप में स्वीकार किया गया और इसकी प्रदर्शनियों - लौवर सैलून में भाग लेने का अधिकार प्राप्त हुआ। 1776 की शुरुआत में, एक सरकारी कार्यक्रम विकसित किया गया था जिसने बड़े चित्रों के निर्माण को प्रोत्साहित किया "सद्गुणों और देशभक्ति की भावनाओं को पुनर्जीवित करने के लिए डिज़ाइन किया गया।" डेविड को प्रारंभिक रोमन इतिहास से एक भूखंड की पेशकश की गई थी - होरती के कुलीन परिवार के तीन भाइयों की उपलब्धि पेंटिंग "द ओथ ऑफ द होराती" (1784) पर काम करने के लिए, डेविड रोम गए। जब कैनवास समाप्त हो गया और कलाकार ने इसे जनता के सामने प्रदर्शित किया, तो पूरी रचना संख्या तीन पर आधारित है: तीन मेहराब, पात्रों के तीन समूह, तीन तलवारें, तीन हाथ, हथियारों के लिए तैयार। 1795-1799 में। डेविड ने अपने छात्रों के साथ मिलकर "द सबाइन्स स्टॉपिंग द बैटल बिटवीन द रोमन्स एंड द सबाइन्स" पेंटिंग पर काम किया। उनके अनुसार, वह "प्राचीन शिष्टाचार को इतनी सटीकता के साथ चित्रित करना चाहते थे कि यूनानियों और रोमनों को, अगर उन्हें मेरे काम को देखने का मौका मिला, तो वे मुझे अपने रीति-रिवाजों से अलग नहीं मानेंगे।" 1799 में, नेपोलियन बोनापार्ट एक और तख्तापलट के परिणामस्वरूप सत्ता में आया। डेविड, कई पूर्व क्रांतिकारियों की तरह, इस घटना का खुशी से स्वागत किया। भव्य पेंटिंग में "नेपोलियन I का राज्याभिषेक और कैथेड्रल में महारानी जोसेफिन पेरिस की नोट्रे डेम 2 दिसंबर, 1804" (1807) डेविड ने एक और मिथक बनाया - वेदी की चमक और दरबारियों के कपड़ों की भव्यता दर्शक को मराट के मनहूस फर्नीचर और पुरानी चादरों से ज्यादा प्रभावित नहीं करती। नेपोलियन की हार के बाद, डेविड, जिसने एक बार वोट दिया था लुई सोलहवें की मौत की सजा के लिए कन्वेंशन को फ्रांस छोड़ने के लिए मजबूर किया गया था। कलाकार ब्रसेल्स (जो तब नीदरलैंड के राज्य से संबंधित था) गया, जहां वह अपनी मृत्यु तक रहा। उन्होंने काम करना जारी रखा: लगन से, लेकिन बिना उत्साह के, उन्होंने अपने जैसे निर्वासितों के चित्र बनाए और प्राचीन विषयों पर काम किया।
