Pošljite svoje dobro delo v bazo znanja je preprosto. Uporabite spodnji obrazec

Študenti, podiplomski študenti, mladi znanstveniki, ki bazo znanja uporabljajo pri študiju in delu, vam bodo zelo hvaležni.

Gostuje na http://www.allbest.ru/

Zvezna državna proračunska izobraževalna ustanova za visoko strokovno izobraževanje

Državna tehnična univerza Omsk

Oddelek za DTM

Esej

Na temo:

Analiza umetniškega dela na primeru slike Michelangela Buonarrotija " Zadnja sodba»

Opravila: dijak gr. ZSR-151 A.A. Kareva

Preveril: profesor Gumenyuk A.N.

Uvod

1. Zaplet poslednje sodbe

2. Splošno o razlikah med sliko in ikono

3. Kompozicija oltarne freske Sikstinske kapele Michelangela Buonarrotija (1475-1564) "Poslednja sodba" (1535-1541)

Zaključek

Seznam uporabljene literature

Uvod

Poslednja sodba je Michelangelova freska na oltarni steni Sikstinske kapele v Vatikanu. Umetnik je fresko delal štiri leta - od 1537 do 1541. Michelangelo se je v Sikstinsko kapelo vrnil tri desetletja po tem, ko je dokončal poslikavo njenega stropa. Obsežna freska zavzema celotno steno za oltarjem Sikstinske kapele. Njena tema je bil drugi Kristusov prihod in apokalipsa.

Poslednja sodba velja za delo, ki je končalo renesanso v umetnosti, ki se ji je poklonil sam Michelangelo v poslikavah stropa in oboka Sikstinske kapele, ter odprlo novo obdobje razočaranja v filozofiji antropocentričnega humanizma.

1. Zgodba o poslednji sodbi

Drugi Kristusov prihod, ko bo po krščanskem nauku prišlo do splošnega vstajenja mrtvih, ki bodo skupaj z živimi dokončno sojeni in jim bo določeno, ali bodo vzeti v nebesa ali vrženi v pekel. Sveto pismo o tem večkrat govori, vendar je glavna avtoriteta Kristusov govor učencem, ki ga je povedal Matej: in ločiti enega in drugega, kakor pastir loči ovce od kozlov; in postavi ovce na njegovo desnico in koze na njegovo levico. Soditi jih je treba po njihovih delih usmiljenja, ki so jih opravili v svojem zemeljskem življenju. Grešniki bodo morali iti v »večne muke«.

Kristusov drugi prihod (oziroma Kristusovo kraljestvo na zemlji) je bil samozavestno pričakovan leta 1000, in ko se ta pričakovanja niso uresničila, je Cerkev začela pripisovati vse večji pomen nauku o "štirih zadnjih delih" - smrti. , sodba, nebesa, pekel.

Od takrat so se podobe zadnje sodbe začele pojavljati (predvsem v 12.-13. stoletju) na kiparskih zahodnih pedimentih francoskih katedral.

To je velika zgodba z več deli. Kristus sodnik je osrednja oseba. Na obeh straneh njega so apostoli, ki so bili z njim pri zadnji večerji: "In ti boš sedel na prestole, da boš sodil 12 Izraelovih rodov."

Spodaj so mrtvi, ki vstajajo iz grobov ali iz zemlje ali morja: "In mnogi izmed tistih, ki spijo v zemeljskem prahu, se bodo prebudili, eni v večno življenje, drugi v večno sramoto in sramoto." »Tedaj je morje dalo mrtve, ki so bili v njih; in vsak je bil sojen po svojih delih." Nadangel Mihael drži tehtnico, na kateri tehta duše. Pravičnik - po desna roka Kristus, ki so ga angeli pospremili v raj, leva roka od spodaj so grešniki odpeljani v pekel, kjer so upodobljeni v strašnih mukah. (Hall D. Slovar ploskev in simbolov v umetnosti. M, 1996)

2. So pogostiinformacije o razlikah med sliko in ikono

Slika vpliva predvsem čustveno sfero. Ikona - na umu in intuiciji. Slika odraža razpoloženje, ikona - stanje posameznika. Slika ima meje, okvir ploskve; ikona - vključuje v brezmejno. Nekateri menijo, da stari slikarji ikon niso poznali zakonov neposredne perspektive in simetrije. Človeško telo, tj. niso poznali anatomskega atlasa. Vendar pa so umetniki tiste dobe pri izdelavi kipov ali kipov nasploh upoštevali natančna razmerja človeškega telesa (tridimenzionalna podoba se v vzhodni cerkvi ni uporabljala, temveč le v posvetni umetnosti). Odsotnost neposredne perspektive priča o drugih prostorskih razsežnostih, o možnostih človekovega vladanja prostoru. Prostor preneha biti ovira. Oddaljeni predmet ne postane iluzorno pomanjšan. Vrednote v ikonah niso prostorske, temveč aksiološke narave, ki izražajo stopnjo dostojanstva. Na primer, demoni so prikazani kot manjši od angelov; Kristus med učenci se dviga nad njimi itd.

Sliko lahko gledamo analitično. Lahko govorite o posameznih delih slike, navedete, kaj vam je všeč in kaj vam ni všeč. In ikone ni mogoče razdeliti na celice, na fragmente, na podrobnosti, sintetično jo dojema en notranji verski občutek. Ikona je lepa, ko človeka kliče k molitvi, ko duša čuti dinamično polje energij in sil, ki se skozi ikono izžarevajo iz Kraljestva. večna luč. Na ikoni so figure negibne, zdi se, da so zamrznjene. Vendar to ni mraz smrti; poudarja notranje življenje, notranjo dinamiko. Svetniki so na hitrem duhovnem begu, v večnem gibanju proti Božanskemu, kjer ni mesta za pretenciozne drže, vzkipljivost in izražanje navzven.

Človek, zajet v globoko čustvo ali potopljen v misli, preklopi tudi na notranje in ta nepovezanost z zunanjim priča o intenzivnosti in intenzivnosti njegovega duha. Nasprotno, zunanja dinamika - pečat čustev kot začasnih stanj - nakazuje, da tisti, ki so ga želeli upodobiti na ikoni, ni v večnosti, temveč v času, v moči čutnega in minljivega.

Eden od vrhuncev zahodne umetnosti je slika Poslednje sodbe v Sikstinski kapeli, ki jo je ustvaril Michelangelo. Figure so narejene z osupljivim poznavanjem proporcev človeškega telesa in zakonov harmonije. Lahko študirajo anatomijo. Vsaka oseba ima svojo edinstveno osebnost in psihološke značilnosti. Hkrati je verski pomen te slike enak nič. Poleg tega gre za ponovitev poganstva, ki se je pojavilo v srcu katoliškega sveta. Tema slike "Zadnja sodba" pooseblja poganske in judovske tradicije. Haron nosi duše mrtvih čez vode Stiksa. Slika vzeta iz starodavna mitologija. Vstajenje mrtvih se zgodi v dolini Josafat, kot pripoveduje talmudsko izročilo.

Slika je izdelana v poudarjeno naturalističnem slogu. Michelangelo je telesa naslikal gola. Ko je papež Pavel III., ko je pregledoval poslikavo Sikstinske kapele, vprašal slovesnega mojstra papeškega dvora Biagia da Cesena, kako mu je bila slika všeč, je odgovoril: »Vaša svetost, te figure bi bile primerne kje v gostilni, in ne v vaši kapeli." ("O jeziku pravoslavne ikone." Arhimandrit Rafael (Karelin), 1997)

Dotaknili smo se zahodnoevropskega slikarstva, da bi poudarili njegovo temeljno razliko od pravoslavne umetnosti. To je nazoren primer, kako se forma ne ujema z vsebino, pa naj bo ta že sama po sebi sijajna. V tako imenovanem religioznem slikarstvu renesanse je metodološka napaka. Slikarji poskušajo skozi mimično umetnost, t.j. slika, nasičena s čustvi in ​​strastmi, da bi nebeško prenesla na zemeljsko raven, a dosegla nasprotno – neprenovljeno materialnost prenesla v sfero neba; s zemeljskim in čutnim izpodrivajo duhovno in večno (oziroma tam ni prostora za nebesa, zemlja je vse zasedla in pogoltnila), njihovo srce; rahlo sklonjena postava, poslušnost božji volji itd.

Katoliška slika je enodimenzionalna, pravoslavna ikona je večplastna. V ikoni se ravnine med seboj križajo, sobivajo ali prežirajo, ne da bi se zlivale ali raztapljale druga v drugo. Čas je v sliki zapisan kot trenutek, ustavljen po volji umetnika, kot fotografski blisk. V ikoni je čas pogojen, zato lahko na polju ikone predstavljamo dogodke v kronološkem neskladju. Ikona je podobna notranjemu načrtu in risbi dogodkov. Za ikone je značilna simultanost slike: vsi dogodki se zgodijo hkrati. ikona sikstinske freske Michelangela

Slika je posnemanje resničnosti z elementi fantazije, ki tudi snov za svoja razpoloženja črpa iz zemeljske resničnosti. Ikona je utelešenje duhovne kontemplacije, ki je podana v mistični izkušnji, v stanju občestva z Bogom, a kontemplacija posredovana in objektivizirana skozi simbolno govorico linij in barv. Ikona je teološka knjiga, naslikana s čopičem in barvami. Na ikoni je podoba dveh sfer - nebeške in zemeljske - podana ne po načelu vzporednosti, temveč po načelu simetrije. V sliki na religiozno tematiko, ki jo nepravilno imenujemo ikona, med nebeškimi in zemeljskimi stvarmi bodisi ni razlik, razmejitev, ali pa jih povezujejo »vzporedne črte« zgodovine, kot eno samo bitje v času in prostoru.

Na sliki je načelo neposredne, linearne perspektive, ki daje iluzijo prostornine, tridimenzionalnosti v podobi materialnih in duhovnih entitet. Duhovno se v sliki ne manifestira, ampak se v njej nadomesti z materialnimi, voluminoznimi oblikami in telesi in v teh tujih oblikah izgine. Duhovno na sliki preneha biti nadčutno, ampak postane »naravno«, tu pride do profanizacije svetišča. Na to so upravičeno opozarjali ikonoklasti, ki so zanikali portretne slike na religiozne teme, vendar so po krivici s slabo metodo posploševali vse možnosti likovne umetnosti - v tem primeru ikonografije -, ki odpira duhovni svet, ne da bi ga identificirali z neskončnostjo kot neskončnim podaljškom, z resničnostmi materialnega sveta, ki je pod oblastjo smrti in razpada.

Ikonoklasti so identificirali ikono z mimičnim portretom, s fantazijo ali alegorijo, vendar so ikono kot sakralni simbol ignorirali ali napačno razumeli. V ikoni ni samo nasprotje dveh sfer časa in večnosti, ampak v njenih ritmih - cerkvenost časa, njegova privlačnost do večnosti. ("O jeziku pravoslavne ikone." Arhimandrit Rafael (Karelin), 1997)

3. Kompozicija oltarne freske Sikstinske kapeleMichelangelo Buonarroti(1475-1564) "Poslednja sodba" (1535-1541)

Nenavadna odločitev avtorja pri gradnji kompozicije ohranja najpomembnejše tradicionalni elementi ikonografija. Prostor je razdeljen na dve glavni ravnini: nebeško - s Kristusom sodnikom, Materjo Božjo in svetniki, in zemeljsko - s prizori vstajenja mrtvih in njihovo delitvijo na pravične in grešnike.

Trobeči angeli oznanjajo začetek poslednje sodbe. Odpre se knjiga, v kateri so zapisana vsa človeška dejanja. Kristus sam ni usmiljeni odrešenik, ampak kaznujoči Gospodar. Sodnikova kretnja sproži počasno, a neizprosno krožno gibanje, ki v svoj tok potegne vrste pravičnih in grešnikov. Mati Božja, ki je sedela poleg Kristusa, se je obrnila stran od dogajanja.

Opusti svojo tradicionalno vlogo priprošnjice in trepeta pred končno sodbo. Okrog svetnikov: apostoli, preroki. V rokah mučencev so orodja za mučenje, simboli trpljenja, ki so ga prestali zaradi svoje vere.

Mrtvi, ki odprejo oči z upanjem in grozo, vstanejo iz svojih grobov in gredo na božjo sodbo. Nekateri se dvigajo zlahka in svobodno, drugi počasneje, odvisno od teže lastnih grehov. Močni v duhu pomagajo tistim, ki potrebujejo pomoč, da se dvignejo.

Obrazi tistih, ki morajo iti dol, da se očistijo, so polni groze. V pričakovanju strašnih muk grešniki nočejo v pekel. Toda sile, ki si prizadevajo za zaščito pravice, jih potiskajo tja, kjer naj bi bili ljudje, ki so povzročili trpljenje. In hudiči jih potegnejo k Minosu, ki z repom, ovitim okoli telesa, nakaže krog pekla, v katerega naj se grešnik spusti. (Umetnik je sodniku mrtvih duš dal obrazne poteze ceremonijalnega mojstra, papeža Biagia da Cesene, ki se je pogosto pritoževal nad goloto upodobljenih figur. Njegova oslovska ušesa so simbol nevednosti.) Zraven pa je barka, ki jo je vozil prevoznik Charon. Z enim gibom vzame grešne duše. Njihov obup in bes sta izražena z izjemno močjo. Levo od barke zeva peklensko brezno - tam je vhod v vice, kjer demoni čakajo na nove grešnike. Zdi se, da se slišijo kriki groze in škripanje z zobmi nesrečnežev.

Zgoraj, zunaj mogočnega cikla, nad dušami, ki čakajo na odrešenje, lebdijo brezkrilni angeli s simboli trpljenja Odrešenika samega. Zgoraj desno lepa in mlada bitja nosijo atribute odrešenja grešnikov. (Smirnova I.A. Monumentalno slikarstvo italijanske renesanse. M.: Likovna umetnost, 1987)

Zaključek

V tem eseju je bila Michelangelova freska "Poslednja sodba" obravnavana v primerjavi z ikono "Poslednja sodba" (1580). Tako ikona kot freska sta napisani na isti ploskvi - drugi Kristusov prihod in strašna sodba nad grehi človeštva. Imajo podobno sestavo: Kristus je upodobljen v sredini, apostoli pa se nahajajo na njegovi levi in ​​desni roki. Bog je nad njimi. Pod Kristusom so grešniki, ki jim je obljubljen pekel. Obe sliki sta v obratni perspektivi. Toda hkrati so v ikoni uporabljene manj svetle barve kot na Michelangelovi freski. Na ikoni je veliko simboličnih podob (dlan z dojenčkom - "pravične duše v božji roki", tukaj pa tehtnice - to je "merilo človeških dejanj").

V sodobnem času je bilo ustvarjanje teh del priljubljeno med ljudmi z eshatološkimi nazori, zato so te podobe upravičile svoj namen ne prestrašiti človeštva, temveč jim posredovati idejo o pravičnem življenju, podobnem zemeljskemu brezgrešnemu življenju Jezus Kristus.

Seznam uporabljene literature

1. Hall D. Slovar ploskev in simbolov v umetnosti. M, 1996

2. "O jeziku pravoslavne ikone." Arhimandrit Rafael (Karelin) 1997

3. Smirnova I.A. Monumentalno slikarstvo italijanske renesanse. M.: Vizualne umetnosti, 1987

4. Buslaev F.I. Podobe poslednje sodbe po ruskih izvirnikih // Buslaev F.I. dela. T. 2. Sankt Peterburg, 1910.

5. Alekseev S. Vidna resnica. Enciklopedija pravoslavnih ikon. 2003

Gostuje na Allbest.ru

Podobni dokumenti

Zgodba o poslednji sodbi. Splošne informacije o razlikah med sliko in ikono. Kompozicija oltarne freske Sikstinske kapele Michelangela Buonarrotija "Poslednja sodba". Značilnosti ikone Poslednje sodbe. V perspektivi naprej in nazaj. Chiaroscuro in barvna simbolika.

povzetek, dodan 18.03.2012


Analiza umetnosti in humanizma v Firencah v času Lorenza Veličastnega. Biografija in delo Michelangela Buonarrotija. Psihološka struktura osebnosti in ideje mojstra, značajske lastnosti njegovih kipov in slik. Slikanje v Sikstinski kapeli v Vatikanu.

diplomsko delo, dodano 10.12.2017


Študija značilnosti dela Michelangela Buonarrotija - italijanskega kiparja, slikarja, arhitekta, pesnika. Posebnosti umetnosti visoke renesanse. David. Znana freska iz Sikstinske slike Michelangela - Stvarjenje Adama.

predstavitev, dodana 24.10.2014


kratka biografija Michelangelo Buonarotti - veliki kipar in umetnik. Njegovi ustvarjalni dosežki: skulpture Vakhka in Pieta, marmorna podoba Davida, freske "Bitka pri Kašinu" in "Bitka pri Anghiarju". Zgodovina poslikave v Sikstinski kapeli.

predstavitev, dodana 21.12.2010


Biografija, videz in značaj Michelangela Buonarrotija (1475-1564) - velikega genialnega arhitekta renesanse v Italiji, pa tudi opis zgodnjih in poznih, dokončanih in nedokončanih del. Analiza odnosa med Michelangelom in Vittorio Colonno.

povzetek, dodan 14.11.2010


Kultura avtohtonih ljudstev Italije in njenih predhodnic. Obdobja zgodovine italijanske kulture. Delo Leonarda da Vincija. Podoba mlade florentinske Mona Lise. Michelangelova stropna slika v Sikstinski kapeli v Vatikanu.

predstavitev, dodana 14.01.2014


Glavni dogodki v biografiji Michelangela Buonarrotija - italijanskega kiparja, slikarja, arhitekta in pesnika. Ustvarjalno izražanje idealov visoke renesanse in tragičnega občutka krize humanističnega pogleda na svet v obdobju pozne renesanse.

povzetek, dodan 12.11.2011


Študij zgodovine gradnje Sikstinske kapele - nekdanje hišne cerkve v Vatikanu. Opisi dvorane z ovalnim obokom, prizori iz Geneze, ki se nahajajo od oltarja do vhoda. Konklavi v kapeli. Cikel Michelangelovih fresk, ki krasijo strop.

predstavitev, dodana 23.04.2013


Duhovno in moralno ozračje Italije XIV-XVI. Analiza nastajanja Buonarrotijevega dela in njegove refleksije v moderna družba. Psihološka struktura Michelangelovih idej. Analiza odnosa genija do moči. Mojstrovine rezalnika in čopiča. pesniška zapuščina.

diplomsko delo, dodano 29.04.2017


Analiza umetniška ustvarjalnost Leonardo da Vinci v delih ruskih znanstvenikov. Biografski podatki o titanu renesanse. Sestava in zaplet freske "Zadnja večerja". Prispevek velikega umetnika in znanstvenika k razvoju svetovne kulture, znanosti in tehnologije.

Ministrstvo za šolstvo Ruske federacije Kuzbass State Technical University Department of National History

ANALIZA UMETNIŠKIH DEL (grafika, slikarstvo, kiparstvo, arhitektura)

Smernice za seminarje za redne in izredne študente v disciplini "Svetovna kultura in umetnost" za študente specialnosti

230500 “Družbeno-kulturne storitve in turizem”

Sestavil V.L. Resnica Odobreno na seji oddelka Zapisnik št. 8 z dne 05.04.01

Elektronska kopija je v knjižnici glavne stavbe KuzGTU

Kemerovo 2001

Metodična pojasnila

Predmet “Svetovna kultura in umetnost” se osredotoča na slikarstvo, grafiko, kiparstvo in arhitekturo. Skozi njih se najbolj jasno kažejo značilnosti slogov v različnih obdobjih. Razumevanje estetike dobe, njena umetniška vsebina se razkriva skozi razumevanje umetnostnih spomenikov, razumevanje njihovih značilnosti, njihove lepote in podobe.

Tehnika ponuja kratek algoritem, zaporedje zgledne analize grafičnih del, slik, arhitekture in kiparstva.

Z vso neizogibno skicostjo in skrajno jedrnatostjo bo študentom pomagal pri samostojnem ocenjevanju vrednosti kulturnih spomenikov. Uvaja krog umetnostne terminologije.

Ceniti umetnine ne pomeni le našteti vseh elementov njene izraznosti, treba je tudi povezati čutenje, stopiti v čustveni stik z likovno podobo.

Zaporedje analiz je zgledno. Lahko se spremeni. Predlagane sheme zahtevajo kreativen pristop. So le pomožno gradivo za sestavljanje živahne čustvene zgodbe o posameznem umetniškem delu.

Analiza grafičnega likovnega dela

Elementi		Opombe
vitalnost
1. Opredelitev	Vrsta obravnavane grafike	Pogosto v naslovu
vrsta grafike	dela: risba ali vrsta tiskane grafike	fizični izdelek
	fiki (lesorez, bakrorez, jedkanica, litografija in	označena je vrsta grafa
	itd.). Tako je mogoče oceniti značilnosti	ki: »Risanje
	referenca: narava črte (je različna za različne vrste	"Jedkanica", "Litografija"
	gravure), chiaroscuro (lahko je bolj ali manj kon-
	zaupanje, odvisno od tehnike) itd.
2. Analiza komponent	Analiza sestave je ocena celotnega		"compositio"
	konstrukcija risbe, figurativno-plastična ideja: zakaj	(lat.) pomeni sestavljanje
	kar tako, v takem obsegu, obrača, s take točke	nie, vezava.
	pogleda je umetnik upodobil figuro, skupino ljudi,
	meta itd.
3. Analiza tehnike
		je
	slika: točka (tonska risba), poteza (črtna risba)	tehnične
	sunok). Črta (črtna risba). Bodisi rabljeno	grafični
		Denia. Tukaj
		označiti
		vizualni rokopis

3. Analiza tehnike	Analiza tehnike risanja naj bi ugotovila, katera
	grafika se uporablja za ustvarjanje	je
	slika: točka (tonski vzorec), poteza (črta	tehnične
	risanje). Črta (črtna risba). Bodisi rabljeno	grafični
	vse tri grafike. Prav tako ocenjuje
	slog risanja: blizu akademskemu, podrobnemu,	označiti
	naturalistično, ali prosto, posplošeno, ostro.	vizualni
	Celotna naloga je v izbiri natančnega, ustreznega
	način izvedbe definicij in epitetov.
	Ocena je osredotočena na analizo narave linije.	Za oceno značaja -
	likovnost grafičnega dela. Podoba	ra linije je treba izbrati
	podana s črto (potezo, liso), njeno izraznostjo,		definicije.
	svojo gracioznost, ritem. Občutite značaj linije, njen	Na primer: graciozen, lo-
	zlitje s sliko, jo prenesti z besedami, narediti glavno	manaya, nervozen, nesramen
	delo na analizi grafičnega dela. Naslednji-	tay itd.
	duet bodite pozorni tudi na ritem vrstic. (Glej ritem v
	skladbe, str. 5).

Analiza slikovnega likovnega dela

izpostavljeni					Opombe
1. Opredelitev	Sprva vprašanje, kako				Opredelitev žanrske pod-
	kateri od obstoječih zvrsti v slikarstvu pripada				bo povedal pomemben del
	analizirali slikovito	delo		umetnost	nost: do katere natančne vrednosti
	(zgodovinski, mitološki, gospodinjski, bojni				rona predmeta in duhovi-
	portret, pokrajina, tihožitje). Pri analizi portreta,				svetovno zanimanje je pritegnjeno
	uporabite tehnike analize prsi (str. 8 te metode)
	Analiza zapleta zahteva sposobnost razumevanja vsebine in				Pogosto je zaplet slike
	pomen dogodkov, ki jih upodablja umetnik. biti-				se razkrije
	in brezplodno slikarstvo: nepredmetno slikarstvo.
	Ocenjuje se glede na napetost, di-
	dinamika, harmonija, kontrast,		in zahteva posebno
	metode analize. Nepredmetno slikarstvo gradi svoje
	izključno figurativnost
	njihove ritme, kot na glavne elemente izraznosti
	slikovit jezik. Primer nepredmetnega slikanja
	si je abstrakcionizem, suprematizem.

	Razkritje umetniške podobe je ocena
	vpadljivost, pristnost, moč v odsevu izbranega
	noah avtor teme. Tako se številni umetniki obračajo na
	hiteli na temo prebujajoče se narave, a redki
	tera se je dvignila do takšne višine kot Savrasov v
	na temo pomladi (»Prišli so grapi«).
4. Analiza komponent	Kompozicijo v slikarstvu analiziramo na enak način kot	Kar je rečeno, seveda ni
	v tabeli (glejte stran 2). Sestava aktivno vpliva na razmnoževanje	izpuhi		vseh bitij
	prevzem del.		načela za
	Torej lahko kompozicijo poudarimo gledališko	strukturo kompozicije, ampak
	Noe, zgrajena po odrskem principu. Ali morda	Mislim, da bo omogočal orientacijo
	ustvarjajo občutek naključnosti. Analiziranje kom-	romati v njeno oceno.
	legi, lahko sklepamo o njeni harmonični
	struktura, ravnotežje vseh delov ali akutna
	dinamičnost.
	Če kompozicijo tvori ravna horizontala			veš o psiho
v sestavi	visoke ali rahlo poševne črte, ustvarjene	logično		vpliv
	vtis mirnega ali odmerjenega gibanja. Soche-	navpičnice		konturne črte.
	risanje ostrih navpičnih kotov ali zaobljenih črt	Prevlada konturnih linij
	daje kompozicijski shemi dinamiko. Diago-	pomirja ali celo
	natalna konstrukcija pripomore k boljšemu občutku hitrosti,	gradi		melanholičen
	pritisk, gibanje. Slikar pogosto uporablja	način neba, zatira. verti-
	klicno krožno konstrukcijo, ki omogoča klic	kalij aktiven, vkapati op.
	razporedite veliko število v določenem vrstnem redu	timizem, vedrina, razpoloženje
	ljudi. Moral bi ujeti ritem kompozicije, videti	vayut za veselje, dvig.
	osnovna shema.

	Barva je »duša« slikarstva, zahteva še posebej
Barvanje - organsko	premišljeno in podrobno analizo.
	Pri analizi barvnega sistema se ugotovi, kateri	Lokalni sistem
barvna zacija na	barvni sistem je osnova barvnega sistema zemljevida	rita je zgodovinsko zgodnejša
	blata: lokalno barvno ali tonsko. V lokalnem	nja. Široko uporabljen v
	barvni razpon, barva je ločena od svetlobnih pogojev	dekorativno slikanje.
	schennosti, ni igre odtenkov. Tonska barva je stro-
	temelji na kompleksnem razmerju barve, njenih odtenkov; zadaj-
	odvisno od osvetljenosti, oddaljenosti, senc, bleščanja
koloristično	Pri analizi barvnega razpona se ocenjuje	Treba je posvetiti pozornost
	spretnost umetnika pri izbiri barv, sposobnost kombiniranja	v ritmu barvnih lis.
	tat njihove odtenke. Umetnik ne samo obdari subjekta		umetnik
	ti z barvo, gradi barvno kompozicijo, kjer	poudarite eno ali drugo fi-
	prevladujejo določene barve in njihovi odtenki. Ja, pojdi-	guru, obraz itd.
	govorijo o srebrno-sivo-zeleni, vijolično - lila
	- roza itd. barvni razpon.
	Barve lahko vznemirjajo in pomirjajo, dražijo
Razpoloženje, ustvarjeno	in pomiriti. Dodeli toplo (rdeča, oranžna-
	vyy, zlati in njihovi odtenki) in hladni (vijolično-
podano z barvo	vyy, modra, zelena in njihovi odtenki) barvna lestvica. Tisti-	barva je aktivna, je na sliki
	ploščate barve so aktivne, vznemirjajo, zabavajo, lahko pa tudi	pride naprej, pritegne
	nagajati. Hladno - pomiriti, pomiriti,	brez pozornosti. hladno
	včasih žalostno. Za barvno shemo slike je	barva zbledi
	še vedno določeno razpoloženje, ki ga je umetnik ustvaril	globina. Spretno razpoloženje
	daje barvo. Poskusite ujeti in posredovati ...	toplo in hladno

	strukture med analizo barvne strukture slike. barva		tone umetnik nekaj gradi
	svojo izraznost doseže, ko organizira		vizualna perspektiva.
	znižana in njena intenzivnost ustreza intenzivnosti
	intenzivnost človeških občutkov.
6. Tehnika brisa	Dodatno lahko doda narava razmaza		Razmazi so lahko debeli
	vpadljivost, bo sliki dodal umetniške učinke		čmiček, neprozoren - prepusten
	učinki. Umetnik se lahko maskira, popravi		tonik in tekočina - manj
	"polaganje" brisa ali, nasprotno, izpostavljanje, prekrivanje-			Delo pastozno
	wai barva z ločenimi barvnimi strdki, več		poteze naredijo teksturo življenja
	vrtnice. Analiza tehnike brisa vam omogoča identifikacijo dodatnih		platno
	celovit izraz slikovne podobe.		živo, reliefno.
7.Razkritje	Za analizo določenih izraznih elementov		Razkrivanje generalke
splošna zasnova	slikanje ne sme izgubiti najpomembnejše, kar				zadnji
umetnik	analitični patos je poslan:	razkritje namere			figurativno
	umetnik. Razumevanje razpoloženja	ga je spodbudil	gradbene slike.
	zgrabi čopič.
	Razvoj evropskega slikarstva je potekal tako
	vilo, v okviru določenega sloga ali smeri.
	Sprememba slogov je pričala o spremembi umetn
	načela, kriteriji, okusi. Najbolj svetlo v ev-
	Evropsko slikarstvo je manifestiralo takšne sloge, kot so
	klasicizem, barok, romantika, realizem itd. zakon-
	analiza bo podala oceno slike z vidika
	stil.

Analiza kiparstva

	Sestavljeno		Opomba
	1. Opredelitev	Naloga določitve vrste skulpture (okrogla		- kiparstvo na
	vrsta skulpture	kip, doprsni kip, kiparska skupina: reli-	letala. kip, doprsni kip,
		ef - bas-relief, visok relief) nikakor ni	kiparska skupina – razn
		kompleksen. Vendar ena ali druga vrsta kiparstva zahteva	vidnost		kiparstvo-
		bo ubral drugačen pristop. Analiza kipa bo drugačna-
		Xia iz analize doprsnega kipa, kiparske skupine itd.
		Pri analizi kipa se najprej oceni			nasičen
		ekspresivnost plastičnosti, njeno pomensko in čustveno
		nalna nasičenost. Pomemben element za izražanje	to bi bilo treba obravnavati
		podstavek je glavna vrednota, harmo-	pozornost na vse podrobnosti:
		nepomembnost njegove kombinacije s kipom. Oblačila lahko	kar drži, na kaj se naslanja
		poudarjajo monumentalnost slike ali dinamiko	kip itd.
		mističnost njegove plastičnosti. Moral bi se osredotočiti
		tudi na obrazu kipa (glej doprsni kip).

	Tehnike analize prsi gravitirajo k metodam analize
	Lisa portreta nasploh, tj. namenjeno prepoznavanju
	notranja psihologija značaja, izražena v
	plastičnost obraza, obrazna mimika. Mora biti pozoren
	pozornost splošne ali akutne individualne ha-
	karakterizacija slike, narava značilnosti modeliranja
	tsa: jasen, podroben, šibek ali mehak, njegova pro-
kiparsko	Vrednotenje izraznosti kiparske skupine	Primeri uspešnega kiparstva
	povezana z analizo celovitosti plastične slike,	turistična skupina je precej velika
	sestavljen iz več figur. Če je nemogoče	glej, ampak njim, seveda,
	ampak ločiti eno figuro od druge brez kršitve	je mogoče pripisati "Delovnemu in
	plastična enotnost - torej imamo primer	Collective Farm Girl" Mukhina, "Pie-
	uspešno izvedena kiparska skupina. pri	tu« Michelangela.
	to je pogosto vsak od likov kiparskega
	skupina »odigra svojo vlogo«, na svoj način izraža
	občutki in doživetja.
	Relief je pogosto zaplet, nakazuje zgodbo	Pogosto v obliki reliefnih mo-
	na določeno temo. Je večplasten. Analiza tega	možna je tudi izdelava portreta.
	vključuje karakterizacijo posameznih likov,	Tehnike za analizo takšne relacije
	izraženo v držah in kretnjah. Relief izdelan v	efa gravitirajo proti oprsju.
	monumentalni slog, seveda, bolj nasičen
	ideje in simboli kot zaplet.

ANALIZA DEL

VIZUALNA UMETNOST

Anžero - Sudžensk

ODDELEK ZA IZOBRAŽEVANJE IN ZNANOST REGIJE KEMEROVSK

GOU SPO ANZHERO - SUDZHENSKY PEDAGOGICAL COLEGE

ANALIZA DEL

VIZUALNA UMETNOST

Svet GOU SPO Anzhero -

"____" ____________ 2009

Predsednik RIS

Recenzent:

poučevanje

GOU SPO Anzhero - Sudzhensk Pedagogical College.

Analiza likovnih del: Navodila. - Anzhero - Sudzhensk: GOU SPO Anzhero - Sudzhensk Pedagogical College, 2009 - str.

V tem metodološki razvoj obravnavana so vprašanja, povezana z analizo likovnih del.

Njegove prednosti vključujejo prisotnost aplikacije, ki vsebuje načrte in algoritme za analizo likovnih del.

© GOU SPO Anzhero-Sudzhensky

Pedagoška šola

	Uvod ………………………………………………………………..
	Metodološke osnove analiza likovnih del………………………………………..
	Literatura ……………………………………………………………..
	Aplikacija ……………………………………………………………

UVOD

Kako gledamo na svet

Preden govorimo o analizi likovnih del, pomislimo, zakaj jih imenujemo tudi vizualna in čemu so pravzaprav namenjena. "Za pobožanje pogleda, za oči!" - boste rekli in imeli boste prav, čeprav, če govorimo o arhitekturi in oblikovanju, potem lahko božajo ne le videz, ampak tudi telo. Likovna umetnost je osredotočena na vizualno percepcijo. Raziščimo to našo sposobnost videnja.

Torej, navaden človek gleda z dvema očesoma, v vsakem očesu je optično središče - točka, iz katere se najbolj jasno vidi slika okoliških predmetov. To pomeni, da ima naprava našega vida dva fokusa. Naredimo poskus: vzemite list papirja, vanj naredite majhno luknjo in poskusite od daleč iztegnjena roka poglejte skozi to luknjo na oddaljeno točko na steni (na primer stikalo). Ne da bi premaknili roko, bomo izmenično zapirali bodisi desno ali levo oko - slika stikala v luknji bo bodisi izginila bodisi se znova pojavila. Kaj bi to pomenilo?

V človeškem vizualnem aparatu deluje samo en fokus - bodisi desno ali levo oko (odvisno od tega, katero oko je vodilno: če slika izgine, ko je desno oko zaprto, potem je vodilno, če pa levo, potem vodilno levo oko). Eno oko vidi "zares", drugo pa opravlja pomožno funkcijo - "pokuka", pomaga možganom dopolniti sliko do celote.

Medtem pazljivo poglejte sogovornika splošni pogovor. Vaš vid fiksira njegovo desno oko (za vas bo levo) in jasno vidite samo njega. Preostala sogovornikova podoba se postopoma zamegljuje od sredine (od desnega očesa) proti obrobju. Kaj to pomeni? Leča našega očesa - leča - je urejena v obliki krogle. In slika okoli robov bo vedno zamegljena – predmet se jasno odseva le v eni sami točki ostrenja. Dlje ko je stran od fokusa, bolj je slika zamegljena.

Jasno je, da se pri takšnih »mizernih možnostih« vida naravno popačijo prostor, oblika predmetov in celo barve. Paradoks je, da večino predmetov ne vidimo toliko, kot mislimo, popolnoma ne zavedamo mehanizmov našega vida. In ker se naš vid neopazno kali v kulturnem prostoru družbe (in v preteklih šeststo letih je ta vadba potekala predvsem v neposrednih linearnih perspektivah klasike), niti ne pomislimo na tako preproste stvari, ki pridejo do um fiziologov oz umetniki. In še vedno mislimo, da je meja realizma podobe v delih Potepuhov in ne v slikarstvu Cezanna.

Tako smo prišli do teme analize likovnih del. Likovno umetnost lahko dojemamo na dva načina: s srcem, z umom. To je metodološka osnova za razumevanje vsake umetnosti.

METODOLOŠKE PODLAGE ZA ANALIZO LIKOVNIH DEL

Tisti, ki se prvič srečajo z analizo katerega koli umetniškega dela, se skoraj takoj pojavijo naravna vprašanja: »Ali je analiza v umetnosti res potrebna? Ali ne ubija živega, neposrednega, čustvenega dojemanja umetnosti? Obvezno, če je opravljeno pravilno.

Jasna analiza ne posega v čustveno umetnost, ampak pomaga razkriti nove vidike dela, prikazati globok pomen. Da bi to naredili, se analiza ne bi smela ustaviti pri preprosti izjavi o prisotnosti predmeta ali lika na platnu, pri pripovedovanju zapleta, ampak iti dlje (ali globlje) do pomena slike.

Toda pomen je izražen skozi zunanjo obliko. V delu nam neposredno ni dan pomen, ampak le določena forma. In to moramo »prebrati«, videti pomen za tem. Poleg tega umetnik gradi formo del tako, da bolje izraža pomen, ki ga potrebuje.

Vsako umetniško delo ima več nivojev. To so čustvena, predmetna, zapletna, simbolna raven in raven notranje naprave (mikrovezja) dela.. Naše dojemanje umetnosti se začne s čustvi.

čustveni ravni.

Prva stvar, ki jo »ujamemo«, je čustvena struktura dela. Je slovesno ali lirično, smo smešni ali žalostni. Če delo na nas ni čustveno vplivalo, potem nadaljnje analize ne bo.! Zato je zelo koristno na začetku analize poskušati ujeti tista čustva, ki se porodijo iz komunikacije z delom. To je še toliko bolj potrebno, če delo že dolgo poznamo. Navsezadnje smo se nehote spomnili tistih »starih« čustev, ki jih je nekoč v nas vzbudilo platno. Ampak zdaj smo drugačni in zato je naše dojemanje drugačno. In zdaj bomo imeli drugačna čustva za staro, davno preteklost znano delo. Zelo koristno je, da učenci na začetku analize zastavijo vprašanje o prvem vtisu, ki ga ustvari slika.

Poleg tega je treba ta prvi vtis ohraniti in vzdrževati na vse možne načine skozi celotno analizo. Pogosto je prav ta prvi čustveni vtis tisti, ki preizkusi pravilnost analitičnih zaključkov. Postopoma se v procesu analize preverja pravilnost analitičnih zaključkov. Postopoma, v procesu analize, začnemo videti, kako umetnik doseže ta ali oni čustveni vtis.

Tudi zaključek analize naj bo čustven. Čisto na koncu pa ni le koristno, ampak preprosto nujno, da se še enkrat vrnemo k celostnemu čustvenemu vtisu. Šele zdaj je čustvo okrepljeno s spoznanjem pomena.

Vzorčna vprašanja za analizo dela na čustveni ravni.

1. Kakšen vtis naredi delo?

3. Kakšne občutke lahko doživi obiskovalec (arhitektura)?

4. Kakšna je narava dela?

5. Kako k čustvenemu vtisu pomagajo merilo dela, format, navpična, vodoravna ali diagonalna razporeditev delov, uporaba arhitekturnih oblik, uporaba barv v sliki in porazdelitev svetlobe?

Predmetna stopnja.

Odraža tisto, kar je neposredno prikazano. Na tej ravni se analiza začne takoj. Vsak predmet, vsak lik ali pojav je izjemno pomemben. Na slikah dobrih umetnikov ni naključnih stvari. Zato že preprosto naštevanje tega, kar se nahaja na platnu, že da misliti.

In tu pogosto naletimo na težave.

Človeška pozornost je selektivna in lahko dolgo časa na platnu ne opazimo nobene pomembne podrobnosti. Da, in zgodovinske stvari se včasih spremenijo do neprepoznavnosti. Ali kostum, ki v kateri koli dobi sodobniku veliko pove o človeku - navsezadnje je to cela enciklopedija ne le zunanjega življenja, ampak tudi morale, likov, življenjskih ciljev.

Zato si morate vzeti pravilo, da začnete "brati" sliko s temeljito razjasnitvijo pomena in namena vseh stvari, ki so na njej. Predmetni svet slike so tiste besede, ki sestavljajo »besedilo, ki nam je dano«.

Že na tej stopnji, na začetku spoznavanja z objektivni svet slikah zelo hitro opazimo, da vsi predmeti in obrazi niso naključno raztreseni po platnu, ampak tvorijo nekakšno enoto. In nehote začnemo dojemati to enotnost, ustvarjanje prvi korak k kompoziciji slike. Končno ga bomo obvladali čisto na koncu. Vendar je treba takoj začeti opazovati posamezne značilnosti. Praviloma je takoj jasno, da najpomembnejši elementi tvorijo preproste in jasne oblike (trikotnik, krog, piramida, kvadrat ...). Te oblike umetnik ne izbira poljubno, ustvarjajo določeno čustveno strukturo. Krog in oval pomirjata, popolna. Kvadrat ali ležeči pravokotnik ustvarja občutek stabilnosti in nedotakljivosti. Piramida in trikotnik dajeta gledalcu občutek aspiracije. Na tej stopnji analize je na sliki enostavno ločiti glavno in sekundarno.

Ločen predmet, ločena barva, ločena poteza ne pomaga razumeti pomena. Pomembna so le njihova razmerja. Skozi razmerje barv, zvokov, tem, objektov, volumnov je treba znati »prebrati« pomen dela.

Kontrastna nasprotja, prevlada gibanja ali počitka na platnu, razmerje med ozadjem in figurami - vse to je že zaznati na tej stopnji analize. Tu opazimo, da je prenos giba diagonala, prosti prostor pred objektom, podoba vrhunca giba, asimetrične sheme; in prenos počitka je odsotnost diagonal, prostega prostora pred predmetom, statične drže, simetrične sheme. A vse to se le beleži. pravi pomen značilnosti sestave bomo pridobili šele na samem koncu analize.

Vzorčna vprašanja za analizo likovnega dela na predmetni stopnji.

1. Kaj (ali kdo) je prikazano na sliki?

2. Kaj obiskovalec vidi, ko stoji pred fasado? V notranjosti?

3. Koga vidite na skulpturi?

4. Iz videnega izpostavite glavno?

5. Poskusite razložiti, zakaj se vam zdi to glavna stvar.

6. S čim umetnik, arhitekt izpostavi glavno?

7. Kako so razporejeni predmeti v delu (predmetna kompozicija)?

8. Kako se v delu primerjajo barve (barvna kompozicija)?

9. Kako se v arhitekturnem objektu primerjajo volumni in prostori?

Raven zgodbe.

Takoj želim posvariti pred nevarnostjo, zelo pogosto opozarjam raziskovalca. To je želja po zamenjavi zapleta, ki ga umetnik predstavlja na platnu, z zapletom, poznanim iz zgodovine, mitologije, zgodb o umetniku. Navsezadnje umetnik ne samo ilustrira zapleta, ampak ga razume, včasih pa zelo daleč presega obseg tega zapleta. Sicer pa se rojevajo umetnostnozgodovinske znamke.

Ljudje se pogosto sprašujejo: ali imajo vsa platna zaplet? na žanr oz zgodovinska slika večinoma je očitno. In v portretu, pokrajini, tihožitju? Kaj pa abstraktno slikarstvo? Tukaj ni vse tako očitno. Francoska beseda "zaplet" ne pomeni toliko razpleta dogodkov, temveč na splošno "temo" dela ali "razlog, razlog, motiv". In prvi pomen te besede je "predisponiran, predmet". Tako se zaplet pojavi pred nami kot vzročno-posledična razmerja, ki jih je umetnik zgradil na platnu. V zgodovinskih oz žanrsko slikarstvo te povezave se bodo nanašale na zgodovinske ali domače dogodke. V portretu - razmerje med individualnostjo portretirane osebe, kaj je, s kom se želi prikazati. V tihožitju - odnos med stvarmi, ki jih je oseba pustila, in osebo samo "za prizori". In v abstraktnem slikarstvu umetnik gradi razmerje linij, lis, barv, likov. In takšno razmerje ni nič manj pomembno in zapletno usmerjeno kot gesta surikovske plemkinje Morozove.

Iz navedenega sledita dva zaključka.

Prvič: zaplet je treba zgraditi na podlagi realnosti določene slike. " Pomen ni v sami prošnji izgubljenega sina in ne v samem kesanju, ampak v presenečenju, ki ga takšna očetovska ljubezen povzroči, takšno odpuščanje.».

In drugi sklep: tako ali drugače, vendar je na platnu vedno prisotna raven zapleta. In zaobiti ga v analizi je preprosto iracionalno. Vzročna razmerja samo gradijo poseben prostor in čas slike.

Nivo parcele pojasnjuje in kompozicijske značilnosti platna. Ločimo sliko-zgodbo in sliko-predstavo, govorimo o slikovitosti in izraznosti na platnu. Tu je določen žanr dela.

In takoj postane jasno, da se vse osebe, predmeti, pojavi na sliki ne pojavljajo v enakem smislu kot v življenju. Nekateri od njih so obdarjeni s posebnim simbolnim pomenom v kulturi, ki je vzgojila umetnika. Drugim je pomen večpomenskih simbolov dal avtor sam. Torej gremo na naslednjo raven - simbolično.

Vzorčna vprašanja za analizo dela na ravni ploskve.

1. Poskusite povedati zaplet slike.

2. Poskusite si predstavljati, kateri dogodki se lahko pogosteje dogajajo v tem arhitekturnem delu.

3. Kaj lahko naredi (ali pove) ta skulptura, če oživi?

simbolni ravni.

Na simbolni ravni se zdi, da se vračamo k predmetni vsebini slike, vendar na drugi kvalitativni ravni. Tihožitni predmeti nenadoma začnejo imeti smisel. Pazi je minevajoči čas prazne lupine- prazno smrtno življenje, ostanki obroka- nenadoma zlomljena življenjska pot.

Poleg tega je vsaka oblika premišljena.

krožna kompozicija je simbol večnosti. Kvadrat (kocka)- to je simbol zemlje, trajnostnega zemeljskega obstoja. Vidimo, da en umetnik sestavi platno in ga razdeli na dele od leve proti desni. In potem se na desni strani pojavijo pozitivne vrednosti, na levi pa negativne. S premikanjem očesa od leve proti desni vidimo začetek dogodka v levi polovici in njegov izid v desni polovici.

Drugi umetnik bo poudaril navpično členitev slike. In takrat začnejo veljati naše predstave o vrhu in dnu v svetu okoli nas. Visok, nizek ali srednji horizont, "barvna teža" vrha ali dna platna, nasičenost enega ali drugega dela s figurami, odprtost prostora - vse to postane predmet analize na simbolni ravni.

Ne smemo pozabiti, da je pomemben simbol tudi sama vertikalna ali horizontalna kompozicija slike. Ikonografske konstrukcije se odvijajo navpično, novoveške slike pa so skoraj vse vodoravne.

In čeprav je slika ureditev letala, si umetniki nenehno prizadevajo obvladati globino prostora. Globina prostora se lahko razpre različne poti. In vsaka od njih je simbolična. Bližnji predmeti zakrivajo oddaljene. Globina prostora je "izrisana" zaradi ravnine tal, zemlja - dno dobi na sliki glavni, miroljubni pomen. Globina je zgrajena s pomočjo arhitekturnih struktur. In arhitektura začne aktivno vplivati ​​na like – jih povzdigne ali pritisne navzdol, skrije ali postavi na ogled.

Na tej ravni analize velik pomen pridobivanje barve in svetlobe na sliki.

Znano je, da so bile barve v starodavnem svetu in srednjem veku jasno vezane na ustrezen način, saj so bile svetli simboli. In ker je v slikarskem delu barva glavno sredstvo za gradnjo slikovnega sveta, se temu simbolnemu vplivu ne izognejo niti umetniki novega veka. Svetloba in tema sta bili vedno za človeka ne le pogoji resnično življenje. A tudi simbolna nasprotja zunanjega in notranjega: svetel obraz in notranje razsvetljenje; temno slikarstvo in trd način življenja. Tako se postopoma vgrajuje grandiozni sistem sveta tega platna.

Vzorčna vprašanja za analizo dela na simbolni ravni.

1. Ali so v delu predmeti, ki nekaj simbolizirajo?

2. Ali imajo kompozicija dela in njeni glavni elementi simbolni značaj: vodoravno, navpično, diagonalno, krog, barva, kocka, kupola, lok, obok, zvonik, stolp, gesta, poza, oblačila, ritem, tenor itd. .?

3. Kakšen je naslov dela? Kako je povezan s svojim zapletom in simboliko?

Nato se dvignemo na novo raven razumevanja slike. Tu je treba za nas združiti posamezne vidike analize v en sam svet tega posebnega dela.. Na tem končna faza analize na sliki ne sme ostati niti en detajl, ki bi tako ali drugače izpadel iz celote. Tukaj moramo spet govoriti o integriteti. In ta celovitost se pogosteje razume ne logično, ampak čustveno. "Kako čudovito in modro!" - občudovanje bi moralo priti do nas kot rezultat natančne analize. Poskusite miselno premakniti figure v tej obliki, nekatere ugasniti in druge poudariti in videli boste, da to vpliva ne le na izraznost, ampak tudi na sam pomen slike. Na tej stopnji slika postane "svoje".

Toda to je idealen sistem analize. V resnici nekaj ne gre, nekje ne premislimo, včasih nimamo časa, da bi to pravilno občutili. Toda vsaj enkrat učencem pokazati celoten proces analize, jih popeljati skozi razumevanje, enostavno moramo.

Pri vsakem konkretnem delu lahko izločimo eno raven in na njej delamo z učenci. Še več, vsako umetniško delo dopušča povsem neodvisen obstoj na vsaki od teh ravni. Poleg tega je v enem delu jasno razločena raven zapleta, v drugem pa simbolična.

Za razvoj analitičnih sposobnosti je koristno uporabljati zasebne tehnike:

Ú preprost opis slike, torej tega, kar je na njej dejansko upodobljeno. Takšni opisi izjemno pomagajo pri osredotočanju pozornosti na dano platno, pri vstopanju v svet slike;

Ú strni vsebino. Tukaj učitelj prosi, naj preprosto ponovi sliko, vendar vsakič skrajša svojo zgodbo. Na koncu se zgodba skrči na nekaj zlobnih fraz, v katerih ostane le najpomembnejše;

Ú gradnja hierarhij. Tukaj učitelj skupaj z učenci poskuša povezati vrednote, ki jih je predlagal umetnik, odgovoriti na vprašanje: "Kaj je bolj pomembno?" - ta tehnika je uporabna na vseh ravneh;

Ú ustvarjanje "polja" analize. Pogosto pri »odkrivanju« smisla pomaga kakšno nepomembno dejstvo umetnikove biografije ali dejstvo določene kulture. Našo pozornost usmeri na drugo raven. Naj naše misli uberejo drugačno pot. Zato je treba kopičiti dejstva. In kot kaže praksa, bolj kot se nam zdi nenavadna osebnostna lastnost ali dogodek, več kreativnega za nas vsebuje;

Ú kontemplativna in motorična empatija (empatija). To je že igralska tehnika - poskušati si predstavljati sebe v svetu slike, poskušati zavzeti poze. igralci, si nadeli izraz obrazu se sprehodili po poteh pokrajine. Na poti je veliko odkritij. K tej tehniki se pogosto zatečejo, ko je analiza iz nekega razloga zašla v slepo ulico.

Jasno je, da so lahko oblike analize različne. To so ločena vprašanja v običajni lekciji, ki otroke učijo, da se počutijo kot nekdo, da si nekaj predstavljajo; potopite se v eno ali drugo okolje. To so tudi primerjalna vprašanja. To so vaje pozornosti (kaj vidiš?). To so preproste logične konstrukcije o določenem delu.

Priloga 1

NAČRT ANALIZE SLIKANJA

1. Ime.

2. Pripadnost kulturni in zgodovinski dobi, slogu.

4. Zgodovina nastanka dela.

5. Pomen imena. Značilnosti parcele. ki pripadajo žanru.

6. Kompozicija (kaj je upodobljeno, kako se nahajajo elementi slike, dinamika, ritem).

7. Osnovna sredstva likovna izraznost(barva, linija, chiaroscuro, tekstura, način pisanja).

8. Vaši osebni vtisi.

VZOREC

Slika Savrasova "Prispeli so rokovi". Savrasov je bil neverjeten umetnik, čigar slike se nikoli ne naveličate gledati. So lahki in na voljo v različnih barvah. Bil je umetnik, ki je spremenil rusko pokrajino. Za razliko od drugih umetnikov je upodabljal preproste ruske pokrajine. Ena njegovih najbolj znanih mojstrovin je slika "Roks Have Arrived".

Slika je bila naslikana na prelomu 1860-70. Na njem avtorica upodablja zgodnjo pomlad, trenutek, ko priletijo prve ptice (grapi) in začnejo delati gnezda na drevesih.

Radi bi bili pozorni na barvno paleto slike. Savrasov uporablja vtis oblačne spomladanske pokrajine, hkrati pa sončni žarki naredijo pokrajino bolj sončno. Seveda je pomemben element slike cerkev. Njena silhueta vnaša v podobo sivega dne noto poezije.

Občutiti, kako umetnik z nami občuduje svojo pokrajino.

Dodatek 2

NAČRT ANALIZE SPOMENIČKE ARHITEKTURE

1. Ime.

2. Lokacija.

3. Arhitekt(i).

4. Dodelitev naloge:

a) kult;

b) posvetni:

nastanitev,

javna zgradba.

5. Iz česa je zgrajeno. Če je mogoče, navedite razlog za izbiro tega materiala.

6. Značilnosti oblikovanja, s katerim lahko določite slog (ali uporabljene arhitekturne detajle, načrt, dimenzije itd.).

7. Sklepanje o vrsti naloge, arhitekturnem slogu ali pripadnosti kateri koli civilizaciji.

8. Kakšen je vaš odnos do spomenika?. Utemelji svoje mnenje.

VZOREC

1. Djoserjeva piramida.

2. Egipt, Saqqara.

3. Arhitekt Imhotep.

4. Kultna zgradba – grobnica.

5. Gradnja kamna.

6. Oblika stopničaste piramide z grobnico. Višina 60 m, stranska dolžina 120 m.

7. Ni arhitekturnega sloga, zgradba pripada civilizaciji starega Egipta.

8. …

Dodatek 3

NAČRT ANALIZE KIPARSTVA

1. Ime.

2. Kipar.

3. vrsta skulpture:

a) v izvedbi:

1. okrogel;

2. Olajšanje:

poglobljeno

§ visok relief.

b) po dogovoru:

1. kult,

2. posvetno,

c) po uporabi:

1. neodvisen,

2. del arhitekturne celote,

3. del arhitekturnega okrasja objekta;

d) po žanru:

1.portret:

§ v polni rasti;

2. žanrska scena.

4.Material, iz katerega je delo izdelano.

5.Stopnja skrbnosti in pozornosti do podrobnosti.

6.Čemu je namenjena večja pozornost (lastnosti):

a) podobnost

b) dekorativni

c) zaslon notranje stanječlovek,

d) nekaj idej.

7.Ali je v skladu s kanonom, če je bil.

8.Mesto:

a) proizvodnja

b) Kje je zdaj?

9. Slog, smer ali obdobje razvoja kiparstva in njegova manifestacija v določenem delu.

10.Kakšen je vaš odnos do spomenika?. Utemelji svoje mnenje.

Dodatek 4

VZOREC

1. Nike na Samotraki.

2. Skulptura je neznana.

3. vrsta skulpture:

A) v izvedbi - okrogla,

b) po dogovoru - kult,

V) po prvotni rabi - del arhitekturne celote,

G) po žanru - portret boginje v polni rasti.

4. Izdelan iz marmorja.

5. Delo je zelo natančno.

6. Pozornost je namenjena ideji o neustavljivem letu zmage.

7. Kanona ni bilo.

8. Izdelano v Grčiji v 4. st. pr. n. št e., je zdaj v Louvru (Pariz, Francija).

9. Kip starodavne helenistične dobe.

10.Spomenik mi je všeč (ne maram), ker…

Priloga 5

ALGORITMI ZA ANALIZO UMETNIŠKIH DEL

Algoritem za analizo slike.

Glavni pogoj za delo na tem algoritmu je dejstvo, da ime slike ne sme biti znano tistim, ki delajo.

1. Kako bi poimenovali to sliko?

2. Vam je slika všeč ali ne? (Odgovor mora biti dvoumen.)

3. Povejte o tej sliki, da bo oseba, ki je ne pozna, dobila predstavo o njej.

4. Kako se ti zdi ta slika?

7. Ali želite v odgovoru na prvo vprašanje kaj dodati ali spremeniti?

8. Vrnite se k odgovoru na drugo vprašanje. Je vaša ocena ostala enaka ali se je spremenila? Zakaj zdaj tako visoko ocenjujete to sliko?

Algoritem za analizo umetniških del.

2. Pripadnost umetniški dobi.

3. Pomen imena slike.

4. Žanrska pripadnost.

5. Značilnosti zapleta slike. Razlogi za slikanje. Poiščite odgovor na vprašanje: ali je avtor posredoval svojo namero gledalcu?

6. Značilnosti kompozicije slike.

7. Glavna sredstva umetniške podobe: barva, risba, tekstura, chiaroscuro, slog pisanja.

8. Kakšen vtis je ta umetnina naredila na vaše občutke in razpoloženje?

10. Kje se nahaja ta umetnina?

Dodatek 6

Algoritem za analizo arhitekturnega dela.

1. Kaj je znano o zgodovini nastanka arhitekturne strukture in njenem avtorju?

2. Navedite pripadnost tega dela kulturnozgodovinski dobi, umetniški slog, smer.

3. Kakšno utelešenje je Vitruvijeva formula našla v tem delu: moč, koristnost, lepota?

4. Pokažite na umetniška sredstva in tehnike ustvarjanja arhitekturne podobe (simetrija, ritem, proporci, svetlosenčna in barvna modelacija, merilo), o tektonskih sistemih (postgremen, suličasto-lok, ločno-kupolasti).

5. Navedite pripadnost tipu arhitekture: tridimenzionalni objekti (javne: stanovanjske, industrijske); pokrajina (krajina ali majhne oblike); urbanistično načrtovanje.

6. Izpostavi povezavo med zunanjim in notranjim videzom arhitekturnega objekta, povezavo med stavbo in reliefom, naravo krajine.

7. Kako so pri oblikovanju njegove arhitekturne podobe uporabljene druge zvrsti umetnosti?

8. Kakšen vtis je delo naredilo na vas?

9. Kakšne asociacije vzbuja likovna podoba in zakaj?

10. Kje se nahaja arhitekturna zgradba?

Algoritem za analizo kiparskih del.

1. Zgodovina nastanka dela.

3. Pripadnost umetniški dobi.

4. Pomen naslova dela.

5. Pripadnost vrstam kiparstva (monumentalno, spominsko, stojalo).

6. Uporabljeni material in tehnika njegove obdelave.

7. Dimenzije skulpture (če je pomembno vedeti).

8. Oblika in velikost podstavka.

9. Kje se nahaja ta skulptura?

10. Kakšen vtis je na vas naredilo to delo?

11. Kakšne asociacije vzbuja likovna podoba in zakaj?

LITERATURA

1. Ageev, V. N. Semiotika [Besedilo] /. - M.: Ves svet, 2002.

2. Ivlev, S. A. Kontrola znanja študentov pri poučevanju svetovne likovne kulture [Besedilo] /. - M., 2001.

3. inovativen učni modeli v tujih pedagoških iskanjih [Besedilo]. - M: Arena, 1994.

4. Kriško, V. Uvod v etnopsihologijo [Besedilo] /V. Krysko. - M., 2000.

5. metodično gradiva o predmetih "glasba", "MHK", "Gledališče" v kontekstu izobraževalno področje"Umetnost" [Besedilo]: Sat, v pomoč učitelju. – M.: Podjetje MHK, 2001.

6. Ojstrah, O.G. svet likovna kultura[Besedilo]: gradivo za učitelja MHC /, . - M., 2001.

7. Počepcov, G. G. Ruska semiotika [Besedilo] /. - M .: Refl-Book, K .: "Wakler", 2001.

8. Solobud, Yu. P. Besedilotvorna funkcija simbola v umetniškem delu [Besedilo] / // Filozofske vede. - 2002. - št. 2. - Str.46-55.

VPRAŠANJA PRI ANALIZI SLIKE
Da bi se abstrahirali od vsakodnevnega dojemanja zapletov, ne pozabite, da slika ni okno v svet, ampak ravnina, na kateri je mogoče s slikovnimi sredstvi ustvariti iluzijo prostora. Zato najprej analizirajte osnovne parametre dela:

1) Kakšna je velikost slike (monumentalna, štafelajna, miniaturna?)

2) Kakšen je format slike: vodoravno ali navpično podolgovat pravokotnik (lahko z zaobljenim koncem), kvadrat, krog (tondo), oval?

3) V kateri tehniki (tempera, olje, akvarel ipd.) in na kakšni podlagi (les, platno ipd.) je nastala slika?

4) S katere razdalje se najbolje zazna?

I. Analiza slike.

4. Ali je na sliki zaplet? Kaj je prikazano? V kakšnem okolju se nahajajo upodobljeni liki, predmeti?

5. Na podlagi analize slike lahko sklepate o žanru. V kateri žanr: portret, krajina, tihožitje, akt, vsakdanje življenje, mitološki, religiozni, zgodovinski, živalski, sodi slika?

6. Kakšno nalogo rešuje umetnik po vašem mnenju – vizualno? ekspresivno? Kakšna je stopnja konvencije ali naturalizma slike? Ali konvencionalnost gravitira k idealizaciji ali k ekspresivnemu popačenju? Praviloma je kompozicija slike povezana z žanrom.

7) Katere so sestavine kompozicije? Kakšno je razmerje med predmetom slike in ozadjem/prostorom na platnu slike?

8) Kako blizu ravnini slike so predmeti na sliki?

9) Kakšen zorni kot je izbral umetnik - od zgoraj, spodaj, v ravnini z upodobljenimi predmeti?

10) Kako je določena pozicija gledalca – ali je vključen v interakcijo s podobo, upodobljeno na sliki, ali mu je dodeljena vloga odmaknjenega kontemplatorja?
11) Ali lahko kompozicijo imenujemo uravnotežena, statična ali dinamična? Če je gibanje, kako je usmerjeno?

12) Kako je grajen slikovni prostor (ravno, nedoločeno, prostorska plast je ograjena, nastane globok prostor)? Kako se doseže iluzija prostorske globine (razlika v velikosti upodobljenih figur, prikaz volumna objektov ali arhitekture, uporaba barvnih gradacij)? Kompozicija se razvija z risbo.

13) Kako izrazit je linearni začetek na sliki?

14) Ali so konture, ki razmejujejo posamezne objekte, poudarjene ali skrite? S čim se ta učinek doseže?

15) V kolikšni meri je izražena prostornina predmetov? Katere tehnike ustvarjajo iluzijo volumna?

16) Kakšno vlogo ima svetloba na sliki? Kakšen je (gladek, nevtralen; kontrasten, kiparski volumen; mističen). Ali je vir svetlobe/smer berljiv?

17) Ali so silhuete upodobljenih figur/predmetov berljive? Kako izrazite in dragocene so same po sebi?

18) Kako podrobna (ali obratno posplošena) je slika?

19) Ali se prenaša raznolikost tekstur upodobljenih površin (usnje, tkanine, kovina itd.)? Barvanje.

20) Kakšno vlogo ima barva v sliki (ali je podrejena risbi in volumnu ali obratno, podredi sebi risbo in sama gradi kompozicijo).

21) Ali je barva samo barvanje volumna ali kaj več? Je optično zvest ali ekspresiven?

22) Ali na sliki prevladujejo lokalne barve ali tonska barva?

23) Ali so meje barvnih madežev razločne? Ali sovpadajo z mejami volumnov in predmetov?

24) Ali umetnik operira z velikimi barvnimi masami ali z majhnimi potezami?

25) Kako so zapisane tople in hladne barve, ali umetnik uporablja kombinacijo komplementarnih barv? Zakaj to počne? Kako se prenesejo najbolj osvetljena in zasenčena mesta?

26) Ali obstajajo bleščanje, refleksi? Kako so napisane sence (gluhe ali prozorne, ali so obarvane)?

27) Ali je mogoče razločiti ritmična ponavljanja pri uporabi katere koli barve ali kombinacije odtenkov, ali je mogoče slediti razvoju katere koli barve? Ali obstaja prevladujoča barva/barvna kombinacija?

28) Kakšna je tekstura slikovne površine - gladka ali pastozna? Ali se posamezne poteze razlikujejo? Če je odgovor pritrdilen, kakšne so - majhne ali dolge, tekoče, goste ali skoraj suhe barve?

06.08.2013

Ogledi: 20 779

Načela analize likovnih del

Osnovni principi analize in opisovanja likovnih del

Približna količina tega, kar morate vedeti, je

• –Uvod v študij discipline "Opis in analiza umetniškega dela."

Ključni pojmi discipline: umetnost, likovna podoba; morfologija umetnosti; vrsta, rod, zvrst umetnosti; plastične začasne, sintetične umetniške oblike; tektonsko in slikovno; slog, »jezik« umetnosti; semiotika, hermenevtika, literarno besedilo; formalna metoda, slogovna analiza, ikonografija, ikonologija; pripisovanje, poznavalstvo; estetsko vrednotenje, recenziranje, kvantitativne metode v likovni kritiki.

• – Estetska teorija umetnosti: likovna podoba je univerzalna oblika umetnosti in umetniškega mišljenja; struktura likovnega dela; prostor in čas v umetnosti, zgodovinska dinamika umetniških oblik; sinteza umetnosti v zgodovinskem in kulturnem procesu.
• – Morfologija umetnosti: klasifikacija umetniških oblik; žanr kot kategorija umetnostne morfologije.
• – Posebnosti plastične umetnosti kot zvrsti: arhitektura, kiparstvo, grafika, slikarstvo.
• – Semiotika in hermenevtika umetnosti v kontekstu opisa in analize umetniškega dela: jeziki umetnosti, znakovni pristop k preučevanju umetnosti, umetniško delo kot besedilo, hermenevtično razumevanje besedila.
• – Metodološke osnove za analizo književnega besedila: formalno slogovne, ikonografske, ikonološke.

Kot vsaka znanost ima tudi umetnostnozgodovinska teorija svoje metode. Naštejmo glavne: ikonografska metoda, Wölfflinova metoda ali metoda formalne slogovne analize, ikonološka metoda, metoda hermenevtike.

Ustanovitelji ikonografske metode so bili ruski znanstvenik N.P. Kondakov in Francoz E. Mal. Oba znanstvenika sta se ukvarjala z umetnostjo srednjega veka (Kondakov je bil bizantinski slikar, Mal je študiral zahodni srednji vek). Ta metoda temelji na "zgodovini slike", študiji ploskve. Pomen in vsebino del lahko razumemo, če pogledamo upodobljeno. Starodavno rusko ikono lahko razumemo le s poglobljenim preučevanjem zgodovine videza in razvoja podob.

Ni problem, kaj je upodobljeno, ampak kako je upodobljeno, se je ukvarjal sloviti nemški znanstvenik G. Wölfflin. Wölfflin se je v zgodovino umetnosti zapisal kot »formalist«, za katerega je razumevanje umetnosti zreducirano na preučevanje njene formalne strukture. Predlagal je izvedbo formalno-slogovne analize, pri čemer je pristopil k preučevanju umetniškega dela kot »objektivnega dejstva«, ki ga je treba razumeti predvsem iz njega samega.

Ikonološko metodo analize umetniškega dela je razvil ameriški zgodovinar in umetnostni teoretik E. Panofsky (1892-1968). Ta metoda temelji na »kulturološkem« pristopu k razkrivanju pomena dela. Za razumevanje podobe je po mnenju znanstvenika potrebno ne le uporabljati ikonografske in formalno-slogovne metode, ustvarjati sintezo iz njih, ampak tudi poznati bistvene težnje človekovega duhovnega življenja, tj. svetovni nazor dobe in osebnosti, filozofija, religija, družbeni položaj - vse, kar se imenuje "simboli časa." Pri tem umetnostni kritik zahteva ogromno znanja s področja kulture. Ne gre toliko za sposobnost analiziranja, ampak za zahtevo po sintetiziranju intuicije, saj je v enem umetniškem delu tako rekoč sintetizirana cela doba. Tako je Panofsky briljantno razkril pomen nekaterih Dürerjevih gravur, Tizianovih del itd.. Vse te tri metode z vsemi svojimi plusi in minusi lahko uporabimo za razumevanje klasične umetnosti.

Težko je razumeti umetnost 20. stoletja. in predvsem druge polovice 20. stoletja, umetnost postmodernizma, ki a priori ni zasnovana za naše razumevanje: v njej je odsotnost smisla smisel dela. Umetnost postmodernizma temelji na principu totalne igre, kjer gledalec nastopa kot nekakšen soavtor procesa nastajanja dela. Hermenevtika je razumevanje skozi interpretacijo. Toda I. Kant je tudi rekel, da je vsaka interpretacija razlaga tistega, kar ni očitno, in da temelji na nasilnem dejanju. Ja res je. Da bi razumeli sodobno umetnost, smo se prisiljeni vključiti v to »igro brez pravil«, moderni teoretiki umetnosti pa ustvarjajo vzporedne podobe in interpretirajo videno.

Ob upoštevanju teh štirih metod razumevanja umetnosti je torej treba opozoriti, da vsak znanstvenik, ki se ukvarja z določenim obdobjem v zgodovini umetnosti, vedno poskuša najti svoj pristop k razkrivanju pomena in vsebine dela. In to je glavna značilnost teorije umetnosti.

• - Faktografska študija umetnosti. Atribucija umetniškega dela: atribucija in poznavalstvo, teorija atribucije in zgodovina njenega nastanka, principi in metode atribucijskega dela.

Zgodovino poznavalstva nazorno in podrobno opisujejo domači umetnostni učenjaki. V.N. Lazarev (1897-1976) ("Zgodovina poznavalstva"), B.R. brisalec (1888-1967) ("O problemu pripisovanja"). Sredi XIX stoletja. se pojavi nov tip»poznavalec« umetnosti, katerega cilj je atribucija, t.j. ugotavljanje pristnosti dela, časa, kraja nastanka in avtorstva. Poznavalec ima fenomenalen spomin in znanje, brezhiben okus. Ogledal si je številne muzejske zbirke in ima praviloma svoj način atribucije dela. Vodilna vloga pri razvoju znanja kot metode je pripadala Italijanom Giovanni Morelli (1816-1891), ki je prvič skušal izpeljati nekatere zakonitosti v gradnji slike, ustvariti »slovnico likovnega jezika«, ki naj bi postala (in postala) osnova metode atribucije. Morelli je naredil vrsto dragocenih odkritij v zgodovini italijanske umetnosti. Morellijev privrženec je bil Bernard Bernson (1865-1959), ki je trdil, da je edini pravi vir presoje delo samo. Burnson je živel dolgo in svetlo življenje. V.N. Lazarev je v publikaciji o zgodovini poznavalstva navdušeno opisal celoto kreativen način znanstvenik. Nič manj zanimiv v zgodovini poznavanja je nemški znanstvenik Max Friedlander (1867-1958). Friedlander je menil, da je osnova metode atribucije prvi vtis, prejet iz videnega umetniškega dela. Šele nato se lahko lotimo znanstvene analize, pri kateri je lahko pomembna najmanjša podrobnost. Priznal je, da lahko vsaka raziskava potrdi in dopolni prvi vtis ali pa ga ovrže. Vendar ga ne bo nikoli nadomestil. Poznavalec mora po Friedländerjevem mnenju imeti umetniško žilico in intuicijo, ki nam »kot puščica kompasa kljub nihanjem kaže pot«. V domači umetnostni zgodovini so se številni znanstveniki in muzejski delavci ukvarjali z atribucijskim delom in bili znani kot poznavalci. B.R. Wipper je ločil tri glavne primere atribucije: intuitivno, naključno in tretji - glavni način pri atribuciji - ko se raziskovalec z različnimi metodami loti ugotavljanja avtorja dela. Odločilni kriterij Wipperjeve metode je tekstura in čustveni ritem slike. Tekstura se nanaša na barvo, naravo poteze itd. Čustveni ritem je dinamika čutnega in duhovnega izražanja v sliki ali kateri koli drugi obliki likovne umetnosti. Sposobnost razumevanja ritma in teksture je bistvo pravilnega razumevanja in vrednotenja umetniške kakovosti. Tako so številne pripise in odkritja poznavalcev, muzejskih delavcev, dali nesporen prispevek k zgodovini umetnosti: brez njihovih odkritij ne bi prepoznali pravih avtorjev del, jemali ponaredke za izvirnike. Pravih strokovnjakov je bilo vedno malo, poznani so bili v svetu umetnosti in njihovo delo visoko cenjeno. Vloga poznavalca-strokovnjaka se je še posebej povečala v 20. stoletju, ko so umetniški trg zaradi velikega povpraševanja po likovnih delih napolnili ponaredki. Noben muzej, zbiratelj ne bo kupil dela brez temeljitega pregleda. Če so prvi poznavalci sklepali na podlagi znanja in subjektivnega zaznavanja, se sodobni strokovnjak opira na objektivne podatke tehnične in tehnološke analize, in sicer: rentgensko prepustnost slike, določitev kemijske sestave barve, določitev kemijske sestave barve, rentgensko prepustnost slike. ugotavljanje starosti platna, lesa, zemlje. Na ta način se je mogoče izogniti napakam. Tako je bilo odpiranje muzejev in dejavnost poznavalcev velikega pomena za oblikovanje umetnostne zgodovine kot samostojne humanitarne vede.

• – Čustveno in estetsko vrednotenje umetniškega dela. Žanrske oblike, metode umetnostnozgodovinskega raziskovanja.

Primitivni algoritem analize:

Algoritem za analizo umetniških del

1. Pomen naslova slike.
2. Žanrska pripadnost.
3. Značilnosti zapleta slike. Razlogi za slikanje. Poiščite odgovor na vprašanje: ali je avtor posredoval svojo namero gledalcu?
4. Značilnosti kompozicije slike.
5. Glavna sredstva umetniške podobe: barva, risba, tekstura, chiaroscuro, slog pisanja.
6. Kakšen vtis je ta umetnina naredila na vaše občutke in razpoloženje?
7. Kje se nahaja ta umetnina?

Algoritem za analizo arhitekturnih del

1. Kaj je znano o zgodovini nastanka arhitekturne strukture in njenem avtorju?
2. Navedite pripadnost tega dela kulturni in zgodovinski dobi, umetniškemu slogu, smeri.
3. Kakšno utelešenje je v tem delu našla Vitruvijeva formula: moč, uporabnost, lepota?
4. Navedite likovna sredstva in tehnike za ustvarjanje arhitekturne podobe (simetrija, ritem, proporci, svetlobno in barvno modeliranje, merilo), tektonske sisteme (post-žarek, suličasti lok, ločna kupola).
5. Navedite pripadnost tipu arhitekture: tridimenzionalni objekti (javne: stanovanjske, industrijske); pokrajina (krajina ali majhne oblike); urbanistično načrtovanje.
6. Navedite povezavo med zunanjim in notranjim videzom arhitekturnega objekta, povezavo med stavbo in reliefom, naravo krajine.
7. Kako so uporabljene druge zvrsti umetnosti pri oblikovanju njegove arhitekturne podobe?
8. Kakšen vtis je delo naredilo na vas?
9. Kakšne asociacije vzbuja likovna podoba in zakaj?
10. Kje se nahaja arhitektura?

Algoritem za analizo kiparskih del

1. Zgodovina nastanka dela.
2. O avtorju. Kakšno mesto zavzema to delo v njegovem delu?
3. Pripada umetniškemu obdobju.
4. Pomen naslova dela.
5. Pripada vrstam kiparstva (monumentalno, spominsko, stojalo).
6. Uporaba materiala in tehnika njegove obdelave.
7. Dimenzije skulpture (če je pomembno vedeti).
8. Oblika in velikost podstavka.
9. Kje se nahaja ta skulptura?
10. Kakšen vtis je na vas naredilo to delo?
11. Kakšne asociacije vzbuja likovna podoba in zakaj?

več:

Vzorčna vprašanja za analizo umetniškega dela

Čustveni nivo:

• Kakšen vtis naredi delo?
• Kakšno razpoloženje želi avtor prenesti?
• Kakšne občutke lahko doživi gledalec?
• Kakšna je narava dela?
• Kako merilo, format, vodoravna, navpična ali diagonalna razporeditev delov, uporaba določenih arhitekturnih oblik, uporaba določenih barv v sliki in razporeditev svetlobe v arhitekturnem spomeniku pomagajo k čustvenemu vtisu dela?

Predmetna stopnja:

• Kaj (ali kdo) je na sliki?
• Kaj gledalec vidi, ko stoji pred fasado? V notranjosti?
• Koga vidite na skulpturi?
• Označite glavno stvar tega, kar ste videli.
• Poskusite razložiti, zakaj se vam zdi to glavna stvar?
• S čim umetnik (arhitekt, skladatelj) izpostavi glavno?
• Kako so razporejeni predmeti v delu (predmetna kompozicija)?
• Kako so narisane glavne črte v delu (linearna kompozicija)?
• Kako se primerjajo volumni in prostori v arhitekturni strukturi (arhitekturni kompoziciji)?
• Raven zgodbe:
• Poskusite ponoviti zaplet slike.
• Poskusite si predstavljati, kateri dogodki se lahko pogosteje dogajajo v tej arhitekturni zgradbi.
• Kaj lahko naredi (ali pove) ta skulptura, če oživi?

Simbolična raven:

• Ali so v delu predmeti, ki nekaj simbolizirajo?
• Ali imajo kompozicija dela in njeni glavni elementi simbolni značaj: vodoravno, navpično, diagonalno, krog, oval, barva, kocka, kupola, lok, obok, stena, stolp, zvonik, gesta, poza, oblačila, ritem, zvok , itd..?
• Kakšen je naslov dela? Kako je povezan s svojim zapletom in simboliko?
• Kaj mislite, da je avtor z delom želel sporočiti ljudem?

Načrt za analizo slike

1. 1. Avtor, naslov dela, čas in kraj nastanka, zgodovina ideje in njene izvedbe. Izbira modela.
2. 2. Slog, smer.
3. 3. Vrsta slike: štafelajna, monumentalna (freska, tempera, mozaik).
4. 4. Izbira materiala (za štafelajno slikanje): oljne barve, akvarel, gvaš, pastel. Značilnosti uporabe tega materiala za umetnika.
5. 5. Žanr slike (portret, pokrajina, tihožitje, zgodovinsko slikarstvo, panorama, diorama, ikonografija, marina, mitološki žanr, gospodinjski žanr). Značilnosti žanra za umetnikova dela.
6. 6. Slikovita ploskev. Simbolična vsebina (če obstaja).
7. 7. Slikovite značilnosti dela:

• barva;
• svetloba;
• obseg;
• ravnost;
• barva;
• umetniški prostor (prostor, ki ga umetnik transformira);
• linija.

9. Osebni vtis, prejet ob ogledu dela.

Posebnosti:

• Sestavna shema in njene funkcije
  • velikost
  • format (navpično in vodoravno podolgovati, kvadratni, ovalni, okrogli, razmerje stranic)
  • geometrijski vzorci
  • glavne kompozicijske linije
  • ravnotežje, razmerje delov slike med seboj in s celoto,
  • zaporedje gledanja
• Vesolje in njegove funkcije.
  • Perspektiva, izginjajoče točke
  • ravnost in globina
  • prostorskih načrtov
  • distanca med gledalcem in delom, mesto gledalca v prostoru slike ali zunaj njega
  • gledišče in prisotnost kotov, linija obzorja
• Chiaroscuro, volumen in njihova vloga.
  • volumen in ravnina
  • linija, silhueta
  • viri svetlobe, čas dneva, svetlobni učinki
  • čustveni vpliv svetlobe in sence
• Barva, barva in njene funkcije
  • prevlada tonske ali lokalne barve
  • tople ali hladne barve
  • linearnost ali slikovitost
  • glavne barvne lise, njihova razmerja in njihova vloga v kompoziciji
  • ton, valery
  • refleksi
  • čustveni učinek barve
• Površinska tekstura (razmaz).
  • narava poteze (odprta tekstura, gladka tekstura)
  • usmerjenost razmaza
  • velikost razmaza
  • zasteklitev

Opis in analiza arhitekturnih spomenikov

Tema 1. Umetniški jezik arhitekture.

Arhitektura kot oblika umetnosti. Koncept "umetniške arhitekture". Umetniška podoba v arhitekturi. Umetniški jezik arhitekture: koncept umetniških izraznih sredstev, kot so linija, ravnina, prostor, masa, ritem (aritmija), simetrija (asimetrija). Kanonični in simbolni elementi v arhitekturi. Koncept gradbenega načrta, zunanjost, notranjost. Slog v arhitekturi.

Tema 2. Glavne vrste arhitekturnih struktur

Spomeniki urbane umetnosti: zgodovinska mesta, njihovi deli, mesta starodavnega načrtovanja; arhitekturni kompleksi, ansambli. Spomeniki stanovanjske arhitekture (posestva trgovcev, plemičev, kmetov, dobičkonosne hiše itd.) Spomeniki civilne javne arhitekture: gledališča, knjižnice, bolnišnice, izobraževalne zgradbe, upravne zgradbe, železniške postaje itd. Kultni spomeniki: templji, kapele, samostani . Obrambna arhitektura: zapori, trdnjavski stolpi itd. Spomeniki industrijske arhitekture: tovarniški kompleksi, zgradbe, kovačnice itd.

vrtni in parkovni spomeniki, krajinska umetnost: vrtovi in ​​parki.

Tema 3. Opis in analiza arhitekturnega spomenika

Gradbeni načrt, gradbeni material, sestava zunanjega volumna. Opis ulične in dvoriščne fasade, vratnih in okenskih odprtin, balkonov, zunanje in notranje opreme. Sklep o slogu in umetniški vrednosti arhitekturni spomenik, njegovo mesto v zgodovinski in arhitekturni dediščini mesta, vasi, regije.

METODE MONOGRAFSKE ANALIZE ARHITEKTURNEGA SPOMENIKA

1. Analiza konstruktivnih in tektonskih sistemov vključuje:

a) grafična identifikacija na perspektivnih ali pravokotnih projekcijah spomenika njegove konstruktivne osnove (na primer risanje obrisov obokov in kupol s pikčasto črto, »prikaz« notranje strukture na fasadi, nekakšno »združevanje« fasade s prerezom, senčenje površin na prerezih za razjasnitev strukture notranjosti itd.)

b) pojasnitev stopnje bližine in medsebojne povezanosti strukturnih elementov in pripadajočih tektonskih arhitekturnih oblik (npr. identifikacija obodnih lokov, obokov v prerezih in njihova opredelitev, njihov vpliv na oblike zakomarjev, kokošnikov, triločnih lokov). itd.)

c) izdelava določenih tektonskih shem spomenika (na primer diagram obokanega travnatega pokrova gotske katedrale ali "lit" diagram notranjega prostora templja brez stebrov - v aksonometriji itd.);

2. Analiza razmerij in razmerij se praviloma izvaja v pravokotnih projekcijah in je sestavljena iz dveh točk:

a) iskanje več razmerij (na primer 2:3, 4:5 itd.) med glavnimi dimenzijskimi parametri spomenika, ob upoštevanju dejstva, da bi se ta razmerja lahko naenkrat uporabila med gradnjo za določitev potrebne vrednosti v naravi. Hkrati je treba dimenzijske vrednosti (module), ki se večkrat srečujejo v spomeniku, primerjati z zgodovinskimi dolžinskimi merami (stopala, sazhens itd.);

b) iskanje bolj ali manj stalnega geometričnega razmerja med velikostmi glavnih oblik in členitvami spomenika na podlagi pravilnih razmerij elementov najpreprostejših geometrijskih likov (kvadrat, dvojni kvadrat, enakostranični trikotnik itd.) in njihove izpeljanke. Razkrita razmerja ne smejo biti v nasprotju z logiko gradnje tektonskih oblik spomenika in očitnim zaporedjem postavljanja njegovih posameznih delov. Analiza se lahko konča s povezovanjem dimenzij izvirnika geometrijski lik(na primer kvadrat) z modulom in z zgodovinskimi dolžinskimi merami.

Pri vadbi si ne smemo prizadevati za ugotavljanje prevelikega števila razmerij, veliko bolj pomembno je biti pozoren na kakovost izbranih proporcev in proporcev, to je njihov kompozicijski pomen, njihovo povezanost z dimenzijskimi razmerji glavne tektonske strukture. delitve volumnov in možnost njihove uporabe pri postavitvi spomenika.

3. Analiza metro-ritmičnih vzorcev se lahko izvaja tako na ortogonalnih risbah kot na perspektivnih slikah spomenika (risbe, fotografije, diapozitivi itd.). Bistvo metode je zmanjšano na grafično podčrtavanje (s črto, tonom, senčenjem ali barvo) na poljubni podobi spomenika metričnega in ritmičnega niza oblik tako navpično kot vodoravno. Tako razločene metrične vrste (npr. stebrišča, okenske odprtine, venci itd.) in ritmične vrste (npr. višinsko padajoči nivoji, spreminjanje razponov lokov itd.) omogočajo prepoznavanje »statičnih« oz. »dinamična« arhitekturna kompozicija tega spomenika. Hkrati je pojasnjevanje vzorcev spreminjanja členov ritmičnega niza oblik tesno povezano z analizo proporcev. Kot rezultat študije so sestavljene pogojne sheme, ki odražajo značilnosti gradnje metro-ritmičnih nizov oblik tega arhitekturnega spomenika.

4. Grafična rekonstrukcija vam omogoča, da ponovno ustvarite izgubljeni videz spomenika na kateri koli stopnji njegovega zgodovinskega obstoja. Rekonstrukcija se izvede bodisi v obliki pravokotne risbe (načrt, fasada), kadar je za to ustrezna podlaga, bodisi v obliki perspektivne podobe, izdelane po naravni risbi ali fotografiji (diapozitiv). Kot vir za rekonstrukcijo je treba uporabiti objavljene starodavne podobe spomenika, različne zgodovinske opise, pa tudi gradiva o podobnih spomenikih iste dobe.

Za izobraževalne namene je študent povabljen, da naredi le skico rekonstrukcije, ki le na splošno poda naravo prvotnega ali spremenjenega videza spomenika.

V številnih primerih se študent lahko omeji na primerjavo možnosti rekonstrukcije istega spomenika, ki so jih naredili različni raziskovalci. Potem pa je treba te možnosti razumno oceniti in izpostaviti najverjetnejše od njih. Študent mora svojo izbiro grafično utemeljiti s podobo podobnih spomenikov ali njihovih fragmentov.

Posebna vrsta rekonstrukcije - obnova prvotne in pozneje izgubljene barve spomenika - se izvaja na podlagi pravokotnih fasad ali perspektivnih podob z morebitno vključitvijo zgodovinskega urbanega okolja.

Pri izvajanju naloge grafične rekonstrukcije se lahko široko uporablja metoda risanja in fotomontaže.

5. Konstrukcija arhitekturnih slik je tehnika za analizo spomenikov z razvito tridimenzionalno kompozicijo, zasnovano za postopno zaznavanje skozi čas, kot sta Erehtejon v Atenah ali Pokrovska katedrala v Moskvi. Ob sprehodu po takem spomeniku gledalec zaradi prekrivanja enih volumnov z drugimi zaznava veliko perspektivnih podob, ki se prelivajo ena v drugo in jih imenujemo arhitekturne slike.

Študentova naloga je, da izloči kvalitativno različne skupine arhitekturnih slik, na načrtu označi cone zaznavanja teh skupin slik in vsako skupino ponazori z eno, značilno, v obliki perspektivne risbe ali fotografije (prosojnice).

Število kvalitativno različnih slik običajno ne presega pet ali šest.

6. Analiza obsega in obsega je sestavljena iz prepoznavanja obsežne vloge delitev arhitekturnega volumna in grafične izbire na pravokotnih ali perspektivnih slikah spomenika značilnih podrobnosti - "indikatorjev merila", kot so stopnice, balustrade itd. Posebno pozornost je treba nameniti vlogi reda kot univerzalnega orodja arhitekturne lestvice.

METODE ZA PRIMERJALNO ANALIZO ARHITEKTURNIH SPOMENIKOV

1. Primerjava tridimenzionalne kompozicije dveh spomenikov se izvede s primerjavo načrtov, fasad ali prerezov, zmanjšanih na skupno merilo. Zelo učinkovito je prekrivanje ali kombiniranje načrtov, fasad in prerezov; včasih je pri primerjavi projekcij dveh spomenikov koristno, če ju pripeljemo do neke skupne velikosti, na primer do enake višine ali širine (v tem primeru se primerjajo tudi razmerja spomenikov).

Primerjava je možna tudi z namenom primerjave perspektivnih podob spomenikov v obliki risb iz narave ali fotografij. V tem primeru je treba risbe ali fotografije posneti iz podobnih zornih kotov in s takih točk, iz katerih se razkrijejo značilne značilnosti volumetrične sestave spomenikov. Zagotoviti je treba, da podobe spomenikov po svoji relativni velikosti približno ustrezajo razmerjem njihovih velikosti v naravi.

V vseh primerih primerjalnih primerjav se navadno jasneje pokaže razlika med spomeniki kot momenti njune podobnosti. Zato je treba grafično poudariti tisto, kar združuje primerjana objekta, na primer istovetnost kompozicijskih prijemov, analognost v kombinaciji volumnov, podobnost členitev, lokacijo odprtin itd.

Opis in analiza kiparskih spomenikov

Umetniški jezik kiparstva

Pri analizi kiparskih del je treba upoštevati lastne parametre kiparstva kot umetniške oblike. Kiparstvo je oblika umetnosti, v kateri resnični tridimenzionalni volumen sodeluje z okoliškim tridimenzionalnim prostorom. Glavna stvar pri analizi kiparstva je volumen, prostor in njihovo medsebojno delovanje. materiali za kiparstvo. Vrste kiparstva. zvrsti kiparstva.

Opis in analiza kiparskega dela.

Vzorec načrta:

1. Kakšna je velikost te skulpture? Skulptura je monumentalna, štafelajna, miniaturna. Velikost vpliva na interakcijo s prostorom.

2. V katerem prostoru je bilo analizirano delo (v templju, na trgu, v hiši itd.)? Za kakšen zorni kot je bil zasnovan (od daleč, od spodaj, od blizu)? Ali je del arhitekturne ali kiparske celote ali je samostojno delo?

3. V kolikšni meri obravnavano delo zajema tridimenzionalni prostor (okrogla skulptura in skulptura, ki je sorodna arhitekturi; arhitekturna in kiparska oblika, visoki relief; relief; nizki relief; slikoviti relief; kontrarelief)

4. Iz katerega materiala je izdelan? Kakšne so značilnosti tega materiala? Tudi če analizirate odlitke, je pomembno, da se spomnite, iz katerega materiala je bil izvirnik. Pojdite v dvorane originalov, poglejte, kako izgleda skulptura, izdelana iz materiala, ki vas zanima. Katere lastnosti kipa narekuje material (zakaj je bil ta material izbran za to delo)?

5. Ali je skulptura zasnovana za fiksne poglede ali se popolnoma odpre, ko se sprehajate? Koliko popolnih ekspresivnih silhuet ima ta skulptura? Kakšne so te silhuete (zaprte, strnjene, geometrično pravilne ali slikovite, odprte)? Kako so silhuete povezane med seboj?

6. Kakšna so razmerja (razmerja delov in celote) v tem kipu ali kiparski skupini? Kakšna so razmerja človeške figure?

7. Kakšen je vzorec kiparstva (razvoj in zaplet razmerij med velikimi kompozicijskimi bloki, ritem notranjih členitev in narava površinskega razvoja)? če pogovarjamo se glede reliefa - kako se celota spremeni, ko spremeniš zorni kot? Kako se spreminja globina reliefa in gradijo prostorski načrti, koliko jih je?

8. Kakšna je tekstura izklesane površine? Homogen ali različen v različnih delih? Vidne so gladke ali »narisane« sledi dotika orodja, naravne, pogojne. Kako je ta tekstura povezana z lastnostmi materiala? Kako tekstura vpliva na zaznavanje silhuete in volumna kiparske oblike?

9. Kakšna je vloga barve v kiparstvu? Kako sodelujeta volumen in barva, kako vplivata ena na drugo?

10. Kateri zvrsti pripada ta skulptura? Za kaj je bil?

11. Kakšna je interpretacija motiva (naturalistična, pogojna, po kanonu, po mestu, ki ga kip zaseda v svojem arhitekturnem okolju, ali kakšna druga).

12. Ali čutite v delu vpliv nekaterih drugih zvrsti umetnosti: arhitekture, slikarstva?

Opis in analiza slik

Likovni jezik slikarstva

Koncept slikarstva. Sredstva likovnega izražanja: likovni prostor, kompozicija, barva, ritem, značaj barvite poteze. Slikarski materiali in tehnike: olje, tempera, gvaš, akvarel, mešana tehnika itd. Štafelajno in monumentalno slikarstvo. Različice monumentalnega slikarstva: freska, mozaik, vitraž itd. Slikarski žanri: portret, krajina, vsakdanji žanr, tihožitje, živalski, zgodovinski itd.

Opis slik

Določitev osnovnih parametrov dela: avtor, datum nastanka, velikost slike, format slike: vodoravno ali navpično podolgovat pravokotnik (lahko z zaobljenim koncem), kvadrat, krog (tondo), oval. Tehnika (tempera, olje, akvarel ipd.) in na kakšni podlagi (les, platno ipd.) je bila slika narejena ipd.

Analiza slik

Načrt analize vzorca:

1. Ali je na sliki zaplet? Kaj je prikazano? V kakšnem okolju se nahajajo upodobljeni liki, predmeti?
2. Na podlagi analize slike lahko sklepate o žanru. V kateri žanr: portret, krajina, tihožitje, akt, vsakdanje življenje, mitološki, religiozni, zgodovinski, živalski, sodi slika?
3. Kakšno nalogo po vašem mnenju rešuje umetnik – vizualno? ekspresivno? Kakšna je stopnja konvencije ali naturalizma slike? Ali konvencionalnost gravitira k idealizaciji ali k ekspresivnemu popačenju? Praviloma je kompozicija slike povezana z žanrom.
4. Katere so sestavine kompozicije? Kakšno je razmerje med predmetom slike in ozadjem/prostorom na platnu slike?
5. Kako blizu ravnini slike so predmeti na sliki?
6. Kakšen zorni kot je izbral umetnik - od zgoraj, spodaj, v ravnini z upodobljenimi predmeti?
7. Kako je določena pozicija gledalca – ali je vključen v interakcijo s podobo, upodobljeno na sliki, ali mu je dodeljena vloga odmaknjenega kontemplatorja?
8. Ali lahko kompozicijo imenujemo uravnotežena, statična ali dinamična? Če je gibanje, kako je usmerjeno?
9. Kako je zgrajen slikovni prostor (ravno, nedoločeno, prostorska plast je ograjena, nastane globok prostor)? Kako se doseže iluzija prostorske globine (razlika v velikosti upodobljenih figur, prikaz volumna objektov ali arhitekture, uporaba barvnih gradacij)? Kompozicija se razvija z risbo.
10. Kako izrazit je linearni začetek na sliki?
11. So konture, ki razmejujejo posamezne objekte, poudarjene ali zakrite? S čim se ta učinek doseže?
12. V kolikšni meri je izražena prostornina predmetov? Katere tehnike ustvarjajo iluzijo volumna?
13. Kakšno vlogo ima svetloba na sliki? Kakšen je (gladek, nevtralen; kontrasten, kiparski volumen; mističen). Ali je vir svetlobe/smer berljiv?
14. Ali so silhuete upodobljenih figur/predmetov berljive? Kako izrazite in dragocene so same po sebi?
15. Kako podrobna (ali obratno posplošena) je slika?
16. Ali je predstavljena raznolikost tekstur upodobljenih površin (usnje, tkanine, kovina itd.)? Barvanje.
17. Kakšno vlogo ima barva v sliki (ali je podrejena risbi in volumnu ali obratno, ali podredi risbo sebi in sama gradi kompozicijo).
18. Je barva samo barvanje volumna ali kaj več? Je optično zvest ali ekspresiven?
19. Ali na sliki prevladujejo lokalne barve ali tonska barva?
20. Ali so meje barvnih madežev razločne? Ali sovpadajo z mejami volumnov in predmetov?
21. Ali umetnik operira z velikimi barvnimi masami ali z majhnimi madeži?
22. Kako so zapisane tople in hladne barve, ali umetnik uporablja kombinacijo komplementarnih barv? Zakaj to počne? Kako se prenesejo najbolj osvetljena in zasenčena mesta?
23. Ali obstajajo bleščanje, refleksi? Kako so napisane sence (gluhe ali prozorne, ali so obarvane)?
24. Ali je mogoče razločiti ritmična ponavljanja pri uporabi katere koli barve ali kombinacije odtenkov, ali je mogoče slediti razvoju katere koli barve? Ali obstaja prevladujoča barva/barvna kombinacija?
25. Kakšna je tekstura slikovne površine - gladka ali pastozna? Ali se posamezne poteze razlikujejo? Če je odgovor pritrdilen, kakšne so - majhne ali dolge, tekoče, goste ali skoraj suhe barve?

Opis in analiza grafičnih del

Likovni jezik grafike

Grafika kot oblika likovne umetnosti. Glavna sredstva likovne izraznosti grafike: črta, poteza, točka itd. Linearna in črno-bela risba. Graviranje, vrste graviranja: ksilografija, litografija, linorez, jedkanica, monotipija, akvatinta itd. Štafelajna grafika. knjižna grafika. Plakatna umetnost, plakati. Uporabna grafika.

Opis grafičnih del

Določitev osnovnih parametrov dela: avtor, datum nastanka, velikost lista, format, tehnika.

Analiza grafičnih del

Načrt analize vzorca:

1. Splošna opredelitev prostorske situacije, značilnosti upodobljenega prostora. Prostor - globok ali ne, zaprt ali odprt, na katerem načrtu so koncentrirani poudarki. Prevladujoča (za to delo najbolj bistvena) sredstva konstrukcije globine in njihova uporaba. Na primer: narava linearne ali zračne perspektive (če se uporablja). Značilnosti upodobljenega prostora. Celovitost / razkosanje prostora. Razdelitev na načrte, porazdelitev pozornosti (izločanje določenih načrtov ali enotnost percepcije). Mnenje. Interakcija gledalca in upodobljenega prostora (ta element je nujen tudi, če ni podobe globokega vesolja).
2. Lega, razmerje, odnosi elementov na ravnini in v prostoru.

Določitev vrste sestave – če je možno. V prihodnosti pojasnilo: kako točno je ta vrsta kompozicije utelešena v tem grafičnem delu, kakšne so nianse njegove uporabe. Značilnosti formata (velikost razmerja). Razmerje formata in kompozicije: slika in njene obrobe. Porazdelitev mase znotraj lista. Kompozicijski poudarek in njegova lokacija; njegov odnos z drugimi elementi; prevladujoči smeri: dinamika in statika. Interakcija glavnih elementov kompozicije s prostorsko strukturo, postavitev poudarkov.

1. Analiza grafične tehnike.
2. Rezultat analize je prepoznavanje principov gradnje forme, njenih izraznih lastnosti in učinka. Glede na oblikovne in izrazne lastnosti dela se lahko zastavi vprašanje njegovega pomena (vsebine, ideje), tj. nadaljujte z razlago. Hkrati je treba upoštevati zaplet (kako je zaplet interpretiran v tem delu?), Posebnosti upodobitve likov (na zapletu in portretu - drže, geste, izrazi obraza, pogled) , simbolika (če obstaja) ipd., hkrati pa je čas sredstvo reprezentacije in s tem vpliva slike. Ugotovljene posamezne značilnosti dela je mogoče povezati tudi z zahtevami vrste in zvrsti, ki ji pripada, s širšim umetniškim kontekstom (avtorjevo delo kot celota: umetnost dobe, šola ipd.) . Iz tega lahko sledi sklep o vrednosti in pomenu dela, njegovem mestu v umetnostni zgodovini.

Opis in analiza del umetne obrti in ljudske umetnosti

Vrste umetne obrti in ljudske umetnosti

Slikanje na les, kovino itd. Vezenje. Tkanje preprog. Nakit Art. Rezbarije v lesu, kosti. Keramika. Umetniški laki itd.

Opis spomenikov dekorativne, uporabne in ljudske umetnosti

Vrsta dekorativne in uporabne umetnosti. Material. Značilnosti njegove obdelave. Dimenzije. Sestanek. Karakterizacija barve, teksture. Stopnja korelacije med utilitarno in umetniško-estetsko funkcijo predmeta.

Analiza spomenikov umetne obrti in ljudske umetnosti

Načrt analize vzorca

1. Čemu je namenjen ta predmet?
2. Kakšne so njegove dimenzije?
3. Kako se nahaja dekoracija predmeta? Kje se nahajajo cone figurativnega in okrasnega okrasja? Kako je postavitev slik povezana z obliko predmeta?
4. Katere vrste okraskov se uporabljajo? Na katerih delih predmeta se nahajajo?
5. Kje so figurativne podobe? Ali zavzamejo več prostora kot okrasne ali so le eden od okrasnih registrov?
6. Kako je zgrajen register s figurativnimi podobami? Ali je tukaj mogoče reči, da gre za proste kompozicijske tehnike ali za princip jukstapozicije (figure v enakih položajih, minimalno gibanje, ponavljanje druga druge)?
7. Kako so upodobljene figure? Ali so mobilni, zamrznjeni, stilizirani?
8. Kako se prenesejo podrobnosti figur? Ali so videti bolj naravne ali okrasne? Katere tehnike se uporabljajo za prenos figur?
9. Če je mogoče, poglejte v notranjost predmeta. Ali obstaja slika in okraski? Opišite jih glede na zgornji diagram.
10. Katere primarne in sekundarne barve se uporabljajo pri izdelavi okraskov in figur? Kakšen je ton same gline? Kako to vpliva na značaj slike - jo naredi bolj okrasno ali, nasprotno, bolj naravno?

Besedilo:

Analiza dela je kompleksno delo razuma, ki zahteva veliko znanja in spretnosti.

Obstaja veliko pristopov, tehnik, metod analize, vendar se vsi ujemajo z več kompleksnimi dejanji:

1. 1) dekodiranje informacij, vsebovanih v strukturi samega dela,
2. 2) analitično preučevanje procesa in okoliščin nastanka umetniškega dela, ki pomaga poglobiti in obogatiti njegovo razumevanje,
3. 3) preučevanje zgodovinske dinamike umetniške podobe dela v individualni in kolektivni percepciji.

V prvem primeru gre za delo z delom kot vrednoto samo po sebi – »besedilo«; v drugem obravnavamo besedilo v kontekstu, pri čemer razkrivamo sledi vpliva zunanjih impulzov v umetniški podobi, v tretjem preučujemo spremembe umetniške podobe glede na to, kako se spreminja njeno dojemanje v različnih obdobjih.

Vsak umetnina zaradi svoje izvirnosti narekuje svojo pot, svojo logiko, svoje metode analize.

Vseeno bi vas rada opozorila na nekaj splošnih načel praktičnega analitičnega dela z umetniškim delom in podala nekaj nasvetov.

"Eureka!" (analiza spletk). Prvo in najpomembnejše je, da že samo umetniško delo nakazuje pot, po kateri lahko prodremo v globino pomena umetniške podobe. Obstaja nekakšen "kavelj", ki ujame um z nenadnim vprašanjem. Iskanje odgovora nanj – bodisi v notranjem monologu, v komunikaciji z zaposlenimi ali študenti – pogosto pripelje do uvida (Eureka!). Zato se tovrstni pogovori - naučiti se jih je treba voditi s skupino - imenujejo hevristični. Analitično delo v muzejskem ali arhitekturnem okolju se običajno začne s takšnimi vprašanji – »dekodiranjem« informacij, ki jih vsebuje umetniško »besedilo«.

Postaviti vprašanje je pogosto težje kot najti odgovor.

- Zakaj ima "Goli fant" Aleksandra Ivanova tako tragičen obraz?

- Zakaj je figura mladeniča, ki dviguje paraliziranega moškega na sliki »Videz Mesije« istega Ivanova, oblečenega v Kristusova oblačila?

— Zakaj je kovček na sliki K.S. prazen? Petrov-Vodkin "Mati" 1915?

— Zakaj P.D. Fedotov v drugi različici slike "Major's Matchmaking" odstrani lestenec - detajl, ki ga je tako dolgo iskal?

— Zakaj v kiparskem doprsnem kipu Sh.I. Makhelson s Shubinovim marmorjem je poliran do mastnega sijaja, medtem ko je v večini primerov "koža" obrazov na njegovih portretih videti mat?

Veliko je takšnih vprašanj, ki si jih lahko prikličemo v spomin, vsa pa so dokaz edinstvene, osebne vizije, ki je lastna vsaki osebi. Tukaj namenoma ne dajem odgovorov - poskusite jih najti sami.

Pri analitičnem delu z umetniškim delom vam ne bo pomagala le zmožnost, da jo vidite s svežim očesom, da jo neposredno zaznate, ampak tudi zmožnost abstrahiranja, izolacije določenih momentov zaznave ter elementov forme in vsebine. .

Če govorimo o plastičnih umetnostih, so to kompozicije, diagrami, analitične skice, koloristične »postavitve«, analiza prostorske konstrukcije, »igranje« dodatkov itd. Vsa ta in druga sredstva lahko uporabimo pri delu. Vendar si je treba zapomniti eno stvar: vsaka analitična tehnika je najprej način interpretacije elementov oblike, njihovega razumevanja. Izmerite, postavite, narišite diagrame, vendar ne zaradi teh diagramov samih, ampak v imenu razumevanja njihovega pomena, saj v resnično umetniški podobi ni "praznin" - material sam, in velikost, in formata, vse do teksture, tj. površina umetniškega predmeta je polna smisla. Z drugimi besedami, gre za jezik umetnosti.

Umetniška dela so kljub svoji izvirnosti, unikatnosti primerna za tipologijo, seveda pa jih lahko razvrščamo predvsem po zvrsteh umetnosti.

Problem tipologije boste predmet študija pri predmetih likovne teorije in estetike, na začetku predmeta pa bi se radi posvetili tistim vidikom, ki igrajo pomembno vlogo pri analizi, predvsem interpretacija umetnosti. Poleg tega dobimo priložnost, da določimo pomen temeljnih konceptov (pomen tega dela je bil omenjen zgoraj).

Torej, umetniško delo lahko spada v eno od vrst, ki jih delimo na: enokomponentne (monostrukturne), sintetične in tehnične.

• Enokomponentno - slikarstvo, grafika, kiparstvo, arhitektura, literatura, glasba, umetnost in obrt.
• Sintetične - gledališke in spektakularne umetnosti.
• Tehnični - film, televizija, računalniška grafika.

Enokomponentne umetnosti so razdeljene na:

• prostorski (arhitektura, slikarstvo, grafika, umetnost in obrt)
• začasno (literatura, glasba),

pa tudi slikovne (slikarstvo, grafika, kiparstvo) in neslikovne (arhitektura, umetnostna obrt, literatura, glasba).

Ker obstajajo različna stališča pri razvrščanju umetnosti in ker vse te definicije niso absolutne, temveč relativne, jih bomo določili in se najprej – zelo na kratko – posvetili problemu prostora in časa v umetnost, saj ni tako enostavna, kot se morda zdi na prvi pogled, in je zelo pomembna pri analizi dela.

Najprej ugotavljamo, da je delitev umetnosti na prostorsko in časovno zelo pogojna in temelji na značilnostih obstoja dela: materialni nosilci prostorske umetnosti so resnično objektivni, zasedajo mesto v prostoru in samo rastejo. stara in propadla v času. Toda materialni nosilci glasbenih in literarna dela zavzemajo tudi prostor v prostoru (note, plošče, kasete in končno izvajalci in njihovi inštrumenti; rokopisi, knjige, revije). Če govorimo o umetniških podobah, potem »zavzemajo« določen duhovni prostor in se v vseh umetnostih razvijajo v času.

Zato bomo poskušali, ko smo ugotovili obstoj teh kategorij kot klasifikacijskih, o njih spregovoriti z analitičnega vidika, za nas - v tem primeru - pomembnejšega.

Zgoraj smo ugotovili, da vsaka umetnina kot materialno-idealni pojav obstaja v prostoru in času, njena materialna osnova pa je nekako povezana predvsem s prostorom, idealna pa s časom.

Vendar pa je umetniško delo povezano s prostorom tudi z drugih vidikov. Naravni prostor in njegovo doživljanje človeka močno vplivata na umetniško podobo, ki na primer v slikarstvu in grafiki povzroča različne sisteme prostorskih konstrukcij, določa značilnosti reševanja prostorskih problemov v arhitekturi, podobo prostora v literaturi. . V vseh umetnostih so »prostor stvari«, »prostor človeka«, »prostor družbe«, naravni – zemeljski in kozmični – prostor in končno prostor najvišje duhovne resničnosti – Absoluta. Bog, so razločljivi.

Spreminja se pogled na svet, temu pa tudi sistem umetniškega mišljenja; to gibanje od starega sistema k novemu zaznamujejo spremembe v konceptu prostora. Tako je prenos fokusa pozornosti z najvišje duhovne resničnosti - Boga, nebeškega sveta v 17. stoletju na osebo v ruščini umetnost XVII stoletja se je zdelo, da je umetnikovo obzorje zožilo, neskončnost obratne perspektive pa je nadomestila omejenost neposredne.

Čas je tudi mobilen in večplasten.

To je pravi čas materialnega nosilca, ko note rumenijo, filmi razmagnetijo, naoljene plošče črnijo, in čas umetniške podobe, ki se neskončno razvija, tako rekoč nesmrtna. To je tudi iluzorni čas, ki obstaja znotraj umetniške podobe, čas, v katerem živijo upodobljena stvar in človek, družba, človeštvo kot celota. To je čas nastanka dela, zgodovinska doba in obdobje življenja in končno starost avtorja, ta čas je dolžina dogajanja in čas "pavz" - odmorov med upodobljenimi epizodami. Končno je to čas priprave na zaznavanje, zaznavanje v stiku z delom, doživljanje in dojemanje zaznane likovne podobe.

V vsaki od umetnosti se prostor in čas prikazujeta drugače, o čemer govorijo naslednja poglavja, ki so posvečena posebni vrsti umetnosti s svojo inherentno strukturo likovne podobe.

Ni naključje, da sem napisal "prikazano" in ne "upodobljeno", saj moramo tudi te pojme ločiti.

Prikazovati pomeni najti figurativni ekvivalent pojavu realnosti, ga vtkati v tkivo umetniške podobe, upodobiti – ustvariti vizualno – vidno, verbalno – besedno ali zvočno – slušno analogijo stvari. Umetnosti delimo, kot je navedeno zgoraj, na slikovno in neslikovno ne zato, ker je v glasbi nemogoče upodobiti, na primer, hrup vlaka ali krik petelina (ali celo celega perutninskega dvorišča), ampak v literature ni mogoče opisati skoraj nobenega vidnega ali slišnega predmeta. To je mogoče tako v glasbi kot v literaturi: v prvem primeru imamo opravka z onomatopejo, v drugem z opisom. Še več, nadarjen avtor, ki je globoko izkusil stik s slikarskim, kiparskim, glasbenim delom, lahko najde takšne besede, da bo njegov opis postal polnopravni in visoko umetniški verbalni (besedni) analog likovnega ali glasbenega dela. .

Arhitekturna dela (da ne omenjamo njihovih delov: stebri v obliki lotosa egipčanskih templjev, lubje, atlanti, relief in drugi okrasni kiparski elementi) so lahko tudi podobe: na primer, v tridesetih letih prejšnjega stoletja v Sovjetski zvezi je bilo v modi graditi hiše v obliki avtomobilov ali drugih predmetov. V Leningradu so zgradili celo šolo v obliki srpa in kladiva, čeprav je to mogoče videti le iz ptičje perspektive. Pa razne posode v obliki ptic, rib, človeških figur ipd. v neumetnostni umetnosti!

Nasprotno pa dela likovne umetnosti pogosto »ne upodabljajo ničesar« kot abstraktno slikarstvo in kiparstvo.

Tako se ta klasifikacijska značilnost izkaže za relativno. In vendar obstaja: obstajajo vizualne, to je vizualno zaznane "lepe umetnosti", ki temeljijo na podobi pojavov sveta, in neslikovne, besedne in glasbene.

Umetnost je vedno pogojna in ne more (da ne omenjam, da ne bi smela) ustvariti popolne podobnosti tega ali onega pojava živega življenja. Umetnik ne podvaja obstoječe realnosti, ustvarja likovne in figurativne modele sveta ali njegovih elementov, jih poenostavlja in preoblikuje. Tudi slikarstvo, najbolj »iluzorna« umetnost, ki je na videz sposobna ujeti in na platno prenesti vse bogastvo večbarvnega sveta, ima izjemno hendikepiran posnemanje pasme.

Res obožujem CS. Petrov-Vodkin. Na eni izmed njegovih razstav je bila v dvorani Ruskega muzeja na steni ob oknu postavljena njegova »Naša Gospa – nežnost hudobnih src« – sijaj čistega škrlata, modrine in zlata.

Dolga leta je bila slika skrita v skladiščih, zdaj, ko je bila v veži, pa se je zdelo, da jo lahko sediš in gledaš v neskončnost. Ozadje je sijalo s kozmično globoko, prodorno čisto svetlobo nebeških globin, ki je skupaj s škrlatnim maforijem senčila čudovito krotko obličje Matere božje ...

Dolgo sem sedel, zunaj se je zmračilo, zimski večer sijala v oknu - in kakšen šok je bil zame tih sij skromnega zimskega peterburškega mraka v oknu - izgledala sta ob modrini na sliki Petrov-Vodkin, kot sijoč safir ob modrem papirju, s katerim škatlice za vžigalice so polepljene. Takrat sem imel priložnost ne izvedeti, ampak videti in občutiti, kako so možnosti umetnosti pri posnemanju življenja v resnici omejene, če jo presojamo po priljubljenem kriteriju naivnega gledalca: ali je podoba podobna ali nepodobna. na izvirnik. In sploh ni v njegovi moči, da bi čim bolj podobno, čim bolj mimetično reproduciral življenjske pojave.

Likovna podoba ni zgolj ponavljanje življenja in njena verbalna ali likovna verbalna verbalnost nikakor ni glavna kvaliteta. Umetnost je eden od načinov obvladovanja sveta: njegovo poznavanje, vrednotenje, preoblikovanje s strani človeka. In vsakič v umetniški podobi - na različne načine v različnih vrstah umetnosti in v različnih umetniški sistemi- pojav (to, kar človek zaznava s čustvi, se mu razkrije) in bistvo (bistvo pojava, celota njegovih bistvenih lastnosti) sta povezana, kar umetnost priznava za prikaz.

Vsak sistem umetniškega mišljenja oblikuje svojo metodo spoznavanja bistva - ustvarjalno metodo. V šoli ste se že seznanili s tako specifičnimi evropskimi ustvarjalnimi metodami, kot so barok, klasicizem, sentimentalizem, romantika, realizem, simbolizem, modernizem, socialistični realizem, nadrealizem itd. Seveda se spomnite, da je vsaka metoda nastala v imenu razumevanja , spoštovanje, preoblikovanje človeka in sveta kot celote ter njihovih individualnih lastnosti. Spomnite se, kako se dosledno »zbira« znanje o človeku: barok proučuje in prikazuje svet viharnih, nebrzdanih čustev človeka; klasicizem - njegov vsemerni uravnotežen um; sentimentalizem potrjuje človekovo pravico do zasebnost in vzvišeni, a čisto osebni občutki; romantika - lepota svobodnega razvoja posameznika "v dobrem ali v slabem", njegove manifestacije v "usodnih minutah" sveta; realizem odraža družbene temelje oblikovanja in življenja osebe; simbolika spet drvi v skrivnostne globine človeška duša, nadrealizem pa poskuša prodreti v globine podzavesti itd. Vsak od teh ustvarjalnih sistemov ima torej svoj subjekt podobe, izoliran v enem samem objektu - osebi. In njihove funkcije: potrditev ideala, študij, izpostavljanje itd.

V skladu s tem se razvija tudi metoda preoblikovanja predmeta, ki omogoča razkrivanje njegove dejanske vsebine: to je idealizacija predmeta - preoblikovanje, umetniško osvobajanje »nepopolne realnosti od njene nepopolnosti«, primerjanje z ideal (Kratka filozofska enciklopedija. M., 1994) v metodah, kot so barok, klasicizem, romantika, ki se med seboj razlikujejo po tem, da se sam ideal razume drugače; je tipizacija, značilna za realizem, in simbolizacija, ki jo je človeštvo uporabljalo na različnih stopnjah umetniškega raziskovanja sveta.

Če pogledamo zgodovino razvoja umetnosti na zelo visoki stopnji posploševanja, lahko rečemo, da se ta razvija med dvema poloma likovno-figurativnega modeliranja sveta: od želje po njegovem ustvarjanju do skrajnosti, do iluzije oz. verjetna reprodukcija do končne posplošitve. Ti dve metodi je mogoče povezati z delom obeh hemisfer možganov: leve analitične, ki v imenu svojega znanja deli pojav na dele, in desne - posplošujoče, domišljijske, ki ustvarja celovite podobe (ne nujno umetniške) za isti namen.

Na Zemlji obstajajo območja, kjer prevladujejo ljudje z opazno prednostjo v razvoju ene od hemisfer. Lahko celo, seveda zelo pogojno, rečemo, da so koncepti "vzhod", "človek vzhoda" povezani z desno hemisfero - imaginativnim (figurativnim) mišljenjem, medtem ko "zahod", "človek zahoda" z levohemisferično, analitično, znanstveno.

In tu se soočimo z vidnim paradoksom.

Spomnimo se: leva hemisfera nadzira abstraktno-logično, verbalno, analitično mišljenje; desno - konkretno, figurativno, neverbalno, posplošujoče.

Na prvi pogled je enostavno ugotoviti, kaj je bolj specifično: portret, ki izraža videz in značaj določene osebe, ali, recimo, človek na semaforju - zelo posplošena oznaka osebe, kup grozdje, naslikano v nizozemskem tihožitju, ali neskončna vinska trta v orientalskem ornamentu, sestavljenem iz številnih pogojnih, pripeljanih na raven okrasnih elementov listov in grozdov.

Odgovor je očiten: mimetične podobe - portret, tihožitje - so konkretne, ornamentalne posplošitve so bolj abstraktne. V prvem primeru so potrebni pojmi "ta oseba", "ta kup", v drugem pa "moški", "šop" zadostujeta.

Nekoliko težje je razumeti, da sta portret in tihožitje, ki sta umetniški podobi, hkrati bolj analitični - "levo-hemisferični" kot elementi ornamenta. Zares, predstavljajte si, koliko besed bi bilo potrebnih za opis portreta – besedni »prevod« te podobe bi bil precej dolg in bolj ali manj dolgočasen, vinsko trto v ornamentu pa definirajo ena, največ tri besede: plezajoča trta. ornament. Toda, ko je skiciral vinsko trto iz narave, je avtor ornamenta večkrat ponovil to sliko in dosegel končno posplošitev, ki omogoča doseganje ravni simbola, ki ne vsebuje enega, ampak veliko pomenov.

Če želite izvedeti več o zahodnih analitičnih (mimetičnih, posnemalnih) in vzhodnih posplošenih (okrasnih) načinih ustvarjanja likovne podobe, preberite odlično knjigo L.A. Lelekov "Umetnost starodavne Rusije in vzhoda" (M., 1978). Ob razpravi o dveh sistemih likovno-figurativnega mišljenja avtor nasproti postavi dva niza trditev.

Prva pripada Sokratu: "Slika je podoba tega, kar vidimo."

Drugi je Budi: "Umetnik je pripravil barve, da bi ustvaril sliko, ki je ni mogoče videti v barvah."

Starodavna legenda o tekmovanju dveh spretnih slikarjev - Zeuxisa in Parrhasiusa - pripoveduje, kako je eden od njiju naslikal vejo vinske trte in kako so se ptice zgrinjale k tej sliki, da bi kljuvale jagode, upodobljene na njej - tako velika je bila iluzija življenja, ki jo je napolnilo. Drugi je prevaral oko svojega kolega, ko je na platnu upodobil zaveso, s katero naj bi bila slika prekrita, s tako umetnostjo, da ga je prosil, naj jo hitro zagrne. Ustvarjanje iluzije - posnemanje vidnega - je bil najvišji cilj vsakega od tekmecev.

Buda govori o povsem drugem cilju: vidna podoba, naslikana z barvami, je le nosilec podobe, ki se rodi v človekovi duši. Krščanski filozof Janez Damaščanski odmeva z Budo: "Vsaka podoba je razodetje in pokazatelj skritega."

Pravzaprav je vinska trta, ki krasi stebre ikonostasa, simbol življenja in plodnosti, edenski vrt (Kristusov vrt), simbol večnosti.

Takole je L.A. Lelekov o drugem ornamentu: preplet izmenjujočega se sadja in cveta, ki je zelo pogost v orientalski ornamentiki, označuje »koncepte enotnosti vzroka in posledice ter večnosti bivanja, teme stvarjenja in nenehnega obnavljanja življenja, razmerje preteklosti in prihodnosti, trčenje nasprotij« (Ibid. S. 39).

Toda tako kot med razmeroma maloštevilnimi skupinami izrazitih »levohemisferskih« znanstvenikov in »desnohemisfernih« umetnikov obstaja množica prehodnih tipov, ki številčno prevladujejo, tako med naturalističnim, ki je enak sebi, vreden sam po sebi, in nima skrite pomene, iluzorna podoba videza (pojav) in čisti ornament, ki vsebuje veliko pomenov, leži ogromen prostor, ki ga zasedajo podobe mešanega tipa - o njih smo govorili zgoraj.

Morda najbolj harmonična med njimi je realistična podoba, ko si umetnik prizadeva utelešiti bistvo pojava, simbolizirati vidno. Da, Al. Ivanov, ki je odkril zakone plenerizma in razvil metodo za utelešenje notranjih lastnosti in lastnosti osebe v njenem zunanjem videzu, je svoje stvaritve napolnil z globokim simbolnim pomenom.

Abstrakcionistični umetniki 20. stoletja, ki so razgrajevali, razširjali svoje slike, zavračali ustvarjanje »druge«, iluzorne resničnosti na platnu, se obrnili v sfero človeške nadzavesti, poskušali ujeti podobo v njeni izvirnosti, v globinah človeka. dušo ali pa jo, nasprotno, zgradil.

Zato boste morali v analizi, po intrigi prvega vprašanja, ki se je pojavilo, razmišljati o tem, kaj je »prostorsko-časovni kontinuum« umetniške podobe dela, subjekt podobe, metoda in sredstva preoblikovanje predmeta. In še eno pomembno vprašanje se postavlja pred vami: kakšna sta elementarna sestava in povezava - struktura likovne podobe.

Umetniška podoba dela je celovitost in kot vsako celovitost jo lahko predstavljamo, opisujemo kot sistem, sestavljen iz elementov (vsak izmed njih je prav tako integralen in jih je mogoče predstavljati kot sistem) in njihovih medsebojnih povezav. Strukturiranost in zadostno število elementov zagotavljata delovanje likovne podobe kot celote, tako kot prisotnost potrebnih delov in njihova pravilna sestavljivost - povezava, struktura zagotavljata napredovanje in pravočasno zvonjenje budilke.

Kaj lahko označimo kot elemente umetniške podobe? Rima, harmonija, barva, glasnost itd.? To so elementi oblike. Subjekt slike, predmet, bistvo, pojav? To so vsebinski elementi. Če razpravljamo logično, je očitno treba priznati, da so elementi likovne podobe dela tudi podobe: oseba v celotnem razponu od najpreprostejše simbolne podobe v petroglifih do psihološkega portreta; materialni predmetni svet v nešteto različnih stvareh, ki jih je ustvaril človek, katerih celota se pogosto imenuje civilizacija ali "druga narava"; družbene vezi, od družinskih do univerzalnih; narava čudežna v vseh svojih manifestacijah in oblikah: živi svet živali, neživi svet - bližnji, planetarni in kozmični; končno tisti višji duhovni red, ki je prisoten v vseh umetnostnih sistemih in ki ga modreci različnih obdobij različno imenujejo: Višji um, Absolut, Bog.

Vsaka od teh podob se v različnih umetnostih realizira na različne načine in ima nadspecifičen, generičen značaj.

S pridobivanjem konkretnosti v umetniškem delu se taka podoba lahko vključi kot sestavni del v sistem bolj zapletene celote (npr. podobe narave zavzemajo pomembno mesto v romanih Turgenjeva, v operah Rimskega-Korsakova in v Repinovih slikah). ). Ena od podob lahko zavzema osrednje mesto in podreja ostale (kot so monostrukturne zvrsti likovne umetnosti - portret, krajina itd.), lahko pa tvori obsežno plast umetniških del - iz serij v delu enega mojster (na primer "Petriada" v .A. Serova) I do tako velikanskih tvorb, kot je "Leniniana" v sovjetski umetnosti.

Torej je v procesu analize dela mogoče razlikovati figurativne prvine in vzpostaviti povezave med njimi. Pogosto takšno delo pomaga globlje razumeti avtorjevo namero in se zavedati čustev, ki jih doživlja komuniciranje z delom, bolje razumeti in interpretirati umetniško podobo.

Če povzamem ta kratek razdelek o analiza umetniškega dela kot samozadostne celovitosti »besedila« Izpostavimo najpomembnejše:

1. 1) analiza je le ena od operacij, vključenih v sistem dela z umetniškim delom. Eno najpomembnejših vprašanj, na katero si morate odgovoriti v procesu analitičnega dela, je: kako, na kakšen način in s kakšnimi sredstvi je umetnik lahko dosegel natanko tisti vtis, ki ste ga doživeli in spoznali v predanalitični komunikaciji z umetniška podoba?
2. 2) analiza kot operacija delitve celote na dele (čeprav vključuje elemente sinteze) ni sama sebi namen, temveč način globljega prodiranja v pomensko jedro umetniške podobe;
3. 3) vsako umetniško delo je enkratno, neponovljivo, zato je metodično pravilno - in za učitelja zelo pomembno - najti "intrigo analize" - ključno vprašanje, ki bo za seboj, zlasti pri kolektivnem delu, povzročilo verigo, oziroma sistem vprašanj, odgovori na katere bodo oblikovali celostno sliko analize;
4. 4) vsako umetniško delo je umetniško-figurativni model sveta, ki odraža dejanske vidike, dele, vidike
   svet in njegove glavne prvine: človek, družba, civilizacija, narava, Bog. Ti vidiki, deli, vidiki Bivanja tvorijo smiselno osnovo – subjekt podobe, ki je po eni strani že objektivna resničnost, saj je le njen del, po drugi strani pa je prvotno bogatejša, ker nosi držo avtorja, se bogati v ustvarjalnem procesu, daje prirast spoznanja o svetu v objektivizirani obliki, v umetniškem delu, in se končno uresničuje v procesu ustvarjanja. Pri analitičnem delu morate odgovoriti na vprašanja: kaj je predmet slike v tem delu? kaj je predmet slike? kaj novega izvemo o svetu z asimilacijo umetniške podobe dela?
5. 5) vsako umetniško delo pripada eni od vrst umetnosti, v skladu s katero se oblikuje način preoblikovanja subjekta slike, oblikovanje umetniške podobe, poseben jezik umetnosti.
6. 6) umetnost kot celota in ločeno delo kot pojav materialnega sveta obstajata v prostoru in času. Vsaka epoha, vsak estetski sistem razvije lastno umetniško pojmovanje časa in prostora v skladu s svojim razumevanjem teh realnosti in svojimi cilji. Zato je analiza značilnosti utelešenja prostora in časa v delu nujna analitična operacija;
7. 7) umetniško-figurativni model sveta je lahko slikovni (vizualni) ali neslikovni (slušni, verbalni ali vizualno-konstruktivni). Posnemanje življenja (do želje po ustvarjanju iluzije-»prevare«) ali, nasprotno, popolna »razobjektivizacija« podobe, tako kot vse vmesne oblike, ni sama sebi namen, je vedno smiselna, služi kot utelešenje postavljanja ciljev, razkritih v analizi. Hkrati se vzpostavi razmerje med pojavom in bistvom, katerega dojemanje in razvijanje je navsezadnje ena glavnih funkcij umetnosti. V procesu analize je torej treba razumeti, kateri pojav je osnova umetniške podobe (slikovni objekt), katere lastnosti, lastnosti, vidiki predmeta so zanimali umetnika (slikovni objekt), kako, na kakšen način predmet je bilo transformirano in kakšna je struktura - elementarna kompozicija in struktura - nastala likovna podoba. Z odgovorom na ta vprašanja je mogoče precej dobro razumeti pomen umetniškega dela, kaj je tisto bistvo, ki sije skozi tkivo umetniške podobe.

Preden končam z analizo in njenim mestom pri delu z umetniškim delom, naj vam dam dva nasveta.

Prvi se nanaša na pomen analize. Ne glede na to, ali vam je to ali ono umetniško delo blizu ali notranje tuje, vam bo analiza – interpretacija pomagala razumeti avtorja in v pogovoru o delu utemeljiti svojo oceno. V odnosih z umetnostjo je bolje zamenjati "všeč - ne maram" z drugimi formulacijami:

"Razumem in sprejemam" ali "Razumem, vendar ne sprejemam!" In hkrati bodite vedno pripravljeni utemeljiti svoje mnenje.

Drugi nasvet vam bo še posebej koristil, če boste morali delati na razstavi. sodobna umetnost ali na obisku pri umetniku – v njegovem ateljeju.

Vsakega normalnega človeka prisotnost avtorja odvrača, zato na razstavi sodobne umetnosti vedno delaj, kot da avtor stoji poleg tebe – to je zelo realna priložnost.

Toda glavno: enkrat za vselej se odpovejte ideji, da obstajata »prava« in »napačna« umetnost, »dobra« in »slaba«. Umetniško delo je podvrženo vrednotenju: navsezadnje je lahko njegov ustvarjalec mojster, morda bahavi diletant, superprilagodljiv oportunist, špekulant.

Toda v razstavni dvorani ne bi smeli hiteti delovati kot tožilec, bolje je najprej poskusiti razumeti, zakaj je delo v vas povzročilo takšno razdraženost namesto pričakovanega veselja: ali je to zato, ker ste intuitivno začutili disharmonijo slike, njene splošne uničevalne moči, valov negativne energije, ki prihajajo iz nje, ali da zaradi posebnosti vaše osebnosti niste padli v »resonanco« s tistimi, figurativno rečeno, vibracijami, ki jih je likovna podoba povzročila.

Kako različno vsi dojemamo umetnost – tako v njenih elementih kot nasploh – sem povsem nepričakovano začutila ob televizijskem ekranu. ... Zelo rad imam Kolomenskoye - s svojo mirno belo cerkvijo Kazanske Matere božje, vitkim šotorom cerkve Kristusovega vnebohoda, ki se hitro dviga nad reko Moskvo, pozlačenimi kupolami katedrale Janeza Krstnika v Dyakovo na gori za grapo, S šopi dreves, starodavnimi stebri in cenjenimi kamni v gosti zeleni travi. Že vrsto let pri umetnostni zgodovini študentom pripovedujem o teh čudovitih stvaritvah 16.-17. Toda majhna zgodba v "Klubu potovanj" na televiziji je bila zame razodetje. Vodilni duhovnik je pokazal in dokazal, da metrično oblikovan ansambel v naravnih in arhitekturnih oblikah uteleša podobo ikone Sofije - Božje modrosti. Jaz, človek z izoblikovano racionalno zavestjo, tega čudeža nikoli ne bi mogel videti na takšen način. Sedaj pa seveda s sklicevanjem na vir študentom ponudim med drugim tudi to interpretacijo.

Literatura:

Wölfflin

Janson H.V., Janson E.F. Osnove umetnostne zgodovine – najti. Najdeno. Deliti. In Gombrich tudi.

V stiku z