Nizozemska je v tistih letih vodila obsežno kolonialno trgovino, imela je močno floto, ladjedelništvo je bilo ena vodilnih industrij. Pridnim kmetom je Nizozemcem na razmeroma majhnih zemljiščih uspelo ustvariti mlečno kmetijo, ki je zaslovela na evropskem trgu. Hkrati je Nizozemska najpomembnejše središče evropske kulture. Protestantizem, ki je popolnoma nadomestil vpliv katoliške cerkve, je privedel do tega, da duhovščina ni imela takšnega vpliva kot v Flandriji. Nizozemski umetniki so imeli drugega kupca: meščane, magistrate, zato slike na Nizozemskem v tistem času niso imele enakih dimenzij kot platna Rubensa ali Jordansa in rešujejo predvsem nemonumentalne in dekorativne naloge. Glavni dosežek nizozemske umetnosti 17. stoletja je štafelajno slikarstvo. Človek in narava sta bila predmet opazovanja in upodabljanja nizozemskih umetnikov. gospodinjsko slikanje postane eden vodilnih žanrov, katerega ustvarjalci so prejeli ime "mali nizozemski", bodisi zaradi nezahtevnosti zapletov bodisi zaradi majhnosti slik. Od tod širok razpon slikarstva na posamezne teme: portret, krajina, tihožitje, živalski žanr.
Frans Hals je bil eden največjih nizozemskih portretistov. Delal je v žanru skupinskega portreta, upodabljal je strelske cehe - častniške združbe za obrambo in zaščito mest. Individualne portrete včasih imenujemo žanrski portreti zaradi posebne specifičnosti podobe.
krajinski žanrše posebej zanimivo. To sploh ni narava, nekateri celotno sliko vesolja, ampak narodna, namreč nizozemska pokrajina, ki jo prepoznamo tudi v sodobni Nizozemski: mlini na veter, puščavske sipine, kanali, po katerih poleti drsijo čolni, pozimi pa drsalci. Sivo nebo zavzema veliko mesto v kompozicijah. Razcvet krajinskega slikarstva sega v sredino 17. stoletja, največji mojster realistične krajine je bil Jacob van Ruisdael (glej reprodukcije). Njegova dela so običajno polna globoke dramatike, pa naj gre za gozdne goščave, pokrajine s slapovi ali romantično pokrajino s pokopališčem. Ruisdaelova narava se kaže v dinamiki, v večnem obnavljanju. Najpreprostejši motivi narave pod čopičem Jan van Goyen in Salomon van Ruysdael postanejo monumentalni. Samo morske krajine Jan Porcellis. V tesni povezavi z nizozemsko pokrajino je živalski žanr. Najljubši motiv Albert Cuyp- krave na napajališču. Paul Porter poleg splošnih načrtov rad upodablja eno ali več živali od blizu na ozadju pokrajine.
Briljanten razvoj doseže mirno zivljenje. Nizozemsko tihožitje ima za razliko od flamskega skromno velikost in intimne motive. Peter Klas in Willem Kheda pogosteje je upodabljal tako imenovani "zajtrk": jedi s šunko ali pito na razmeroma skromno postreženi mizi. V spretni postavitvi so predmeti prikazani tako, da se tako rekoč čuti notranje življenje stvari. Barva je zadržana in rafinirana. S spremembo življenja nizozemske družbe se spreminja tudi narava tihožitij. Khedine "zajtrke" zamenjajo razkošne sladice Kalfa. Preproste pripomočke nadomeščajo marmorne mize, preproge, srebrni čaši, biserne školjke in kristalni kozarci. Kalf dosega neverjetno virtuoznost pri podajanju teksture breskev, grozdja in kristalnih površin. Enotni ton tihožitij prejšnjega obdobja je nadomeščen z bogato gradacijo najizvrstnejših pisanih odtenkov.
V krogu Franza Halsa, kjer se je razvijal flamski slikar Adrian Brouwer, je bilo izrazito zanimanje za teme. gospodinjsko slikanje
. Adrian van Ostade običajno prikazuje senčno plat kmečkega življenja. Od štiridesetih let 20. stoletja satirične note v njegovem delu vedno bolj nadomeščajo humorne. Včasih so te majhne slike obarvane z velikim liričnim občutkom.
Notranjost postane med "majhnimi Nizozemci" še posebej poetična. Pravi pevec te teme je bil Pieter de Hooch. Njegovi prostori z napol odprtim oknom, z nehote odvrženimi čevlji ali opuščeno metlo so praviloma upodobljeni brez človeške figure, a človek je tu nevidno prisoten, vedno obstaja povezava med notranjostjo in ljudmi. Ko upodablja ljudi, namenoma poudarja nek zamrznjen ritem, življenje prikazuje kot zamrznjeno, negibno kot stvari same.
Vrhunec nizozemskega realizma, rezultat slikarskih dosežkov nizozemske kulture, je delo Rembrandta. Kot pravi Nizozemec se ne boji realističnih detajlov, kot velik umetnik se zna izogibati naturalizmu. V tridesetih letih se je Rembrandt prvič začel resneje ukvarjati z grafiko, predvsem z jedkanico. Nič manj pomembna kot slikarska dediščina ni zapuščina grafika Rembrandta, ki je zapustil gravure in unikatne risbe. Jedkanice so večinoma svetopisemske in evangelijske tematike, v risbi pa se kot pravi nizozemski umetnik pogosto obrača k vsakdanjemu žanru. Rembrandt je imel velik vpliv na umetnost, imel je veliko učencev, nekateri niso presegli zunanjega posnemanja učitelja, večina pa ga je spremenila, prešla na položaj akademizma in posnemanja Flamcev, nato pa Francozov. V zadnji četrtini 17. stoletja se začne zaton nizozemske slikarske šole, izguba njene nacionalne identitete, od začetka 18. stoletja pa se začne konec velike dobe nizozemskega realizma.
17. stoletje svetu pokazala dva umetniške šole – nizozemska in flamska. Oba sta bila naslednika umetniške tradicije Nizozemske - evropske države, na ozemlju katere se je do takrat oblikovala katoliška Flandrija, poimenovana po najpomembnejši provinci (danes je to ozemlje Belgije in Francije). Druge province, ki so branile svojo pripadnost idejam reformacije, so se združile in začele imenovati Nizozemska republika ali preprosto Nizozemska. V 17. stoletju je bilo na Nizozemskem približno tri četrtine mestnega prebivalstva, glavni razred pa je veljal za srednji razred. Reformirana cerkev je opustila sijaj dekorja, ni bilo kronanih strank in plemenske aristokracije, kar pomeni, da so predstavniki buržoazije postali glavni potrošniki umetnosti. Slikarstvu namenjen prostor je bil omejen na meščanske hiše in javne zgradbe.
Velikost slik praviloma ni bila velika (v primerjavi s palačnimi slikami ali oltarnimi kompozicijami za cerkve), ploskve pa so imele komorni značaj in so prikazovale prizore zasebnega, vsakdanjega življenja. Glavni dosežek nizozemske umetnosti 17. stoletja. - v štafelajnem slikarstvu. Človek in narava sta bila predmet opazovanja in upodabljanja nizozemskih umetnikov. Pridnost, marljivost, ljubezen do reda in čistoče se odražajo na slikah, ki prikazujejo nizozemski način življenja. Zato so nizozemske mojstre 17. stoletja (z izjemo Rembrandta in Halsa) imenovali "mali Nizozemec" obsežen krog nizozemskih slikarjev 17. stol. nastala v povezavi s komornostjo njihovega dela, majhnostjo njihovih slik (krajina, interier, vsakdanji prizori). Za slikarstvo Malih Nizozemcev so značilni tenkočutnost pisave, izraznost drobnih detajlov, lepota svetlobe in barvnih odtenkov, splošen občutek ugodja, bližina in enotnost likov v krajinskem ali notranjem okolju. Med najbolj vidni predstavniki- Jan Vermeer, brata Ostade (Adrian van O. in Isak van O.), Gerard Terborch, Jan Steen, Gabriel Metsu).
Večina umetnikov je v njih našla teme za svoje slike Domača država, po nasvetu Rembrandta: »Naučite se najprej slediti bogati naravi in prikazovati predvsem tisto, kar v njej najdete. Nebo, zemlja, morje, živali, dobro in zlobni ljudje- vse nam služi za telovadbo. Ravnine, hribi, potoki in drevesa dajejo dovolj dela umetniku. Mesta, trgi, cerkve in na tisoče naravnih bogastev kličejo k nam in pravijo: pojdite, žejni znanja, kontemplirajte nas in nas razmnožujte. Produktivnost umetnikov je dosegla neverjetne razsežnosti, posledično se je pojavila konkurenca med slikarji, kar je posledično vodilo v specializacijo mojstrov. In morda je prav zaradi tega prišlo do raznolikega žanrskega razlikovanja. Pojavili so se umetniki, ki so delali le v žanru morske krajine ali žanru urbanih vedut ali upodabljali notranjost prostorov (sob, templjev). V zgodovini slikarstva so bili primeri tihožitij in krajin, vendar ti žanri nikoli prej niso dosegli tako množičnega značaja in samozadostnosti kot na Nizozemskem v 17. stoletju.
Nizozemci so želeli na slikah videti ves raznolik svet. Od tod širok razpon slikarstva tega stoletja, "ozka specializacija" v določenih vrstah tem: portret in pokrajina, tihožitje in živalski žanr. Na Nizozemskem ni bilo povezav z Italijo in klasična umetnost ni imela takšne vloge kot v Flandriji. Obvladovanje realističnih teženj, oblikovanje določenega obsega tem in delitev žanrov kot en sam proces so se zaključili do leta 1720.
Zgodovina nizozemskega slikarstva v 17. stoletju odlično prikazuje razvoj dela enega največjih nizozemskih portretistov Frans Hals(1580-1666) Njegove dejavnosti so skoraj v celoti potekale v Harlemu. Tu je že okoli leta 1616 napredoval v naprednega velikega portretista in svojo vlogo na tem področju obdržal do konca svojega življenja. S pojavom Halsa dozori strogo realističen in ostro individualen nizozemski portret. Vse plaho, malenkostno, naturalistično, kar je odlikovalo njegove predhodnike, je premagano.
Začetna faza kalske umetnosti ni pojasnjena. Takoj opazimo mojstra, ki rešuje najtežji problem skupinskega portreta. Eno za drugo slika slike, ki prikazujejo strelce korporacije sv. Adrijana in sv. George (Harlem, muzej Fransa Halsa), kjer sta tako živahnost množičnega srečanja kot svetlost tipov vsakega od prisotnih podana z neponovljivo lahkoto. Slikarska spretnost in kompozicijska iznajdljivost skupin gresta v teh portretih z roko v roki z izjemno ostrino karakteristik. Hals ni psiholog: duševno življenje njegovi modeli gredo običajno mimo njega. Da, in piše večinoma ljudi, katerih celotno življenje poteka v pogojih intenzivne, živahne dejavnosti, vendar se ne poglablja preveč v vprašanja psihološke narave. Toda Hals kot nihče drug ujame videz teh ljudi, zna ujeti najbolj minljivo, a hkrati najbolj značilno v izrazu obraza, v drži, v gestah. Vesele narave si prizadeva ujeti vsako podobo v trenutku oživitve, radosti, nihče pa smeha ne podaja tako pretanjeno in pestro kot on. Portret častnika (1624, London, zbirka Wallace), ki se ziblje na stolu "Geytgeizen" (pozne 1630, Bruselj, umetnostna galerija), "Cigan" (pozne 1620, Louvre), ali t.i. "Harlemska čarovnica" - "Malle Bobbe"(Berlin) lahko navedemo kot značilne primere njegove ostre in pogosto živahne umetnosti. Moške, ženske, otroke upodablja z enakim smislom za živo podobo (» Portret mladeniča z rokavico", V REDU. 1650, Ermitaž). Vtis živahnosti prispeva tudi sama Halsova tehnika, ki je nenavadno svobodna in se z leti širi v svojo širino. Dekorativni sijaj zgodnjih del se nato umiri, barvitost postane srebrnkasta, svoboda uporabe črno-belih tonov govori o veščini, ki si lahko privošči drzno slikarsko drznost.
V portretih poznega obdobja (50-60-a) izginejo brezskrbna hrabrost, energija in pritisk. v Ermitažu moški portret pri vsej impresivnosti figure je zaslediti utrujenost in žalost. Te lastnosti so še poudarjene v briljantno naslikanem portretu moškega s širokokrajnim klobukom (muzej v Kasslu). Hals v teh letih ni več priljubljen, saj nikoli ne laska in se ne izkaže za tujega prerojenim okusom premožnih kupcev, ki so izgubili svoj demokratični duh. Toda prav v poznem obdobju ustvarjalnosti Hals doseže vrhunec mojstrstva in ustvari najgloblje delo. V nekaterih delih so začrtane impresionistične tehnike barvnih rešitev. Hals do zadnjih let svojega življenja naslika nešteto individualnih portretov, a se spet vrača k skupinskim portretom. Naslika 2 portreta - regenta in regenta doma za ostarele, v enem od njiju se je ob koncu življenja zatekel tudi sam. V portretu regentov ni tovarištva prejšnjih kompozicij, modeli so razklani, nemočni, zamegljenih pogledov, na njihovih obrazih je zapisano opustošenje. V mračni barvi (črna, siva in bela) vnese posebno napetost rožnato rdeča lisa na kolenu enega od regentov. Tako bolan, osamljen in obubožan umetnik pri 9 letih ustvarja svoja najbolj dramatična in obrtniško najbolj izvrstna dela.
Halsova umetnost je bila za svoj čas velikega pomena, vplivala je na razvoj ne le portreta, ampak tudi žanra vsakdanjega življenja, pokrajine, tihožitja.
krajinski žanr Nizozemska 17. stoletje še posebej zanimivo. To ni narava na splošno, neka splošna slika vesolja, ampak nacionalna, namreč nizozemska pokrajina, ki jo prepoznamo v sodobni Nizozemski: slavni mlini na veter, puščavske sipine. Sivo nebo zavzema veliko mesto v kompozicijah. Tako je prikazana Nizozemska Jan Van Goyen (1596-1656) in Salomon Van Ruysdael (1600-1670).
Zora krajinskega slikarstva v nizozemski šoli se nanaša na sredino. 17. stoletje Največji mojster realistične krajine je bil Jacob van Ruysdael (1628-1682), umetnik neusahljive domišljije. Njegova dela so navadno polna globoke dramatike, pa naj gre za gozdne goščave (»Gozdno močvirje«), krajine s slapovi (»Slap«) ali romantično pokrajino s pokopališčem (»Judovsko pokopališče«). Narava v Ruisdaelu se kaže v dinamiki, v večnem obnavljanju. Tudi najtežji motivi narave dobijo pod umetnikovim čopičem monumentalen značaj. Ruisdael se nagiba k kombinaciji skrbnega pisanja z veliko vitalno celovitostjo, s sintetičnim značajem podobe.
Rodil se je v Haarlemu leta 1628 ali 1629. Njegovo prvo ohranjeno delo iz leta 1646 je videti kot delo zrelega mojstra - takrat je bil star le 18 let. S polno gotovostjo lahko rečemo, da je leta 1648 Ruisdael postal član ceha umetnikov Haarlema.
Ruisdael je v mladosti veliko potoval v iskanju narave - ne da bi se vendarle oddaljil od rodnega Haarlema več kot sto milj. Sredi 1650-ih se je umetnik preselil iz Haarlema v Amsterdam, kjer je živel do konca svojih dni.
Metropolitanski Amsterdam v času Ruisdaela se je presenetljivo razlikoval od provincialnega Haarlema (čeprav je bila razdalja med tema mestoma že takrat premagana v dveh urah). Ruisdael svojih slik ni slikal po zasebnih naročilih, ampak za prosto prodajo.Okoli leta 1670 se je preselil v samo središče mesta, na trg Dam, kjer je najel stanovanje tik nad trgovino Hieronymusa Sveertsa, trgovca s slikami in knjigami. .
Meindert Hobbema(1638, Amsterdam, - 7. december 1709) - najpomembnejši mojster nizozemske pokrajine po svojem mentorju Jacobu van Ruysdaelu.
Znano je, da sta Hobbema in Ruisdael skupaj potovala in delala skice iz narave. Novembra 1668 se je Hobbema poročil z amsterdamskim meščanom in preko nje prejel mesto inšpektorja kakovosti uvoženih vin. Dolgo časa je veljalo, da je s tem konec njegovih slikarskih ur.
Morda je moral slikanju posvetiti manj časa kot prej, a njegovo najboljše delo, The Alley at Middelharnis, je datirano iz leta 1689, druga londonska slika, The Ruins of Brederode Castle, pa iz leta 1671. Ta kasnejša dela sodijo med najuspešnejše dosežke nizozemskega krajinskega slikarstva in v bistvu vlečejo črto v njegovem razvoju.
Umetnik je umrl v revščini, a že v 18. stoletju so ga začeli veliko posnemati, njegova dela pa so postala predmet rivalstva med zbiratelji. Za razliko od Ruisdaela, ki je raje zajemal divje živali, so Hobbema pritegnili tihi podeželski prizori z razgledi na vasi, obsijane s sončno svetlobo, ki jih tu in tam popestrijo visoke skupine dreves. V teh podeželskih idilah je vse skrbno izpisano, predvsem pa listje.
V tesni povezavi z nizozemsko pokrajino je živalski žanr. Mnogi predstavniki krajinskega slikarstva se zanimajo za prenos živali. Slednji se zelo pogosto izkažejo za enakovredne povsem krajinskim elementom, včasih pa jim krajina služi le kot ozadje. Sposobnost prepoznavanja pasme živali, njene strukture, barve, značilnih gibov je ena od presenetljivih lastnosti Nizozemcev. Tankočutnost podajanja atmosfere in svetlobe v kombinaciji s to veščino doseže pri nekaterih slikarjih živali izjemno popolnost. To dokazujejo številna dela Paulus Potter(1625-1654) in Albert Cuyp(1620-1691). Oba sta poleg slik, ki prikazujejo živali, ki se pasejo ali počivajo na prostem (Potterjeva kmetija, Ermitaž, 1649), napisala tudi posamezne kopije le-teh od blizu. Potter poleg splošnih posnetkov rad upodablja eno ali več živali od blizu na ozadju pokrajine ("Pes na verigi"). Capeov najljubši motiv so krave na napajališču ("Sončni zahod na reki", "Krave na bregu potoka"). Slika "Pokrajina s čredo, jezdecem in kmeti".
Mirno podeželsko prizorišče se kopa v zlatem sijaju sončnega zahoda. Topla svetloba prežema vse podrobnosti kompozicije in ustvarja žareč učinek. To izrazito razlikuje barvo Cape od hladnih modrih in zelenih njegovih sodobnikov, kot je npr. Meindert Hobbema. Navidezna naključnost razporeditve živali je v resnici skrbno premišljena, da bi prikazali igro svetlobe in sence.
Rt pripada poleg tega eno prvih mest med predstavniki čiste pokrajine. Njegovo slikarstvo odlikuje izjemna spretnost podajanja zlate, sončne svetlobe, motivno izredno raznoliko in vključuje številne marine (morske vedute).
Samo morska pokrajina(marina) je bil zaročen Jan Porcellis(1584-1632). Marina je imela zelo pomembno vlogo v umetnosti Nizozemske v 17. stoletju in je pripeljala številne prvorazredne strokovnjake. Splošni potek razvoja marine se zdi enak tistemu, ki ga na splošno opazimo v zgodovini nizozemske pokrajine. V zgodnji fazi so kompozicije preproste. Umetnik vidi svoj cilj dosežen, če prenese morsko širino, ladje, ki se zibljejo na njem, in samo vodo z največjo verjetnostjo. Tako piše Jan Porcellis. V naslednji generaciji se narava prenosa morskih vrst spremeni v smeri večje dinamike. Kot nekoč pa nastajajo slike, ki prikazujejo mirnost vodnega elementa, vendar to zdaj ni dovolj; nevihte začnejo ladje metati na skale, velikanski valovi jim grozijo s smrtjo in mornarje ženejo, da se zatečejo v pristanišče. V obeh primerih za Backhuizena (1631-1709) ni težav. Njegov čopič z enako virtuoznostjo prenaša brez oblakov neba, ciklone, pršenje, skale in sledi razbitin.
Briljanten razvoj doseže tihožitje. Nizozemsko tihožitje je v nasprotju s flamskim skromno po velikosti in motivih za slike intimne narave. Peter Klass (1597-1661), Willem Kheda(1594-1680) je največkrat upodabljal t.i. zajtrki: jedi s šunko ali pito na razmeroma skromno postreženi mizi. V spretni postavitvi so predmeti prikazani tako, da se čuti tako rekoč notranje življenje stvari (Nizozemci so tihožitje imenovali "still leven" - "tiho življenje" in ne "nature morte" - "mrtva narava"). Barva je zadržana in prefinjena (Heda "Zajtrk z jastogom", 1658; Razred "Tihožitje s svečami", 1627)
Willem Heda je delal v Haarlemu in nanj je vplival Pieter Claesz. Za skromna tihožitja - "zajtrki" Heada, ki praviloma prikazujejo majhen nabor gospodinjskih pripomočkov in obrok, je značilna fina izdelava pri prenosu teksture stvari, diskretna srebrno-zelena ali srebrno-rjava barva ( "Zajtrk z robidovo pito", 1631, Umetnostna galerija, Dresden; "Šunka in srebrnina", 1649, Državni muzej likovna umetnost, Moskva).
S spremembo v življenju nizozemske skupnosti v 2. pol. V 17. stoletju, s postopnim naraščanjem želje meščanstva po aristokratizaciji in izgubo nekdanje demokratičnosti, se spremeni tudi narava tihožitij. Khedine "zajtrke" zamenjajo razkošne "sladice" Willem Kalf (1619-1693). Preproste pripomočke nadomeščajo marmorne mize, preproge, srebrni čaši, biserne školjke in kristalni kozarci. Kalf dosega neverjetno virtuoznost pri podajanju teksture breskev, grozdja in kristalnih površin. Enotni ton tihožitij prejšnjega obdobja je nadomeščen z bogato gradacijo najizvrstnejših pisanih odtenkov.
nizozemski slikar. V letih 1640-1645 je delal v Franciji, od 1653 - v Amsterdamu. V prihodnosti je Willem Kalf živel in delal predvsem v Amsterdamu. Globoke, bogate barve svojih slik je ta slikar tihožitij lahko posledica vpliva dela njegovega sodobnika Jana Vermeerja. Eden največjih mojstrov nizozemska šola Tihožitja je Kalf slikal tako skromne slike, ki temeljijo na revnih kuhinjah in dvoriščih ("Dvorišče kmečke hiše", Državni muzej Ermitaž, Sankt Peterburg), kot spektakularne kompozicije z dragocenimi pripomočki in eksotičnim južnim sadjem ("Zajtrk", Državni muzej, Amsterdam ; "Tihožitje", Državni muzej Ermitaž, Sankt Peterburg). Kalfova virtuoznost slikarja tihožitij se je kazala v klasični izčiščenosti prostorskih konstrukcij, pretanjenem občutku za izvirnost in notranjo vrednost vsake stvari, prefinjenosti in bogastvu svetlobnih in barvnih razmerij ter spektakularnem kontrastnem primerjanju različnih tekstur. in materiali.
"Tihožitje z jastogom, vinskim rogom in kozarci." Zbirka eksotičnih in luksuznih predmetov, položenih na mizo, je naslikana z briljantno izdelavo in globokim občutkom za barve. Jastog, vinski rog z bleščečim filigransko srebrnim okvirjem, prozorna kozarca, limona in turška preproga so uslikani s tako neverjetno skrbnostjo, da obstaja iluzija, da so resnični in se jih lahko dotaknete z roko. Mesto za postavitev vsakega predmeta je izbrano tako skrbno, da skupina kot celota tvori harmonijo barve, oblike in teksture. Topla svetloba, ki obdaja predmete, jim daje dostojanstvo dragocenega nakita, njihova redkost, sijaj in muhavost pa odražajo prefinjen okus nizozemskih zbirateljev v 17. stoletju – času, ko so bila tihožitja izjemno priljubljena.
Nizozemsko tihožitje- ena od umetniških realizacij pomembna tema Nizozemska umetnost - teme zasebnost navadna oseba. Ta tema je bila v celoti utelešena v žanrsko slikarstvo. V 20-30 letih. 17. stoletje Nizozemci so ustvarili poseben tip malega malofiguralnega slikarstva. 40-60 let - razcvet slikarstva, ki poveličuje umirjeno meščansko življenje Nizozemske, odmerjen vsakdanji obstoj. Tudi v krogu Halsa, kjer se je razvijal tudi flamski slikar Adrian Brouwer, se je oblikovalo izrazito zanimanje za teme iz kmečkega življenja. Adrian van Ostade(1610-1685) - je bila po svojih slikovnih odlikah največja pri prikazovanju kmečkega življenja. Običajno upodablja svoje senčne plati (»Borba«). Tako kot drugi njeni predstavniki se svojih tem največkrat loteva povsem v duhu ideologije vladajočega razreda in bodisi idealizira realnost ali pa vidi v kmetih le smešna bitja, katerih običaji porajajo smeh in šale. (»V vaški krčmi« 1660).
Njegova umetnost v poznejšem obdobju pridobi značilnosti liričnosti, nekdanje zaplete pa nadomestijo podobe mirnega počitka na pragu koče ali na dvorišču vaške krčme, pa tudi notranjost s prizori tihega družinskega udobja (»Dežela« Koncert", 1655, Hermitage). Poleg takšnih malofiguralnih slik je Ostade pogosto slikal še več Zapri strogo realistične polfigure predstavnikov različnih obrti. Ostadejeva slika "Slikar v ateljeju" (1663) po pravici velja za mojstrovino slikarstva, v kateri umetnik poveličuje človeško delo, ne da bi se zatekel k deklaraciji ali patosu.
Ampak glavna tema»Mala Nizozemka« še vedno ni kmečko, ampak meščansko življenje. Običajno so to slike brez fascinantnega zapleta. Na slikah tega žanra se zdi, da se nič ne zgodi. Ženska bere pismo, gospod in gospa igrata glasbo. Ali pa sta se šele spoznala in m/imata prvi občutek, vendar je ta le začrtan, gledalec ima pravico do ugibanja. Najzabavnejši pripovedovalec v tovrstnih slikah je bil Jan Stan(1626-1679). Za Stana, za razliko od večine njegovih sodobnikov, plat zgodbe ni ravnodušna. V svojih slikah pripisuje pripovednemu začetku pomembno vlogo in rad upodablja nekatere zabavne prizore iz vsakdanjega življenja malomeščanstva. V njih mojster razkriva ostro moč opazovanja, primerno karakterizira tipe in pripoveduje epizode, ki jih je izbral, s subtilnim veselim humorjem. O njem govori slika »Bolna žena in zdravnik« (ok. 1660, Ermitaž). V poznem obdobju Stenovega delovanja te poteze izgubijo svojo ostrino in po splošnem trendu stopi na pot umetnosti, bolj elegantno in posvečeno problemom zgolj vizualnega dojemanja realnega sveta.
Dosegla veliko spretnost Gerard Terborch(1617-1681). Začel je z najbolj demokratičnimi predmeti ("Brusi"). Odlikoval se je z izjemno veščino upodabljanja svile in satena, prosojnosti steklenih čaš, površine katere koli stvari. Za Terborchove figure je zelo pogosto značilen znani aristokratski videz, kar je razloženo z izbiro modelov iz okolja plemstva. Za prefinjenost Terborchove umetnosti je v veliki meri zaslužna njena barvitost, v kateri prevladujejo izvrstni srebrnasti toni. Med najboljšimi slikami umetnika sta "Kozarec limonade" (Hermitage) in "Koncert" (Berlin, Dahlem).
Notranjost postane med majhnimi Nizozemci še posebej poetična. Življenje Nizozemcev je potekalo predvsem v hiši. Pravi pevec te teme je bil Peter de Hooch(1629-1689). Iluzornost prenosa stvari se pri tem mojstru umika v ozadje, zanimanje pa je usmerjeno v razvoj prostorskih odnosov, zlasti v upodabljanje notranjosti, pa tudi dvorišč in ulic, ki se odpirajo za njimi (»Gospodarica z služabnik«, Ermitaž, okoli 1660). njegovi prostori z na pol odprtim oknom z nehote odvrženimi čevlji ali odpuščeno metlo so praviloma upodobljeni brez človeške postave, vendar so tu ljudje nevidno prisotni, med interierjem in ljudmi je vedno prisotna povezava. Ko upodablja ljudi, namerno poudarja zamrznjen ritem, življenje prikazuje kot zamrznjeno, nepremično kot stvari same ("Dvorišče").
Počasen življenjski ritem, natančnost dnevne rutine, določena monotonost obstoja odlično prenaša Gabriel Metsu(1629-1667; "Zajtrk"). V splošnem značaju njegovih žanrskih podob je blizu Terborchu, vendar svetlejših barv.
Nova stopnja žanrskega slikarstva se začne v 50. letih in je povezana s t.i. Šola Delft, z imenom umetnikov, kot je Karel Fabricius, Emmanuel de Witte in Jan Vermeer(1632-1675), v zgodovini umetnosti znan kot Vermeer iz Delfta (vzdevek po kraju njegovega delovanja). Umetnost Vermeerja iz Delfta spada v pozno obdobje razvoja Nizozemske. Generacija junaških, a nesramnih borcev za osamosvojitev in treznih gospodarstvenikov – organizatorjev kapitalističnega gospodarstva je pripadala preteklosti. Na zgodovinsko prizorišče so stopili njihovi vnuki, ki so lahko varno uporabljali pridobljene koristi. V teh razmerah se oblikuje živahna, vesela umetnost zadnje faze razcveta Nizozemske republike.
Temu obdobju pripada zrela, prodorna in hkrati jasna in preprosta, kljub vsej tehnološki zahtevnosti, umetnost Vermeerja iz Delfta. Malo je verodostojnih Vermeerjevih del, le redki muzeji imajo majhne in vedno dragocene slike delftskega mojstra. Vermeerjeva tematika je bolj ali manj tradicionalna; mladenke, ki berejo pismo, vezenje, v družbi gospoda, slikarja pred štafelajem, dekle, ki preprosto sanja na oknu (»Dekle s pismom«, Dresden; »Kavalir in gospa pri špinetu«) , itd.) - z eno besedo vse, kar so nizozemski slikarji večkrat upodobili. Glede tematike v ožjem pomenu besede Vermeer nima nič izvirnega. Le v redkih primerih se obrne na zabavne zaplete in v kompozicijo vnese element akcije ("Pri vžigalnici", 1656, Dresden). Vendar pa imajo vse njegove slike popolnoma individualen značaj. V vseh likih, ki jih upodablja, je neka svetloba in lahkotna poezija, ob tej poeziji in mehkobi pa je v vseh njegovih delih vtisnjen poseben občutek hude preprostosti, nekaj resnično klasičnega.
Vermeer je nedvomno eden največjih koloristov v zgodovini zahodnoevropske umetnosti. Ne samo njegov prefinjen okus pri izbiri barv, ampak tudi sposobnost iskanja njihovega medsebojnega odnosa uvršča Vermeerja med najbolj prefinjene mojstre barve. Z največjim občutkom za mero in taktnost združuje limonasto rumeno, modro, vijoličasto najrazličnejših odtenkov, škrlatno in bledozeleno barvo v eno zvenečo tonsko paleto. Prav v delu Vermeerja iz Delfta je tradicionalni nizozemski likovni problem svetlobe dobil najbolj popolno rešitev. Prelivajoča se biserna svetloba je ena najbolj značilnih značilnosti slik delftskega mojstra. Nobenega dvoma tudi ni, da je bil Vermeer iz Delfta eden najuspešnejših tehnikov svojega časa. Njegovih nekaj slik je napisanih v bogati in raznoliki teksturi. Njegov način nanašanja barve, ki je vnaprej določil kasnejšo tehniko impresionistov, je Vermeerju samemu omogočil upodabljanje svetlobnih objektov v vsej njihovi slikovni konkretnosti. Svetloba na Vermeerjevih slikah ni le prozoren medij, temveč zrak, bogat s subtilnimi prehodi srebrnih tonov.
Wermeerju je uspelo tisto, česar v 17. stoletju še nihče: slikal je pokrajine iz narave (»Ulica«, »Pogled na Delft«). Lahko jih imenujemo prvi primeri plenerističnega slikarstva. Zrela, klasična v svoji preprostosti je bila Vermeerjeva umetnost velikega pomena za prihodnja obdobja.
Vrhunec nizozemskega realizma, rezultat slikarskih dosežkov nizozemske kulture 17. stoletja. je delo Rembrandta. Toda vrednost R., kot vsaka briljanten umetnik, presega le nizozemsko umetnost in nizozemsko šolo. Rembrandt, ki zaseda osrednje mesto v nizozemski šoli v dobi njenega največjega razcveta, še vedno stoji ločeno od številnih umetnikov svoje domovine. Tuja jim je bila širina Rembrandtovega umetniškega zanimanja in globok psihologizem njegovega dela.
Harmensz van Rijn Rembrandt je bil rojen leta 1606 v Leidnu in je bil sin bogatega lastnika mlina. Zgodaj je odkril privlačnost do slikarstva in se po krajšem bivanju na univerzi v Leidnu povsem posvetil umetnosti. Po koncu običajnega triletnega študija pri nepomembnem lokalnem umetniku Jacobu Swannenburgu je Rembrandt odšel na izpopolnjevanje v Amsterdam, kjer je postal Lastmanov študent. Lastman, izučen obrtnik, ki je študiral v Italiji, je Rembrandta seznanil z učinkom chiaroscuro, ki se uporablja za prenos volumna in razkriva dramo dejanja. Ta tehnika bo postala glavna stvar umetnikovega dela. Naslednja leta je Rembrandt delal v Leidnu in si pridobil sloves mojstra svetopisemskih in mitoloških prizorov. Zato se običajno imenujejo leta 1625-1632. Leidensko obdobje njegovega dela.
Leta 1632 se je preselil v Amsterdam, kjer je takoj zaslovel s pisanjem "Anatomske lekcije dr. Tulpa". 30. leta so čas največje slave, pot v kt je slikarju odprla ta slika, ki velja za skupinski portret in ima drugo ime »Lekcija anatomije«. Na tem platnu ljudi združuje dejanje, vsi so predstavljeni v naravnih pozah, njihovo pozornost pritegne glavni lik - dr. Tulp, ki prikazuje zgradbo mišic trupla. Živi pri trgovcu z umetninami Hendrick van Uylenborch, ki mu je pokrovitelj, ureja naročila za portrete, kar mlademu umetniku ustvarja sloves modnega uspešnega mojstra. Leta 1634 se je Rembrandt uspešno poročil s Hendrikovo nečakinjo Saskio in do leta 1639 je skupaj z ženo pridobil veličastno hišo v prestolnici. Do začetka 1640. uživa velik uspeh pri strankah, to je čas njegovega osebnega blagostanja. V znameniti mojstrovini tega obdobja - "Avtoportret s Saskijo na kolenih" (okoli 1635, Umetnostna galerija, Dresden) je Rembrandt upodobil sebe s svojo mlado ženo za praznično mizo. Nežni prelivi zlatih tonov, tokovi svetlobe, ki prodirajo v sliko, izražajo veselo razpoloženje mladega in uspešnega umetnika in njegove žene, polne upanja in sanj.
To celotno obdobje je prekrito z romantiko. Slikar tako rekoč skuša v svojem delu posebej pobegniti od dolgočasnega meščanskega vsakdana. Sebe in Saskio slika v razkošnih oblekah, v fantastičnih oblekah in pokrivalih, ustvarja spektakularne kompozicije, v vsem, v pozah, v gibih, prevladuje običajna stvar - veselje do bivanja. (Saskia kot Flora). Baročni jezik je najbližje izražanju tega vzvišenega duha. Na Rembrandta v tem obdobju je močno vplival italijanski barok.
V zapletenih kotih se pred nami pojavljajo liki slike "Abrahamova žrtev" (1635). Slika prikazuje stanje duha Abrahama, ki ob nenadnem pojavu angela ni imel časa, da bi občutil niti veselje osvoboditve od strašne žrtve, niti hvaležnosti, ampak do zdaj čuti le utrujenost in zmedenost.
Rembrandt je vedno posvečal veliko pozornost jedkanici (gravuri) in risbi ter kmalu postal največji mojster grafične tehnike v Evropi. Portrete in krajine, ki jih je izdelal v tehniki jedkanice, vsakdanje in verske prizore, so odlikovali novost umetniških tehnik, globok psihologizem podob, bogastvo chiaroscura, ekspresivnost in lakonizem linij. Do nas je prišlo približno dva tisoč Rembrandtovih risb. Med njimi so pripravljalne skice, skice za slike, skice prizorov iz vsakdanjega življenja in zamisli, rojene v njegovi domišljiji.
Na prelomu zgodnjega obdobja ustvarjalnosti se pojavi ena njegovih najbolj znanih slik "Nočna straža" - skupinski portret strelskega ceha. Toda skupinski porter je formalno ime izdelka, ki izhaja iz želje kupcev. V Nočni straži Rembrandt ubere nov pristop k žanru skupinskega portreta, ki je tradicionalen za nizozemsko umetnost. Slika (1642, Rijks Museum, Amsterdam) je skupinski portret članov strelskega ceha kapitana Banninga Cocka in jo je umetnik rešil kot pravi ulični prizor. Rembrandt je opustil takrat sprejeto statično razporeditev vseh udeležencev in ustvaril prizor, poln gibanja. Kontrasti svetlobe in sence, čustvenost slike izražajo vznemirljivost dogodka. Slika ima zgodovinski značaj, pripoveduje o pogumnih ljudeh, ki so pripravljeni z orožjem v rokah braniti svobodo in nacionalno neodvisnost svoje domovine. Kupci niso razumeli umetnikovega namena in od te slike se bo konflikt s prevladujočim okoljem stopnjeval, vendar ne bo zmanjšal energije mojstra, Rembrandt pa bo še naprej ustvarjal realistična platna, izjemna po svojem čustvenem vplivu. . Spektakularna, nedvomno nekoliko teatralna svobodna kompozicija, kot že omenjeno, ni imela za cilj predstaviti vsakega od naročnikov. Številni obrazi so preprosto slabo "prebrani" v ostrem chiaroscuru, v kontrastih debelih senc in močne sončne svetlobe se na CT prikaže odmik (v 19. stoletju je slika tako zatemnjena, da je veljala za podobo nočnega prizora, zato napačno ime kapitan na svetlem oblačilu poročnika dokazuje, da ni noč, ampak dan). Pojav tujcev v tem prizoru, še posebej deklice v zlato rumeni obleki, se je gledalcu zdel nerazumljiv in absurden. Vse tukaj je povzročilo zmedo in razdraženost javnosti in lahko rečemo, da se s to sliko začne konflikt med umetnikom in družbo. S smrtjo Saskije istega leta pride do Rembrandtovega naravnega preloma z njemu tujimi meščanskimi krogi.
Rembrandtova realistična veščina se je z leti poglobila. Izogiba se odvečnim detajlom in dekorativnim učinkom v korist večje globine in čustvene intenzivnosti. umetniška podoba. Zelo veliko mesto v umetnikovem delu začne zavzemati komorni portret. Rembrandt razkriva duhovno življenje človeka, kot da traja v času in prostoru. To je neke vrste portret-biografija. Takšni so na primer »Portret starke«, »Hendrikje pri oknu«, »Branje Tita«, portreti umetnikovih prijateljev N. Breininga, J. Sixa, številni avtoportreti (več kot sto v olju). in oglje).
40-50 let - To je čas ustvarjalne zrelosti. To je čas dodajanja njegovega ustvarjalnega sistema, iz katerega bo marsikaj postalo preteklost in bodo pridobljene nove, neprecenljive kvalitete. V tem obdobju se pogosto obrača na stara dela, da bi jih predelal na nov način. Tako je bilo z Danajo, ki jo je naslikal leta 1636. Ko se je v 40. letih obrnil k slikarstvu, se je umetnik okrepil čustveno stanje. Preoblikoval je osrednji del z junakinjo in služkinjo. Z novo potezo dvignjene roke Danae ji je povedal veliko navdušenje, izraz veselja, upanja, poziv. Svetloba ima veliko vlogo: svetlobni tok tako rekoč ovije figuro Danae, vsa žari od ljubezni in sreče, to svetlobo dojemamo kot izraz človeških čustev.
V zgodnjih 50-ih umetnik ustvarja eno mojstrovino za drugo. On je že šel iz mode, vendar bogate stranke niso bile prevedene.
V teh letih za interpretacijo izbira najbolj lirične, poetične vidike človeškega bivanja, človeka, ki je večen in vsečloveški: materinska ljubezen, sočutje. Največji material mu daje Sveto pismo, in iz nje - prizori življenja svete družine. Religiozna po tematiki, vendar čisto žanrska po razlagi ploskve, je eremitažna slika Sveta družina (1645) izjemno značilna za tisti čas.
Poleg bibličnih žanrskih kompozicij je to obdobje polno za Rembrandta nove vrste upodabljanja resničnosti - pokrajin. V nekaterih primerih se pokloni svojim romantičnim nagnjenjem, hkrati pa ustvari slike neokrašene nizozemske vasi, ki očarajo s strogim realizmom pristopa. Mali "Zimski pogled" (1646, Kassel), ki prikazuje kmečko dvorišče v luči jasnega mraza in več figur na gladki površini zamrznjenega kanala, je eden najpopolnejših primerov nizozemske realistične krajine v smislu subtilnosti čutenja in resničnosti vizualne percepcije.
Kljub obsežnosti in umetniški vrednosti tega, kar je bilo ustvarjeno v tem obdobju, se je Rembrandtov finančni položaj do sredine 1650-ih izkazal za izjemno težkega. Zaradi padca števila naročil, težke prodaje slik, predvsem pa malomarnosti mojstra pri vodenju svojih poslov, je Rembrandt doživljal velike finančne težave. Dolg, povezan z nakupom drage hiše v času življenja Saskie, je grozil s popolnim propadom. Poskusi, da bi se rešili dolgov, bi lahko samo odložili katastrofo, a je vseeno izbruhnila. Poleti 1656 je bil Rembrandt razglašen za bankrot in vse njegovo premoženje je bilo prodano na dražbi. Ker je bil prikrajšan za svoj običajni dom, se je bil prisiljen z družino preseliti v revno judovsko četrt trgovske prestolnice in tukaj so njegovi zadnji dnevi minili v hudem pomanjkanju.
Te nadloge, tako kot nesreče, ki so kasneje doletele Rembrandta - Hendrickova smrt, smrt njegovega edinega sina Tita - so bile nemočne, da bi ustavile nadaljnjo rast njegovega genija.
Konec petdesetih in šestdesetih let 16. stoletja so najbolj tragična leta R.-jevega življenja, vendar so polna Rembrandtove ustvarjalne dejavnosti velike moči. Predstavlja tako rekoč sintezo vseh njegovih dosedanjih psiholoških in slikarskih iskanj. Na teh slikah je vse očiščeno minljivega, naključnega. Podrobnosti so čim manjše, geste, drže, nagib glave so skrbno premišljeni in razumljeni. Figure so povečane, blizu sprednje ravnine platna. Tudi majhna dela teh let ustvarjajo vtis izjemne veličine in prave monumentalnosti. Glavni izrazna sredstva je svetloba in črte. Za pokojnega R. bi bilo pravilneje reči, da je njegova barva »svetleča«, saj sta na njegovih platnih svetloba in barva eno, njegove barve kot da izžarevajo svetlobo. Ta kompleksna interakcija barve in svetlobe ni sama sebi namen, ustvarja določeno čustveno okolje in psihološke značilnosti slike.
Pri portretih je Rembrandt zdaj svobodnejši pri izbiri modelov in slika večinoma obraze s poudarjeno individualnostjo. To so predvsem starejše ženske in stari Judje. Toda z enako ostrino je sposoben prenesti šarm mladosti ženski obraz ali čar mladostnega videza. Vse drobno na teh portretih se umika posplošeni, a hkrati nenavadno ostri podaji podobe. K temu v veliki meri prispeva vse večja širina načina tehnične izvedbe.
Končna v zgodovini skupinskega portreta je bila Rembrandtova podoba starešine trgovine s tkaninami - tako imenovani. "Syndics" (1662, Amsterdam). zasluženo velja za enega od vrhuncev Rembrandtovega dela). Ostra psihološka značilnost, preprostost konstrukcije, prikrita nezmotljivost ritma linij in mas ter skop v barvi, a intenziven kolorit povzemajo celotno Rembrandtovo dosedanjo pot portretista.
V letih zrelosti (50. leta) je Rembrandt ustvaril svoje najboljše jedkanice. Prepoznavna Rembrandtova globina psihološka analiza, izrazni realizem podob in dovršenost likovne tehnike sta se odrazila v dolgem nizu čudovitih listov, tematsko celo bolj raznolikih kot mojstrovo slikarstvo. Med najbolj znanimi so "Kristus zdravi bolne" (tako imenovani "List stotih florintov", ok. 1649), "Trije križi" (1653), portreti Lutme (1656), Haring (1655), Six (1647), pa tudi krajine, znane kot Tri drevesa (1643) in Posestvo zlatomerja (1651).
Nič manj kot pomembno mesto Rembrandtovo grafično dediščino zavzemajo risbe. Ostrina in izvirnost Rembrandtovega dojemanja sveta, ki nas obdaja, se je v teh številnih in raznolikih listih še posebej močno odrazila. Način risanja se tako kot slikarska manira Rembrandta vseskozi opazno razvija ustvarjalni razvoj mojstri. Če so bile Rembrandtove zgodnje risbe izdelane do potankosti in precej kompleksne kompozicije, jih je v svojem zrelejšem obdobju izvajal na širok slikovni način, nenavadno jedrnat in preprost. Rembrandt je običajno risal z gosjim ali trstičnim peresom in je s pomočjo najpreprostejših tehnik dosegel izjemno izrazno moč. R. je zapustil 2000 risb. Njegove risbe, tudi ko so drobne skice običajnega motiva, so zaokrožena celota, ki v celoti izraža vso pestrost narave.
Epilog R.-jevega dela lahko štejemo za njegovo veličastno platno "Vrnitev izgubljeni sin”(okoli 1668-1669, Ermitaž), v katerem sta se estetska višina in slikarska spretnost umetnika pokazala z največjo popolnostjo. Evangeljsko priliko o mladeniču, ki je odšel od doma, zapravil svoje premoženje in se nesrečen, razcapan, ponižan vrnil k očetu, umetnik napolni z globoko človeško vsebino. Plemenita ideja ljubezni do trpečega se tu razodeva v podobah, ki presenetijo s svojo življenjsko prepričljivostjo. Obraz starega napol slepega očeta in poteza njegovih rok izražata neskončno dobroto, lik sina v umazanih cunjah, ki se drži očeta, pa iskreno in globoko kesanje. Morda nobena druga Rembrandtova slika ne vzbuja toliko globokih in sočutnih občutkov. Rembrandt je svoje gledalce učil o ljubezni in odpuščanju. Kasneje, v Zadnja leta in mesecev Rembrandtovo življenje teče navzven umirjeno. Ker je preživel Hendrickjeja in Titusa, je umrl 4. oktobra 1669.
R. je imel velik vpliv na umetnost. Na Nizozemskem ni bilo slikarja, ki ne bi doživel vpliva velikih umetnikov, med katerimi so najbolj zasloveli Ferdinand Bol (1616-1680), Gerbrand van den Eckgout (1621-1674) in Art de Gelder (1645-1727). Ker sta obvladala teme, kompozicijske tehnike in tipe učiteljev, pa v svojem figuralnem slikarstvu nista šla dlje od zunanjega posnemanja Rembrandtove tehnike. Nasprotno, živi vpliv mojstra je zagotovo vplival na številne krajinske slikarje, ki so bili z njim - Philips Koninck (1619-1688), Doomer (1622-1700) in drugi. Toda večina ga je izdala, prešla na pozicije akademizma in posnemanja takrat modnih Flamcev, nato pa Francozov.
Kot se pogosto zgodi v zgodovini umetnosti, je Rembrandt kljub svojemu sijajnemu talentu umrl v revščini in osamljenosti, pozabljen, nekoristen mojster. Toda bolj ko čas teče, bolj dragocena je v očeh človeštva umetnikova zapuščina. Brez pretiravanja lahko rečemo, da je Rembrandt eden najbolj največji umetniki v zgodovini svetovne umetnosti. Mnogi bi ga označili za neprekosljivega. Rembrandtov grob je izgubljen, a njegovo delo bo živelo stoletja.
V zadnji četrtini 17. stol začne se zaton nizozemskega slikarstva, izguba nacionalne identitete in od zač. 18. stoletje prihaja konec velike dobe nizozemskega realizma.
Nizozemsko slikarstvo - slike iz 17. stoletja
Pomembna značilnost nizozemske umetnosti je bila velika razširjenost v vseh njenih vrstah slikarstva. Predstavniki najvišjih ešalonov oblasti, revni meščani, obrtniki in kmetje so okrasili svoje hiše s slikami. Prodajali so jih na dražbah in sejmih; umetniki so jih včasih uporabljali celo kot sredstvo za plačilo računov.
Cesta v gozdu, Meindert Hobbema, 1670
Slikarjev je bilo veliko, konkurenca pa je bila kar huda, saj je bil poklic umetnika pogost. Le redki so se lahko preživljali s slikanjem. Večina umetnikov je morala največ nastopati raznovrstno delo: Jacob van Ruisdael je bil zdravnik, Meindert Hobbema je delal kot trošarinski uradnik, Jan Steen pa je bil gostilničar.
V 17. stoletju se nizozemsko slikarstvo hitro razvija ne le zaradi vse večjega povpraševanja po tistih, ki želijo s slikami okrasiti svoje domove, ampak tudi zaradi dejstva, da so nanje začeli gledati kot na blago, sredstvo špekulacij in vir dobiček. Umetnik je bil popolnoma odvisen od tržnih trendov in se je osvobodil neposrednih kupcev, kot so vplivni meceni (fevdalci) in katoliška cerkev. Poti razvoja nizozemske družbe so bile določene, umetniki, ki so jim nasprotovali in branili svojo ustvarjalno neodvisnost, pa so se osamili in prezgodaj umirali v osamljenosti in revščini. V večini primerov so bili to le najbolj nadarjeni umetniki, kot sta Rembrandt in Frans Hals.
Nizozemski slikarji so upodabljali predvsem okoliško resničnost, ki je umetniki drugih slikarskih šol niso prikazali tako v celoti. Glavno mesto pri krepitvi realističnih smeri so zavzemali portreti, vsakdanji žanr, tihožitja in krajine, saj so se umetniki obračali k različnim vidikom življenja. Tako globoko in resnično so prikazali resnični svet, ki se je odprl pred njimi, njihova dela so bila tako impresivna.
Jan Steen, Srečanje z veseljaki, 1679
Vsak žanr je imel svoje tokove. Med krajinarji so bili marinisti in slikarji, ki so imeli raje ravnice ali gozdove, bili so tudi mojstri zimska kulisa in pogledi, ki prikazujejo mesečino. Med žanrskimi slikarji so izstopali tisti, ki so upodabljali meščane in kmete, prizore domačega življenja in zabav, bazarjev in lova. Bili so tudi umetniki, ki so se specializirali za notranjost cerkva in različne vrste tihožitij, kot so "trgovina", "sladica", "zajtrk" itd. Na število opravljenih nalog je vplivala takšna značilnost nizozemskega slikarstva kot omejenost. Vendar pa je k virtuoznosti slikarja prispevalo dejstvo, da se je vsak umetnik osredotočil na določeno zvrst. Samo najpomembnejši nizozemski umetniki so slikali v različnih žanrih.
Razvoj realističnega nizozemskega slikarstva je potekal v boju z manirizmom in smerjo, ki je posnemala italijansko klasično umetnost. formalno izposojeno od italijanski umetniki, predstavniki teh smeri, so bile tehnike izjemno nenaravne za tradicijo nacionalnega nizozemskega slikarstva. Realistični tokovi so se jasneje manifestirali v vsakdanjem žanru in portretih v razvoju nizozemskega slikarstva, ki zajema 1609-1640.
Jakob van Ruisdael(1628-1682) je bil izjemen mojster krajinskega žanra (slikali so klasično nizozemsko pokrajino - puščavske sipine, znamenite mline na veter, kanalske čolne, drsalce in ne narave na splošno), umetnik brezmejne domišljije ("Slap", " Gozdno močvirje«, »Judovsko pokopališče«). S pridnim kopiranjem narave Ruisdael hkrati dosega monumentalnost.
Mlin na veter v kraju Wijk bei Dürsted. 1670. Rijksmuseum. Amsterdam, Jacob van Ruisdael
Lahko se imenuje eden najbolj nadarjenih portretistov tega obdobja Frans Hals(pribl. 1585-1666). Ustvaril je številne skupinske portrete, kot so podobe strelskih cehov (združenje častnikov za zaščito mest in obrambo). Meščani so želeli ujeti sami sebe, umetnik pa ni smel pozabiti na spoštljiv odnos do vsakega modela. Na teh slikah pritegne prikaz idealov mlade republike, tovarištva, enakosti in občutka svobode. S platen gledalca gledajo ljudje, ki so prepričani vase in v prihodnost, polni energije (»Lokostrelski ceh sv. Jurija«, »St. Seveda so upodobljeni na prijateljski pogostitvi. Zahvaljujoč individualnemu slogu umetnika - širokemu, samozavestnemu, z bogatimi, svetlimi barvami (rdeča, rumena, modra itd.) - se ti posamezniki oblikujejo umetniški dokument era.
Portret Stefana Geradsa, 1652, Kraljevi muzej, Antwerpen
V posameznih portretih z obrisi žanrske slike je veliko brezobzirne vneme, pritiska, nezadržne energije. To izgine v kasnejših portretih. Na primer, v moškem portretu Ermitaža je mogoče videti žalost in utrujenost junaka Khalsa z vso njegovo impresivnostjo in celo bahatostjo. Te značilnosti so še poudarjene na drugem portretu (podoba moškega v klobuku s širokimi krajci). V tem poznem obdobju Hals doseže višjo stopnjo mojstrstva, toni v njegovem delu postanejo monokromatski (običajno temna, črna oblačila, z belim ovratnikom in manšetami ter temno olivna barva ozadja). Kljub vsej jedrnatosti slikovne palete temelji na izjemno subtilnih gradacijah.
Ustvarjanje Rembrandt van Rijn(1606-1669) je bil končni dosežek Nizozemcev umetnost XVII stoletja in vrhunec njegovega realizma.
Od: Alena Artyomenko, -
V 17. stoletju je nizozemska slikarska šola postala ena vodilnih v Evropi. Tu se je prvič v zgodovini svetovne umetnosti izkazalo, da so predmeti okoliške resničnosti vir ustvarjalnega navdiha in umetniški namen. V nizozemski umetnosti tega časa je bilo dokončano oblikovanje celotnega sistema žanrov, ki se je začelo v renesansi. V portretih, vsakdanjih slikah, krajinah in tihožitjih so umetniki z redko spretnostjo in toplino prenašali svoje vtise okoliške narave in nezahtevnega življenja. Odsevali so kolektivno podobo Nizozemske - mlade republike, ki je branila svojo neodvisnost v vojni s Španijo.
"Jutro mlade dame" 1660 Frans Miris starejši. Les, olje. Državni puščavnik
Slike umetnikov na vsakdanje teme (ali žanrske slike), ki prikazujejo osebo v znanem, vsakdanjem okolju, so odražale ustaljene oblike življenja, vedenja in komunikacije ljudi, ki pripadajo različnim razredom nizozemske družbe. Slike nizozemskih umetnikov so bile majhne velikosti, zasnovane za okrasitev notranjosti hiš trgovcev, obrtnikov ali bogatih kmetov. Umetniki so zaslužili s prodajo slik, ki so bile naslikane z možnostjo podrobnega ogleda od blizu. To pa je botrovalo posebno skrbnemu, rahločutnemu načinu pisanja.
Društvo Terasa. 1620 Esais Van De Velde. Les, olje. Državni puščavnik
V 17. stoletju je nizozemsko žanrsko slikarstvo doživelo pomemben razvoj. V obdobju njegovega nastajanja, v začetku stoletja, so bili pogosti zapleti na temo rekreacije, zabave mladih bogatih Nizozemcev ali prizorov iz življenja častnikov. Takšne slike so imenovali "banketi", "društva", "koncerti". Njihovo slikarstvo je odlikovala pestra barva, povišan radosten ton. Slika "Družba na terasi" Esaiasa van de Veldeja sodi med tovrstna dela.
Do začetka tridesetih let 20. stoletja je bilo dokončano oblikovanje nizozemskega žanrskega slikarstva. Množične »družbe« so se umaknile malofiguralnim kompozicijam. Podoba okolja, ki človeka obdaja, je začela igrati pomembno vlogo. Prišlo je do delitve žanrskega slikarstva po socialni liniji: zapleti na teme iz življenja meščanov, prizori iz življenja kmetov in mestnih revežev. Tako te kot druge slike so bile namenjene okrasitvi notranjosti.
"Boj". 1637 Adrian van Ostade. Les, olje. Državni puščavnik
Eden najbolj znani umetniki ki je deloval v "kmečkem žanru", je bil Adrian van Ostade. V zgodnjem obdobju ustvarjalnosti je podobo kmetov na njegovih slikah odlikovala poudarjena komičnost, ki je včasih dosegla karikaturo. Tako se na sliki »Boj«, osvetljeni z ostro svetlobo, zdi, da borci niso živi ljudje, ampak lutke, katerih obrazi so kot maske, izkrivljene z grimasami zlobe. Nasprotje hladnih in toplih barv, ostri kontrasti svetlobe in sence še povečajo vtis grotesknosti prizora.
Vaški muzikanti. 1635 Adrian Van De Ostade 1635 olje na lesu. Državni puščavnik
V petdesetih letih 16. stoletja je prišlo do spremembe v slikarstvu Adriana Ostadeja. Umetnik se je obrnil k bolj umirjenim motivom, upodablja človeka med običajnimi opravili, največkrat v trenutkih počitka. Takšna je na primer notranja slika "Vaški muzikanti". Ostade spretno prenaša koncentracijo »glasbenikov«, ki jih zanima njihov poklic, prikazuje otroke, ki jih gledajo skozi okno s komaj opaznim humorjem. Raznolikost in mehkoba igre svetlobe in sence, zelenkasto-rjava barvna shema združuje ljudi in njihovo okolje v eno celoto.
"Zimski pogled". 1640 Isaac Van Ostade. Les, olje. Državni puščavnik
Adrianov brat Isaac van Ostade, ki je zgodaj umrl, je prav tako delal v "kmečkem žanru". Upodabljal je življenje podeželske Nizozemske, v naravi katere se je človek počutil kot doma. Slika "Zimski pogled" predstavlja tipično nizozemsko pokrajino s sivim nebom, ki močno visi nad zemljo, zmrznjeno reko, na bregovih katere se nahaja vas.
"Bolnik in zdravnik." 1660 Jan Steen. Les, olje. Državni puščavnik
Žanrsko temo umetnosti bratov Ostade je nadaljeval Jan Steen, nadarjen mojster, ki je s smislom za humor opazil značilne podrobnosti vsakdanjega življenja in odnosov. igralci v svojih slikah. Na sliki "Revelers" umetnik sam veselo in zvito gleda na gledalca, sedeč poleg svoje žene, ki je zaspala po zabavni pojedini. Jan Steen v filmu "Pacient in zdravnik" skozi mimiko in kretnje likov spretno razkriva zaplet namišljene bolezni.
"Soba v nizozemski hiši". Peter Janssens. Platno, olje. Državni puščavnik
V petdesetih in šestdesetih letih 17. stoletja se je tematika žanrskega slikarstva postopoma zožila. Figurativna zgradba slik se spreminja. Postanejo mirnejši, bolj intimni, v njih se pojavi bolj lirična kontemplacija, tiha misel. To stopnjo predstavljajo dela umetnikov, kot so: Pieter de Hooch, Gerard Terborch, Gabriel Metsu, Pieter Janssens. Njihova dela so utelešala poetično in nekoliko idealizirano podobo vsakdanjega življenja nizozemskega meščanstva, ki se je nekoč borilo za svoje pravice in neodvisnost, danes pa je doseglo trajnostno blaginjo. Tako je na notranji sliki "Soba v nizozemski hiši" Petra Janssensa upodobljena prijetna soba, preplavljena s sončno svetlobo, s sončnimi žarki, ki se igrajo na tleh in stenah, na sliki "Stara gospa ob kaminu" Jacoba Wrehl, upodobljena je soba s kaminom, potopljena v mehak mrak. Izbira kompozicije v delih obeh umetnikov poudarja enotnost človeka in njegovega okolja.
"Kozarec limonade." 1664 Gerard Terborch. Hostija (prevod iz lesa), olje. Državni puščavnik
V teh letih so nizozemski žanrski slikarji v svojih delih prvič poskušali odsevati globino človekovega notranjega življenja. V vsakdanjih življenjskih situacijah sta našla priložnost za refleksijo raznolikega sveta najtanjših doživetij. Toda to lahko vidite le s skrbnim in skrbnim pregledom slike. Tako na sliki Gerarda Terborcha "Kozarec limonade" subtilen jezik gest, dotikov rok in očesnega stika razkrije celo paleto občutkov in odnosov med liki.
"Zajtrk". 1660 Gabriel Metsu. Les, olje. Državni puščavnik
Predmetni svet začne igrati veliko vlogo v žanrskih slikah tega obdobja. Ne označuje le materialnega in čustvenega okolja človekovega življenja, temveč izraža tudi raznolikost odnosa osebe z zunanjim svetom. Nabor predmetov, njihova razporeditev, zapleten sistem simbolov, pa tudi poteze likov - vse igra vlogo pri ustvarjanju figurativne strukture slike.
"Veseljaki". 1660 Jan Steen. Les, olje. Državni puščavnik
Nizozemsko žanrsko slikarstvo se ni odlikovalo s široko paleto tem. Umetniki so se omejili na upodabljanje le določenega kroga likov in njihovih poklicev. Toda z njihovo pomočjo je nizozemsko žanrsko slikarstvo uspelo prenesti zanesljivo podobo običajev, običajev in idej o življenju osebe v 17. stoletju.
Pri pripravi publikacije so bila uporabljena gradiva iz odprtih virov.
V 17. stoletju Nizozemska je postala vzorčna kapitalistična država. Izvajala je obsežno kolonialno trgovino, imela je močno floto, ladjedelništvo je bilo ena vodilnih panog.
Zgodovina nizozemskega slikarstva 17. stoletja. odlično prikazuje razvoj dela enega največjih nizozemskih portretistov Frans Hals(okoli 1580-1666). V 10-30 letih je Hals veliko delal v žanru skupinskih portretov. To je v bistvu upodobitev puškarskih cehov – združb častnikov za obrambo in zaščito mest. Meščani so želeli biti ovekovečeni na platnu, dali so določen prispevek za pravico do upodobitve, umetnik pa se je moral spomniti na enako pozornost do vsakega modela. Toda v teh Halsovih delih nas ne očara portretna podobnost. Izražajo ideale mlade republike, občutek svobode, enakosti in tovarištva. S platen teh let gledajo veseli, energični, podjetni ljudje, prepričani v svoje sposobnosti in v prihodnost ("Strelski ceh sv. Adrijana", 1627 in 1633; "Strelski ceh sv. Jurija", 1627). Khale jih običajno prikazuje na tovariški pojedini, na veseli pojedini. Velikost vodoravno podolgovate kompozicije, široka samozavestna pisava, intenzivne, nasičene barve (rumena, rdeča, modra itd.) ustvarjajo monumentalno podobo. Umetnik nastopa kot zgodovinopisec cele dobe.m
Razcvet krajinskega slikarstva v nizozemski šoli sega v sredino 17. stoletja. Največji mojster realistične krajine je bil Jacob van Ruysdael (1628/29-1682), umetnik neusahljive domišljije. Njegova dela so navadno polna globoke dramatike, pa naj gre za gozdne goščave (»Gozdno močvirje«), krajine s slapovi (»Slap«) ali romantično pokrajino s pokopališčem (»Judovsko pokopališče«). Narava v Ruisdaelu se kaže v dinamiki, v večnem obnavljanju. Tudi najpreprostejši motivi narave dobijo pod umetnikovim čopičem monumentalen značaj. Ruisdael se nagiba k kombiniranju skrbnega pisanja z veliko vitalnostjo, s sintetično podobo.
Samo Jan Porcellis (okoli 1584-1632) se je ukvarjal z morsko sceno (marina). Poleg realistične, čisto nizozemske pokrajine je v tistem času obstajala druga smer: pokrajine italijanske narave, ki so jih oživljali mitološki liki, liki ljudi in živali.
Nizozemsko tihožitje je ena od likovnih udejanjanj najpomembnejše teme nizozemske umetnosti - teme zasebnega življenja navadnega človeka. Ta tema je v celoti utelešena v žanrski sliki. V 20-30-ih letih XVII. Nizozemci so ustvarili posebno vrsto malega, malofiguralnega slikarstva. 40-60 - razcvet slikarstva, ki poveličuje umirjeno meščansko življenje Nizozemske, izmerjen vsakdanji obstoj.
40-50-a so čas ustvarjalne zrelosti. Spremenilo se ni samo zunanje življenje Rembrandt, Najprej se je spremenil sam. To je čas oblikovanja njegovega ustvarjalnega sistema, iz katerega bo marsikaj postalo preteklost in v katerem bodo pridobljene druge, neprecenljive kvalitete. V tem obdobju se pogosto obrača na stara dela, da bi jih predelal na nov način. Tako je bilo na primer z Danajo, ki jo je napisal že leta 1636. Že takrat je bilo v tej podobi izraženo glavno: čutno načelo, pogansko, do neke mere »tiziansko«, je bilo v njej le del splošno v izražanju kompleksnih čustvenih doživetij, en sam duhovni impulz. Klasičen, lep, a v svoji lepoti tudi abstrakten ideal je nadomestil izraz življenjske resnice, svetla individualnost fizičnega skladišča. To grdo telo je bilo posredovano izjemno realistično. Toda Rembrandt ni bil zadovoljen z zunanjo resnico. Ob obračanju na sliko v 40. letih je umetnik okrepil čustveno stanje. Preoblikoval je osrednji del z junakinjo in služkinjo.
Portreti poznega Rembrandta se zelo razlikujejo od portretov iz 30. in celo 40. let. Te skrajno preproste (polovične ali generacijske) podobe ljudi, ki so po svoji notranji strukturi blizu umetniku, so vedno figurativni izraz večplastne človeške osebnosti, presenetljive z mojstrovo sposobnostjo podajanja nestalnih, izmuzljivih duhovnih gibov.
Rembrandt je znal ustvariti portret-biografijo; izpostavil le obraz in roke, je izrazil celotno zgodovino življenja
Francoska umetnost 17. stoletja
francoska umetnost 15. stoletje temelji na tradicijah francoske renesanse. Slike in risbe Fouqueta in Cloueta, kipi Goujona in Pilona, gradovi iz časa Frančiška 1., palača Fontainebleau in Louvre, poezija Ronsarda in proza Rabelaisa, filozofske izkušnje Montaigne, vse to nosi pečat klasicističnega razumevanja forme, stroge logike, racionalizma, razvitega čuta za eleganco, t.j. ki naj bi se v celoti utelešila v 15. stoletju. v filozofiji Descartesa, v dramaturgiji Corneilla in Racina, v slikarstvu Poussina in Lorraina.
Na področju likovne umetnosti proces nastajanja klasicizma ni bil tako enoten.
V arhitekturi se kažejo prve poteze novega sloga, ki pa se ne ujemajo povsem. V luksemburški palači, ki jo je za vdovo Henrika IV., regentko Marijo Medici, zgradil Salomon de Bros, je veliko vzetega iz gotike in renesanse, vendar je fasada že členjena z redom, ki bo značilen za klasicizem. Maisons-Lafitte Françoisa Mansarta je z vso kompleksnostjo volumnov enotna celota, jasna konstrukcija, ki teži k klasicističnim normam.
V slikarstvu je bila situacija bolj zapletena, saj so se tu prepletali vplivi manierizma, flamskega in italijanskega baroka. Na francosko slikarstvo v prvi polovici stoletja sta vplivala tako karavagizem kot nizozemska realistična umetnost. Vsekakor so ti vplivi jasno vidni v delu bratov Le Nain. V slikah Louisa Lenaina ni pripovednosti, ilustrativnosti, kompozicija je strogo premišljena in statična, podrobnosti so skrbno preverjene in izbrane, da bi razkrile predvsem etično, moralno osnovo dela. Velik pomen na Lenainovih slikah ima pokrajino.
IN Zadnje čase V umetnostnozgodovinski literaturi se ime smeri, ki ji pripada Louis Le Nain, vse pogosteje opredeljuje z izrazom "slikanje resničnega sveta". Delo umetnika Georgesa de Latourja pripada isti smeri. Latour se v svojih prvih žanrskih delih pojavlja kot umetnik, ki je blizu Caravaggiu. Že v zgodnjih delih Latourja se kaže ena najpomembnejših lastnosti: neizčrpna raznolikost njegovih podob, sijaj barve, sposobnost ustvarjanja monumentalnih pomembnih podob v žanrskem slikarstvu.
Druga polovica 30-ih - 40-ih - čas Latourjeve ustvarjalne zrelosti. V tem obdobju se manj posveča žanrskim temam, slika predvsem religiozne slike. Latourjev umetniški jezik je znanilec klasicističnega sloga: strogost, konstruktivna jasnost, jasnost kompozicije, plastično ravnotežje posplošenih oblik, brezhibna celovitost silhuete, statika. Primer je eno njegovih kasnejših del "Sv. Sebastijan in svete žene" z idealno lepo, spominjajočo antična skulptura lik Sebastijana v ospredju, v čigar telo - kot simbol mučeništva - upodablja le eno zapičeno puščico.
Klasicizem je nastal na grebenu družbenega vzpona francoskega naroda in francoske države. Osnova teorije klasicizma je bil racionalizem, ki je temeljil na filozofskem sistemu Descartesa, predmet klasične umetnosti je bil razglašen le za lepo in vzvišeno, antika je služila kot etični in estetski ideal. Ustvarjalec klasicistične smeri v francoskem slikarstvu 15. stoletja. je bil Nicolas Poussin. Teme Poussinovih platen so raznolike: mitologija, zgodovina, Nova in Stara zaveza. Poussinovi junaki - ljudje močni značaji in veličastna dejanja, visok občutek dolžnosti do družbe in države. Javni namen umetnosti je bil za Poussina zelo pomemben. Vse te značilnosti so vključene v nastajajoči program klasicizma. Umetnost pomembne misli in jasnega duha razvija tudi specifičen jezik. Mera in red, kompozicijska uravnoteženost postane osnova slika klasicizem. Gladek in jasen linearni ritem, statuarna plastika odlično prenaša resnost in veličastnost idej in likov. Barvanje je zgrajeno na sozvočju močnih, globokih tonov. To je harmoničen svet sam po sebi, ki ne presega slikovnega prostora, kot v baroku.
Poussinova ustvarjalnost sega v prvo polovico stoletja, ki jo zaznamuje vzpon javnega in umetniškega življenja v Franciji ter aktiven družbeni boj. Od tod splošna progresivna usmeritev njegove umetnosti, bogastvo njene vsebine. Drugačne razmere so se razvile v zadnjih desetletjih 17. stoletja, v času največje stopnjevanja absolutističnega zatiranja in zatiranja progresivnih pojavov družbene misli, ko se je centralizacija razširila na umetnike, združene v Kraljevi akademiji in prisiljene služiti s svojo umetnostjo. poveličevanje monarhije. V teh razmerah je njihova umetnost izgubila globoko socialno vsebino, v ospredje pa so prišle šibke, omejene poteze klasične metode.
Flandrska umetnost 17. stoletja.
Flamska umetnost je najprej Rubens in še enkrat Rubens. Čeprav so bili v istem času v Flandriji še drugi izjemni umetniki, so vsi pojmovani kot "Rubensov krog", "Rubensova šola", kot planeti, ki krožijo okoli Rubensovega sonca.
Sedemnajsto stoletje je bilo čas nastanka nacionalne umetniške slikarske šole v Flandriji. Tako kot v Italiji je tudi tukaj barok postal uradna prevladujoča smer. Vendar pa se flamski barok v marsičem bistveno razlikuje od italijanskega. Baročne oblike so tu napolnjene z občutkom kipečega življenja in barvitega bogastva sveta, občutkom prvinske moči rasti človeka in narave. V okviru baroka se v večji meri kot v Italiji razvijajo realistične poteze.
Osnova umetniška kultura Flandrija - realizem, narodnost, svetla veselost, slovesna svečanost - je bila najbolj izražena v slikarstvu. Flamski slikarji so v svoja platna ujeli poetično čutno lepoto sveta in podobo človeka, polnega zdravja, neizčrpne energije.
Naloga okrasitve družinskih gradov, aristokracijskih palač, katoliških cerkva je prispevala k široki uporabi v slikarstvu močnega dekorativnosti, ki temelji na barvnih učinkih.
Vodja flamske slikarske šole je bil Peter Paul Rubens (1577-1640). Vsestransko nadarjen, sijajno izobražen Rubens je bil umetnik ogromnega ustvarjalnega obsega, viharnega temperamenta. Rojeni monumentalni slikar, nadarjen diplomat, ki govori več jezikov, znanstvenik humanist, je bil zelo cenjen na knežjih in kraljevih dvorih v Mantovi, Madridu, Parizu in Londonu. Rubens, umetnik živahne domišljije, je bil ustvarjalec kolosalnih patetičnih kompozicij. Dinamičnost oblik, moč plastične domišljije, zmagoslavje dekorativnega načela so osnova njegovega dela. Vendar pa je Rubensova umetnost v osnovi realistična. Svežina dojemanja življenja in želja dati vsemu prikazanemu verodostojnost resnice sta bistvo njegovih del.
Flamsko tihožitje. V 17. stoletju tihožitje se uveljavi kot samostojen žanr. Odseva zanimanje za materialni svet, ki izvira iz »slikanja stvari« v nizozemski umetnosti zgodnjega 15. stoletja, kulta zasebnega življenja. Flamske "trgovine živih bitij" presenečajo s hrupno veselostjo in praznično okrasnostjo. Platna, velika po velikosti, svetlih barv, krasijo stene prostornih palač flamskega plemstva, poveličujejo lepoto zemeljskega obstoja, bogastvo podeželskega življenja, plodove zemlje, morje, reke.
Anthony (Anton, Anthony) van Dyck flamski slikar in grafik, mojster dvornih portretov in nabožnih prizorov v slogu barok.
Van Dyck se je že zgodaj pokazal kot mojster portretiranja in slikanja za religiozne in mitološke predmete. Z 1618 Avtor: 1620 je delal v delavnici Rubens. Ustvarja dela na versko tematiko, pogosto v več različicah: Kronanje s trnjem» « Judov poljub» »Nosenje križa« »Sv. Martin in berači«, »Mučeništvo sv. Sebastijan"
Jacob Jordanens ( netherl. Jacob Jordanens) ( 19. maja 1593, Antwerpen - 18. oktober 1678, Antwerpen) - flamski umetnik. Od 1607 je študiral pri Adam van Noort. Leta 1616 se je poročil z njegovo hčerko. Vse življenje živel v Južna Nizozemska, le 1641 je kratek čas deloval v Anglija. Njegove slike lahko najdete v kateri koli cerkvi v Antwerpnu. Tudi po njegovem pozivu k Kalvinizem leta 1645 je katoliška cerkev še naprej naročala njegova dela. Jordanes velja predvsem po smrti Rubens, ki je imel nanj velik vpliv, eden vidnih predstavnikov flam barok.
Francosko slikarstvo 19. stoletja
20s 19. stoletje so bili za Francijo čas oblikovanja romantične umetnosti. Mladi umetniki so svojim učiteljem napovedali pravo vojno. Zgodovinarji so njun nastop poimenovali "romantična bitka", njen junak pa je postal slikar Eugene Ferdinand Victor Delacroix. Delacroix - francoščina slikar in urnik, vodja romantično smeri v evropskem slikarstvu. Romantični umetniki, ne glede na kanone, ki so obstajali v likovna umetnost prejšnjih obdobij se je voljno obračal k nenavadnim zapletom, povezanim z norostjo, nadnaravnimi pojavi, nasiljem ali eksotiko (to je onkraj »normalnega«). Delacroix v Franciji je bil vodja tega trenda. Eugene Delacroix se je rodil v mestu Charenton-Saint-Maurice blizu Pariza. Bodoči umetnik je zgodaj osirotel. Leta 1815 je kot vajenec vstopil v atelje Pierra Narcissa Guerina (1774-1833), ki je pred kratkim študiral pri Theodoru Géricaultu. Delacroixovi sodobniki so pozorno spremljali potek osvobodilne revolucije v Grčiji v letih 1821-1829. (od 15. stoletja je bila Grčija pod oblastjo Turčije). Delacroix je izbral morda najbolj tragično stran grškega epa. Septembra 1821 so turški kaznovalci uničili civilno prebivalstvo Chiosa, grškega otoka v Egejskem morju, ob obali Male Azije. Več kot štirideset tisoč Grkov je bilo pobitih in približno dvajset tisoč zasužnjenih. Umetnikov odgovor na te dogodke je bila slika "Masaker na Hiosu" (1824).V ospredju so figure obsojenih Hiosa v pisanih cunjah; ozadje so temne silhuete oboroženih Turkov. Večina ujetnikov je brezbrižna do svoje usode, le otroci zaman prosijo starše, naj jih zaščitijo.Delacroix je čutil zanimanje za sodobnost in je leta 1830 ustvaril sliko "Svoboda, ki vodi ljudstvo (28. julij 1830)". Umetnik je dal brezčasen, epski zvok preprosti epizodi uličnih spopadov Leta 1832 je Delacroix spremljal diplomatsko misijo v Alžiriji in Maroku. Takoj po vrnitvi v Pariz se je umetnik lotil dela na sliki "Alžirke v svojih sobanah" (1833). Od konca 20. 19. stoletje slikar je ustvaril številne bojne slike, posvečene srednjeveški francoski zgodovini. V bitki pri Nancyju (1828-1834) se čete - sive zbrane množice z raznobarvnimi obrazi in transparenti - nerodno premikajo po zasneženi ravnini pod megleno rumenim nebom ob sončnem zahodu. Eugene Delacroix - prvi najbolj neodvisen slikar v Franciji polovica XIX V.
JACQUES LOUIS DAVID (1748-1825) K začetku XIX V. Splošno priznani vodja med francoskimi umetniki je bil Jacques Louis David - najdoslednejši predstavnik neoklasicizma v slikarstvu in občutljiv kronist njegovih burnih časov.David se je rodil v Parizu v premožni meščanski družini. Leta 1766 se je vpisal na Kraljevo akademijo za slikarstvo in kiparstvo. Značilna značilnost francoske kulture tistih let je bila splošna fascinacija nad antiko. Leta 1781 je bil David sprejet za člana Kraljeve akademije in prejel pravico do sodelovanja na njenih razstavah - salonih Louvre. Že leta 1776 je bil razvit vladni program, ki je spodbujal ustvarjanje velikih slik, »namenjenih oživitvi vrlin in domoljubnih čustev«. Davidu je bil ponujen zaplet iz zgodnje rimske zgodovine - podvig treh bratov iz plemiške družine Horatii.Za delo na sliki "Prisega Horacij" (1784) je David odšel v Rim. Ko je bilo platno končano in ga je umetnik razstavil javnosti, je celotna kompozicija zasnovana na številu tri: trije loki, tri skupine likov, trije meči, tri roke, pripravljene na orožje. V letih 1795-1799. David je skupaj s svojimi učenci delal na sliki "Sabini, ki ustavijo bitko med Rimljani in Sabini". Po njegovih besedah je želel "upodobiti starodavne navade s tako natančnostjo, da me Grki in Rimljani, če bi imeli priložnost videti moje delo, ne bi imeli za tujega njihovim običajem." Leta 1799 je Napoleon Bonaparte prišel na oblast zaradi še enega državnega udara. David je, tako kot mnogi nekdanji revolucionarji, veselo pozdravil ta dogodek.Na veličastni sliki »Kronanje Napoleona I. in cesarice Jožefine v katedrali Notre Dame v Parizu 2. december 1804" (1807) David je ustvaril še en mit - sijaj oltarja in sijaj oblačil dvorjanov ne vplivata na gledalca nič slabše kot ubogo pohištvo in stare Maratove rjuhe.Po porazu Napoleona je David, ki je nekoč glasoval v Konvencija za smrtno obsodbo Ludvika XVI., je bil prisiljen zapustiti Francijo. Umetnik je odšel v Bruselj (takrat je pripadal Kraljevini Nizozemski), kjer je živel do svoje smrti. Delal je naprej: marljivo, a že brez navdušenja je slikal portrete sebi podobnih izgnancev in dela na antične teme.
