Rusko slikarstvo druge polovice 18. stoletja je povsem nov pojav, neodvisen od zahodnoevropskih slikarskih trendov od klasicizma do romantike, je zgodnjerenesančni realizem, renesančna klasika, kar postane še posebej očitno, ko se v prvi polovici 19. stoletja ne bo počasi pojavila visoka klasika v slikarstvu, arhitekturi in literaturi.
Za vse to obstaja razlaga. Ker je umetnik usmeril pogled z obličja Odrešenika in Matere božje na obličje človeka – najbolj značilnost Renesančna svetovnonazorska in umetniška zvrst, tedaj seveda vodilna zvrst, v XVIII. stoletju, skoraj edina, postane portret in z njim so povezani najvišji umetniški dosežki.
Človek v vsej svoji trepetajoči vitalnosti - to je tisto, kar umetnika navdušuje in zaposluje, bodisi kot vzor državljanskih vrlin bodisi že sama po sebi, človekova osebnost je dragocena sama po sebi, je vredna vsega spoštovanja, pozornosti in občudovanja. Ta človečnost čustev in samozavedanja posameznika se pojavi že v Matvejevem "Avtoportretu z ženo" in postane znak Ruski portret v delih F. S. Rokotova, D. G. Levitskega in V. L. Borovikovskega.
Renesansa, kot je bila v renesansi v Italiji, je poziv k antiki in človeku, kakršen je, zunaj religiozne refleksije.
In takšno vzdušje je nastalo v Rusiji prvič, morda že v času Petrovega otroštva, in njegove igre z "zabavnimi", njegovo poučevanje in delo je bilo razpihovano s to slutnjo in občutkom novega življenja. Ni čudno, da je Peter, ko je zgradil ladjo, jo izstrelil, pozval umetnike, naj jo posnamejo na papir, platno ali baker, da bi natisnili gravure. Tako je z mestom, ko raste, tako je z ljudmi.
Renesansa je kultura, njeno ustvarjanje, preučevanje narave in človeške narave skozi anatomijo in umetnost portretiranja. Doslej je bil odnos človeka do drugega posredovan z Bogom, navzočnostjo svetega, zdaj človek sam posreduje ta odnos do drugega in sveta, kar je humanizem v svoji najbolj splošni in neposredni obliki. Človek se pojavi pred seboj - skozi drugega, kot da bi se gledal v ogledalo, v našem primeru umetnik. Novost te situacije je eden od pojavov novega življenja, renesanse.
In to vidimo, čutimo, čutimo v portretih Rokotova, ki hkrati mojstrsko obvladuje čopič in ima edinstven občutek za barve. To je redek mojster tudi med največjimi renesančnimi umetniki v Italiji. 
Čudovito in moški portreti Rokotova. "Portret A. M. Rimskega-Korsakova" (pozne 1760.) Umetnik ne ujame samo videza modela, ima živahen videz v vsej novosti svojega vtisa in življenja samega, kot se to zgodi spomladi, medtem ko sta tako pričeska kot kaftan s finimi zaključki nova, novost pa ustvarja občutek lahkotnosti. To je mladost modela in neverjetna spretnost umetnika, ki lahkotno vihti čopič genija.
 |  |  |
| "Portret grofa A.I. Vorontsova." (Okoli leta 1765.) Tu pride še bolj do izraza značilnost Rokotovljevih portretov - to je umetnost, ki je lastna tako umetniku kot njegovim modelom. Kar zadeva stvaritve Raphaela, govorijo o "milosti", nedvomno je prisotna v Rokotovu. Za Puškinovega botra v prihodnosti vemo grofa AI Vorontsova. To pomeni, da je Puškin kot otrok lahko videl portret svojega botra v mladosti in celo njegovega avtorja. | "Portret V.I. Maikova" (med 1775 in 1778). Znano je, da je Vasilij Ivanovič Majkov služil v Semjonovskem polku in vojaška kariera je bila zanj naravna, prav tako pisanje poezije, saj je tudi Deržavin začel tako. Toda mladi častnik oziroma pesnik je pokazal »lenobo« in se leta 1761 upokojil. Naselil se je v Moskvi, od koder je verjetno prišel, in po njegovih besedah »s toplino lastne privlačnosti sem prepoznal Apolona in se seznanil z muzami«. Leta 1763 je objavil junaško-komično pesem The Ombre Player. Pisal je basni, satire, njegove tragedije so uprizarjali. | "Portret N.E. Struysky" (1772). To je še en pesnik iz kroga družin, v katerih je bil Rokotov očitno cenjen. Nikolaj Eremejevič je služil v Preobraženskem polku; po upokojitvi leta 1771 je živel na posestvu Ruzaevka v provinci Penza. Ustanovil je lastno tiskarno za tiskanje svojih pesmi na dragem papirju in, pravijo, z enako odločnostjo kaznoval kmete v umetniški dvorani, imenovani "Parnas", kjer so bili portreti Rokotova, ki ga je pesnik zelo častil, ga v poeziji in prozi nagovarjal kot prijatelja. |
 |  | |
| "Portret A.P. Struyskaya" (1772). Disharmonija v podobi moža se v podobi žene pojavi kot zgoščena harmonija. O tej ženski ne morete vedeti ničesar, umetnik je njeno podobo ujel z očarljivo polnostjo, to je utelešenje milosti in ženska lepota. Zamolkli dragoceni sijaj obleke na ramenih, kot utrujeno spuščen. V velikih očeh z izbočenimi zenicami ni odprtosti, kot da je notranja tančica spuščena, s tančico solz, ki jo je uganil umetnik. | "Portret neznanega moškega v napetem klobuku" (začetek 1770-ih). Viselo je v hiši Struyskyjev. Gre za mladeniča ali dekle v modni obleki, ker se na rentgenskih posnetkih pojavi ženski portret, to je visoka pričeska, uhani, nizko izrezana obleka, obraz pa ostane nespremenjen. Tukaj je skrivnost, a najverjetneje le igra maske umetnika in njegovih prijateljev. |
Toda delo Dmitrija Grigorijeviča Levitskega (1735-1822) je v tem pogledu še posebej pomembno. Rodil se je v Ukrajini v družini duhovnika, ki je bil hkrati znan graver. Študiral je v Sankt Peterburgu pri A. P. Antropovu od 1758 do 1762 in v njegovi ekipi se je ukvarjal z dekoracijo Triumfalnih vrat, zgrajenih v Moskvi ob kronanju cesarice Katarine II.
 |  |  |
| Portret arhitekta Aleksandra Filipoviča Kokorinova (1769) Zelo pomembno je, da je v prvem znana dela Levitsky, "Portret A. F. Kokorinova" (1769-1770), vidimo arhitekta, graditelja stavbe Akademije umetnosti in njenega rektorja. "Kokorinov stoji ob bronasto obrobljenem, temno lakiranem biroju, na katerem so risbe stavbe Akademije za umetnost, knjig, papirjev," piše raziskovalec. "Kokorinov nosi svetlo rjavo uniformo, debelo vezeno z zlato pletenico, nad njo je svilen kaftan, spuščen s svetlo rjavim krznom." | Portret kneza Aleksandra Mihajloviča Golicina (1772) | Portret pomočnika Aleksandra Dmitrijeviča Lanskega (1782) |
 |  |  |
| "Portret P.A. Demidova" (1773), slavnega rudarskega delavca. Stoji za mizo na terasi in se z levim komolcem naslanja na zalivalko; ob vznožju stebrov, za katerimi je v daljavi vidna sirotišnica, lonci z rastlinami - njihov lastnik jih je očitno zalival, ko je zjutraj prišel ven, oblečen, a v jutranji halji in nočni kapici. Satenasta oblačila, škrlat in srebro, lesketajo. Velika postava, velik obraz - energija in moč se le slutita, kretnja roke proti risbam na mizi in izraz oči kažeta prikrito utrujenost ali žalost. In svečani portret z razvito tehniko in potrebnimi dodatki razkriva osebnost v vsej njeni življenjski neposrednosti. | "Portret N.A. Sezemova" (1770), "vaščanka vasi Vyzhigina", se glasi napis na zadnji strani platna. Bradat, postaven, v dolgem, s krznom podrobljenem kaftanu, prepasan spodaj s štrlečim trebuhom, moški? To je podložnik grofa P. B. Sheremeteva, kmeta, ki je ustvaril ogromno bogastvo, torej trgovca nove formacije. V korist moskovske sirotišnice je podaril dvajset tisoč rubljev in ob tej priložnosti so Levitskemu naročili njegov portret, formalen, vendar s temnim ozadjem, brez posebnih dodatkov, le papir na spuščeni roki, druga roka pa kaže nanjo, papir z načrtom sirotišnice, s podobo otroka in besedilom iz Sveto pismo. To je znamenje časa. Dva portreta, dva junaka - že njihova soseska je edinstvena, a značilna za renesančno dobo. | "Portret D. Diderota" (1773). Filozof je na nujno povabilo Katarine II v letih 1773-1774 obiskal Rusijo. Glava brez lasulje, z ostanki las na zadnji strani glave, čisto nagnjeno čelo; glava ni vržena nazaj, vendar je vtis, da Diderot ne gleda samo na stran, ampak v višino, to je očitno notranje stremljenje misli v daljavo. |
| Trije portreti vsega - in na lastne oči se dvigne cela doba preobrazb Petra Velikega na novi stopnji družbenega razvoja. |
Vsebina: 20 diapozitivov, priročnik
Diapozitiv pripoveduje o delu prvih ruskih portretistov F.S. Rokotova, D.G. Levitsky in V.L. Borovikovskega. Slike portretov A.P. Struiskaya, Hruščova in Khovanskaya, P.A. Demidova, M.I. Lopukhina, Catherine II na sprehodu v parku Tsarskoye Selo in drugi nosijo objektivne in natančne psihološke značilnosti, izražajo napredne poglede na posameznika, njegovo človeško in družbeno vrednost.
Vizualna serija priročnika vključuje naslednje diapozitive
Kliknite na sliko za povečavo
1. F. Rokotov. Portret princa Grigorija Volkonskega. 1780
2. F. Rokotov. Portret Varvare Surovceve. 1780
3. F. Rokotov. Portret neznane ženske v roza obleki. 1770
4. F. Rokotov. Portret grofice Elizabete Santi. 1785
5. F. Rokotov. Portret Aleksandre Petrovne Struiskaya. 1772
6. F. Rokotov. Portret golega dekleta. 1780
7. D. Levitski. Portret Hruščove in Khovanske. 1773
8. D. Levitski. Portret Ekaterine Molčanove. 1776
9. D. Levitski. Aleksander Kokorinov, direktor in prvi rektor Akademije umetnosti. 1769
10. D. Levitski. Portret princese Praskovye Repnine. 1781
11. D. Levitski. Portret adjutanta cesarice Aleksandra Lanskoya. 1782
12. D. Levitski. Portret Prokofija Akinfijeviča Demidova. 1773
13. D. Levitski. Portret Marije Alekseevne Dyakove. 1778
14. V. Borovikovski. Portret sester princes A.G. in V.G. Gagarini. 1802
15. V. Borovikovski. Portret Ekaterine Arsenyeve. 1790
16. V. Borovikovski. Portret Skobejeve. 1790
17. V. Borovikovski. Portret generalmajorja Fjodorja Borovskega. 1799
18. V. Borovikovskij. Grofica Anna Bezborodko s hčerkama Lubo in Kleopatro 1803
19. V. Borovikovski. Portret Marije Ivanovne Lopukhine
20. V. Borovikovski. Katarina II na sprehodu po parku Tsarskoye Selo. 1794
35. Umetnost Rusije 18. stoletja. slikarstvo (Lomonosov, Nikitin, Matvejev, Višnjakov, Antropov, Argunov, Rokotov, Levitski, Borovikovski, Losenko).
Ruski slikarji 18. stoletja so postopoma obvladali linearno perspektivo, ki je omogočila prenos globine prostora in ravnine, in chiaroscuro, ki je pomagal ustvariti volumetrična slika. Umetniki so preučevali anatomijo, da bi natančneje reproducirali človeško telo in tehnike slikanja z oljem.
Od začetka 18. stoletja je glavno mesto v štafelajnem slikarstvu v olju na platnu začel zavzemati portret: komorni, sprednji, doprsni, v polna višina, dvojno. Pred njim so bili župniki iz 17. stoletja. Zanimanje za osebo je zelo značilno za rusko umetnost. V prvi polovici in sredi 18. stoletja so tako znani portretisti, kot so I. Nikitin, A. Matveev, I.Ya. Vishnyakov, A.P. Antropov in I.P. Argunov.
Izjemen prispevek k ruski kulturi sredine 18. stoletja je dal g Mihail Vasiljevič Lomonosov (1711-1765). Prispeval je k razvoju vizualna umetnost, ki se nanaša na takrat pozabljeno področje - mozaik. Lomonosov je sam razvil tehniko izdelave smalte - barvnih steklenih mas svetlih odtenkov, saj so jo zahodnoevropski mojstri hranili v strogi tajnosti. Ustvaril je več kot 40 mozaikov, vključno s portreti Petra 1., Elizabete Petrovne in veličastno mozaično sliko "Bitka pri Poltavi".
V drugi polovici 18. stoletja je za razvoj ruske umetnosti odločilno postalo delovanje leta 1757 odprte Akademije umetnosti v Sankt Peterburgu. Tu so načrtno vzgajali poklicne umetnike, predvsem na podlagi grške klasike. kopirano umetniške podobe, zapleti, zakonitosti gradnje mizanscen, poze, tipi obrazov, prevzete ideje, interpretacija golote, dodatki in simboli.
Eden prvih ruskih umetnikov novega veka je bil "mojster osebnih zadev" (tj. portretist) Ivan Nikitič Nikitin (ok. 1680 - ne prej kot 1742). Poznamo štiri portrete z njegovim podpisom: nečakinje Petra Praskovye Ioannovne (1714), grofa Sergeja Strogonova (1726) in dva svečana portreta Petra 1. in Katarine (1717), nedavno najdena v Italiji.
V dvajsetih letih 18. stoletja, po vrnitvi iz Italije, je Nikitin naslikal "Portret zunanjega hetmana" in "Portret S.G. Strogonova." Domneva se, da bi bila manira umetnika lahko zelo različna. Enostavno in naravno kleše oblike, svobodno in samozavestno ustvarja iluzijo prostora.
Slika "Peter 1 na smrtni postelji" je prežeta z globoko, osebno žalostjo umetnika in veličastno slovesna. Napisana je z virtuoznimi lahkotnimi potezami, skozi katere pronicajo rdeče-rjave podlage. Pod mojstrovim čopičem slika zveni kot rekviem.
Nikitin je v portretih svojih sodobnikov prikazal predstavnike različnih Petrovih časov, natančno prenesel njihove like in s tem ustvaril podobo te burne dobe.
Umetnik Andrej Matvejevič (ali Merkurijevič) Matvejev (1701/1702-1739) obogatil domačo umetnost z dosežki evropske slikarske šole Do nas je prišlo več njegovih slik: "Alegorija slikarstva" - prva rusko deloštafelajni lik na alegorični ploskvi, portreti Petra 1, princese A.P. Golitsyna, "Avtoportret z ženo" itd.
Večina znana slika Matveev "Avtoportret z ženo" - prvi pesniška podoba zakonska zveza v ruskem štafelajnem slikarstvu. Iskrenost in preprostost, lahkovernost in odprtost, izredna čednost so njegove glavne značilnosti. Slika Matveeva je prozorna, bogata z zasteklitvijo, z najfinejšimi prehodi od slike do ozadja, mehkimi stopnjami chiaroscuro, kot da raztapljanje kontur v tem delu doseže popolnost in priča o razcvetu umetnikove ustvarjalne moči.
Nikitinu in Matvejevu je uspelo v svojih portretih razkriti edinstvenost človeške individualnosti in to vsak na svoj način: Nikitin - bolj pogumno in ostro, Matvejev - mehkejši in bolj poetičen. Matvejev je ustvaril umetniško šolo, ki je vplivala na vso narodno umetnost tistega časa in pripravila pojav takšnih slikarjev, kot sta I.Ya Vishnyakov in A.P. Antropov, katerega delo pade predvsem v sredino 18. stoletja.
Ivan Jakovlevič Višnjakov (1699-1761) imel ne le slikovit, ampak tudi organizacijski talent. Pravzaprav je nadzoroval vsa slikarska dela, povezana z gradnjo v Sankt Peterburgu in v podeželskih rezidencah plemičev. Naslikal je ogromne plafone, stenske plošče, portrete, naslikal transparente in okraske.
Privlačnost za posameznike je ena od značilnosti portretiranja Višnjakova in na splošno umetnikov sredine stoletja.
Višnjakov je prvi občutljivo ujel značilnosti nastajajočega rokokoja v Rusiji in mu dal nacionalno identiteto. Višnjakova dela še najbolj spominjajo na Watteauja, saj je za oba značilna rahla ironija. Višnjakov briljantno prenaša dekorativno razkošje slovesnih kostumov svojega časa, vendar nekoliko ironično poudarja njihovo obsežnost, ki ovira gibanje. Namesto svetlobnega razpona, značilnega za dela rokokoja, umetnik uporablja svetle in zvočne barve, bližje starodavni ruski umetnosti. Manjka mu razdrobljenost oblik, ostri koti, asimetrija, gibljivost, iluzija prostora.
Tako kot stari ruski mojstri je Višnjakov posvetil glavno pozornost obrazu, ki izraža duhovni svet osebe, telo pa je bilo napisano plosko in shematično. Portreti Vishnyakova so prežeti z visoko duhovnostjo, toplino, iskrenostjo.
Najboljša dela Višnjakova so svečani portreti Fermorjevih otrok, od katerih je še posebej pomemben "Portret S. E. Fermorja". Zdi se, da Sarah Fermor uteleša minljivo 18. stoletje, ki se najbolje izrazi v zvokih menueta. Ona, pod čopičem Vishnyakova, postane utelešenje sanj.
Eno zadnjih Višnjakovih del je portret kneza Fjodorja Nikolajeviča Golicina "v devetem letu starosti". V tem portretu živi en obraz, naslikan z ljubeznijo, z globokim vpogledom v otroško psihologijo. Vishnyakov bolj kot kdaj koli prej dokazuje svojo privlačnost do tradicije ruskega slikarstva.
Aleksej Petrovič Antropov (1716-1795) Slikal je predvsem komorne skrinje ali dopolne podobe. Značilnosti njegovega slikarstva so: togost poze, tridimenzionalno modeliranje glave, bližina celotne figure ospredju, gluho nevtralno ozadje in skrbno upodabljanje detajlov. Umetnik je poudarjal predvsem razredni izvor modela. V vseh portretih je vidna dostojanstvenost, korpulentnost, krepitev slovesne statične drže. Barvna shema temelji na kontrastu velike lise. Forma je oblikovana tudi s pomočjo kontrastov svetlobe in sence.
Najboljši portreti Antropova: državne dame A.M. Izmailova, državne dame grofica M.A. Rumyantseva, A. V. Buturlina, terenski ataman donske vojske F. I. Krasnoshchekov. Umetnik je bil izjemno uspešen v obrazih starejših ljudi, na katerih je pokazal sledi preživetega življenja, Antropov je uspel ujeti najpomembnejše poteze v modelu, zato so njegovi portreti prepričljivi življenjsko. Portreti cerkvenih oseb (F. Ya. Dubyansky in drugi) so rešeni na slovesen način. Na portretih kraljevih oseb je bil Antropov povezan z določeno shemo, vendar kljub temu pričajo o sposobnosti ne le sestavljanja figure v polni dolžini med dodatki, temveč tudi natančnega opisa modela (Peter 3, Katarina 2).
Ceremonialni portreti Antropova so vedno dekorativni in se popolnoma prilegajo baročni notranjosti 18. stoletja.
Ivan Petrovič Argunov (1729-1802) je bil najbližji Antropovu tako po času kot po ustvarjalnih pogledih. Podložni slikar grofa P.B. Šeremetjeva, je večkrat pisal svojim gospodarjem: Petru Borisoviču, Varvari Aleksejevi in njunim otrokom.
Na portretih moža in žene K.A. in H.M. Khripunov Argunov je pokazal ljudi, ki niso bili zelo ugledni, a nedvomno vredni. Poudarjanje intelektualnega principa v ženskem portretu je za ta žanr v 18. stoletju precej nenavadno.
Avtoportret Argunova, ki sega v konec petdesetih let 17. stoletja, odlikujeta neposrednost in dovršenost slikovne predstave.
Argunov ni imel neusmiljene objektivnosti, ki je značilna za Antropova, vendar je brisanje V. A. Šeremetjeve (1760) po podobi zelo blizu Antropovu. Njena razkošna oprava ne skriva svojeglavosti in bahatosti te ponosno sedeče dame.
Po Višnjakovu je Argunov s toplino slikal otroške in mladinske modele. Portreti Argunova, zlasti slavnostni, so vedno datirani, tako kot portreti Antropova. Vendar je Antropov slikal v baročnem slogu, medtem ko je Argunov težil k lahkotnosti in eleganci rokokoja, ga obogatil z nacionalnimi značilnostmi in razvil čisto nacionalni koncept portreta.
Eno najboljših in najbolj poetičnih del Argunova je portret "Neznane kmečke žene v ruski noši" (1784). Umetnik ni posredoval le zunanjega, temveč tudi notranja lepota preprosta ruska ženska. Izgleda veličastno, izgleda z velikim dostojanstvom. Mojstrsko je napisana tudi njena praznična oprava.
Fedor Stepanovič Rokotov (1735/36-1808) je bil znan portretist. Edino neportretno delo umetnika je "Študija I. I. Šuvalova" (ok. 1757) - prva podoba ruske notranjosti.
Portret Ivana Orlova - Rokotov prvi poskus subtilnega opisa "gibanja duše" - naraven razvoj zanimanja ruskih umetnikov za psihologizacijo podobe, začenši z Nikitinovim "Nadstropnim hetmanom". Uprizoritev figure, ki je zasedla skoraj ves prostor slike, pomanjkanje zračnosti, nevtralno ozadje priča o povezanosti z umetnostjo sredine stoletja.
Za Rokotov iz poznih 1760-ih in zlasti 1770-ih je običajno značilna podoba prsi. Razvija določeno vrsto komornega (in njegove sorte - intimnega) portreta in svojevrsten način slikanja, individualno izbiro umetniških sredstev. S slikovitimi sredstvi Rokotov prenaša različne značajske lastnosti in stanja duha: posmeh skeptika V.I. Maykova, leni nasmeh in zamišljenost "Neznanega človeka v napetem klobuku", žalost, negotovost notranjega sveta na čudovitem obrazu A.P. Struyskaya, nekaj negotovosti nasmeha "Neznano v roza obleki." Duhovnost in krhkost podob, podcenjevanje občutkov, spremenljivost razpoloženj - vse to so značilnosti komornega portreta.
Barvanje je eno najpomembnejših sredstev Rokotova pri karakterizaciji modela. Za dosego barvne enotnosti umetnik uporablja temeljni premaz toplih tonov. Podoba je zgrajena v določenem tonskem ključu na harmoničnem zlitju bližnjih barvnih odtenkov, lahkih, prozornih potez, najfinejše zasteklitve. Dinamičnost gibanja čopiča daje vtis lesketajoče se barvne plasti, ki jo nadgrajuje prozorna meglica, nekakšen rokotovski »sfumato«, ki ustvarja zračno okolje okoli glave modela. Rokotov tako rekoč iztrga svoj obraz iz teme, vse ostalo pa pusti v senci ali polsenci. Kot rezultat, ustrezen moralni ideali in mojster sam in njegova doba.
V portretu Aleksandre Petrovne Struyskaya je kompleksnost duševno življenje in milost modela izražajo subtilne kombinacije pepelnato-roza, bisernih in limonino-rumenih tonov. Oval obraza odmevajo ovalni izrez in linije gub oblačil (tako kot Ingres na portretu Mademoiselle Riviere, le več kot 30 let prej).
Na prelomu 1770-ih in 1780-ih so se zgodile spremembe v maniri Rokotov. Odprtost in neposrednost obrazov portretirancev nadomesti izraz neprebojnosti in zadržanosti, zavest o lastništvu duhovne ekskluzivnosti. Modele odlikujeta ponosna in statična drža. Namesto Struyskaya in "Neznanega v rožnati obleki" z drhtečimi in hladnimi duhovnimi svetovi prihaja podoba bolj odločne ženske.
Od leta 1780 lahko govorimo o "Rokotovskem ženskem tipu": ponosno nasajena glava, podolgovata reža rahlo zoženih oči, odsoten polnasmeh. Številke so večinoma vpisane v oval. Te značilnosti so že opažene v portretih E. N. Orlove in grofice E.V. Santi. Obraz je še vedno postavljen na temno ozadje, njegove konture se stopijo, kot bi bile iztrgane iz teme.
Posebno pomembna je dekorativna stran slikanja, medtem ko umetnik uporablja predvsem lokalne barve, gladi teksturo, s čimer spretnost pripelje do popolnosti.
Velika zasluga Rokotova za rusko umetnost je v tem, da je ustvaril portret, zgrajen na igri čustev in hipnih razpoloženj, posebni duhovnosti podob in barvno izvrstni sliki.
Dmitrij Grigorjevič Levitski (1735-1822)- veliki mojster ceremonialnih in komornih portretov - je bil umetnik, ki je bil nenavadno občutljiv za značilnosti svojih modelov.
Portret "P. A. Demidov" prikazuje bogataša, ki skrbi za rože. Po kompoziciji je to svečani klasični portret, vendar Demidov z veličastno gesto kaže na lonec z rožami. Njegov celoten videz ne ustreza tradiciji reprezentativnega portreta, in kar je najpomembneje, njegov izraz obraza ne ustreza temu: nima niti posvetne arogance niti razrednega ponosa. Levitsky je pokazal Demidova v ozadju sirotišnice, ki jo je ustanovil v Moskvi. V tem portretu je umetnik pokazal neverjeten občutek za obliko, sposobnost gradnje prostora. Slika je sočna, materialna, gosta, barva je blizu lokalnemu - to so velike barvne lise zelenkasto rjavega tona. V portretu Demidova je Levitsky razširil možnosti slovesnega portreta.
Med letoma 1772 in 1776 je Levitsky naslikal portrete učencev Inštituta za plemenite dekle Smolny - Smolyanka. (V inštitutu so se dekleta učila glasbe, jezikov, plesov, petja, posvetnih manir. Večinoma so bili otroci srednjega in malega plemstva.)
Slikar je skušal svoje modele upodobiti v zanje najbolj značilnih pozah, vlogah in podobah. Posledično se je izkazalo, da je sam umetniški ansambel, ki jih združuje en svetel občutek radosti bivanja in skupni dekorativni sistem. Nekateri modeli so postavljeni na nevtralno ozadje, drugi na ozadje gledališkega ozadja, pogojne gledališke pokrajine, ki prikazuje naravo parka. Portreti smoljank so barvita platna, katerih dekorativnost sestavljajo določen plastični in linearni ritem, kompozicijska in barvna rešitev.
Levitsky je največjo slavo dosegel v 1780-ih. V tem desetletju je naslikal portrete skoraj celotne sanktpeterburške visoke družbe. V njegovih komornih portretih je opazen odnos do modela. Značilnost individualnosti postane bolj posplošena, v njej so poudarjene tipične lastnosti. Levitsky ostaja velik psiholog in briljanten slikar, vendar ne kaže svojega odnosa do modela. Pojavi se monotonost likovnih izraznih sredstev: isti tip nasmehov, presvetlo rdečilo na licih, en način urejanja gub. Zato si vesela gospa E.A. postaneta subtilno podobna. Bakunin (1782) in pristna in suha Nemka Dorothea Schmidt (zgodnja 1780-a).
Levitsky je veliko delal na portretih cesarice. Najbolj znana se šteje za njeno podobo zakonodajalca: "Katarina 2 v templju boginje pravičnosti" (1783). Alegorični jezik portreta je poklon klasicizmu. Katarina pokaže na oltar, kjer se kadi mak, simbol spanja in miru. To pomeni, da se ona, žrtvujući svoj mir, preda oltarju služenja domovini v imenu blaginje svojih podanikov. Nad cesarico je kip pravice, ob njenih nogah je orel, simbol modrosti in božanske moči, v odprtini stebrov je ladja kot simbol morske moči. Intenzivnost barve s prevlado lokalnih tonov, kiparske oblike, poudarjena plastičnost, jasna razdelitev na načrte - vse to so značilnosti zrelega klasicizma.
Hkrati je Levitsky kot umetnik v svojih najnovejših delih zelo občutljiv na zahteve svoje dobe, odraža težnje nastajajočega imperijskega portreta in predromantičnih trendov.
Vladimir Lukič Borovikovski (1757-1825)- izjemen portretist poznega 18. - zgodnjega 19. stoletja. Postopoma je razvil svoj kompozicijski kanon ženskih portretov: polovični (redkeje generacijski) del figure, naslonjene na drevo, robnik itd., Upodobitev rože ali sadja v roki, vedno je bila upodobljena na ozadju narave. Figura je postavljena tako rekoč na stičišču svetlobe (nebo) in teme (drevesne bale). Včasih so se od portreta do portreta ponavljali ne samo uprizoritev, ampak celo obleka in okraski, kot na slikah E.N. Arsenjeva in Skobejeva. Obe nosita beli obleki, biserni zapestnici, jabolko v roki, vendar sta vzorca povsem različna. Oba portreta odlikujejo slikovite lastnosti: jasna plastičnost oblike, lepo razvito zračno okolje.
V 1790-ih je v skladu z idejami sentimentalizma, priljubljenega na prelomu stoletja, Borovikov stanje duhačlovek, njegove subtilne izkušnje.
Borovikovsky je za razliko od mojstrov prve polovice in sredine stoletja vedno slikal na beli podlagi, kar je omogočilo doseganje posebne zvočnosti barve.
V upodobitvi monarha so se kazala sentimentalna razpoloženja. Portret Katarine 2 na sprehodu po Carskem parku (dve možnosti: na ozadju Chesmejevega stebra in na ozadju obeliska Rumyantseva) ni bil naslikan po naročilu cesarice. Znano je tudi, da ni odobravala dela Borovikovskega. Umetnik je ustvaril nenavadno podobo za tisti čas. Ekaterina je prikazana v kućni halji (oglarju) in kapici, ob nogah pa njen najljubši italijanski hrt. Pred gledalcem se pojavi kot preprosta posestnica Kazana, v kateri se je rada pojavljala Zadnja letaživljenje. Spomnimo se, da se je Puškin spominjal natanko tako v " Kapitanova hči". Podoba Borovikovskega nikakor ne spominja na Catherine 2 - zakonodajalca. Tako se skozi desetletje spreminjajo umetniški okusi - od klasičnega vzvišenega ideala do skoraj žanrske interpretacije sentimentalne podobe podeželske ženske.
Konec 1790 - začetek 1800-ih - razcvet dela Borovikovskega. Tako kot Levitski upodablja celotno peterburško plemstvo, celo kralje. V portretih politikov, vojakov in cerkvenih očetov zna Borovikovsky združiti resnično karakterizacijo modela s konvencionalnostjo kompozicije. Tako kot Levitsky postane resnično "zgodovinopisec dobe", v večželi prikazati svoje tipe kot svetle osebnosti. Najboljši med njimi so tisti, ki odsevajo državljanski ideal, visok duh prvih dveh desetletij 19. stoletja.
Na začetku novega stoletja izpod čopiča Borovikovskega prihaja rezultat njegovega prejšnjega dela in odpira nove poti: to je dvojni portret sester A.G. in V.G. Gagarins (1802), napisano v ozadju narave, vendar že v določeni vsakdanji situaciji - z notami in kitaro.
Anton Pavlovič Losenko (1737-1773) zaradi njegovega talenta in visoke profesionalnosti mu je bilo usojeno, da postane prvi ruski zgodovinski slikar 18. stoletja. Javno priznanje je prišel do njega, začenši s sliko "Vladimir in Rogneda" (1770). Z vso deklamacijo in patosom na Losenkovi sliki jih je veliko iskren občutek. Prav tako si prizadeva za največjo zanesljivost podrobnosti, preučil je malo, kar je bilo znanega o starodavni ruski noši. Obleka ene od služkinj, biserno vezenje njenega naglavnega traku, Vladimirjevi škornji in srajca, obleke vojakov - vse to priča o pozornosti do elementov kostuma predpetrovske dobe. Hkrati pa Vladimirjevo fantastično pokrivalo, ki združuje nazobčano krono s klobukom, obrobljenim s krznom in nojevim perjem, bolj spominja na gledališki rekvizit.
Barvitost slike je sestavljena iz kombinacij toplih rdečih in zlatih odtenkov s črnimi in belo-sivimi barvami. Velike lokalne lise, jasno začrtano središče kompozicije, ki se zaključi s kontra gesto rok glavnih likov, kiparska plastika figur govori o zmagi klasicističnih potez nad baročnimi.
Povečana dekorativnost platna "Adonisova smrt" (1764) ustreza tudi baročnim načelom.
Glavni izrazna sredstva klasična dela postanejo risba in chiaroscuro. Barva barva obliko, ni naključje, da se imenuje lokalna. Volumen ni oblikovan toliko z barvo kot s svetlobo svetlobe.
Na primeru Losenkovega zadnjega dela, "Slovo Hektorja in Andromahe" (1773), ki ga umetnik ni imel časa dokončati, je mogoče izslediti, kako so bila klasična načela uvedena v rusko slikarstvo. Tu že vse ustreza programu klasicizma: hoja - domoljubno služenje domovini, pripravljenost na junaštvo in žrtvovanje; "Frizna" kompozicija večfiguralne mise-en-scene z jasno definiranim središčem, ki se nahaja na presečišču diagonal slike; barvanje lokalnih barvnih madežev.
Globina ideološke vsebine dela in mojstrstvo izvedbe sta Losenko naredila pomembno osebnost ruske kulture 18. stoletja.
Obiskovalec Ruskega muzeja, ki gre od razstave ikonografije do dvorane Petra I, doživi občutke, podobne tistim, ki jih je doživel Neo v filmu Matrica, ki je iz Morfejevih rok vzel rdečo tabletko. Ravno zdaj so nas obkrožale poduhovljene podobe, svetle barve in harmonične linije, ki so le od daleč spominjale na to, kar je bilo vidno naokoli, a so s svojo netelesno lepoto predstavljale v našem svetu zakon in red, vzpostavljen ob nastanku vesolja. Dobrodošli v realnosti - ko prestopimo prag, se spustimo v ta svet temnih barv in premišljene telesnosti, izklesane s svetlobo reliefnih obrazov, kot bi se luščili s črnih ozadij. Prišli smo pogledat, a smo se tudi sami znašli pod navzkrižnim ognjem pogledov: skoraj vsi eksponati tukaj so portreti. Od zdaj naprej in vse prihodnje stoletje bo portret postal sinonim za rusko slikarstvo.
Zgodovina ruskega portreta 18. stoletja je slika vizualne samozavesti naroda, proces pridobivanja "obraza" ruske osebe, ki se odvija v času. V petrovskem obdobju se človek navadi na videz posameznika, vgrajenega v družbeno hierarhijo. Od razrednega standarda, fiksiranega v precej omejenem repertoarju poz in obraznih izrazov, portret preide v gradnjo bolj subtilnih odnosov med videzom in notranji svet značaj. S pojavom sentimentalizma postane vrednota prav življenje duše, znamenje osebnosti, ki harmonično združuje naravo in civilizacijo. Končno bo romantika in doba leta 1812 omogočila - verjetno prvič v ruski umetnosti - rojstvo podobe notranje svobodne osebe.
Ko že govorimo o portretu, si je treba zapomniti nekaj stvari. Najprej je v razredni družbi privilegij, marker in hkrati garant statusa modela. V veliki večini primerov so junaki portretov postali predstavniki najvišjih družbenih slojev. Portret, v katerem so upoštevane in dogovorjene potrebne konvencije podobe (poza, kostum, okolica in atributi), bo samodejno potrdil visok družbeni status njegovega značaja. Portret odraža in oddaja standarde družbenega vedenja. Zdi se, kot da pravi: "Pred teboj plemenit človek. Bodi kot on!" Plemiški portret torej že stoletja ne predstavlja samo plemiške figure, temveč tudi osebo, za katero je značilna graciozna lahkotnost, torej lastnost, ki je dolgo služila kot telesni izraz plemenitosti in vzgoje ter s tem pripadnosti eliti.
Portretiranje je neke vrste industrija. Že sama narava trga portretov kaže na visoko stopnjo poenotenja. Portrete dokaj jasno delimo na svečane (ceremonialne) in bolj intimne (zasebne). Ti pa pomenijo določen nabor formatov, poze in atributov ter ustrezen cenik, ki upošteva, ali je umetnik sam portret izpeljal od začetka do konca ali pa je manj pomembna področja dela zaupal vajencem.
Že od prvih korakov v antičnem svetu je imel portret magično vlogo: dobesedno je nadomestil upodobljenega in mu podaljšal obstoj po smrti. Spomin na te arhaične funkcije je spremljal portret tudi takrat, ko je postal ena od zvrsti slikarstva in kiparstva sodobnega časa. Preneseno je bilo zlasti literarna dela ki je opisoval imaginarno komunikacijo s portretom: poetične »intervjuje« z njim, zgodbe o zaljubljenosti v portrete, v dobi romantike pa grozljive zgodbe o oživljanju podob. Nujno pravijo, da je portret "kot živ", "diha", manjka mu le dar govora itd. Praviloma so bile slike, ki so jih opisali pesniki, plod njihove domišljije. Že samo izročilo, ki ga je stoletja ohranjala literatura, je postavilo pot dojemanju portreta in opominjalo, da ne sodi le v svet umetnosti, ampak je neposredno povezan s problemom človekovega bivanja.
Klasična teorija umetnosti portretu pripisuje malo vrednosti. Ta žanr zavzema primerno mesto tudi v akademski hierarhiji. Konec 18. stoletja je na primer veljalo, da je »v portretu ... vrste vedno narejena samo ena figura in večinoma v istem položaju ... Te vrste ni mogoče ... primerjati z zgodovinsko ... «. V tem času portretiranje, povezano z imitacijo nepopolne narave, ne bi smelo postati prestižen poklic. Medtem se je v Rusiji razvila drugačna situacija: portret, ki ga zahteva družba, je postal ena najzanesljivejših umetnikovih poti do uspeha. Od Louisa Caravaquea, Ivana Nikitina ali Georga Groota je bilo ustvarjanje portretov ena glavnih nalog dvornih slikarjev. Toda umetnik prve polovice - sredine 18. stoletja je še vedno delavec na več postajah: Šeremetov podložnik Ivan Argunov je izpolnil različne muhe lastnika in končal svojo kariero kot oskrbnik, zapustil slikarstvo; Andrej Matvejev in Ivan Višnjakov sta iz zgradb nadzorovala arhitekte in dekoraterje kanclerja; Aleksej Antropov je imel podobne naloge v sinodi. Toda samo za eno kopijo lastnega kronanskega portreta Petra III., ki ga je naročil senat, je umetnik prejel 400 rubljev - le tretjino manj od njegove letne sinodalne plače.
Aleksej Antropov. Portret Petra III. 1762Z ustanovitvijo Umetniške akademije leta 1757 so se razmere začele spreminjati. Pred tem se je ruski portretist, kot renesančni vajenec, učil svojega poklica v delavnici praktičnega umetnika ali pa se je učil pri gostujoči slavni osebi. Štiridesetletni Antropov se je izpopolnjeval pod vodstvom Pietra Rotarija, slikarja evropskega slovesa, ki se je preselil v Rusijo. Argunov se je učil pri Grootu in po ukazu cesarice sam dal navodila slikati pevce, ki »spijo z glasom«, med katerimi je bil tudi bodoči zgodovinski slikar Anton Losenko. Zdaj je bila osnova umetnikovega izobraževanja celostna metoda, ki so jo preizkušale generacije. Portretni razred na Akademiji je bil ustanovljen leta 1767.
Kljub na videz nizkemu statusu žanra jih je od devetih študentov prvega vpisa, ki so končali akademijo, pet diplomiralo kot portretisti, le dva pa sta se specializirala za historično slikarstvo. Portreti so zasedli pomembno mesto na akademskih razstavah in umetniku omogočili popolno kariero - postati "imenovani" (to je dopisni član) ali celo akademik. Borovikovsky je prejel prvi naslov leta 1794 za podobo Ekaterine II na sprehodu v parku Tsarskoselsky, leto kasneje - drugi, za portret velikega kneza Konstantina Pavloviča. Portret človeka ustvarjalnega poklica bi že sam po sebi lahko simbolično dvignil njegov status. Levitsky je upodobil arhitekta Kokorinova leta 1769 po standardu državnega portreta: rektor Akademije umetnosti z mečem in v razkošni obleki v vrednosti svoje letne plače s plemenito gesto kaže na tajnika z akademsko blagajno, pečatom Akademije in njenim načrtom. Štiri leta kasneje bo umetnik to shemo dobesedno reproduciral na portretu podkanclerja princa Golicina.
Vladimir Borovikovski. Katarina II na sprehodu po parku Tsarskoye Selo. 1794Državna galerija Tretyakov
Vladimir Borovikovski. Portret velikega kneza Konstantina Pavloviča. 1795Čuvaški državni muzej umetnosti
Dmitrij Levitski. Portret A. F. Kokorinova. 1769
Dmitrij Levitski. Portret podkanclerja princa A. M. Golicina. 1772Državna galerija Tretyakov
Druga polovica stoletja odpira portretistu alternativo - delo po zasebnih naročilih. Fedor Rokotov je najverjetneje izhajal iz podložnikov, vendar je služil plemstvu v vojaškem oddelku. Ko njegova kariera na Akademiji za umetnost ni uspela, se je v letih 1766-1767 preselil v Moskvo in ugledno plemstvo stare prestolnice je sestavljalo umetnikovo obsežno stranko. Na njegovem primeru lahko dobimo predstavo o položaju iskanega slikarja. Za samoiniciativno naslikan kraljevi portret je Ekaterina Rokotovu podelila 500 rubljev. Prvi zgodovinopisec ruske umetnosti 18. stoletja Jakob Štelin priča, da je bil umetnik tudi v Sankt Peterburgu »tako spreten in slaven, da ni bil kos vsem naročenim delom ... V svojem stanovanju je imel približno 50 portretov, zelo podobnih, na njih ni bilo nič dokončanega, razen glave [to je verjetno predvidevalo sodelovanje vajencev].« Če je v 1770-ih njegov standardni portret stal 50 rubljev, potem je bil v 1780-ih že ocenjen na sto. To je umetniku omogočilo, da je kupil zemljišče za 14.000 rubljev, na njem zgradil dvonadstropno kamnito hišo, postal član angleškega kluba in si zaslužil jezno pripombo sodobnika: "Rokotov je postal aroganten in pomemben za slavo."
Fedor Rokotov. Kronalni portret Katarine II. 1763 Državna galerija Tretyakov Kontrast med ikonografijo in portretom 18. stoletja jasno kaže na radikalnost petrovske revolucije. Toda evropeizacija slikovnih oblik se je začela že prej. V 17. stoletju so mojstri orožarnice in drugi ikonografi ustvarili hibrid ikone in portreta - parsuna (iz besede "oseba", ki je v prvi polovici 18. stoletja v Rusiji nadomestila besedo "portret"). Do konca 17. stoletja je parsuna že močno uporabljala shemo evropske fronte port-tre-ta, izposojeno prek Poljske in Ukrajine. Iz portreta je nastala naloga - videz osebe v njeni družbeni vlogi. Toda slikovna sredstva v mnogih pogledih ostajajo ikonična: ploskost oblike in prostora, konvencionalnost strukture telesa, razlagalno besedilo na sliki, ornamentalna interpretacija oblačil in atributov. Te značilnosti v 18. stoletju so se dolgo ohranile v deželnem plemiškem portretu, v portretih trgovcev in duhovščine.
Portret carja Alekseja Mihajloviča. Parsuna neznanega ruskega umetnika. Konec 1670-ih - začetek 1680-ih Državni zgodovinski muzej Petrovski upokojenec Ivan Nikitin, ki je študiral v Italiji, je prvi ruski mojster, ki je "pozabil" na parsuno. Njegovi portreti so kompozicijsko dokaj preprosti, uporablja le nekaj ikonografskih vrst, redko slika ročno in daje prednost temnim barvam. Njegove portrete pogosto zaznamuje posebna verodostojnost, obraz je obdelan s poudarjeno reliefnostjo, prepoznavnost prevlada nad idealizacijo. Kancler Gavriil Golovkin je idealna podoba meritokratske monarhije Petra: podolgovato piramido figure, ki jo ugrabi svetloba, krona ovalni obraz, obkrožen z lasuljo. Umirjeno dostojanstvo, ponos in samozavest junaku dajeta tako zadržana, a naravna poza kot neposredni pogled, ki se sreča z gledalcem. Slavnostni kamisol z ukazi in trakom se skoraj zlije z ozadjem, kar vam omogoča, da vso pozornost usmerite na obraz. Temačno okolje potiska Golovkina ven, čopič njegove leve roke označuje mejo prostora platna in zdi se, da filigransko modra pentlja prebija vanj in vstopa v naš prostor. Ta slikarski trik, ki vsiljuje iluzijo prisotnosti, hkrati pomaga zmanjšati psihološko in socialno distanco med modelom in gledalcem, ki je bila v predpetrovskem parsunu nepremostljiva.
Ivan Nikitin. Portret državnega kanclerja grofa G. I. Golovkina. 1720 Državna galerija Tretyakov Ko se je vrnil iz Nizozemske, je Andrej Matvejev okoli leta 1729 ustvaril svoj portret s svojo mlado ženo. Če se strinjamo s to danes splošno sprejeto identifikacijo, potem pred nami ni le prvi znani avtoportret ruskega slikarja. V tej podobi raznočincev je za Rusijo tistega časa predstavljeno nepričakovano ravnovesje moškega in ženske. Z levo roko umetnik ceremonialno prime roko svojega spremljevalca; desna, pokroviteljsko objeta, jo usmeri k gledalcu. Toda ves formalni pomen teh gest nadvlade in prisvajanja je nenadoma izbrisan. V zelo nezapleteno organiziranem platnu ženska figura ni samo desna roka od moškega, ampak tudi zavzema popolnoma enak prostor slike kot on, glave zakoncev pa se nahajajo strogo v eni vrstici, kot da so lestvice zamrznjene na isti ravni.
Andrej Matvejev. Avtoportret z ženo. Domnevno 1729 Državni ruski muzej Portret iz sredine stoletja večinoma ni prikaz osebnosti, ampak statusa. Tipičen primer sta zakonca Lobanov-Rostov Ivana Argunova (1750 in 1754). Kljub prepoznavnosti likov pred gledalcem, najprej »plemeniti plemič« in »prijazna lepotica«, katerih položaj je enkrat za vselej fiksiran z enotno uniformo, hermelinovim plaščem in obleko s srebrnim vezenjem. Umetnik sredine 18. stoletja - ruski in tuji - zelo skrbno prenaša kostum in njegove elemente: tkanino, vezenine, čipke; natančno izpiše nakit in nagrade. V teh portretih Argunova je telo junaka omejeno s prostorom, razporejenim vzdolž ravnine platna, tkanine in okraski pa so naslikani s tako podrobnostmi, da se spominjajo parsune s svojim dekorativnim učinkom in posebnim, površinskim vidom. Človeško telo.
Ivan Argunov. Portret kneza I. I. Lobanova-Rostovskega. 1750Državni ruski muzej
Ivan Argunov. Portret princese E. A. Lobanove-Rostovske. 1754Državni ruski muzej
Danes bolj cenimo tista dela ruskega portreta XVIII. Očitno od tod izvira čar, s katerim je za sodobnega gledalca obdarjena podoba desetletne Sarah Fermor (1749). Ivan Vishnyakov, podrejeni njenega očeta v Kancelariji iz stavb, je predstavil otroka v obliki odraslega dekleta, ki je vpisal krhko figuro v svečano kompozicijo s stebrom in zaveso v ozadju. Od tod privlačnost takšnih podob, kjer se zdi, da je obraz brez zunanje lepote ključ do resničnega prenosa značaja: takšna sta antropska portreta državne gospe Anastazije Izmailove (1759) ali Ane Buturline (1763).
Ivan Višnjakov. Portret Sarah Eleonore Fermor. 1749Državni ruski muzej
Aleksej Antropov. Portret državne dame A. M. Izmailove. 1759Državna galerija Tretyakov
Aleksej Antropov. Portret A. V. Buturlina. 1763Državna galerija Tretyakov
V tej vrstici so tudi portreti Khripunovih avtorja Argunova (1757). Kozma Khripunov, starejši moški z ogromnim nosom, stiska v rokah list prepognjenega papirja in, kot da bi dvignil pogled od branja, ustavi gledalca z ostrim pogledom. Njegova mlada žena drži v rokah odprto knjigo in nas gleda z mirnim dostojanstvom (po spovednih knjigah je Feodosia Khripunova komajda stara več kot dvajset let: liki portreti XVIII veke so pogosto videti starejše od svojih let). Za razliko od sodobne Francije, kjer v dobi Enciklopedije knjiga ni bila neobičajna niti v plemiškem portretu, so liki ruskega slikarstva 18. stoletja zelo redko predstavljeni v branju. Portrete Khripunovih v Evropi, ki niso bogati z atributi in zadržani, bi uvrstili med portrete tretjega stanu, ki odražajo vrednote razsvetljenstva. V njih - kot na primer v portretu zdravnika Leroya Jacquesa Louisa Davida (1783) - ni pomemben status, temveč aktivnost junaka, ne lep videz, temveč pošteno prikazan značaj.
Ivan Argunov. Portret K. A. Khripunova. 1757
Ivan Argunov. Portret Kh. M. Khripunova. 1757Moskovski muzej-posestvo "Ostankino"
Jacques Louis David. Portret dr. Alphonsa Leroya. 1783 Musee Fabre
Imeni Rokotov in Levitsky, prvič v Rusiji novega veka, sta povezani z idejo o strogo individualni maniri, ki se zdi, da podreja modele: zdaj lahko varno govorimo o dami, ki je "spustila Rokotovljevo platno", o gospodu "s portreta Levitskega". Oba slikarja, različna po slogu in duhu, poskrbita, da v njunih portretih vidimo ne le podobe določenih ljudi, ampak tudi občutimo slikarstvo kot tako, kar vpliva na potezo, teksturo, barvo - ne glede na ploskev. Očitno je to dokaz postopnega spreminjanja statusa umetnika, njegovega samospoštovanja in porajajočega se javnega zanimanja za umetnost.
Rokotov je prvi mojster čustvenega portreta v Rusiji. Oblikovanje njegove manire je povezano z vplivom italijanskega Rotaryja, katerega dekliške "glavice" veljajo za pikantne rokokojske drobnarije. Toda Rokotov je v njih lahko videl primer raznolikih, subtilnih, izmuzljivih intonacij - tisto, kar odlikuje podobe samega ruskega umetnika. Iz temnega ozadja svojih predhodnikov Roko-tov preide v nedoločeno ozadje, kot meglica, ki figure ne toliko približa gledalcu, ampak jo absorbira. Oblečeno v uniformo ali obleko dobi telo podrejen pomen, obraz sedaj popolnoma dominira. Vredno je podrobneje pogledati, kako Rokotov slika oči: v stvareh, kot je slavni portret Aleksandre Strujske (1772), je zenica naslikana z zlitimi potezami bližnjih barv s svetlim bleščanjem - pogled izgubi jasnost, vendar pridobi globino. Nerazločnost okolice, gladkost konture, skupaj z meglenim, a bogatim pogledom likov, ustvarjajo občutek večdimenzionalnosti značaja, ki nima analogij v ruskem portretu, v katerem, zlasti pri ženskah, čustva igrajo odločilno vlogo. V zvezi s tem so Rokotovovi liki ljudje sentimentalizma, v katerih prednost niso družbene vloge in ambicije, temveč čustvena globina in duševna mobilnost človeka.
Fedor Rokotov. Portret A. P. Struiskaya. 1772 Državna galerija Tretyakov Zdi se, da ni naključje, da se je prefinjeni, a brez zunanjih učinkov stil Rokotove oblikoval v Moskvi s tradicijo, ki jo je negovala. zasebnost, družina in prijateljstvo. V istem času je v aristokratski in dvorni prestolnici Katarine, po svetovni umetniški modi, cvetel najbriljantnejši slikar Rusija XVIII stoletja - Dmitry Levitsky. V delu tega domačina iz družine ukrajinskega duhovnika, ki je diplomiral na Sanktpeterburški akademiji umetnosti, je rusko slikarstvo prvič doseglo evropsko raven. Bil je obdarjen z darom za ustvarjanje polnokrvnih in plemenitih podob, sposobnostjo očarljivo natančnega prenosa različnih tekstur - tkanin, kamna, kovine, človeškega telesa. Obenem so bila predstavljena številna njegova dela Ruska umetnost v kontekstu naprednih mentalnih gibanj te dobe.
Tako je ideje o podreditvi avtokracije zakonu, ki so bile pomembne za rusko razsvetljenstvo, Levitsky utelesil v sliki "Katarina II - zakonodajalec v templju boginje pravičnosti" (1783). Slavnostni portret vladarja vedno uteleša njegovo uradno podobo. Platno Levitskega je edinstven primer, ko je podoba monarha, ki v celoti izpolnjuje kanone žanra, sporočilo družbe suverenu, prenaša težnje razsvetljenega plemstva.
Dmitrij Levitski. Portret Katarine Zakonodajalice v templju boginje pravičnosti. 1783 Državni ruski muzej Cesarica, oblečena v lovorov venec in civilno krono, žrtvuje svoj mir, zažge mak na oltarju, ki stoji pod kipom Themis z napisom "za skupno dobro". Na podstavku skulpture je vklesan profil Solona, atenskega zakonodajalca. Cesarski orel sedi na knjigah zakonov, v morski odprtini za kraljico pa je vidna ruska flota pod Andrejevo zastavo z Merkurjevo palico, znamenjem zaščitene trgovine, to je miru in blaginje. Poleg razsvetljenske ideje pravne države so tu možni tudi drugi politični prizvoki. Predlagano je bilo, da naj bi platno postalo središče ansambla portretov Dume vitezov reda svetega Vladimirja in naj bi se nahajalo v Tsarskoye Selo Sofia, s čimer bi vstopilo v ideološki aparat Katarine.
Ta portret, katerega program pripada Nikolaju Lvovu, naročilo pa Aleksandru Bezborodku, je bil verjetno prvo delo ruskega slikarstva, ki se je izkazalo za družabni dogodek. To je v skladu z odo Deržavina "", ki se je pojavila istega leta 1783. Nato je Ippolit Bogdanovich umetniku natisnil kitico, na kateri je Levitsky, ki je razporedil ideološki program portreta, prvi primer neposrednega poziva ruskega slikarja do javnosti. Tako je portret prevzel funkcijo pripovedi zgodovinsko platno, ki oblikuje ideje, ki razburjajo družbo in postane dogodek za razmeroma široko občinstvo. To je eden od prvih znakov novega procesa za Rusijo: likovna umetnost preneha služiti utilitarnim potrebam elite (predstavitev političnih in osebnih ambicij, dekoracija življenja, vizualizacija znanja itd.) In postopoma postane pomemben element nacionalne kulture, ki organizira dialog med različnimi deli družbe.
Sedem platen iz serije "Smolyanki", naslikanih v letih 1772-1776, prikazuje devet učencev Inštituta za plemenite dekle Smolnega različnih "starosti" (obdobij študija). To je spomenik eksperimentu, ki je odražal ključne ideje evropskega razsvetljenstva: vzgoja novega človeka, napredna izobrazba žensk. Jasno kažejo tudi na postopno spremembo odnosa do menstruacije. človeško življenje: če je bil prej otrok na ruskem portretu praviloma predstavljen kot majhna odrasla oseba, potem Smolyanki prikazujejo korake na poti do adolescence, ki v tej seriji portretov prvič deluje kot ločena, neodvisna faza. Dekleta plešejo, igrajo gledališke vloge, vendar se zdi, da dve podobi "starejših študentk" Glafire Alymove in Ekaterine Molchanove, ki zaključita serijo, povzemata in utelešata dve hipostazi razsvetljene ženske. Alymova igra ar-fe, ki predstavlja umetnost, ki je povezana s čutno naravo človeka. Mol-cha-nova predstavlja intelektualni princip. Pozira s knjigo in vakuumsko črpalko – sodobnim orodjem, ki vam omogoča raziskovanje materialne narave sveta. Iz portretnega atributa se tu spremeni v znak naprednega znanja, ki temelji na znanstvenem eksperimentu.
Dmitrij Levitski. Portret Feodozije Rževske in Nastasije Davidove. 1771–1772Državni ruski muzej
Dmitrij Levitski. Portret Ekaterine Nelidove. 1773Državni ruski muzej
Dmitrij Levitski. Portret Ekaterine Hruščove in Ekaterine Khovanskaya. 1773Državni ruski muzej
Dmitrij Levitski. Portret Aleksandre Levšine. 1775Državni ruski muzej
Dmitrij Levitski. Portret Ekaterine Molčanove. 1776Državni ruski muzej
Dmitrij Levitski. Portret Glafire Alymove. 1776Državni ruski muzej
Dmitrij Levitski. Portret Natalije Borščove. 1776Državni ruski muzej
Dela Vladimirja Borovikovskega, učenca in rojaka Levitskega, jasno kažejo, da so sentimentalistične vrednote v zadnjih desetletjih 18. stoletja postale osnova za reprezentacijo zasebne osebe. Zdaj je portret izrazito razslojen na sprednji in zasebni. Namerno razkošje sije s podobo "diamantnega princa" Kurakina (1801-1802), ki je dobil tako vzdevek zaradi svoje ljubezni do nakita in bahavega sijaja. Tako kot številne slike Goye kaže, da sijaj slike postane eden zadnjih argumentov v prid veličini aristokracije: sami modeli niso več vedno sposobni vzdržati patosa, ki ga narekuje žanr.
Vladimir Borovikovski. Portret princa A. B. Kurakina. 1801-1802 Državna galerija Tretyakov Hibridna značilnost »epohe občutljivosti« je podoba Katarine II v Carskem Selu (glej zgoraj). Celopostavni portret na ozadju spomenika vojaške slave je ohranjen v izrazito komornem načinu: predstavlja cesarico v halji v trenutku samotnega sprehoda po uličicah parka. Katarini ta portret ni bil všeč, vendar je Puškinu najverjetneje predlagala mizansceno srečanja Maše Mironove s cesarico v Kapitanovi hčeri. Pri Borovikovskem postane pokrajina prvič med ruskimi umetniki stalno ozadje portreta, ki označuje celo vrsto idej, povezanih z idejami o naravnosti, občutljivosti, zasebnosti in enotnosti sorodnih duš.
Narava kot projekcija čustvenih izkušenj je značilnost kulture sentimentalizma, ki kaže, da človekov notranji svet postane brezpogojna vrednota. Res je, da v mnogih delih Borovikovskega "vpletenost v naravo" lika pridobi značaj klišeja, kar kaže na to, da sta se občutljivost in naravnost spremenili v modo. To je še posebej opazno v mojstrsko izvedenih ženskih portretih, ki sledijo idealu mlade »naravne« lepote in sledijo postavam in atributom modela. Po drugi strani pa je ta okvir pastoralnega portreta omogočil vključitev podložnikov med like. Takšni sta na primer "Lizinka in Dashinka" (1794) - dvoriščne deklice iz Lvova, ki so bile pokroviteljice slikarja, po videzu skoraj nerazločljive od mladih plemkinj.
Vladimir Borovikovski. Lizynka in Dashinka. 1794 Državna galerija Tretyakov Če je v osebi Levitskega in Borovikovskega rusko slikarstvo postalo v skladu s sodobnimi umetniškimi tokovi, potem je naslednja generacija ruskih pristaniških traktatov rešila nov problem: njihova umetnost je končno vzpostavila dialog z odlična slika Evropa XVI-XVII stoletja, katere tradicije v predpetrovski Rusiji ni bilo. Predpogoji za to so bili oblikovanje edinstvene kakovostne zbirke Ermitaža že v Katarininem obdobju, pa tudi dolga potovanja v tujino za tiste, ki so uspešno diplomirali na Akademiji mladih umetnikov. Karl Bryullov je oblikoval svojo podobo po vzorcih "starega mojstra" in hkrati na ruskih tleh poustvaril sijaj Vandijkovega ceremonialnega portreta s simfoničnim barvnim razkošjem ("Konjenica", 1831; portret sester Šišmarjovih, 1839).
Orest Kiprenski. Portret umetnikovega očeta Adama Karloviča Schwalbeja. 1804 Državni ruski muzej
V portretu Puškina (1827) je dialog s tradicijo zgrajen na ravni ikonografije, ki je Evropejcem na prelomu iz 18. v 19. stoletje še razumljiva. Prekrižane roke na prsih in pesnikov pogled, usmerjen v vesolje, so odmev personifikacije melanholije - temperamenta, ki je od renesanse veljal za znak genialnosti.
Orest Kiprenski. Portret A. S. Puškina. 1827 Državna galerija Tretyakov Kolektivni junak del Kiprenskega je bila generacija 1812. Te portrete odlikuje neovirana narava »obnašanja« likov, brez primere v ruski umetnosti. Pomembna je primerjava "formalnega" portreta polkovnika Evgrafa Davidova (1809) in serije grafičnih portretov udeležencev. domovinska vojna 1812-1814 (Aleksej Lanski, Mihail Lanski, Aleksej Tomilov, Jefim Čaplic, Pjotr Olenin in drugi, vsi - 1813). Prvi variira tip plemiškega portreta, značilnega za Evropo v 18. in začetku 19. stoletja. Davydova poza ne kaže le odmaknjene lahkotnosti, ampak ikonografsko oplemeniti lik, saj sega v znameniti Praksitelov "Počivajoči satir": popolnost klasičnega kipa zagotavlja dostojanstvo junaka platna. Toda čutni telesni mir satire je le hrbtna stran njegove živalske narave in Kiprensky odlično izkoristi ta spomin na prototip (tako simboličen kot plastičen) in ustvari podobo junaka, ki je v sproščenem miru, a se lahko zravna, kot vzmet. Vsak od portretov mladih »veteranov« s svinčnikom je tudi do neke mere podrejen nekemu portretnemu klišeju, skupaj pa izkazujejo nesluteno grafično svobodo in raznolikost formalnih rešitev: obrate telesa, naklone glave, geste in poglede. Umetnik v vsakem posameznem primeru ni izhajal iz vnaprej določenih vlog, temveč iz osebnosti, ki se je razgrnila pred njim. Ta lahkotnost likov, skupaj z demonstrativno lahkotnostjo uprizoritve, deluje kot vidno utelešenje notranje "samostojnosti" generacije - občutka svobode, kakršnega v ruski zgodovini do tedaj še ni bilo.
8
Rusko slikarstvo druge polXVIIIstoletja
18. stoletje v Rusiji ni le čas vzpona javne samozavesti, družbene in filozofske misli, ampak tudi čas razcveta umetnosti. Poleg imen svetilk ruske znanosti in literature - Lomonosov, Fonvizin, Radiščev, Deržavin so imena ruskih umetnikov - Rokotov, Levitski, Borovikovski, Losenko, Šibanov.
V 18. stoletju je začela v slikarstvu prevladovati realistična smer. Živ in misleč človek postane junak umetnosti, nosilec družbenih in estetskih idealov. V tem času so se oblikovale nove zvrsti slikarstva: zgodovina, krajina, vsakdanje življenje. Raznolikost in popolnost žanrske strukture se je razvila v zadnjih desetletjih 18. stoletja. Slikarstvo je široko razširjeno: obogatene so kraljeve zbirke, v prestolnicah se oblikujejo družinske zbirke, pokrajinskih mest in posestva. Prejmite javno priznanje vloge slikarja, pesnika, umetnika. Z istim časom so povezane prve umetniške razstave in prodaja del, vloga strokovnega mnenja o umetnosti, prve estetske razprave.
Prva in največja številka na tem področju zgodovinsko slikarstvo je bil Anton Pavlovič Losenko (1737-1773). Naslikal je le nekaj slik, med drugim "Vladimir in Rogneda" na temo ruske zgodovine in "Slovo Hektorja in Andromahe na temo Homerjeve Iliade. Obe sliki se danes zdita v mnogih pogledih arhaični, vendar sta bili nekoč zelo znani in sta postali prvi tematski kompoziciji v ruski umetnosti.
Fjodor Stepanovič Rokotov (1735-1808) - izjemen mojster komornega portreta, tj. naprsna podoba modela, kjer je vsa pozornost umetnika usmerjena v obraz portretiranca. Glavna stvar Rokotova je pokazati notranje izkušnje človeka, njegovo duhovno ekskluzivnost. Rokotov je bil odličen mojster ženskega portreta. Ženske podobe umetnika so napolnjene z občutkom notranjega dostojanstva in duhovne lepote, so veličastne in humane. Njegovo delo so zaznamovali poetičnost podob, tenkočutnost slikovnih odnosov, lahkotnost in mehkoba poteze čopiča. Njegovi čopiči pripadajo portretom N.E. in A.P. Struisky (1772, Tretjakovska galerija), "Neznan v klobuku s tretjakovom" (začetek 1770-ih, Tretjakovska galerija), "Neznan v rožnati obleki" (1770-a, Tretjakovska galerija).
V drugi polovici 18. stoletja so umetniki začeli posvečati pozornost prikazovanju življenja in načina življenja kmetov. Podložni umetnik grofa Potemkina, Mihail Šibanov, je svoja dela posvetil kmečki temi.
Med drugimi umetniki 18. stoletja je mogoče opozoriti na delo Vladimirja Lukiča Borovikovskega (1757-1825), ki je bil tretji vodilni portretni mojster druge polovice 18. stoletja. Njegova platna izstopajo po poudarjeni liričnosti, kontemplaciji in pozornosti do sveta človekovih osebnih izkušenj. Naslikal je slike, kot sta "Katarina II na sprehodu v parku Tsarskoye Selo" (1794, Tretjakovska galerija) in "Portret D. A. Deržavine" (1813, Tretjakovska galerija), kot domača različica angleškega "portret - sprehod". Prežet s sentimentalizmom ženske podobe umetnik - portreti M.I. Lopukhina (1797), E.A. Nariškina (1799), E.G. Temkina (1798, vse v Državni galeriji Tretyakov). V kompoziciji platen je umetnik veliko vlogo namenil pokrajini.
Na portretiranje osemnajstega stoletja je pomembno vplival sodobnik F.S. Rokotova Dmitrij Grigorijevič Levitski (1735-1822). Prav v delu Levitskega je bilo utelešeno samo bistvo ruske dobe razsvetljenstva, katere razcvet pade na Katarinino vladavino.
Ustvarjalnost Levitskega dokazuje, da je Rusija končno vstopila v evropski krog. Razsvetljenski ideali dostojanstva, razuma in naravnosti, pomembni za zahodno kulturno zavest, so zanj zelo pomembni. Po slikarski spretnosti njegovi portreti niso slabši od del najboljših francoskih in Angleški sodobniki. Nihče ne slika materialnega sveta tako sočno in otipljivo, občuduje njegovo dragocenost in raznolikost: sijaj brona, težo in prelivanje tkanin.
Izhajal je iz družine maloruskih duhovnikov in je že od otroštva pridobil okus za risanje. Njegov oče, Grigorij Kirilovič, je bil poleg duhovščine najbolj znan graver v Ukrajini, "referenčni uradnik" tiskarne Kijevsko-pečerske lavre. Razsvetljenec, amaterski pesnik, se je likovno izobraževal na Zahodu. Po družinski tradiciji je sin po diplomi iz semenišča in kijevske teološke akademije pomagal očetu pri izvajanju alegoričnih programov za teološke razprave. Usojeno je bilo, da se njegovo usposabljanje v "umetnosti" nadaljuje, ko bo vodil slike v stavbi v gradnji po projektu F.B. Rastrellijeva katedrala svetega Andreja v Kijevu je leta 1752 prispela Alekseja Petroviča Antropova. Oba Levitskyja sta bila z njim "v krilu". Cenil je njihova prizadevanja, Antropov je starejšega priporočil za položaj tempeljskega revizorja - za zaseg ikon "neveščega rezbarstva", leta 1758 pa je mlajšega povabil k učencu.
Antropov je bil portretist - to je učil. Levitsky je dobil prva naročila: obrt ni le prinesla užitka, ampak je obljubila tudi prehrano, in to je bilo pomembno, saj je v družini odraščala hči. Kasneje bo Levitsky postal najbolj "moden" umetnik - dobesedno bo preplavljen z zasebnimi naročili. Že na lastno pobudo, da bi »izpilil svoj slog«, vzame več lekcij od spretnih tujcev - J.-L. Lagrenet starejši in J. Valeriani. In leta 1770 je prišel pravi uspeh - za "Portret A. F. Kokorinova" (1769), prikazan na razstavi Akademije za umetnost, je umetnik, ki tam ni študiral, prejel naziv akademika, leto kasneje pa je bil povabljen, da vodi portretni razred.
Levitsky je slikal portrete na način, ki so ga zahtevali estetski in etični standardi tiste dobe. Modeli so morali biti predstavljeni v zmagoviti luči. Ne skrivata, da pozirata umetniku. Od tod njihova ponosna drža, pogojne kretnje, prizanesljivi pogledi. Portreti so bili običajno upodobljeni v razkošnih oblačilih, svečanih uniformah, zvezdah in pasovih. Toda skozi to ekstravaganco bogastva in parade činov lahko pozoren gledalec vidi žive in polnokrvne podobe izjemnih ljudi.
Takov A.M. Golitsyn, katerega portret je leta 1772 ustvaril Levitsky. Državnik, dostojanstvenik, upodobljen je po zakonih slavnostnega portreta. Da bi to naredil, je umetnik izbral velik format platna in pogled od spodaj, dal generacijski rez figure. S široko gesto vice-k itd. ..................
