06.07.2019 la 15:34 · VeraSchegoleva · 11 620

Top 10 cei mai faimoși portretiști ale căror nume ar trebui să le cunoască toată lumea

Un portret este o imagine a unui grup de persoane sau a unei persoane cu acuratețe absolută. De obicei, acesta este un desen realizat într-un anumit stil.

Un portretist reproduce o imagine din memorie sau atrage o persoană din natură. Prin picturile lor, portretiștii transmit nu numai aspectul oamenilor, ci și trăsăturile lor unice, trăsăturile de caracter.

Un portret este o atitudine individuală a artistului față de o anumită persoană. O astfel de interpretare a unei persoane este elitistă, exclusivă și nu este accesibilă tuturor, prin urmare este valoroasă și foarte atractivă.

Luați în considerare cei mai renumiți portretiști care au dezvăluit cel mai bine prin picturi esența spirituală a oamenilor.

10. Anthony Van Dyck

Anthony Van Dyck- grafician și maestru al subiectelor religioase și al portretelor de curte. Patria lui este Belgia.

Acest artist a fost un copil minune, și-a creat autoportretul la vârsta de paisprezece ani. Când Van Dyck avea optsprezece ani, a fost acceptat în Breasla Sf. Luca, care a unit tipografi, sculptori și artiști.

La vârsta de douăzeci de ani, Van Dyck începuse deja să creeze portrete ale aristocraților, care se distingeau printr-o îndemânare incredibilă. De obicei, portretiștii au atins acest nivel până la vârsta de patruzeci de ani.

Stăpânul a acordat întotdeauna multă atenție mâinilor sale: erau frumoase, grațioase, relaxate, cu degete lungi. Opera lui Van Dyck poate fi recunoscută tocmai după felul în care a desenat mâinile.

Van Dyck a trăit în Italia, a fost pictor de curte în Anglia.

Portrete notabile: „Capetele unui bătrân”, „Portretul de familie”, „Portretul cardinalului Guido Bentivoglio”, „Portretul lui Carol I la vânătoare”.

9. Hans Holbein

Hans Holbein cel Tânăr- una dintre cele mai cunoscute artiști germani. A învățat să deseneze de la Holbein cel Bătrân, tatăl său, care s-a specializat în pictura de altar.

Maestrul a devenit celebru la vârsta de douăzeci și unu de ani. A fost pictor la curtea lui Henric al VIII-lea.

Portretele create de Hans Holbein sunt foarte exacte, el a transmis imaginile și personajele oamenilor înfățișați cu o claritate maximă. Artistul s-a jucat cu încredere cu clarobscurul, îi plăcea să scoată în evidență diverse mici detalii care îi subliniază ideea.

Multe portrete ale maestrului nu sunt lipsite de sarcasm și ironie: ele au trădat adevărata sa atitudine față de persoanele înfățișate.

Portrete notabile: „Portretul lui Thomas More”, „Portretul lui Erasmus din Rotterdam”, „Portretul lui Henric al VIII-lea”.

8. Diego Velasquez

Diego Velazquez- pictor din Spania, pictor de curte al lui Filip al IV-lea. Velázquez a început să studieze pictura la vârsta de zece ani.

Deja la vârsta de optsprezece ani, artistul a reușit să-și deschidă propriul atelier: Francisco Pacheco, profesorul său, l-a ajutat în acest sens.

La început mod creativ Velasquez a descris naturi moarte, diverse scene din bucătărie. Culoarea și nuanța, saturația culorii au devenit caracteristicile acestor picturi.

Apoi maestrul s-a mutat în capitală și a devenit pictor de curte. Nu numai că a pictat portrete ceremoniale personalizate, ci a încercat să surprindă și cei mai nefericiți, umiliți oameni: ciudați, bufoni, pitici.

Portrete celebre: „Cânciurul”, „Bătrânul Bucătar”, „Portretul regelui Filip al IV-lea al Spaniei în armură”, „Portretul unei doamne cu evantai”, „Bufonul Juan al Austriei”.

7. Ilya Efimovici Repin

Ilya Efimovici Repin- artist rus, profesor, profesor, membru al Academiei Imperiale de Arte. Unul dintre principalii reprezentanți ai realismului rus.

În tinerețe, artistul a trăit în sărăcie. A încercat să facă bani vânzându-și picturile.

Apoi, pentru un studiu bun la, Repin a avut ocazia să plece în Europa pentru a studia arta străină. Până în acel moment, el câștigase deja destul de multă faimă și a început să primească comenzi mari.

Trăsăturile distinctive ale lucrării lui Repin sunt apelurile frecvente la vârfurile emoționale, afișarea anxietăților și sarcinilor sociale și psihologismul subtil.

Portrete celebre: „Portretul lui Lev Tolstoi”, „Portretul lui Mussorgski”, „Portretul mamei”, „Portretul lui Konstantin Petrovici Pobedonostsev”.

6. Rembrandt Van Rijn

Rembrandt- artist din Olanda, maestru al clarobscurului, gravor. A fost unul dintre cei mai mari reprezentanți ai epocii de aur a picturii olandeze.

Picturile sale au întruchipat întregul spectru al experiențelor umane. Rembrandt a preferat să omite detalii minore și să dezvăluie cât mai multe stare de spirit persoana care este portretizată.

Viitorul maestru a început să învețe să deseneze când avea treisprezece ani. A fost constant în căutarea creativă și a creat picturi în diverse genuri: portrete, scene de gen, peisaje, naturi moarte și așa mai departe.

Portrete notabile: „Tânăra Saskia”, „Portretul lui Jan Utenbogart”, „Flora”, „Portretul Mariei Trip”.

5. Peter Paul Rubens

Rubens- pictor flamand, colecționar, diplomat. A devenit unul dintre principalii reprezentanți ai artei baroc. ÎN portretistica talentul maestrului s-a dezvăluit din plin. Pentru el, gesticulația, privirea, întoarcerea capului, poziția modelului au fost întotdeauna foarte importante.

Înfățișând sexul frumos, Rubens, parcă, se bucura de senzualitatea, feminitatea și splendoarea trupurilor.

Artistul avea o capacitate foarte mare de lucru: putea realiza tablouri de dimineața până seara. În timp ce lucra, lui Rubens îi plăcea foarte mult să vorbească cu studenții și vizitatorii.

Portrete celebre: „Portretul marchizei Brigitta Spinola Doria”, „Portretul slujitoarei Infanta Isabella”, „Portretul Helenei Fourman cu doi copii”.

4. Albrecht Dürer

Durer- grafician și pictor din Germania, unul dintre cei mai cunoscuți reprezentanți ai Renașterii vest-europene. A lăsat în urmă nu numai picturi, ci și tratate și gravuri.

Albrecht Dürer a perfecționat arta tăierii lemnului. A locuit în Italia, a studiat metode creative artiști italieni.

Dürer a creat multe autoportrete, îi plăcea mai ales să se deseneze în tinerețe. Opera sa este pătrunsă de dorința de a cunoaște legile naturii, precum și de atracția pentru frumusețea ideală, armonioasă. Este impregnat de o mare intensitate a sentimentelor, un spirit rebel.

Portrete notabile: „Portretul lui Erasmus din Rotterdam”, „Portretul lui Bernard von Riesen”, „Împăratul Maximilian I”.

3. Tizian

Titian Vecellio- un pictor celebru din Italia. Opera sa este asociată cu eternitatea și nemurirea. Pensiile acestui artist au fost atribuite proprietăți magice chiar și în timpul vieții sale.

Tizian a creat portrete minunate: părea că sufletele oamenilor înfățișați erau ascunse în ele. A pictat multe picturi epice pe teme mitologice și religioase.

Calea lui Titian în creativitate a fost fructuoasă și lungă: artistul a trăit aproape o sută de ani. Picturile sale au fost copiate în mod repetat, dar nimeni nu a reușit vreodată să atingă același nivel de îndemânare.

Portrete notabile: „Portretul lui Petro Aretino”, „Portretul lui Carol al V-lea”, „Portretul unei tinere femei”.

2. Rafael Santi

Rafael- Grafician și pictor italian. Picturile sale reflectau idealurile Renașterii.

Lumea a devenit mai curată și mai blândă când ochii Madonelor înfățișate de Rafael au început să se uite la ea: Pasadena, Sistine, Orleans, Conestabile.

El a întruchipat cu pricepere în tablouri o varietate de nuanțe emoționale. Raphael a fost considerat unul dintre cei mai „echilibrati” artiști. Maestrul a murit foarte devreme, la vârsta de 37 de ani, dar a lăsat în urmă o moștenire artistică colosală.

Portrete notabile: „Donna Velata”, „Portretul lui Castiglione”, „Portretul lui Iulius al II-lea”, „Portretul Papei Leon al X-lea cu doi cardinali”.

1. Leonardo da Vinci

Leonardo da Vinci – artist italian, arhitect, sculptor, om de știință, muzician, . Era un „om universal” unic.

Cercetările, descoperirile, creațiile lui da Vinci au fost înaintea timpului cu mai mult de o epocă. A ajutat la dezvoltarea urbanismului, anatomiei.

Aspectul lui Da Vinci a fost de asemenea izbitor: aspect angelic, statură înaltă și forță incredibilă.

Pentru acest artist, pictura a fost un adjuvant al științei: a fost mereu concentrat pe surprinderea realității.

Portrete notabile: „Mona Lisa”, „Doamna cu hermină”, „Portretul Ginervei de Benci”, „Portretul unui muzician”.

Alegerea cititorilor:

Nikolai Nikolaevici Ge (1831-1894)

artist rus. Născut la Voronezh la 15 (27) februarie 1831 în familia unui proprietar de pământ. A studiat la catedrele de matematică ale universităților din Kiev și din Sankt Petersburg (1847-1850), apoi a intrat la Academia de Arte, de la care a absolvit în 1857. A fost foarte influențat de K.P. Bryullov și A.A. Ivanova. A locuit la Roma și Florența (1857-1869), la Sankt Petersburg, iar din 1876 - la ferma Ivanovsky din provincia Cernigov. A fost unul dintre întemeietorii Asociației Rătăcitorilor (1870). A făcut multe portrete. A început să lucreze la portrete în timp ce studia încă la Academia de Arte. Pentru mulți ani de creativitate, i-a pictat pe mulți dintre contemporanii săi. Practic, acestea erau figuri culturale avansate. PE MINE. Saltykov - Shchedrin, M.M. Antokolsky, L.N. Tolstoi și alții.Ge deține unul dintre cele mai bune portrete ale lui A.I. Herzen (1867, Galeria de stat Tretiakov) - imaginea unui revoluționar rus, un luptător de foc împotriva autocrației și iobăgiei. Dar ideea pictorului nu se limitează la transferul similarității externe. Chipul lui Herzen, parcă smuls din amurg, reflecta gândurile lui, hotărârea neîntreruptă a unui luptător pentru dreptate socială. Ge surprins în acest portret spiritualul personalitate istorică, a întruchipat experiența întregii ei vieți, plină de luptă și anxietate.

Lucrările sale diferă de lucrările lui Kramskoy prin emoționalitatea și dramatismul lor. Portretul istoricului N.I. Kostomarov (1870, Galeria de stat Tretiakov) este scrisă într-un mod neobișnuit de frumos, temperamental, proaspăt și liber. Autoportretul a fost pictat cu puțin timp înainte de moartea sa (1892-1893, KMRI), chipul maestrului este luminat de inspirație creativă. Portretul lui N.I. Petrunkevich (1893) a fost pictat de artist la sfârșitul vieții sale. Fata este înfățișată în aproape inaltime maxima la fereastra deschisă. Ea este cufundată în lectură. Fața ei de profil, înclinarea capului, postura exprimă o stare de gândire. Ca niciodată, Ge a acordat o mare atenție fundalului. Armonia culorilor mărturisește forțele necheltuite ale artistului.

Din anii 1880, Ge a devenit un prieten apropiat și adeptul lui L.N. Tolstoi. Într-un efort de a sublinia conținutul uman al predicii Evangheliei, Ge trece la un mod din ce în ce mai liber de a scrie, ascuțind contrastele de culoare și lumini până la limită. Maestrul a pictat portrete minunate pline de spiritualitate interioară, inclusiv un portret al lui L.N. Tolstoi la biroul lui (1884). În imaginea lui N.I. Petrunkevici pe fundalul unei ferestre deschise spre grădină (1893; ambele portrete în Galeria Tretiakov). Ge a murit la ferma Ivanovsky (provincia Cernigov) la 1 (13) iunie 1894.

Vasily Grigorievich Perov (1834-1882)

Născut la Tobolsk la 21 sau 23 decembrie 1833 (2 sau 4 ianuarie 1834). Era fiul nelegitim al procurorului local, baronul G.K. Kridener, numele de familie „Perov” a fost dat viitorului artist sub forma unei poreclă de către profesorul său de alfabetizare, un diacon provincial. A studiat la Școala de Pictură Arzamas (1846-1849) și la Școala de Pictură, Sculptură și Arhitectură din Moscova (1853-1861), unde unul dintre mentorii săi a fost S.K. Zarianko. A experimentat o influență deosebită a lui P.A. Fedotov, maeștri ai graficii satirice ale revistei, și de la maeștri străini - W. Hogarth și pictori de gen ai școlii din Düsseldorf. A locuit la Moscova. A fost unul dintre membrii fondatori ai Asociației Rătăcitorilor (1870).

Cele mai bune lucrări de portret ale maestrului aparțin de la cumpăna anilor 60-70: F.M. Dostoievski (1872, Galeria Tretiakov) A.N. Ostrovsky (1871, Galeria Tretiakov), I.S. Turgheniev (1872, Muzeul Rus). Dostoievski este deosebit de expresiv, complet pierdut în gânduri dureroase, strângându-și nervos mâinile pe genunchi, o imagine a celui mai înalt intelect și spiritualitate. Romantismul de gen sincer se transformă în simbolism, impregnat de un sentiment jalnic de fragilitate. Portrete ale maestrului (V.I. Dal, A.N. Maikov, M.P. Pogodin, toate portretele - 1872), atingând o intensitate spirituală fără precedent pentru pictura rusă. Nu e de mirare că portretul lui F.M. Dostoievski (1872) este considerat pe drept cel mai bun din iconografia marelui scriitor.

În ultimele decenii ale vieții sale, artistul descoperă un talent remarcabil ca eseist (povestiri Mătușa Marya, 1875; Sub cruce, 1881; și altele; ediția trecută - Poveștile artistului, M., 1960). În 1871-1882 Perov a predat la Școala de Pictură, Sculptură și Arhitectură din Moscova, unde N.A. Kasatkin, S.A. Korovin, M.V. Nesterov, A.P. Ryabushkin. Perov a murit în satul Kuzminki (în acei ani - lângă Moscova) la 29 mai (10 iunie) 1882.

Nikolai Alexandrovici Iaroșenko (1846-1898)

Născut la Poltava la 1 (13) decembrie 1846 într-o familie de militari. A absolvit Academia de Artilerie Mihailovski din Sankt Petersburg (1870), a slujit la Arsenal, iar în 1892 s-a retras cu gradul de general-maior. A studiat pictura la Școala de Desen a Societății pentru Încurajarea Artelor sub I.N. Kramskoy și la Academia de Arte (1867-1874). A călătorit mult - în țările din Europa de Vest, Orientul Apropiat și Mijlociu, Urali, Volga, Caucaz și Crimeea. A fost membru (din 1876) și unul dintre conducătorii Asociației Rătăcitorilor. A locuit în principal la Sankt Petersburg și Kislovodsk.

Lucrările sale pot fi numite portret - precum „Stoker” și „Prizonier” (1878, Galeria de stat Tretiakov). „Stoker” - prima imagine a unui muncitor în pictura rusă. „Prizonier” – o imagine reală în anii furtunoasei mișcări revoluționare populiste. „Student” (1880, Muzeul Rus) o fată tânără cu cărți se plimbă pe pavajul umed din Sankt Petersburg. În această imagine, întreaga eră a luptei femeilor pentru independența vieții spirituale și-a găsit expresie.

Iaroșenko a fost un inginer militar, foarte educat, cu un caracter puternic. Artistul Wanderer a servit cu arta sa idealurilor democratice revoluționare. Maestru al genului social și portret în spiritul Rătăcitorilor. Și-a câștigat un nume prin compoziții picturale puternic expresive, care fac apel la simpatia pentru lumea proscrisului social. Un tip aparte de expresie anxioasă, „conștiincioasă” dă viață celor mai bune portrete ale lui Iaroșenko (P.A. Strepetova, 1884, ibid; G.I. Uspensky, 1884, Galeria de Artă, Ekaterinburg; N.N. Ge, 1890, Muzeul Rus, Sankt Petersburg). Iaroșenko a murit la Kislovodsk la 25 iunie (7 iulie 1898).

Ivan Nikolaevici Kramskoy (1837-1887)

Născut în provincia Voronezh în familia unui mic funcționar. Din copilărie a fost pasionat de artă și literatură. După ce a absolvit școala raională în 1850, a slujit ca scrib, apoi ca retuşator pentru un fotograf.

În 1857 a ajuns la Sankt Petersburg lucrând într-un studio foto. În toamna aceluiași an a intrat la Academia de Arte.

Domeniul predominant de realizare artistică a rămas pentru portretul Kramskoy. Kramskoy în genul portretului este ocupat de o personalitate sublimă, extrem de spirituală. A creat o întreagă galerie de imagini ale celor mai mari figuri ale culturii ruse - portrete ale lui Saltykov - Shchedrin (1879, Galeria de stat Tretiakov), N.A. Nekrasov (1877, Galeria de Stat Tretiakov), L.N. Tolstoi (1873, Galeria de Stat Tretiakov), P.M. Tretiakov (1876, Galeria de Stat Tretiakov), I.I. Shishkin (1880, Muzeul Rusiei), D.V. Grigorovici (1876, Galeria de Stat Tretiakov). pictura portret artistică

Maniera artistică a lui Kramskoy se caracterizează printr-o anumită uscăciune protocolară, monotonie a formelor compoziționale, a schemelor, deoarece portretul arată trăsăturile muncii ca retușator în tinerețe. Portretul lui A.G. Litovchenko (1878, Galeria de stat Tretiakov) cu bogăția pitorească și frumusețea tonurilor de maro, măsliniu. Au fost create și lucrări colective ale țăranilor: „Woodsman” (1874, Galeria de Stat Tretiakov), „Mina Moiseev” (1882, Muzeul Rus), „Țăran cu căpăstru” (1883, KMRI). Kramskoy a apelat în mod repetat la această formă de pictură, în care două genuri au intrat în contact - portretul și viața de zi cu zi. De exemplu, lucrările anilor 80: „Necunoscut” (1883, Galeria de stat Tretiakov), „Doliu inconsolabil” (1884, Galeria de stat Tretiakov). Unul dintre vârfurile operei lui Kramskoy este portretul lui Nekrasov, Autoportret (1867, Galeria de stat Tretiakov) și portretul agronomului Vyunnikov (1868, Muzeul BSSR).

În 1863-1868 Kramskoy a predat la Școala de Desen a Societății pentru Încurajarea Artiștilor. În 1870, Kramskoy a devenit unul dintre fondatorii TPHV. Când scria un portret, Kramskoy a recurs adesea la tehnici grafice (folosirea mustului, văruirii și creionului). Așa se face că portretele artiștilor A.I. Morozov (1868), G.G. Myasoedov (1861) - Muzeul de Stat al Rusiei. Kramskoy este un artist cu un mare temperament creativ, un gânditor profund și original. A luptat mereu pentru arta realistă avansată, pentru conținutul ei ideologic și democratic. A lucrat fructuos ca profesor (la Școala de Desen a Societății pentru Încurajarea Artelor, 1863-1868). Kramskoy a murit la Sankt Petersburg la 24 martie (5 aprilie), 1887.

Ilya Efimovici Repin (1844-1930)

Născut la Chuguev, în provincia Harkov, în familia unui colonist militar. Pregătirea artistică inițială și-a primit-o la școala de tipografi și de la artiștii locali I.M. Bunakov și L.I. Persanova. În 1863 a venit la Sankt Petersburg, a studiat la Școala de Desen a Societății pentru Încurajarea Artiștilor sub conducerea R.K. Jukovski și I.N. Kramskoy, apoi a fost admis la Academia de Arte în 1864.

Repin este unul dintre cei mai buni portretişti ai epocii. O întreagă galerie de imagini ale contemporanilor săi a fost creată de el. Cu ce ​​pricepere și putere sunt surprinse pe pânzele lui. În portretele lui Repin, totul este gândit până la ultima faldă, fiecare trăsătură este expresivă. Repin a deținut cea mai mare capacitate a instinctului artistului de a pătrunde în însăși esența caracteristicilor psihologice, continuând tradițiile lui Perov, Kramskoy și Ge, a lăsat imagini ale scriitorilor celebri, compozitorilor, actorilor care au glorificat cultura rusă. În fiecare caz individual, a găsit diferite soluții compoziționale și coloristice, cu care a putut dezvălui cel mai expresiv imaginea persoanei înfățișate în portret. Cât de ascuțit își mijește chirurgul Pirogov. Ochii trist de frumoși ai actriței Strepetova (1882, Galeria de Stat Tretyakov) se năpustesc, iar chipul ascuțit și inteligent al artistului Myasoedov, tretiakov grijuliu este pictat. Cu adevăr fără milă, a scris „Protodiacon” (slujitor al bisericii 1877, Muzeul Rusiei). Pacientul M.P. a fost scris cu căldură. Mussorgsky (1881, Galeria Tretiakov), cu câteva zile înainte de moartea compozitorului. Portretele tânărului Gorki, înțeleptului Stasov (1883, Muzeul Rus) și alții sunt executate pătrunzător.„Buchet de toamnă” (1892, Galeria Tretiakov) este un portret al fiicei Verei, cât de însorită strălucește chipul fiicei artistului în nuanță caldă de pălărie de paie. Cu mare dragoste, Repin a transmis un chip atrăgător cu tinerețea, veselia și sănătatea sa. Întinderile de câmpuri, încă înflorite, dar atinse de galbenul ierbii, copacii verzi și transparența aerului aduc lucrării o stare de spirit revigorantă.

Portretul nu a fost doar genul principal, ci și baza lucrării lui Repin în general. Când lucra pe pânze mari, a apelat sistematic la studiile portretelor pentru a clarifica aspectul și caracteristicile personajelor. Acesta este portretul Cocoșat asociat picturii „Procesiunea religioasă din provincia Kursk” (1880-1883, Galeria de stat Tretiakov). De la cocoșat, Repin a subliniat cu insistență prozaica, mizeria hainelor cocoșului și întreaga sa înfățișare, banalitatea figurii mai mult decât tragedia și singurătatea ei.

Semnificația lui Repin în istoria artei ruse este enormă. În portretele sale, în special, a afectat apropierea lui de marii maeștri ai trecutului. În portrete, Repin a atins cel mai înalt punct al puterii sale picturale.

Portretele lui Repin sunt surprinzător de atractive din punct de vedere liric. El creează personaje populare puternic caracteristice, numeroase imagini perfecte ale personalităților culturale, portrete seculare grațioase (baronesa V.I. Ikskul von Hildebrandt, 1889). Deosebit de colorate sunt imaginile sincere ale rudelor artistului: o serie de tablouri cu soția lui Repin, N.I. Nordman-Severovoy. Portretele sale pur grafice, executate cu creion grafit sau cărbune, sunt și ele virtuoziste (E. Duse, 1891; Prințesa M.K. Tenisheva, 1898; V.A. Serov, 1901). Repin s-a dovedit și un profesor remarcabil: a fost profesor-șef de atelier (1894-1907) și rector (1898-1899) al Academiei de Arte, în același timp a predat la școala-atelier din Tenisheva.

După Revoluția din octombrie 1917, artistul a fost separat de Rusia, când Finlanda și-a câștigat independența, nu s-a mutat niciodată în patria sa, deși a menținut legătura cu prietenii care locuiau acolo (în special, cu K.I. Chukovsky). Repin a murit la 29 septembrie 1930. În 1937, Chukovsky a publicat o colecție de memorii și articole despre artă (Far Close), care a fost ulterior retipărită de mai multe ori.

Valentin Alexandrovici Serov (1865-1911)

Născut la Sankt Petersburg în familia compozitorului A.N. Serov. Din copilărie, V.A. Serov a fost înconjurat de artă. Repin a fost profesorul. Serov a lucrat lângă Repin cu copilărie timpurieși foarte curând a descoperit talentul și independența. Repin îl trimite la Academia de Arte la P.P. Chistiakov. Tânărul artist a câștigat respect, iar talentul său a stârnit admirație. Serov a scris „Fata cu piersici”. Prima lucrare majoră a lui Serov. În ciuda dimensiunilor mici, imaginea pare foarte simplă. Este scris în tonuri de roz și auriu. A primit un premiu de la Societatea Iubitorilor de Artă din Moscova pentru acest tablou. În anul următor, Serov a pictat un portret al surorii sale, Maria Simonovich, iar mai târziu l-a numit „Fata luminată de soare” (1888). Fata stă la umbră, iar poiana din fundal este luminată de razele soarelui dimineții.

Serov a devenit un portretist la modă. Pozat în fața lui scriitori celebri, aristocrați, artiști, artiști, antreprenori și chiar regi. La vârsta adultă, Serov a continuat să scrie rude, prieteni: Mamontov, Levitan, Ostroukhov, Chaliapin, Stanislavsky, Moskvin, Lensky. Serov a îndeplinit ordinele celor încoronați - Alexandru al III-lea și Nicolae al II-lea. Împăratul este înfățișat într-o jachetă simplă a regimentului Preobrazhensky; acest tablou (distrus în 1917, dar păstrat în replica autorului din același an; Galeria Tretiakov) este adesea considerat cel mai bun portret al ultimului Romanov. Stăpânul a pictat atât funcționari titulari, cât și comercianți. Serov a lucrat la fiecare portret până la epuizare, cu dăruire deplină, de parcă lucrarea pe care o începuse ar fi fost ultima sa. Impresia de artă spontană, ușoară a fost intensificată în imaginile lui Serov și pentru că a lucrat liber într-o mare varietate de tehnici (acuarelă, guașă, pastel), minimizând sau chiar eliminând diferența dintre schiță și pictură. Desenul alb-negru era, de asemenea, o formă egală de creativitate (valoarea inerentă a acestuia din urmă a fost fixată în opera sa din 1895, când Serov a realizat un ciclu de schițe de animale, lucrând la ilustrarea fabulelor lui I.A. Krylov).

La cumpăna dintre secolele XIX-XX. Serov devine probabil primul portretist din Rusia, dacă cineva în acest sens este inferior, atunci un singur Repin.

Se pare că cel mai bine reușește imagini lirice intime, feminine și copilărești (N.Ya. Derviz cu un copil, 1888-1889; Mika Morozov, 1901; ambele portrete sunt de la Galeria Tretiakov) sau imagini ale unor oameni creativi (A . Mazini, 1890; K. A. Korovin, 1891; F. Tamagno, 1891; N. A. Leskov, 1894; toate - în același loc), unde impresia colorată, o pensulă liberă reflectă starea de spirit a modelului. Dar portretele și mai oficiale, seculare, combină organic arta subtilă cu darul nu mai puțin subtil al unui artist-psiholog. Printre capodoperele „secularului” Serov – contele F.F. Sumarokov-Elston (mai târziu - Prințul Yusupov), 1903, Muzeul Rus; G.L. Hirshman, 1907; ÎN. Hirshman, 1911; IN ABSENTA. Morozov, 1910; Prințesa O.K. Orlova, 1911; totul este acolo).

În portretele maestrului din acești ani, Art Nouveau domină complet prin cultul său al unei linii puternice și flexibile, al gestului și al ipostazei monumentale captivante (M. Gorki, 1904, Muzeul A.M. Gorki, Moscova; M.N. Ermolova, 1905; F.I. Chaliapin, cărbune, cretă, 1905, ambele portrete - în Galeria Tretiakov, Ida Rubinstein, tempera, cărbune, 1910, Muzeul Rus). Serov a lăsat o amintire recunoscătoare despre sine ca profesor (în 1897-1909 a predat la Școala de Pictură, Sculptură și Arhitectură din Moscova, unde printre studenții săi s-au numărat K.F. Yuon, N.N. Sapunov, P.V. Kuznetsov, M. S. Saryan, K.S. Petrov -Vodkin). Serov a murit la Moscova pe 22 noiembrie (5 decembrie), 1911.

Printre mulți artiști ruși și străini care au lucrat în Rusia, maeștrii remarcabili de portrete din secolul al XVIII-lea pot fi numiți în siguranță.

A.P. Antropova, I.P. Argunova, F.S. Rokotova, D.G. Levitsky, V.L. Borovikovsky.

Pe pânzele sale A.P. Antropov și I.P. Argunov a căutat să înfățișeze un nou ideal de persoană - deschis și energic. Veselia, festivitatea a fost subliniată de culori strălucitoare. Demnitatea celor reprezentați, corpulența lor a fost transmisă cu ajutorul hainelor frumoase și a unor ipostaze statice solemne.

A.P.Antropov și picturile sale

Autoportret al lui A.P.Antropov

În opera lui A.P. Antropov, există încă o legătură notabilă cu pictura cu icoane. Maestrul pictează fața cu mișcări continue, iar hainele, accesoriile, fundalul - liber și pe scară largă. Artistul nu se „cerbește” în fața eroilor nobili ai picturilor sale. El le pictează așa cum sunt cu adevărat, indiferent de trăsături, pozitive sau negative, pe care nu le posedă (portrete ale lui M.A. Rumyantseva, A.K. Vorontsova, Peter III).

Printre cele mai multe lucrări celebre portrete pictorului Antropov:

• Izmailov;
• A.I. și P.A. Koliciov;
• Elisabeta Petrovna;
• Petru I;
• Ecaterina a II-a în profil;
• ataman F. Krasnoshchekov;
• carte de portrete. Trubetskoy

I.P. Argunov - pictor portretist al secolului al XVIII-lea

I.P. Argunov „Autoportret”

Dezvoltarea conceptului portretului național, I.P. Argunov a stăpânit rapid și ușor limbajul picturii europene și a abandonat vechile tradiții rusești. În moștenirea sa se remarcă portretele retrospective ceremoniale pe care le-a pictat din imagini de-a lungul vieții ale strămoșilor lui P.B. Şeremetev. În opera sa este prevăzută pictura secolului următor. El devine creatorul unui portret de cameră, în care se acordă o mare atenție înaltei spiritualități a imaginii. Acesta a fost portretul intim, care a devenit mai comun în secolul al XIX-lea.

I.P. Argunov „Portretul unei femei necunoscute în costum de țărănesc”

Cele mai semnificative imagini din opera sa au fost:

• Ekaterina Alekseevna;
• P.B. Sheremetev în copilărie;
• soții Sheremetev;
• Ecaterina a II-a;
• Ekaterina Aleksandrovna Lobanova-Rostovskaya;
• necunoscut în costum de țărănesc.

F.S. Rokotov - artist și picturi

O nouă fază în dezvoltarea acestei arte este asociată cu numele portretistului rus - F.S. Rokotova. El transmite jocul sentimentelor, variabilitatea caracterului uman în imaginile sale dinamice. Lumea i s-a părut pictorului spiritualizată, la fel și personajele sale: multifațetate, pline de lirism și umanitate.

F. Rokotov „Portretul unui bărbat necunoscut într-o pălărie înclinată”

F.S. Rokotov a lucrat în genul unui portret în jumătate de rochie, când o persoană era înfățișată până la talie pe fundalul clădirilor arhitecturale sau al unui peisaj. Printre primele sale lucrări se numără portretele lui Petru al III-lea și Grigori Orlov, prințul Pavel Petrovici în vârstă de șapte ani și prințesa E.B. Yusupova. Sunt elegante, decorative, colorate. Imaginile sunt pictate în stil rococo cu senzualitatea și emoționalitatea sa. Datorită lucrărilor lui Rokotov, se poate învăța istoria timpului său. Întreaga elită nobiliară avansată s-a străduit să fie surprinsă pe pânzele pensulei marelui pictor.

Portretele de cameră ale lui Rokotov se caracterizează prin: imaginea bustului, întoarcerea către privitor cu ¾, crearea de volum prin modelare complexă de lumini și umbre, combinație armonioasă de tonuri. Cu ajutorul datelor mijloace de exprimare artistul creează un anumit tip de pânză, care înfățișează onoarea, demnitatea, harul spiritual al unei persoane (portretul „Omului necunoscut într-o pălărie cocoșată”).

F.S. Rokotov „Portretul lui A.P. Struyskaya”

Mai ales remarcabile au fost tinerețea și imagini feminine, și chiar s-a dezvoltat un anumit tip de femeie Rokotovsky (portrete ale lui A.P. Struyskaya, E.N. Zinoveva și mulți alții).

Pe lângă cele menționate deja, lucrările lui F.S. Rokotov au adus faimă:

• IN SI. Maykov;
• Necunoscut în roz;
• V.E. Novosiltseva;
• P.N. Lanskoy;
• Surovtseva;
• A.I. și I.I. Vorontsov;
• Ecaterina a II-a.

D.G.Levitsky

D.G.Levitsky Autoportret

Se spunea că portretele lui D. G. Levitsky reflectau întregul secol al Ecaterinei. Oricine l-a portretizat Levitsky, a acționat ca un psiholog subtil și, cu siguranță, a transmis sinceritate, deschidere, tristețe, precum și caracteristici nationale al oamenilor.

Cele mai remarcabile lucrări ale sale: un portret al lui A.F. Kokorinov, o serie de portrete „Smolyanka”, portrete ale lui Dyakova și Markerovsky, un portret al lui Agashi. Multe dintre lucrările lui Levitsky sunt considerate intermediare între portretele ceremoniale și cele de cameră.

D.G. Levitsky „Portretul lui A.F. Kokorinov”

Levitsky a combinat în lucrarea sa acuratețea și veridicitatea imaginilor lui Antropov și versurile lui Rokotov, drept urmare a devenit unul dintre cei mai importanți maeștri ai secolului al XVIII-lea. . Cele mai cunoscute lucrări ale sale sunt:

• E. I. Nelidova
• M. A. Lvova
• N. I. Novikova
• A. V. Hrapovitski
• soţii Mitrofanov
• Bakunina

V.L.Borovikovsky - maestru al portretului sentimental

Portretul lui V.L. Borovikovsky, art. Bugaevski-blagodatny

Personalitatea maestrului domestic al acestui gen V.B. Borovikovsky este asociat cu creația portret sentimental. Miniaturale și portretele sale în ulei înfățișează oameni cu experiențele, emoțiile lor, transmiteau unicitatea lumii lor interioare (portretul lui M.I. Lopukhina). Imagini de femei avea o anumită compoziție: o femeie era înfățișată pe un fundal natural, până la talie, se sprijinea pe ceva, ținând flori sau fructe în mâini.

V.L.Borovikovsky „Portretul lui Paul I în costumul Ordinului de Malta”

În timp, imaginile artistului devin tipice pentru întreaga epocă (portretul generalului F. A. Borovsky), și de aceea artistul este numit și istoriograful timpului său. Artistul peruan deține portrete:

• V.A. Jukovski;
• „Lizanka și Dashenka”;
• G.R. Derzhavin;
• Paul I;
• A.B. Kurakina;
• „Fără barbă cu fiicele”.

Pentru dezvoltarea limbii ruse pictura XVIII secolul a devenit Punct de cotitură. Portretul devine genul principal . Artiștii adoptă tehnici de pictură și tehnici de bază de la colegii lor europeni. Dar accentul se pune pe o persoană cu propriile experiențe și sentimente.

Pictorii de portrete ruși au încercat nu numai să transmită asemănarea, ci și să reflecte pe pânzele lor sufletul și lumea interioară a modelelor lor. Dacă Antropov și Argunov s-au străduit, depășind convențiile, să descrie cu adevărat o persoană, atunci Rokotov, Levitsky și Borovikovsky au mers mai departe. Personalitățile spirituale privesc din pânzele lor, a căror dispoziție a fost surprinsă și transmisă de artiști. Toți s-au străduit pentru ideal, au cântat frumusețea în lucrările lor, dar frumusețea trupească a fost doar o reflectare a umanității și spiritualității inerente poporului rus.

Ți-a plăcut? Nu-ți ascunde bucuria de lume - împărtășește

Introducere

I. Portretişti ruşi din prima jumătate a secolului al XIX-lea

1.3 Alexey Gavrilovici Venetsianov (1780-1847)

II. Asociația Expozițiilor de Artă Itinerante

Capitolul IV. Artă pictură portret

Concluzie

Scopul acestei lucrări este de a spune despre importanța portretului ca unul dintre principalele genuri de artă, despre rolul său în cultura și arta acelui timp, să se familiarizeze cu principalele lucrări ale artiștilor, să învețe despre portretul rusesc. pictori ai secolului al XIX-lea, despre viața și opera lor.

În această lucrare, vom lua în considerare arta portretului în secolul al XIX-lea:

Cei mai mari maeștri ai artei ruse ai secolului al XIX-lea

Asociația Expozițiilor de Artă Itinerante.

Ce este un portret?

Istoria apariției portretului.

Prima jumătate a secolului al XIX-lea - timpul adăugării în pictura rusă a sistemului de genuri. În pictura a doua jumătate a secolului al XIX-lea. a predominat direcția realistă. Natura realismului rus a fost determinată de tinerii pictori care au părăsit Academia de Arte în 1863 și s-au răzvrătit împotriva stilului clasic și a temelor istorice și mitologice care fuseseră implantate în academie. Acești artiști s-au organizat în 1870

Parteneriat expoziții itinerante, a cărui sarcină a fost să ofere membrilor parteneriatului posibilitatea de a-și expune lucrările. Datorită activităților sale, operele de artă au devenit disponibile pentru o gamă mai largă de oameni. Pavel Mihailovici Tretiakov (1832–1898) din 1856 a colecționat lucrări ale artiștilor ruși, în principal ale Rătăcitorilor, iar în 1892 și-a donat Moscovei colecția sa de picturi, împreună cu colecția fratelui său S.M. Tretyakov. În genul portretelor, Rătăcitorii au creat o galerie de imagini ale personalităților culturale proeminente ale timpului lor: un portret al lui Fiodor Dostoievski (1872) de Vasily Perov (1833–1882), un portret al lui Nikolai Nekrasov (1877–1878) de Ivan Kramskoy (1837–1887), un portret al lui Modest Mussorgsky (1881) , realizat de Ilya Repin (1844–1930), un portret al lui Lev Tolstoi (1884) de Nikolai Ge (1831–1894) și un număr de alții. Fiind în opoziție cu Academiei și cu politica ei artistică, Rătăcitorii au apelat la așa-zisa. subiecte „scăzute”; în lucrările lor apar imagini cu țărani și muncitori.

Creșterea și extinderea înțelegerii și nevoilor artistice se reflectă în apariția multor societăți de artă, școli, o serie de galerii private (Galeria Tretiakov) și muzee nu numai în capitale, ci și în provincii, în introducerea în școală. educație în desen.
Toate acestea, în legătură cu apariția unui număr de lucrări geniale ale artiștilor ruși, arată că arta a prins rădăcini pe pământul rus și a devenit națională. Noua artă națională rusă diferă puternic prin faptul că reflecta în mod clar și puternic principalele curente ale artei rusești. viata publica.

I. Portretişti ruşi din prima jumătate a secolului al XIX-lea.

1.1 Orest Adamovich Kiprensky (1782-1836)

Născut la conacul Nezhinskaya (lângă Koporye, acum în regiunea Leningrad) la 13 (24) martie 1782. Era fiul natural al proprietarului de pământ A.S. Dyakonov, înregistrat în familia iobagului său Adam Schwalbe. După ce și-a primit libertatea, a studiat la Academia de Arte din Sankt Petersburg (1788–1803) cu G.I. Ugryumov și alții.A locuit la Moscova (1809), Tver (1811), Sf. Roma și Napoli.

Primul portret - al tatălui adoptiv al lui A.K. Schwalbe (1804, Muzeul Rus, Sankt Petersburg) - se remarcă prin culoarea emoțională. De-a lungul anilor, abilitatea lui Kiprensky, manifestată prin capacitatea de a crea nu numai tipuri socio-spirituale (care au predominat în arta rusă a Iluminismului), ci și imagini individuale unice, s-a îmbunătățit. Este firesc că se obișnuiește să înceapă istoria romantismului în artele plastice rusești cu picturile lui Kiprensky.

Artistul rus, un maestru remarcabil al artei plastice rusești a romantismului, este cunoscut ca un minunat portretist. Portretele lui Kiprensky sunt impregnate cu o cordialitate deosebită, o simplitate deosebită, sunt pline de dragostea lui înaltă și poetică pentru o persoană. În portretele lui Kiprensky, trăsăturile epocii sale sunt întotdeauna palpabile. Acest lucru este întotdeauna inerent în fiecare dintre portretele sale - și imaginea romantică a tânărului V.A. Jukovski și înțeleptul E.P. Rostopchin (1809), portrete: D.N. Hvostov (1814 Galeria Tretiakov), băiatul Chelishchev (1809 Galeria Tretiakov), E.V. Davydov (1809 GRM).

O parte neprețuită a lucrării lui Kiprensky sunt portretele grafice, realizate în principal în creion, cu pasteluri colorate, acuarele și creioane colorate. Îl portretizează pe generalul E.I. Chaplitsa (TG), P.A. Olenina (TG). În aceste imagini avem în fața noastră Rusia, intelectualitatea rusă de la Războiul Patriotic din 1812 până la răscoala din decembrie.

Portretele lui Kiprensky apar în fața noastră complexe, gânditoare, schimbătoare în dispoziție. Descoperind diverse fațete ale caracterului uman și ale lumii spirituale a unei persoane, Kiprensky a folosit de fiecare dată posibilități diferite de pictură în portretele sale romantice timpurii. Capodoperele sale, ca unul dintre cele mai bune portrete ale lui Pușkin (1827 Galeria de Stat Tretiakov), un portret al Avdulinei (1822 Muzeul Rus). Tristețea și chibzuința eroilor lui Kiprensky sunt sublime și lirice.

„Preferatul modei cu aripi ușoare,

Deși nu britanic, nu francez,

Ai creat din nou, dragă vrăjitor,

Eu, un animal de companie al muzelor pure. -

Și râd de mormânt

Plecat pentru totdeauna din legăturile morții.

Mă văd ca într-o oglindă

Dar această oglindă mă flatează.

Spune că nu voi umili

Pasiunile aonidelor importante.

De acum înainte, aspectul meu va fi cunoscut, -

Pușkin i-a scris lui Kiprensky în semn de recunoștință pentru portretul său. Pușkin și-a prețuit portretul și acest portret era atârnat în biroul lui.

O secțiune specială este formată din autoportretele lui Kiprensky (cu ciucuri în spatele urechii, c. 1808, Galeria Tretiakov; și altele), impregnate de patosul creativității. De asemenea, deține imaginile pline de suflet ale poeților ruși: K.N. Batyushkov (1815, desen, Muzeul Institutului de Literatură Rusă al Academiei Ruse de Științe, Sankt Petersburg; V.A. Jukovski (1816). o serie de personaje cotidiene remarcabile (cum ar fi Muzician orb, 1809, Muzeul Rusului) Kiprensky a murit la Roma la 17 octombrie 1836.

1.2 Vasily Andreevich Tropinin (1776-1857)

Un reprezentant al romantismului în artele plastice rusești, un maestru al picturii portretistice. Născut în satul Karpovka (provincia Novgorod) la 19 (30) martie 1776 în familia de iobagi contele A.S. Minikh; mai târziu a fost trimis la dispoziția contelui I.I.Morkov ca zestre pentru fiica lui Minich. A dat dovadă de abilitate de a desena în copilărie, dar maestrul l-a trimis la Sankt Petersburg să studieze ca cofetar. A urmat cursurile la Academia de Arte, la început pe furiș, iar din 1799 - cu permisiunea lui Morkov; în timpul studiilor, l-a cunoscut pe O.A. Kiprensky. În 1804, proprietarul l-a chemat pe tânărul artist la locul său, iar de atunci a locuit alternativ fie în Ucraina, în noua moșie Morkovo Kukavka, fie la Moscova, în postura de pictor iobag, care era obligat să efectueze simultan. sarcinile casnice ale proprietarului terenului. În 1823 și-a primit libertatea și titlul de academician, dar, după ce și-a abandonat cariera la Sankt Petersburg, a rămas la Moscova.

Un artist din iobagi care, cu opera sa, a adus o mulțime de lucruri noi picturii rusești în prima jumătate a secolului al XIX-lea. A primit titlul de academician și a devenit cel mai mult artist faimos Scoala de portrete din Moscova din anii 20-30. Mai târziu, culoarea picturii lui Tropinin devine mai interesantă, volumele sunt de obicei modelate mai clar și sculptural, dar cel mai important, un sentiment pur romantic al elementelor în mișcare ale vieții crește insinuator, Tropinin este creatorul unui tip special de portret - un pictura. Portrete în care sunt introduse trăsături ale genului, imagini cu o anumită intrigă: „Lacemaker”, „Spinner”, „Chitarist”, „Golden Sewing”.

Cele mai bune portrete ale lui Tropinin, cum ar fi portretul fiului lui Arsenie (1818 Galeria Tretiakov), Bulakhov (1823 Galeria Tretiakov). Tropinin în opera sa urmează calea clarității, echilibrului cu compoziții portret simple. De regulă, imaginea este dată pe un fundal neutru cu un minim de accesorii. Exact asa se face ca Tropinin A.S. Pușkin (1827) - așezat la masă într-o poziție liberă, îmbrăcat într-o rochie de casă, care subliniază aspectul natural.

Lucrări timpurii Tropinina este restrânsă la culoare și în compoziție clasic statică ( portrete de familie Morkovyh, 1813 și 1815; ambele lucrări se află la Galeria Tretiakov, Moscova). În această perioadă, maestrul creează, de asemenea, expresive locale, mici imagini rusești de tip ucrainean, (1810, Muzeul Rusiei, Sankt Petersburg). Bulakov, 1823; K. G. Ravich, 1823; ambele portrete din Galeria Tretiakov).

De-a lungul anilor, rolul atmosferei spirituale – exprimat de fundal, detalii semnificative – nu face decât să crească. Cel mai bun exemplu este Autoportret cu pensule și paletă din 1846, unde artistul s-a imaginat în fața unei ferestre cu o vedere spectaculoasă a Kremlinului. Tropinin dedică o serie de lucrări colegilor artiști reprezentați în lucrare sau în contemplare (I.P. Vitali, ca. 1833; K.P. Bryullov, 1836; ambele portrete în Galeria Tretiakov; și altele). În același timp, o aromă specific intima, familiară este invariabil inerentă stilului lui Tropinin. În popularul Woman in the Window (bazat pe poemul lui M.Yu. Lermontov Trezorierul, 1841), această sinceritate relaxată capătă o aromă erotică. Lucrările târzii ale maestrului (Servitorul cu damasc, numărând banii, anii 1850, ibid.) mărturisesc totuși scăderea stăpânirii culorilor, anticipând interesul aprins pentru viața de zi cu zi dramatică caracteristică Hoinătorilor. Un domeniu important al lucrării lui Tropinin sunt și schițele sale ascuțite în creion. Tropinin a murit la Moscova pe 3 (15) mai 1857.

Artist rus, reprezentant al romantismului (cunoscut în primul rând pentru genurile sale rurale). Născut la Moscova la 7 (18) februarie 1780 într-o familie de negustori. În tinerețe a fost funcționar. A studiat arta în mare parte pe cont propriu, copiend picturile Schitului. În 1807–1811 a luat lecții de pictură de la VL Borovikovsky. Este considerat fondatorul desenelor animate tipărite rusești. Topor de studii, părăsind serviciul de dragul picturii. În genul portretului, el a creat cu pastel, creion, ulei, imagini uimitor de poetice, lirice, romantice avântate de o dispoziție romantică - un portret al lui V.S. Putyatina (TG). Printre cele mai frumoase lucrări ale sale de acest fel se numără propriul său portret (Muzeul lui Alexandru al III-lea), pictat bogat și îndrăzneț, în tonuri plăcute, groase de gri-galben și galben-negru, precum și un portret pictat de el de la bătrânul pictor Golovochy. (Academia Imperială de Arte).

Venetsianov este un maestru de primă clasă și o persoană extraordinară; de care Rusia ar trebui să fie destul de mândră. A căutat cu zel tineri talente direct de la oameni, în special printre pictori, i-a atras la el. Numărul elevilor săi a fost de peste 60 de persoane.

Pe parcursul Războiul Patriotic 1812 a creat o serie de imagini satirice de propagandă pe temele rezistenței populare la ocupatorii francezi.

A pictat portrete, de obicei de dimensiuni reduse, marcate de inspirație lirică subtilă (M.A. Venetsianova, soția artistului, sfârșitul anilor 1820, Muzeul Rus, Sankt Petersburg; Autoportret, 1811, Galeria Tretiakov). În 1819 a părăsit capitala și de atunci a locuit în satul Safonkovo ​​(provincia Tver) pe care l-a cumpărat, inspirat de motivele peisajului din jur și ale vieții rurale. Cele mai bune picturi ale lui Venetsianov sunt clasice în felul lor, arătând această natură într-o stare de armonie idealizată, luminată; pe de altă parte, în ele predomină evident un element romantic, farmecul nu este al idealurilor, ci al simplelor sentimente naturale pe fundalul naturii și vieții native. Portretele sale țărănești (Zakharka, 1825; sau Țărană cu flori de colț, 1839) apar ca fragmente ale aceleiași idile luminate, naturale, clasic-romantice.

Noile căutări creative sunt întrerupte de moartea artistului: Venetsianov a murit în satul Tver Poddubie la 4 (16) decembrie 1847 din cauza rănilor - a fost aruncat din căruță când caii au derapat pe un drum alunecos de iarnă. Sistemul pedagogic al maestrului, cultivând dragostea pentru natura simplă (în jurul anului 1824 și-a creat propria școală de artă), a devenit baza unei școli speciale venețiane, cea mai caracteristică și originală dintre toate școlile personale de artă rusă din secolul al XIX-lea.

1.4 Karl Pavlovich Bryullov (1799-1852)

Născut la 29 noiembrie (10 decembrie) 1798 în familia artistului P.I. Bryullov, fratele pictorului K.P. Bryullov. Și-a primit studiile primare de la tatăl său, un maestru al sculpturii decorative, apoi a studiat la Academia de Arte (1810-1821). În vara anului 1822, el și fratele său au fost trimiși în străinătate pe cheltuiala Societății pentru Încurajarea Artelor. După ce a vizitat Germania, Franța, Italia, Anglia și Elveția, în 1830 s-a întors la Sankt Petersburg. Din 1831 - profesor la Academia de Arte. Un om cu un destin remarcabil, instructiv și deosebit. Încă din copilărie, a fost înconjurat de impresii ale realității rusești. Numai în Rusia s-a simțit ca acasă, s-a străduit pentru ea, a tânjit după ea într-o țară străină. Bryullov a lucrat cu inspirație, succes și ardoare. În două sau trei luni, astfel de capodopere ale portretului au apărut în atelierul său, cum ar fi portretele lui Semenova, Dr. Orlov, Nestor și Platon Kukolnik. În portretele lui Bryullov, executate cu adevăr nemilos și cu o pricepere excepțional de înaltă, se poate observa epoca în care a trăit, dorința de realism autentic, diversitatea, naturalețea și simplitatea persoanei descrise.

Plecând departe de pictura de istorie Interesele lui Bryullov erau în direcția picturii portretistice, în care și-a arătat tot temperamentul creativ și strălucirea priceperii. Strălucitul său tablou decorativ „Călăsătoarea” (1832 Galeria Tretiakov), care înfățișează un elev al contesei Yu.P. Samoilova Giovanina Pacchini. Portretul lui Samoilova însăși cu un alt elev - Amazilia (1839, Muzeul Rus). În fața scriitorului Strugovshchikov (1840 Galeria Tretiakov), se poate citi tensiunea vieții interioare. Autoportret (1848 Galeria Tretiakov) - o față trist de subțire, cu o privire pătrunzătoare. Un portret foarte real al prințului Golițin, odihnit pe un fotoliu din biroul său.

Bryullov posedă o imaginație puternică, un ochi ager și o mână fidelă. A dat naștere unor creații vii, în concordanță cu canoanele academismului.

Plecare relativ devreme munca practica, maestrul s-a angajat activ în predarea la Academia de Arte (din 1831 - profesor). De asemenea, a lăsat o bogată moștenire grafică: numeroase portrete (de E.P. Bakunina, 1830–1832; N.N. Pușkina, soția marelui poet; A.A. Perovsky, 1834; toate în acuarelă; etc.), ilustrații etc. .d.; aici trăsăturile romantice ale talentului său s-au manifestat chiar mai direct decât în ​​arhitectură. A murit la 9 (21) ianuarie 1887 la Sankt Petersburg.

Un exemplu inspirator pentru parteneriat a fost „Artelul artiștilor din Sankt Petersburg”, care a fost înființat în 1863 de participanții la „răzvrătirea celor paisprezece” (I.N. Kramskoy, A.I. Korzukhin, K.E. Makovsky și alții) - absolvenți ai Academiei de Arte , a lăsat-o sfidător după ce Consiliul Academiei a interzis să scrie o imagine competitivă pe o parcelă liberă în loc de o temă propusă oficial din mitologia scandinavă. Apărând libertatea ideologică și economică a creativității, „artelele” au început să-și organizeze propriile expoziții, dar până la sfârșitul anilor 1860 și 1870, activitățile lor practic dispăruseră. Un nou stimul a fost apelul la „Artel” (în 1869). Cu permisiunea cuvenită, expoziții de artă itinerante în toate orașele imperiului, sub forma: a) oferind locuitorilor provinciilor posibilitatea de a se familiariza cu arta rusă și de a urmări progresul acesteia; b) dezvoltarea dragostei pentru artă în societate; și c) facilitarea pentru artiști să își comercializeze lucrările.” Astfel, pentru prima dată în artele vizuale din Rusia (cu excepția lui Artel) a apărut un grup de artă puternic, nu doar un cerc de prietenie sau o școală privată, ci o mare comunitate de oameni cu idei similare, care și-a asumat (în ciuda dictatele Academiei de Arte) nu numai pentru a exprima, ci și a determina independent procesul de dezvoltare a culturii artistice în întreaga țară.

Sursa teoretică a ideilor creative ale „Rătăcitorilor” (exprimată în corespondența lor, precum și în critica din acea vreme - în primul rând în textele lui Kramskoy și discursurile lui V.V. Stasov) a fost estetica romantismului filozofic. Artă nouă, eliberată de canoanele clasicilor academicieni. De fapt, pentru a deschide chiar cursul istoriei, pregătind astfel în mod eficient viitorul în imaginile lor. Printre „rătăcitori”, modernitatea a apărut ca o astfel de „oglindă” artistică și istorică în primul rând: locul central la expoziții a fost ocupat de gen și motive cotidiene, Rusia în viața sa cotidiană cu mai multe fețe. Începutul genului a dat tonul pentru portrete, peisaje și chiar imagini din trecut, cât mai aproape de nevoile spirituale ale societății. În tradiția ulterioară, inclusiv tradiția sovietică, care a distorsionat în mod tendențios conceptul de „realism peredvizhniki”, problema a fost redusă la subiecte critice din punct de vedere social, revoluționar-democratice, dintre care chiar erau destul de puține. Este mai important să ținem cont de rolul analitic și chiar vizionar fără precedent care a fost acordat aici nu atât problemelor sociale notorii, cât artei ca atare, creându-și propria judecată suverană asupra societății și, astfel, separându-se în propriul sine ideal. -domeniu artistic suficient. O astfel de suveranitate estetică, care a crescut de-a lungul anilor, a devenit pragul imediat al simbolismului și modernității rusești.

La expozițiile regulate (au fost 48 în total), care au fost prezentate mai întâi la Sankt Petersburg și Moscova, iar apoi în multe alte orașe ale imperiului, de la Varșovia la Kazan și de la Novgorod la Astrakhan, de-a lungul anilor s-au putut vedea mai multe și mai multe exemple de stil nu numai romantic-realist, ci și modernist. Relațiile dificile cu Academia s-au încheiat în cele din urmă într-un compromis, de la sfârșitul secolului al XIX-lea. (în urma dorinței lui Alexandru al III-lea „de a opri diviziunea dintre artiști”), o parte semnificativă a celor mai autoritari Wanderers a fost inclusă în facultatea academică. La începutul secolului al XX-lea în Parteneriat, fricțiunile dintre inovatori și tradiționaliști s-au intensificat; rătăcitorii nu mai reprezentau, așa cum considerau ei înșiși, tot ce era avansat artistic în Rusia. Societatea își pierdea rapid influența. În 1909, expozițiile sale provinciale au încetat. Ultima explozie semnificativă de activitate a avut loc în 1922, când societatea a adoptat o nouă declarație, exprimându-și dorința de a reflecta viața Rusia modernă.

Capitolul III. Portretişti ruşi din a doua jumătate a secolului al XIX-lea

3.1 Nikolai Nikolaevich Ge (1831-1894)

artist rus. Născut la Voronezh la 15 (27) februarie 1831 în familia unui proprietar de pământ. A studiat la catedrele de matematică ale Universităților din Kiev și din Sankt Petersburg (1847-1850), apoi a intrat la Academia de Arte, de la care a absolvit în 1857. A fost foarte influențat de K.P.Bryullov și A.A. Ivanov. A trăit la Roma și Florența (1857-1869), la Sankt Petersburg, iar din 1876 - la ferma Ivanovsky din provincia Cernihiv. A fost unul dintre întemeietorii Asociației Rătăcitorilor (1870). A făcut multe portrete. A început să lucreze la portrete în timp ce studia încă la Academia de Arte. Pentru mulți ani de creativitate, i-a pictat pe mulți dintre contemporanii săi. Practic, acestea erau figuri culturale avansate. PE MINE. Saltykov - Shchedrin, M.M. Antokolsky, L.N. Tolstoi și alții.Ge deține unul dintre cele mai bune portrete ale lui A.I. Herzen (1867, Galeria de stat Tretiakov) - imaginea unui revoluționar rus, un luptător de foc împotriva autocrației și iobăgiei. Dar ideea pictorului nu se limitează la transferul similarității externe. Chipul lui Herzen, parcă smuls din amurg, reflecta gândurile lui, hotărârea neîntreruptă a unui luptător pentru dreptate socială. Ge a surprins în acest portret o personalitate istorică spirituală, întruchipată experiența întregii ei vieți, plină de luptă și anxietate.

Lucrările sale diferă de lucrările lui Kramskoy prin emoționalitatea și dramatismul lor. Portretul istoricului N.I. Kostomarov (1870, Galeria de stat Tretiakov) este scrisă într-un mod neobișnuit de frumos, temperamental, proaspăt și liber. Autoportretul a fost pictat cu puțin timp înainte de moartea sa (1892-1893, KMRI), chipul maestrului este luminat de inspirație creativă. Portretul lui N. I. Petrunkevich (1893) a fost pictat de artist la sfârșitul vieții sale. Fata este înfățișată aproape în plină creștere la fereastra deschisă. Ea este cufundată în lectură. Fața ei de profil, înclinarea capului, postura exprimă o stare de gândire. Ca niciodată, Ge a acordat o mare atenție fundalului. Armonia culorilor mărturisește forțele necheltuite ale artistului.

Din anii 1880, Ge a devenit un prieten apropiat și adeptul lui Lev Tolstoi. Într-un efort de a sublinia conținutul uman al predicii Evangheliei, Ge trece la un mod din ce în ce mai liber de a scrie, ascuțind contrastele de culoare și lumini până la limită. Maestrul a pictat portrete minunate pline de spiritualitate interioară, inclusiv un portret al lui Lev Tolstoi la biroul său (1884). În imaginea lui N.I. Petrunkevich pe fundalul unei ferestre deschise spre grădină (1893; ambele portrete în Galeria Tretiakov). Ge a murit la ferma Ivanovsky (provincia Cernigov) la 1 (13) iunie 1894.

3.2 Vasily Grigorievich Perov (1834-1882)

Născut la Tobolsk la 21 sau 23 decembrie 1833 (2 sau 4 ianuarie 1834). Era fiul nelegitim al unui procuror local, baronul G.K. Kridener, dar numele de familie „Perov” a fost dat viitorului artist sub forma unei poreclă de către profesorul său de alfabetizare, un diacon provincial. A studiat la Școala de Pictură Arzamas (1846-1849) și la Școala de Pictură, Sculptură și Arhitectură din Moscova (1853-1861), unde unul dintre mentorii săi a fost S.K. Zaryanko. A fost influențat în special de P.A. Fedotov, maestrul graficii revistelor satirice, și de maeștrii străini - de W. Hogarth și pictorii de gen ai școlii din Düsseldorf. A locuit la Moscova. A fost unul dintre membrii fondatori ai Asociației Rătăcitorilor (1870).

Cele mai bune lucrări de portret ale maestrului aparțin de la cumpăna anilor 60-70: F.M. Dostoievski (1872, Galeria Tretiakov) A.N. Ostrovsky (1871, Galeria Tretiakov), I.S. Turgheniev (1872, Muzeul Rus). Dostoievski este deosebit de expresiv, complet pierdut în gânduri dureroase, strângându-și nervos mâinile pe genunchi, o imagine a celui mai înalt intelect și spiritualitate. Romantismul de gen sincer se transformă în simbolism, impregnat de un sentiment jalnic de fragilitate. Portrete ale maestrului (V.I. Dal, A.N. Maikov, M.P. Pogodin, toate portretele - 1872), atingând o tensiune spirituală fără precedent pentru pictura rusă. Nu e de mirare că portretul lui F. M. Dostoievski (1872) este considerat, pe bună dreptate, cel mai bun din iconografia marelui scriitor.

În ultimele decenii ale vieții sale, artistul descoperă un talent remarcabil ca eseist (povestiri Mătușa Marya, 1875; Sub cruce, 1881; și altele; ediția trecută - Poveștile artistului, M., 1960). În 1871-1882, Perov a predat la Școala de Pictură, Sculptură și Arhitectură din Moscova, unde printre studenții săi s-au numărat N.A. Kasatkin, S.A. Korovin, M.V. Nesterov, A.P. Ryabushkin. Perov a murit în satul Kuzminki (în acei ani - lângă Moscova) la 29 mai (10 iunie) 1882.

3.3 Nikolai Aleksandrovici Yaroșenko (1846-1898)

Născut la Poltava la 1 (13) decembrie 1846 într-o familie de militari. A absolvit Academia de Artilerie Mihailovski din Sankt Petersburg (1870), a slujit la Arsenal, iar în 1892 s-a retras cu gradul de general-maior. A studiat pictura la Școala de Desen a Societății pentru Încurajarea Artelor sub I.N. Kramskoy și la Academia de Arte (1867–1874). A călătorit mult - în țările din Europa de Vest, Orientul Apropiat și Mijlociu, Urali, Volga, Caucaz și Crimeea. A fost membru (din 1876) și unul dintre conducătorii Asociației Rătăcitorilor. A locuit în principal la Sankt Petersburg și Kislovodsk.

Lucrările sale pot fi numite portret - precum „Stoker” și „Prizonier” (1878, Galeria de stat Tretiakov). „Stoker” - prima imagine a unui muncitor în pictura rusă. „Prizonier” – o imagine relevantă în anii furtunoasei mișcări revoluționare populiste. „Cursist” (1880, Muzeul Rus) o fată tânără cu cărți se plimbă pe pavajul umed din Sankt Petersburg. În această imagine, întreaga eră a luptei femeilor pentru independența vieții spirituale și-a găsit expresie.

Iaroșenko a fost un inginer militar, foarte educat, cu un caracter puternic. Artistul Wanderer a servit cu arta sa idealurilor democratice revoluționare. Maestru al genului social și portret în spiritul Rătăcitorilor. Și-a câștigat un nume prin compoziții picturale puternic expresive, care fac apel la simpatia pentru lumea proscrisului social. Un tip aparte de expresie anxioasă, „conștiincioasă” dă viață celor mai bune portrete ale lui Iaroșenko (P.A. Strepetova, 1884, ibid; G.I. Uspensky, 1884, Galeria de Artă, Ekaterinburg; N.N. Ge, 1890, Muzeul Rus, Sankt Petersburg). Iaroșenko a murit la Kislovodsk la 25 iunie (7 iulie 1898).

3.4 Ivan Nikolaevici Kramskoy (1837-1887)

Născut în provincia Voronezh în familia unui mic funcționar. Din copilărie a fost pasionat de artă și literatură. După ce a absolvit școala raională în 1850, a slujit ca scrib, apoi ca retuşator pentru un fotograf. În 1857 a ajuns la Sankt Petersburg lucrând într-un studio foto. În toamna aceluiași an a intrat la Academia de Arte.

Domeniul predominant de realizare artistică a rămas pentru portretul Kramskoy. Kramskoy în genul portretului este ocupat de o personalitate sublimă, extrem de spirituală. A creat o întreagă galerie de imagini ale celor mai mari figuri ale culturii ruse - portrete ale lui Saltykov - Shchedrin (1879, Galeria de stat Tretiakov), N.A. Nekrasov (1877, Galeria de Stat Tretiakov), L.N. Tolstoi (1873, Galeria de Stat Tretiakov), P.M. Tretiakov (1876, Galeria de Stat Tretiakov), I.I. Shishkin (1880, Muzeul Rusiei), D.V. Grigorovici (1876, Galeria de Stat Tretiakov).

Maniera artistică a lui Kramskoy se caracterizează printr-o anumită uscăciune protocolară, monotonie a formelor compoziționale, a schemelor, deoarece portretul arată trăsăturile muncii ca retușator în tinerețe. Portretul lui A.G. Litovchenko (1878, Galeria de stat Tretiakov) cu bogăția pitorească și frumusețea tonurilor de maro, măsliniu. Au fost create și lucrări colective ale țăranilor: „Woodsman” (1874, Galeria de Stat Tretiakov), „Mina Moiseev” (1882, Muzeul Rus), „Țăran cu căpăstru” (1883, KMRI). Kramskoy a apelat în mod repetat la această formă de pictură, în care două genuri au intrat în contact - portretul și viața de zi cu zi. De exemplu, lucrări din anii 80: „Necunoscut” (1883, Galeria de stat Tretiakov), „Doliu inconsolabil” (1884, Galeria de stat Tretiakov). Unul dintre vârfurile operei lui Kramskoy este portretul lui Nekrasov, Autoportret (1867, Galeria de stat Tretiakov) și portretul agronomului Vyunnikov (1868, Muzeul BSSR).

În 1863-1868 Kramskoy a predat la Școala de Desen a Societății pentru Încurajarea Artiștilor. În 1870, Kramskoy a devenit unul dintre fondatorii TPHV. Când scria un portret, Kramskoy a recurs adesea la tehnici grafice (folosirea mustului, văruirii și creionului). Așa se face că portretele artiștilor A.I. Morozov (1868), G.G. Myasoedov (1861) - Muzeul de Stat al Rusiei. Kramskoy este un artist cu un mare temperament creativ, un gânditor profund și original. A luptat mereu pentru arta realistă avansată, pentru conținutul ei ideologic și democratic. A lucrat fructuos ca profesor (la Școala de Desen a Societății pentru Încurajarea Artelor, 1863-1868). Kramskoy a murit la Sankt Petersburg la 24 martie (5 aprilie), 1887.

3.5 Ilya Efimovici Repin (1844-1930)

Născut la Chuguev, în provincia Harkov, în familia unui colonist militar. Pregătirea artistică inițială și-a primit-o la școala de tipografi și de la artiștii locali I.M. Bunakov și L.I. Persanova. În 1863 a venit la Sankt Petersburg, a studiat la Școala de Desen a Societății pentru Încurajarea Artiștilor sub conducerea R.K. Jukovski și I.N. Kramskoy, apoi a fost admis la Academia de Arte în 1864.

Repin este unul dintre cei mai buni portretişti ai epocii. O întreagă galerie de imagini ale contemporanilor săi a fost creată de el. Cu ce ​​pricepere și putere sunt surprinse pe pânzele lui. În portretele lui Repin, totul este gândit până la ultima faldă, fiecare trăsătură este expresivă. Repin a posedat cea mai mare abilitate a flerului artistului de a pătrunde în însăși esența caracteristicilor psihologice, continuând tradițiile lui Perov, Kramskoy și Ge, a lăsat imagini cu scriitori celebri, compozitori, actori care au glorificat cultura rusă. În fiecare caz individual, a găsit diferite soluții compoziționale și coloristice, cu care a putut dezvălui cel mai expresiv imaginea persoanei înfățișate în portret. Cât de ascuțit își mijește chirurgul Pirogov. Ochii trist de frumoși ai artistei Strepetova (1882, Galeria de Stat Tretiakov) se năpustesc, iar chipul ascuțit și inteligent al artistului Myasoedov, gânditorul Tretiakov, este pictat. Cu adevăr fără milă, a scris „Protodiacon” (slujitor al bisericii 1877, Muzeul Rusiei). Pacientul M.P. a fost scris cu căldură. Mussorgsky (1881, Galeria Tretiakov), cu câteva zile înainte de moartea compozitorului. Portretele tânărului Gorki, înțeleptul Stasov (1883, Muzeul Rus) și alții sunt executate pătrunzător „Buchet de toamnă” (1892, Galeria de Stat Tretiakov) este un portret al fiicei Verei, cât de însorită strălucește chipul fiicei artistului. umbra caldă a unei pălării de paie. Cu mare dragoste, Repin a transmis un chip atrăgător cu tinerețea, veselia și sănătatea sa. Întinderile de câmpuri, încă înflorite, dar atinse de galbenul ierbii, copacii verzi și transparența aerului aduc lucrării o stare de spirit revigorantă.

Portretul nu a fost doar genul principal, ci și baza lucrării lui Repin în general. Când lucra pe pânze mari, a apelat sistematic la studiile portretelor pentru a clarifica aspectul și caracteristicile personajelor. Acesta este portretul Cocoșatului asociat cu pictura „Procesiunea în provincia Kursk” (1880-1883, Galeria de Stat Tretiakov). De la cocoșat, Repin a subliniat cu insistență prozaica, mizeria hainelor cocoșului și întreaga sa înfățișare, banalitatea figurii mai mult decât tragedia și singurătatea ei.

Semnificația lui Repin în istoria artei ruse este enormă. În portretele sale, în special, a afectat apropierea lui de marii maeștri ai trecutului. În portrete, Repin a atins cel mai înalt punct al puterii sale picturale.

Portretele lui Repin sunt surprinzător de atractive din punct de vedere liric. El creează personaje populare puternic caracteristice, numeroase imagini perfecte ale personalităților culturale, portrete seculare grațioase (baronesa V.I. Ikskul von Hildebrandt, 1889). Imaginile rudelor artistului sunt deosebit de colorate și sincere: o serie de tablouri cu soția lui Repin, N.I. Nordman-Severova. Portretele sale pur grafice, executate cu creion grafit sau cărbune, sunt și ele virtuoziste (E.Duse, 1891; Prințesa M.K.Tenisheva, 1898; V.A.Serov, 1901). Repin s-a dovedit și un profesor remarcabil: a fost profesor-șef de atelier (1894-1907) și rector (1898-1899) al Academiei de Arte, în același timp a predat la școala-atelier din Tenisheva.

După Revoluția din octombrie 1917, artistul a fost separat de Rusia, când Finlanda și-a câștigat independența, nu s-a mutat niciodată în patria sa, deși a menținut legătura cu prietenii care locuiau acolo (în special, cu K.I. Chukovsky). Repin a murit la 29 septembrie 1930. În 1937, Chukovsky a publicat o colecție de memorii și articole despre artă (Far Close), care a fost ulterior retipărită de mai multe ori.

3.6 Valentin Alexandrovici Serov (1865-1911)

Născut la Sankt Petersburg în familia compozitorului A.N. Serov. Din copilărie, V.A. Serov a fost înconjurat de artă. Repin a fost profesorul. Serov a lucrat cu Repin din copilărie și foarte curând și-a descoperit talentul și independența. Repin îl trimite la Academia de Arte la P.P. Chistiakov. Tânărul artist a câștigat respect, iar talentul său a stârnit admirație. Serov a scris „Fata cu piersici”. Prima lucrare majoră a lui Serov. În ciuda dimensiunilor mici, imaginea pare foarte simplă. Este scris în tonuri de roz și auriu. A primit un premiu de la Societatea Iubitorilor de Artă din Moscova pentru acest tablou. În anul următor, Serov a pictat un portret al surorii sale, Maria Simonovich, iar mai târziu l-a numit „Fata luminată de soare” (1888). Fata stă la umbră, iar poiana din fundal este luminată de razele soarelui dimineții.

Serov a devenit un portretist la modă. În fața lui s-au pozat scriitori celebri, aristocrați, artiști, artiști, antreprenori și chiar regi. La vârsta adultă, Serov a continuat să scrie rude, prieteni: Mamontov, Levitan, Ostroukhov, Chaliapin, Stanislavsky, Moskvin, Lensky. Serov a îndeplinit ordinele celor încoronați - Alexandru al III-lea și Nicolae al II-lea. Împăratul este înfățișat într-o jachetă simplă a regimentului Preobrazhensky; acest tablou (distrus în 1917, dar păstrat în replica autorului din același an; Galeria Tretiakov) este adesea considerat cel mai bun portret al ultimului Romanov. Stăpânul a pictat atât funcționari titulari, cât și comercianți. Serov a lucrat la fiecare portret până la epuizare, cu dăruire deplină, de parcă lucrarea pe care a început-o ar fi fost ultima sa lucrare, minimizând sau chiar eliminând diferența dintre un studiu și un tablou. Desenul alb-negru era, de asemenea, o formă egală de creativitate (valoarea acestuia din urmă a fost fixată în opera sa din 1895, când Serov a realizat un ciclu de schițe de animale, lucrând la ilustrarea fabulelor lui I.A. Krylov).

La cumpăna dintre secolele XIX-XX. Serov devine probabil primul portretist din Rusia, dacă cineva în acest sens este inferior, atunci un singur Repin. Se pare că cel mai bine reușește imagini lirice intime, feminine și copilărești (N.Ya. Derviz cu un copil, 1888–1889; Mika Morozov, 1901; ambele portrete sunt de la Galeria Tretiakov) sau imagini ale unor oameni creativi (A . Mazini, 1890; K.A. Korovin, 1891; F. Tamagno, 1891; N.A. Leskov, 1894; toate - în același loc), unde impresia colorată, contur liber reflectă starea de spirit a modelului. Dar portretele și mai oficiale, seculare, combină organic arta subtilă cu darul nu mai puțin subtil al unui artist-psiholog. Printre capodoperele „secularului” Serov - contele F.F. Sumarokov-Elston (mai târziu - prințul Yusupov), 1903, Muzeul Rus; G. L. Girshman, 1907; V.O. Girshman, 1911; I.A.Morozov, 1910; Prințesa O.K. Orlova, 1911; totul este acolo).

În portretele maestrului din acești ani, Art Nouveau domină complet prin cultul unei linii puternice și flexibile, al gestului și al unei poze monumentale captivante (M. Gorki, 1904, Muzeul A. M. Gorki, Moscova; M. N. Ermolova, 1905; F.I. .Chaliapin). , cărbune, cretă, 1905; ambele portrete sunt în Galeria Tretiakov; Ida Rubinstein, tempera, cărbune, 1910, Muzeul Rus). Serov a lăsat o amintire recunoscătoare despre sine ca profesor (în 1897–1909 a predat la Școala de Pictură, Sculptură și Arhitectură din Moscova, unde printre studenții săi s-au numărat K.F. Yuon, N.N. Sapunov, P.V. Kuznetsov, M. S. Saryan, K.S. Petrov -Vodkin). Serov a murit la Moscova pe 22 noiembrie (5 decembrie), 1911.

capitol. Arta portretului

Portretul este un gen semnificativ și important în artă. Însuși cuvântul „portret” se întoarce la vechiul cuvânt francez „pourtrait”, care înseamnă: imaginea diavolului în diavol; se întoarce și la verbul latin „protrahere” – adică „extrage”, „descoperă”; mai târziu - „înfățișează”, „portret”. În rusă, cuvântul „portret” corespunde cuvântului „ca”.

În artele vizuale, cărora le aparține inițial acest termen, portretul înseamnă imaginea unei anumite persoane sau a unui grup de oameni specific, în care aspectul individual al unei persoane este transmis, reprodus, lumea sa interioară, esența caracterului său sunt dezvăluit.

Imaginea unei persoane este tema principală a picturii. Studiul său începe cu schițe ale capului. Toate imaginile formale sunt subordonate creării unei imagini, transferului stării psihologice a unei persoane. În pictură, imaginea unui cap uman din natură ar trebui să corespundă viziunii noastre tridimensionale obișnuite și înțelegerii lumii din jurul nostru.

Metodele de pictare a capului în școala academică rusă din prima jumătate a secolului al XIX-lea continuă tradiția sculptării formei cu ajutorul umbrelor puternice și fierbinți. Putem judeca metodele academice luând în considerare lucrările lui O. Kiprensky, K. Bryullov, A. Ivanov. Este imposibil să considerăm metodele academice ca fiind ceva la fel pentru toți artiștii, dar ceea ce este comun pentru studenții academiei este disciplina formei.

Un portret poate fi considerat destul de satisfăcător atunci când sunt transmise trăsăturile intime și personale ale persoanei înfățișate, când originalul este reprodus întocmai, cu toate trăsăturile înfățișării și caracterului său individual interior, în poziția sa cea mai familiară, cu expresia sa cea mai caracteristică. . Satisfacerea acestei cerințe face parte din domeniul de aplicare al sarcinilor artei și poate duce la rezultate extrem de artistice dacă sunt realizate de maeștri talentați care își pun gustul personal și simțul naturii în reproducerea realității.

Pictura este în primul rând o imagine a formei, a volumului. Prin urmare, forma este adesea pre-elaborată într-o singură culoare, exact cu toate detaliile. Apoi luminile au fost vopsite la rece, groase, texturate; umbre fierbinți, transparente, folosind lacuri, uleiuri, rășini. Toate acestea se aplică picturii în ulei. Acuarelele de atunci sunt doar desene colorate, iar tempera era folosită pentru picturile bisericești, departe de lucrările din natură.

Mare importanțăîn pictura academică avea o succesiune de lucru, un sistem. Glazura uscată și umedă a dat capului forma, culoarea și expresia finală. Dar probabil unii șefi ai K.P. Bryullov a pictat imediat, menținând în același timp modelarea strictă, luminile reci și umbrele fierbinți. Aceleași umbre fierbinți zac și pe portretele lui I. N. Kramskoy. Roșeața lor este atenuată de lumina de obicei difuză a muzeului. Dar dacă o rază de soare cade pe portret, ești uimit de luminozitatea condiționată a umbrelor roșii.

Impresioniștii au acordat cea mai mare atenție importanței luminii calde și reci în sculptarea unui cap viu. Fie luminile sunt reci, iar umbrele sunt calde, fie invers. În fiecare model sunt selectate condițiile situației, în funcție de ten, haine de aspect general. Pentru a crea un iluminat interesant, sunt folosite ecrane - carton, pânză, hârtie. Ecranul poate întuneca o parte a fundalului sau a hainelor, ceea ce face ca fața să iasă mai bine în evidență.

Păstrarea schiței pregătitoare a lui M. A. Vrubel pentru portretul lui N. I. Zabela - Vrubel, unde limitele tuturor schimbărilor de culoare sunt trasate cu creion. Suprafața feței este împărțită în zone foarte mici, ca un mozaic. Dacă umpleți fiecare dintre ele cu culoarea potrivită, portretul va fi gata.

Imaginea portretului reflectă nu numai modelul, ci și artistul însuși. Prin urmare, autorul este recunoscut după lucrările sale. Aceeași persoană arată complet diferit în portretele diferiților artiști. Până la urmă, fiecare dintre ei contribuie la portret atitudinea lor față de model, față de lume, sentimentele și gândurile lor, modul lor de a vedea și simți, depozitul lor mental, viziunea lor asupra lumii. Artistul nu doar copiază modelul, nu doar îi reproduce aspectul - el își comunică impresiile despre ea, transmite, își exprimă ideea despre ea.

Genul portretului a ocupat un loc important în sistemul educației academice, deoarece profesorii de la începutul secolului al XIX-lea l-au văzut în reprezentarea unei persoane ca pe o modalitate prin care artistul se adresează direct naturii.

Odată cu dezvoltarea și stabilirea tendințelor democratice în arta rusă în procesul de rezolvare a problemelor creative comune, există o convergență a căutărilor în diferite genuri, și în special în portrete.

Lucrarea la un portret aduce artistul în contact strâns cu reprezentanții diferitelor pături sociale. societate modernă, iar munca din natură extinde și adâncește semnificativ înțelegerea psihologiei imaginilor întruchipate din imagine. Portretul este îmbogățit cu tipic imagini populare. Caracteristicile psihologice ale persoanei descrise în portret, înțelegerea sa morală, socială sunt aprofundate. În portret, se resimte în mod deosebit nu doar o atitudine critică față de viață, caracteristică Rătăcitorilor, ci și căutarea unei imagini pozitive, care se manifestă cel mai puternic în imaginile reprezentanților intelectualității.

arta rusă are o tradiție bogată de portrete realiste datând din secolul al XVIII-lea, care a lăsat o moștenire semnificativă. S-au dezvoltat fructuos în prima jumătate a secolului al XIX-lea. În aceste epoci, portretul, relativ eliberat de puterea canoanelor, în completitudinea realistă a imaginilor sale, a fost cel care a mers înainte atât pe planul - istoric, cât și pe pictura cotidiană, care a făcut doar primii pași în arta rusă.

Cei mai buni portretiști din secolul al XVIII-lea și din prima jumătate a secolului al XIX-lea ne transmit trăsăturile tipice ale contemporanilor lor. Dar sarcinile de tipificare în timp ce păstrează individul în imaginea umană au intrat în conflict în aceste portrete cu conceptul clasic dominant, în care tipicul era înțeles ca abstract de individ. În portretul Rătăcitorului, întâlnim însă o înțelegere inversă a tipicului: cu cât pătrunderea în individualitatea unei persoane este mai profundă, cu atât imaginea sa este mai concretă și mai strălucitoare, cu atât mai clar trăsăturile comune care s-au dezvoltat sub influența lui. în portretul său apar anumite condiţii de viaţă.

Bibliografie

1. Aleshina L.S. Arta rusă a secolului XIX - începutul secolului XX -M., „Arta” 1972.

2. Benois A. Istoria picturii ruse în secolul XIX - M., „Republica” 1999.

3. Gomberg - Verzhbitskaya E.P. Wanderers: o carte despre maeștrii picturii realiste rusești de la Perov la Levitan - M., 1961.

4. Ilyina T.V. Istoria artei. Artă casnică - M., „Școala superioară”, 2005.

5. Arta portretului. Colecția - M., 1928.

6. Scurt dicționar de termeni de arte plastice.

7. Lihaciov D.S. Arta rusă de la antichitate la avangardă - M., „Arta”, 1992.

8. Matafonov S.M. Trei secole de pictură rusă - Sib., "Kitezh" 1994.

9. Pușkin A.S. Lucrări complete într-un singur volum - M., 1938.

10. Roginskaya F.S. Rătăcitori - M., 1997.

11. Shchulgin V.S., Koshman L.V., Zezina M.Z. Cultura Rusiei secolele IX - XX. uh. alocație - M., „Prostor” 1996.

12. Yakovlev V.M. Despre marii artiști ruși - M., „Editura Academiei Artiștilor din URSS” 1952.

Pușkin A.S. Lucrări complete într-un singur volum. M., 1983, p.9.

Shulgin V.S., Koshman L.V., Zezina M.Z., Cultura Rusiei în secolele IX-XX. uh. indemnizaţie - M. „Prostor”, 1996 S. 205

Arta portretului. Colectie. M., 1928 P.77.

Un scurt dicționar de termeni de arte plastice. M., 1959 P.126.

Gomberg - Verzhbitskaya E.P. Wanderers: o carte despre maeștrii picturii realiste rusești de la Perov la Levitan - M., 1961. P. 44.

Cultura artistică rusă, ale cărei origini au început cu clasicismul, a dobândit un sunet popular puternic, deoarece clasicismul înalt, care s-a reflectat în pictura secolului al XIX-lea, a trecut treptat de la romantism la realism în artele plastice rusești. Contemporanii acelei vremi au apreciat în mod deosebit direcția artiștilor ruși, în care genul istoric a predominat cu accent pe teme naționale.

Dar, în același timp, nu au existat schimbări deosebite în arta direcției istorice în comparație cu maeștrii din a doua jumătate a secolului al XVIII-lea și chiar de la începutul istoriei portretului rusesc. Adesea, în lucrările lor, mulți maeștri dedicați adevăraților eroi Rusiei antice ale căror fapte au inspirat scrisul picturi istorice. Pictorii ruși din acea vreme și-au aprobat propriul principiu de a descrie un portret, picturi, și-au dezvoltat propriile direcții în înfățișarea unei persoane, a naturii, indicând un concept figurativ complet independent.

Artiștii ruși în picturile lor au reflectat diverse idealuri de ascensiune națională, abandonând treptat principiile stricte ale clasicismului impuse de principiile academice. Secolul al XIX-lea a fost marcat de înflorirea înaltă a picturii rusești, în care pictorii Rusiei au lăsat o amprentă de neșters asupra istoriei artei plastice rusești pentru posteritate, impregnată de spiritul unei reflectări cuprinzătoare a vieții poporului.

Cei mai mari cercetători ai picturii ruse din secolul al XIX-lea, în ansamblu, notează un rol remarcabil în înflorirea înaltă a operei marilor maeștri și arte plastice ruși. Lucrările unice create de maeștrii autohtoni au îmbogățit întotdeauna cultura rusă.

Artiști celebri ai secolului al XIX-lea

(1782-1836) Portretele lui Kiprensky pictate superb și subtil i-au adus faimă și adevărată recunoaștere în rândul contemporanilor săi. Lucrările sale Autoportret, A. R. Tomilova, I. V. Kusova, A. I. Korsakov 1808 Portretul unui băiat Chelishchev, Golitsina A. M. 1809 Portretul lui Denis Davydov, 1819 Fata cu o coroană de maci, cel mai de succes 1827 Portretul lui Pukin și alții lui A. S. Portretele reflectă frumusețea emoției, lumea interioară rafinată a imaginilor și starea de spirit. Contemporanii i-au comparat opera cu genurile de lirică, dăruirea poetică prietenilor. (1791-1830) Maestru al romantismului peisagistic rusesc și al înțelegerii lirice a naturii. În mai mult de patruzeci de picturi ale sale, Shchedrin a descris vederi ale Sorentoului. Printre acestea se numără tablouri din cartierul Sorrento. Seară, Noua Roma„Castelul Sfântului Înger”, Digul Mergellina din Napoli, Marele Port de pe insula Capri etc.

Predându-se complet în fața romantismului peisajului și a mediului natural al percepției, Shchedrin, parcă, reînnoiește cu picturile sale interesul căzut al colegilor săi de trib din acea vreme pentru peisaj. Shchedrin a cunoscut zorii creativității și recunoașterii sale.

(1776-1857) Un remarcabil pictor portretist rus, originar din iobag. Lucrările sale celebre de pictură: Dantelera, de asemenea Portretul lui Pușkin A.S., gravorul E.O. Skotnikova, Un bătrân - un cerșetor, caracterizat printr-o culoare deschisă Portret de fiu, 1826 Spinner, Goldsmith, aceste lucrări au atras în special atenția contemporanilor. 1846 Tropinin și-a dezvoltat propriul stil figurativ de portretizare, caracterizând un gen specific de pictură moscovită. În acel moment, Tropinin a devenit figura centrală a beau mondei din Moscova.

(1780-1847) Întemeietorul genului de zi cu zi țărănesc, Celebrul său portret al Secerătorului, pictură > Secerători, Fată în batic, Primăvara pe pământ arabil, Țărancă cu flori de colț, Zakharka și altele. Se poate sublinia în special pictura Gumno, care a atras atenția împăratului Alexandru 1, acesta a fost atins imagini viiţărani, pe care îl transmite autorul cu adevărat. El iubea oameni normali Găsind o anumită lirică în aceasta, acest lucru s-a reflectat în picturile sale care arătau viața grea țărănească. cele mai bune lucrări ale sale au fost create în anii 20. (1799-1852) Maestru al picturii istorice, Ultima zi a Pompeii într-o val de locuitori condamnați fug de furia muntelui Vezuvius. Poza a făcut o impresie uimitoare asupra contemporanilor săi. Scrie cu măiestrie picturi seculare, folosind călărețul și portrete în momente coloristice strălucitoare în compoziția tabloului, Contesa Yu. P. Samoilova. Picturile și portretele sale sunt compuse din contraste de lumină și umbră. . Sub influența clasicismului academic tradițional, Karl Bryullov și-a înzestrat picturile cu autenticitate istorică, spirit romantic și adevăr psihologic. (1806-1858) Magnific maestru al genului istoric. Timp de aproximativ două decenii, Ivanov a lucrat la tabloul său principal Apariția lui Hristos către oameni, subliniind dorința sa pasională de a înfățișa venirea lui Isus Hristos pe pământ. Pe stadiul inițial acestea sunt picturile lui Apollo, Zambila și Chiparosul 1831-1833, Apariția lui Hristos la Maria Magdalena după învierea din 1835. În scurta sa viață, Ivanov a realizat multe lucrări, pentru fiecare tablou pictând multe schițe de peisaje, portrete. Ivanov, un om de o inteligență extraordinară, a căutat mereu să arate în lucrările sale elementele mișcărilor populare. (1815-1852) Maestru al regiei satirice, care a pus bazele realismului critic în genul cotidian. The Fresh Cavalier 1847 și The Picky Bride 1847,