Italijanska renesansa (italijanska renesansa) je zaznamovana z obdobjem velikih kulturnih sprememb v Evropi, v obdobju od XIV - XVI. Iz te dobe je izšla plejada slavnih italijanskih umetnikov, ki so občudovali in celemu svetu pokazali lepoto narave in Človeško telo. Pa si poglejmo 10 najboljših znani mojstri Italijanska renesansa.

1. Raphael Santi

Rafael Santi (vsi nam poznan kot Raphael) se je rodil v Urbinu Giovanniju Santiju, dvornemu slikarju. Mladi Raphael je začel študij na dvoru, kjer so ga navdihnila dela velikih umetnikov, kot sta Andrea Mantegna in Piero della Francesca. Raphael je bil tudi učenec Pietra Perugina in njegova zgodnja dela odražajo vpliv njegovega italijanskega renesančnega učitelja. V obdobju 1500 in 1508 je Rafael deloval v osrednja Italija, in je bil znan po Madonah in portretih. Leta 1508 ga je papež Julij II. prosil, naj okrasi papeške prostore v Vatikanu, kjer je končal svojo najboljše delo, kot je "Atenska šola" v Stanza della Senyatura.

"Santi"

2. Leonardo da Vinci

Dela Leonarda da Vincija pogosto veljajo za utelešenje humanističnih idealov v času italijanske renesanse. Leonardo da Vinci je bil mojster različnih oblik umetnosti, vendar je slavo pridobil s svojimi slikami. Leonardo je bil nezakonski otrok florentinskega notarja in kmečke žene. Mladenič je oblikoval svoj slog med študijem v delavnici florentinskega slikarja Andrea del Verrocchia. Na žalost je danes na voljo samo 15 njegovih slik, med njimi "Mona Lisa" in " Zadnja večerja sta dve najbolj prepoznavni in posnemani deli.

3. Michelangelo

Michelangelo je bil tako kot njegov sodobnik Leonardo da Vinci mojster različnih umetniških področij, najpomembnejše je bilo seveda slikarstvo. Sikstinska kapela v Vatikanu hrani najbolj impresivne freske v zgodovini zahodne umetnosti: slike, ki prikazujejo devet prizorov iz Geneze na stropu in Zadnja sodba na steni oltarja, ki pripada umetnikovemu čopiču. Michelangelo je freske na stropu kapele dokončal v približno štirih letih, kompozicija obsega več kot 500 kvadratnih metrov in vključuje najmanj 300 podob. Ta izjemna umetnina je nedvomno vplivala na številne baročne dekoraterje v naslednjih nekaj letih.

4. Sandro Botticelli

Drug slikar, ki pripada znameniti firenški šoli, je Sandro Botticelli. O njegovi mladosti je malo znanega, očitno je, da je bil učenec Fra Filippa Lippija in da so ga navdihovale monumentalne slike Masaccia. Elegantna slika Madone z otrokom, mojstra zgodnje renesanse Botticellija, pa tudi njegove slike na oltarnih stenah, slike v naravna velikost postal znan že v času svojega življenja. Najbolj znan je po dveh delih, ki prikazujeta mitološke prizore - "Rojstvo Venere" in "Pomlad" - obe sliki se nahajata v galeriji Uffizi v Firencah.

5. Tizian

Tiziano Vecellio, znan kot Tizian, je bil največji beneški slikar 16. stoletja. Tizian je znan predvsem po svoji sposobnosti uporabe barv in njihovih odtenkov - enako je obvladal veščino risanja portretov, pokrajin, mitološke zgodbe in verske teme. Kot najstnik je delal z uglednimi beneškimi umetniki, kot sta Giorgione in Giovanni Bellini. Slikal je tudi za kraljeve osebe po vsej Evropi, vključno s španskim kraljem Filipom II. V svoji karieri je Tizian naslikal portrete številnih najpomembnejših osebnosti svojega časa, od papeža Pavla III. do cesarja Svetega rimskega cesarstva Karla V.

"Avtoportret". Nacionalni muzej Prado

6. Tintoretto

Jacopo Robusti (Comyn), ki ga vsi poznamo pod vzdevkom Tintoretto (njegov oče je bil barvar ali po italijansko tintore), je naslednji na seznamu vodilnih italijanskih slikarjev renesanse. Združil je uporabo Tizianovega kolorita in dinamiko Michelangelovih oblik. Za njegovo delo so značilne obsežne teme, kot je njegovo delo "Zadnja večerja". Sliko odlikujejo domiselnost, spektakularna osvetlitev - igra svetlobe in sence ter uporaba gest in gibov telesa v dinamiki. Zaradi svoje strasti do dela in impulzivnosti pri risanju si je Tintoretto prislužil še en vzdevek: II Besni.

"Avtoportret"

7. Masaccio

Masaccio je pustil neizbrisen pečat v svetu slikarstva, čeprav je bilo njegovo življenje kratko - umrl je pri 26 letih. Rojen leta 1401 je s svojo sposobnostjo ustvarjanja dinamičnih podob in gibov ter znanstvenim pristopom k perspektivi pomembno prispeval k slikarstvu. Pravzaprav ga mnogi štejejo za prvega velikega slikarja italijanske renesanse in inovatorja moderne dobe slikarstva. Na delo Masaccia so vplivala dela kiparja Donatella in arhitekta Brunelleschija. Na žalost so v našem času ohranjena le štiri dela, katerih avtorstvo ne vzbuja dvomov, druga dela pa so bila napisana v sodelovanju z drugimi umetniki.

8. Domenico Ghirlandaio

Domenico Ghirlandaio je bil vodja velike in produktivne delavnice v Firencah, v kateri sta bila tudi njegova dva brata. Mnogi naknadno znani umetniki preživel čas v njegovem ateljeju, med njimi Michelangelo. Zgodnjerenesančni slikar je postal znan po svojih podrobnih temah, ki so pogosto vključevale vodilne osebnosti tistega časa, kot je kronika sodobne florentinske družbe. Najpomembnejša naročila je prejel od papeža Siksta IV., ki ga je poklical v Rim, da poslika Sikstinsko kapelo.

"Klic prvih apostolov"

9. Andrea del Verrocchio

Morda ste opazili, da je bil Andrea del Verrocchio že omenjen na našem seznamu. Imel je velik vpliv na uspešne slikarje italijanske renesanse. Med njegovimi učenci so bili že omenjeni Botticelli, Ghirlandaio in celo Leonardo da Vinci. Njegovi pokrovitelji so bili vplivna družina Medici, predstavniki beneške države in občinskega sveta Pistoie. Vsestranski umetnik je ustvaril kar nekaj kipov. Znano je samo eno umetniško delo, ki ga je podpisal Verrocchio: oltarna stena v katedrali v Pistoji. Kljub temu je veliko drugih slik pripisanih njegovi delavnici.

"Kristusov krst"

10. Giovanni Bellini

Giovanni Bellini, rojen v družini umetnikov, skupaj z očetom Jacopom in bratom Gentilejem, je popolnoma spremenil slikarstvo v beneški regiji. Z uporabo čistih barv in mehkih prehodov je Belliniju uspelo ustvariti bogate odtenke in izrazito senčenje. Te barvne inovacije so močno vplivale na druge slikarje, kot je Tizian. Bellini je mnogim svojim delom dodal prikrito simboliko, ki jo običajno pripisujemo severni renesansi.

"Madona na travniku"

Vse do 13. stoletja je v Italiji prevladovala bizantinska tradicija, ki je bila sovražna vsakemu svobodnemu razvoju ali individualnemu razumevanju. Šele v 13. stoletju je okamenela shema podobe oživela v delih nekaterih velikih umetnikov, predvsem firenških.

Prisotno je novo, v realnost usmerjeno dojemanje harmonije barv in globljega izražanja čustev. Od umetnikov 13.-14. stoletja je mogoče slišati, kot so Ercole de Roberti, Francesco Francia, Jacopo de Barbari.

Iatlijsko slikarstvo 15. - 16. stoletja

V tem obdobju je bil tako razširjen slikarski slog, kot je manirizem. Zanj je značilen odmik od enotnosti in harmonije človeka z naravo, vsem materialnim in duhovnim, v tem nasprotuje renesansi.

Veliko središče slikarstva so Benetke. Tizianov prispevek je v veliki meri opredelil beneško slikarstvo 16. stoletja, tako v smislu mojstrovih umetniških dosežkov kot njegove produktivnosti. Enako obvladoval je vse žanre, blestel v religioznih, mitoloških in alegoričnih kompozicijah, ustvaril številne dih jemajoče portrete. Tizian je sledil slogovnim trendom svojega časa in nanje vplival.

Veronese in Tintoretto - v nasprotju s tema dvema umetnikoma se razkriva dvojnost beneško slikarstvo sredina 16. stoletja, umirjena manifestacija lepote zemeljskega bivanja ob koncu renesanse pri Veroneseju, samozavestno gibanje in skrajna onostranost ter ponekod tudi rafinirana zapeljivost posvetne narave, v delu Tintoretta . V slikah Veroneseja ni čutiti nobenih problemov tistega časa, vse piše, kot da ne bi moglo biti drugače, kot da je življenje lepo takšno, kot je. Prizori, upodobljeni na njegovih slikah, vodijo »resničen« obstoj, ki ne dopušča nobenega dvoma.

Pri Tintorettu je povsem drugače, vse, kar piše, je napolnjeno z intenzivno akcijo, dramatično gibljivo. Zanj ni nič neomajno, stvari imajo več plati in se lahko kažejo na različne načine. Kontrast med globoko religioznimi in posvetno pikantnimi, vsaj elegantnimi slikami, ki ga dokazujeta njegovi dve stvaritvi "Rešitev Arsinoe" in "Boj nadangela Mihaela s Satanom", osredotoča našo pozornost na izvirnost manierizma, ki je neločljivo povezana z ne le beneškemu Tintorettu, opazili smo tudi v Correggiu Parmigianinu, ki prihaja iz tradicij.

Italijansko slikarstvo 17. stoletja

To stoletje je označeno kot čas naraščajočega katolicizma, utrjevanja cerkve. Razcvet slikarstva v Italiji je bil, tako kot v prejšnjih stoletjih, povezan z delitvijo na ločene lokalne šole, kar je bila posledica političnih razmer v tej državi. Italijanska renesansa je bila razumljena kot izhodišče daljnosežnega iskanja. Izpostaviti je mogoče umetnike rimske in bolonjske šole. To so Carlo Dolci iz Firenc, Procaccini, Nuvolone in Pagani iz Milana, Alessandro Turki, Pietro Negri in Andrea Celesti iz Benetk, Ruoppolo in Luca Giordano iz Neaplja. Rimska šola blesti s celo serijo slik k prispodobam Nove zaveze Domenica Fettija, ki so se učili na zgledih Caravaggia in Rubensa.

Andrea Sacchi, učenec Francesca Albanija, predstavlja izrazito klasično gibanje v rimskem slikarstvu. Klasicizem kot gibanje, nasprotno baroku, je vedno obstajal v Italiji in Franciji, vendar je imel v teh državah drugačno težo. To smer zastopa Carlo Maratto, Sacchijev učenec. Eden glavnih predstavnikov klasicistične smeri je bil Domenichino, ki je študiral pri Denisu Calvartu in Caracciju v Bologni.

Pier Francesco Mola je bil pod vplivom Guercina veliko bolj baročen, močnejši v interpretaciji svetlobe in sence, v prenosu rjavo-toplega tona. Nanj je vplival tudi Caravaggio.

V 17. stoletju so ekspresivno razvite oblike baroka z njemu lastnim čutom za »naravnost« in v uprizarjanju čudežev in videnj, ki pa so gledališko uprizorjene, zabrisale meje med resničnostjo in iluzijo.

Za to dobo so značilne težnje realizma in klasicizma, ne glede na to, ali nasprotujejo baroku ali jih dojemajo kot sestavine tega sloga. Salvator Rosa iz Neaplja je bil krajinski slikar z zelo velikim vplivom. Njegova dela so preučevali Alessandro Magnasco, Marco Ricci, Francoz Claude-Joseph Vernet.

Italijansko slikarstvo naredil močan vtis na vso Evropo, toda Italija po drugi strani ni bila osvobojena povratnega vpliva severnih gospodarjev. Primer sledenja slikarskemu rodu Wauwerman, vendar z individualno razvito in lahko prepoznavno pisavo, je Michelangelo Cervocci s svojim "Ropom po bitki". Kot umetnik se je oblikoval v Rimu pod vplivom Pietra van Laerja, rojenega v Haarlemu in živečega v Rimu.

Če daje beneško slikarstvo 17. stoletja vtis intermezza, vmesnega intervala med veliko preteklostjo 15. in 16. stoletja ter prihajajočim razcvetom 18. stoletja, potem ima genovsko slikarstvo v osebi Bernarda Strozzija umetnika najvišjega ranga, ki je v podobo baročnega slikarstva v Italiji vnesel bistvene poudarke.

Italijansko slikarstvo 18. stoletja

Tako kot v prejšnjih stoletjih so imele tudi v 18. stoletju posamezne italijanske slikarske šole svojo identiteto, čeprav se je število res pomembnih središč zmanjšalo. Benetke in Rim sta bili veliki središči razvoja umetnosti v 18. stoletju, tudi Bologna in Neapelj sta imela svoje izjemne dosežke. Zahvaljujoč mojstrom renesanse so bile Benetke v 17. stoletju srednja šola za umetnike iz drugih mest v Italiji in po vsej Evropi nasploh, ki so tukaj študirali Veronese in Tintoretto, Tizian in Giorgione. To so na primer Johann Lis in Nicola Renier, Domenico Fetti, Rubens in Bernardo Strozzi.

18. stoletje se začne z umetniki, kot so Andrea Celesti, Piero Negri, Sebastiano Ricci, Giovanni Battista Piazzetta. Najznačilnejši izraz njene izvirnosti dajejo slike Giovannija Battiste Tiepola, Antonia Canala in Francesca Guardija. Veličasten dekorativni obseg Tiepolovih del je živo izražen v njegovih monumentalnih freskah.

Bologna s priročnimi povezavami z Lombardijo, Benetkami in Firencami je središče Emilije, edinega mesta v tej regiji, ki je dalo izjemne mojstre v 17. in 18. stoletju. Leta 1119 je bila tu ustanovljena najstarejša univerza v Evropi z znamenito pravno fakulteto.Duhovno življenje mesta je pomembno vplivalo na italijansko slikarstvo 18. stoletja.

Najbolj privlačna so dela Giuseppeja Marie Crespija, zlasti serija "Sedem zakramentov Cerkve" iz leta 1712. Slikovita bolonjska šola ima v osebi Crespija umetnika evropskega merila. Njegovo življenje sodi polovica v 17., polovica v 18. stoletje. Kot učenec Carla Cignanija, ki je nato študiral pri Francescu Albaniju, je obvladal akademsko umetniški jezik ki odlikuje bolonjsko slikarstvo od časa Carracha. Crespi je dvakrat obiskal Benetke, se učil in navdihoval druge. Predvsem se zdi, da se je Pianzetta njegova dela dolgo učil na pamet.

Bolonjsko slikarstvo zgodnjega 18. stoletja, drugačno od Crespijevega, predstavlja Gambarini. Zaradi hladnega kolorita in risane jasnosti, privlačne anekdotične vsebine njegovih slik, ga v primerjavi z močnim realizmom Crespija bolj pripisujejo akademski šoli.

V osebi Francesca Solimena je imelo neapeljsko slikarstvo svojega predstavnika, priznanega po vsej Evropi. Rimsko slikarstvo 18. stoletja kaže klasično smer. Primeri tega so umetniki, kot so Francesco Trevisani, Pompeo Girolamo Batoni in Giovanni Antonio Butti. 18. stoletje je bilo obdobje razsvetljenstva. Plemiška kultura je na vseh področjih v prvi polovici 18. stoletja doživela sijajen razcvet poznega baroka, ki se je kazal v dvornih slavjih, veličastnih operah in knežjih listinah.

Državni Ermitaž skupaj z Mestnimi muzeji Pavie prireja največjo retrospektivo italijanskega slikarstva prejšnjega stoletja, ki vključuje več kot sedemdeset del

Državni Ermitaž, 19. november 2011 - 22. januar 2012
Grbovna dvorana Zimska palača

V okviru leta Italije v Rusiji in Rusije v Italiji je v grbovni dvorani Zimskega dvorca na ogled razstava »Italijansko slika XIX stoletja. Od neoklasicizma do simbolizma«, ki ga organizira Državni Ermitaž skupaj z Mestnimi muzeji Pavie. Razstava je največja retrospektiva italijanskega slikarstva predpreteklega stoletja in vključuje več kot sedemdeset del, od katerih jih polovica prihaja iz zbirke Umetnostne galerije iz 19. stoletja Mestnih muzejev Pavie. Poleg tega so na razstavi tudi dela iz Galerije sodobna umetnost Firence, Milano, Torino, Genova. Težko je preceniti pomen razstave, saj je obravnavano obdobje ruskemu občinstvu praktično neznano (zbirka Hermitage vsebuje nekaj več kot šestdeset slik italijanskih umetnikov Ottocenta).

Razstava na primeru najboljših primerov slikarstva 19. stoletja prikazuje celotno paleto stilov in smeri, v katerih so delovali italijanski umetniki: klasicizem, romantika, historicizem, macchiaioli, simbolizem.

Glavne značilnosti italijanskega klasicizma so bile postavljene v delu Antonia Canove. Lombardski umetnik Andrea Appiani se je obrnil k tipu sublimno idiličnih slik na mitološke teme, primer tega je slika Juno, oblečena z gracijami. Isti starodavni kanon vzvišene harmonije je v platnih "Pariz" in "Hebe" Gaspareja Landija. Junaško vejo neoklasicizma predstavlja nekoč priljubljena slika »Cezarjeva smrt« Vincenza Camuccinija.

Obračanje k epizodam in junakom nacionalne zgodovine, večinoma že opisanim v literaturi, je značilno za večino slikarstva 19. stoletja, začenši z romantiko. Vodilni umetnik ta smer - Francesco Hayets. Na sliki »Sprava Otona II. z njegovo materjo Adelaido Burgundsko« je reproduciral pomemben, a malo znan dogodek v italijanski srednjeveški zgodovini. V "Venus Playing with Doves" je utelesil poteze slavne balerine Carlotte Chabert, v "The Secret Denunciation" je prikazal Benečanko, lepo in kruto.

Romantični umetniki so radi upodabljali izjemne ljudi, uporniške junake v trenutkih slave ali padcev. Primeri takšnih del: "Galileo pred inkvizicijo" Christiana Bantija, "Krištof Kolumb ob vrnitvi iz Amerike (Krištof Kolumb v verigah)" Lorenza Delleanija, "Lord Byron na grških obalah" Giacoma Trecourta.

Romantiki oživijo zanimanje za "mlajše" žanre slikarstva - podobo notranjosti stavb in mestne vedute (svinec). V platnu "Cerkev Santa Maria della Salute v Benetkah" Ippolito Caffi eksperimentira z vizualno percepcijo in svetlobnimi učinki.

Iskanje romantikov se je nadaljevalo v šestdesetih letih 19. stoletja toskanski macchiaioli: Giovanni Fattori, Silvestro Lega, Telemaco Signorini, Giuseppe Abbati, Odorado Borrani, Vincenzo Cabianca. Umetniki so predlagali slogovno maniro, ki je zamenjala tradicionalni chiaroscuro s kontrastno kombinacijo lis ("macchia"). V novi tehniki je Macchiaioli predstavil žanrske prizore Vsakdanje življenje: "Singing a stornello" in "Bethoth, or the Bride and Ženin" Silvestra Legija, "Rendezvous in the Forest" Telemaca Signorinija. Pokrajina na slikah »Rotonda kopališč Palmieri« Giovannija Fattorija in »Pogled na Castiglioncello« Giuseppeja Abbatija je zanimiva, ker so jo umetniki ustvarjali pleneristično.

Težnje simbolizma so jasno izražene v triptihu Giorgia Kinerca "Uganka človeka": umetnik se izogiba jasni karakterizaciji likov, raje fascinira gledalca z ezoteričnimi simboli in splošnim magnetnim vzdušjem.

V zadnjih desetletjih 19. stoletja so evropski umetniki eksperimentirali z novimi izraznimi sredstvi. V Italiji Angelo Morbelli razvije tehniko ločene poteze (divizionizem), primer katere je slika na socialna tema"Za 80 centesimo!". Divizionist je bil tudi Giuseppe Pelizza da Volpedo, ki je simbolno utelesil ideale visokega humanizma v sliki "Ples".

Razstava “Italijansko slikarstvo 19. stoletja. Od neoklasicizma do simbolizma« je odgovor na marca 2011 v Castello Visconteo odprto veliko razstavo »Leonardeschi od Foppe do Giampetrina: Slike iz Ermitaža in mestnih muzejev Pavie«, ki je vključevala dvaindvajset platen iz zbirke Ermitaž.

Kustosinja razstave v imenu Državnega Ermitaža je Natalija Borisovna Demina, raziskovalka na Oddelku za zahodnoevropsko vizualna umetnost, iz Mestnih muzejev Pavije - Susanna Zatti, direktorica Mestnih muzejev Pavije.

Do odprtja razstave je izšel znanstveni katalog v ruščini in italijanščini (založba Schira, Milano-Ženeva) s članki Fernanda Mazzocchija, profesorja na Univerzi v Milanu, Francesce Porreco, kustosinje Mestnih muzejev Pavie in Suzanna Zatti.

Pozor! Vsi materiali spletnega mesta in baze podatkov o rezultatih dražb na spletnem mestu, vključno z ilustriranimi referenčnimi informacijami o delih, prodanih na dražbah, so namenjeni izključno uporabi v skladu s čl. 1274 Civilnega zakonika Ruske federacije. Uporaba v komercialne namene ali v nasprotju s pravili civilnega zakonika Ruske federacije ni dovoljena. spletno mesto ne odgovarja za vsebino materialov, ki so jih predložile tretje osebe. V primeru kršitve pravic tretjih oseb si uprava spletnega mesta pridržuje pravico, da jih odstrani s spletnega mesta in iz baze podatkov na podlagi zahteve pooblaščenega organa.

• 31.01.2020 Začetna cena vsakega lota te dražbe ni odvisna od njegove ocene in je točno 100 $
• 30.01.2020 Marron je svojo zbirko zbiral več kot 20 let, sestavljena je iz 850 umetniških del, pogojno ocenjenih na 450 milijonov dolarjev.
• 30.01.2020 Status skulpture iz muzeja Getty decembra 2019 je bil spremenjen v "delo neznanega umetnika"
• 29.01.2020 Tečaj so morali preklicati po pritožbah, da se preveč osredotoča na evropsko "belo zgodovino umetnosti" in študij moških umetnikov.
• 29.01.2020 Organizatorji najobsežnejše retrospektive dela Salvadorja Dalija javnosti ponujajo dvesto umetnikovih del in bogat izobraževalni program.

• 31.01.2020 Skupni prihodki so znašali skoraj 2,5 milijona rubljev. Kupci - od Moskve do Magadana
• 24.01.2020 Več kot 50% sklopov kataloga je šlo pod kladivo, kupci - od Perma do Minska
• 23.01.2020 Katalog vsebuje trideset sklopov: enajst slik, petnajst listov izvirne in eno tiskano grafiko, eno delo v mešani tehniki, en porcelanski krožnik in en foto album.
• 20.01.2020 Katalog prve dražbe umetnosti in likovnih del v letu 2020 je obsegal 547 sklopov – slike in grafike, steklo, porcelan, keramika, srebro, emajl, nakit itd.
• 17.01.2020 V nove roke je šla nekaj manj kot polovica vseh kataloških sklopov. Med kupci - Moskva, Odintsovo, Minsk in Perm

• 31.01.2020 V zgodovini predmeta pogovora se lahko nekaj zdi naivno, drugo - najti uporabo v praksi udeležencev na trgu. Nekaj ​​je gotovo: v vsakem poklicu je znanje vsakega uspešna oseba mora temeljiti na uspehih in napakah svojih predhodnikov
• 03.12.2019 Glavne številke treh glavnih dražb "ruskega tedna" in nekaj o tem, kako so se naše napovedi uresničile
• 03.12.2019 Letos je Salon potekal na novem prizorišču, v Gostinem Dvoru, in sicer mesec dni kasneje kot običajno
• 28.11.2019 Obisk umetnikovega ateljeja je dogodek, ki potencialno lahko spremeni življenje tako lastnika ateljeja kot njegovega gosta. Ne ravno poslovni sestanek, vsekakor pa ne navaden prijateljski obisk. Če upoštevate nekaj preprostih pravil, se boste v tej situaciji izognili težavam.
• 26.11.2019 Že četrtič na predlog VKhNRTS poimenovanega po akademiku I. E. Grabarju objavljamo lažno izvedensko mnenje, ki naj bi ga izdali strokovnjaki Centra. Bodi previden!
• 17.12.2019 Razstava, ki jo odpirajo 19. decembra v glavni stavbi muzeja na Petrovki 25, je poskus novega pogleda na obsežno muzejsko zbirko ruske umetnosti: 20 znanih osebnosti z različnih strokovnih področij je postalo kustos projekt
• 12.12.2019 6. aprila 2020 mineva 500 let od smrti enega največjih umetnikov renesanse. V pričakovanju obsežnih dogodkov, ki se bodo odvijali naslednje leto, Berlinska umetnostna galerija odpira razstavo Madon Raphaela Santija

SLIKARSTVO ITALIJE

V Italiji, kjer je v 17. stoletju dokončno zmagala katoliška reakcija, se je baročna umetnost oblikovala zelo zgodaj, se razmahnila in postala prevladujoča smer.

Za slikarstvo tega časa so bile značilne spektakularne dekorativne kompozicije, svečani portreti, ki prikazujejo arogantne plemiče in dame s ponosno držo, ki se utapljajo v razkošnih oblačilih in nakitu.

Namesto črte so dali prednost slikoviti piki, masi, svetlobnim in senčnim kontrastom, s pomočjo katerih je nastala forma. Barok je kršil načela delitve prostora na načrte, načela neposredne linearne perspektive za povečanje globine, iluzijo seganja v neskončnost.

Nastanek baročnega slikarstva v Italiji je povezan z delom bratov Carracci, ustanoviteljev ene prvih umetniških šol v Italiji - Akademije hoje. prava pot"(1585), tako imenovana bolonjska akademija - delavnica, v kateri so se mojstri začetniki učili po posebnem programu.

Annibale Carracci (1560-1609) je bil najbolj nadarjen izmed treh bratov Carracci. V njegovem delu so jasno zaslediti načela bolonjske akademije, ki si je za glavno nalogo postavila oživitev monumentalne umetnosti in tradicij renesanse v času njenega razcveta, ki so jo Carraccijevi sodobniki častili kot primer nedosegljive popolnosti in neke vrste umetniškega "absolutno". Zato Carracci mojstrovine svojih velikih predhodnikov dojema bolj kot vir, iz katerega črpa estetske rešitve, ki so jih našli titani renesanse, in ne kot izhodišče lastnih ustvarjalnih iskanj. Plastično lepo, idealno zanj ni »najvišja stopnja« realnega, temveč le obvezna umetniška norma – umetnost je torej nasproti realnosti, v kateri mojster ne najde novega temeljnega ideala. Od tod tudi konvencionalnost in abstraktnost njegovih podob in slikovnih rešitev.

Hkrati sta se umetnost bratov Carracci in bolonjski akademizem izkazala za najprimernejša za postavitev v službo uradne ideologije in ni zaman, da je njuno delo hitro dobilo priznanje v višjih (državnih) in katoliške) sfere.

Največje delo Annibale Carracci na področju monumentalnega slikarstva je poslikava galerije Palazzo Farnese v Rimu s freskami, ki pripovedujejo o življenju bogov - po prizorih iz Metamorfoz starorimskega pesnika Ovidija (1597-1604). , izdelan skupaj z bratom in pomočniki).

Slika je sestavljena iz ločenih plošč, ki gravitirajo proti osrednji veliki kompoziciji, ki prikazuje zmagoslavje Bakhusa in Ariadne, kar v slikovito celoto vnaša element dinamike. Gole moške figure, umeščene med ta polja, posnemajo skulpturo in so hkrati protagonisti stenskih poslikav. Rezultat je bilo impresivno obsežno delo, spektakularnega videza, ki pa ga ni povezovala nobena pomembna ideja, brez katere so bili monumentalni ansambli renesanse nepredstavljivi. V prihodnosti bodo ta načela, ki jih uteleša Carracci - želja po dinamični kompoziciji, iluzionističnih učinkih in samozadostni dekorativnosti - značilna za celotno monumentalno slikarstvo 17. stoletja.

Annibale Carracci želi motive iz umetnosti renesanse napolniti z živahno, sodobno vsebino. Kliče k preučevanju narave, v zgodnjem obdobju ustvarjalnosti se obrača celo na žanrsko slikarstvo. Toda z vidika mojstra je narava sama po sebi preveč groba in nepopolna, zato bi se morala na platnu pojaviti že preoblikovana, oplemenitena v skladu z normami klasične umetnosti. Zato bi določeni vitalni motivi lahko obstajali v kompoziciji le kot ločen fragment, namenjen poživitvi prizora. Tako je na primer na sliki "The Bean Eater" (1580) čutiti umetnikov ironičen odnos do tega, kar se dogaja: poudarja duhovno primitivnost kmeta, ki pohlepno jedo fižol; podobe figur in predmetov so namerno poenostavljene. Druge žanrske slike mladega slikarja so podprte v istem duhu: »Mesnica«, »Avtoportret z očetom«, »Lov« (vse - 1580) - adj., sl. 1.

Veliko slik Annibale Carracci ima verske teme. Toda hladna popolnost oblik pušča malo prostora za manifestacijo čustev v njih. Le v redkih primerih umetnik ustvari dela drugačne vrste. Takšno je Objokovanje Kristusa (ok. 1605). Sveto pismo pripoveduje, kako so Kristusovi sveti častilci prišli počastit njegov grob, a so ga našli praznega. Od angela, ki je sedel na robu sarkofaga, so izvedeli za njegovo čudežno vstajenje in bili nad tem čudežem veseli in pretreseni. Toda podobe in vznemirljivost starodavnega besedila pri Carracciju ne najdejo posebnega odziva; le lahkotnim, plapolajočim oblačilom angela je lahko nasprotoval masivnosti in statičnosti ženskih postav. Tudi barvitost slike je povsem običajna, a jo hkrati odlikuje moč in intenzivnost.

Posebno skupino sestavljajo njegova dela na mitološko tematiko, v katerih je prizadela njegova strast do mojstrov beneške šole. Na teh slikah poveličujejo veselje ljubezni, lepoto golega žensko telo, Annibale se kaže kot čudovit kolorist, živahen in poetičen umetnik.

Med najboljšimi deli Annibale Carracci so njegova krajinska dela. Carracci in njegovi učenci so na podlagi izročila beneške pokrajine 16. stoletja ustvarili tip tako imenovane klasične ali herojske krajine. Tudi naravo je umetnik preoblikoval v umetno privzdignjenem duhu, vendar brez zunanje patetike. Njegovo delo je postavilo temelje za eno najplodnejših smeri v razvoju krajinskega slikarstva te dobe (Beg v Egipt, ok. 1603), ki je nato našla svoje nadaljevanje in razvoj v delu mojstrov naslednjih generacij, v zlasti Poussin.

Michelangelo Caravaggio (1573-1610). Najpomembnejši italijanski slikar tega obdobja je bil Michelangelo Caravaggio, ki ga lahko uvrščamo med največje mojstre 17. stoletja.

Ime umetnika izhaja iz imena mesta v severni Italiji, kjer se je rodil. Od enajstega leta je že delal kot vajenec pri enem od milanskih slikarjev, leta 1590 pa je odšel v Rim, ki je do konca 17. stoletja postal umetniško središče vse Evrope. Tu je Caravaggio dosegel svoj največji uspeh in slavo.

Za razliko od večine njegovih sodobnikov, ki so zaznavali le bolj ali manj znan niz estetskih vrednot, je Caravaggio uspel opustiti tradicijo preteklosti in ustvariti svoj, globoko individualen slog. To je bilo delno posledica njegovega negativnega odziva na takratne umetniške klišeje.

Nikoli ni pripadal določeni umetniški šoli, je že v svojih zgodnjih delih postavil kontrast individualni ekspresivnosti modela, preprostim vsakdanjim motivom za idealiziranje podob in alegorični interpretaciji zapleta, značilni za umetnost manirizma in akademizma ("Mali bolni Bacchus" , »Mladenič s košaro sadja«, oboje - 1593).

Čeprav se na prvi pogled zdi, da se je oddaljil od umetniških kanonov renesanse, še več, jih je podrl, je bil v resnici patos njegove realistične umetnosti njihovo notranje nadaljevanje, ki je postavilo temelje realizma 17. stoletja. To jasno dokazujejo njegove lastne izjave. »Vsaka slika, ne glede na to, kaj prikazuje in ne glede na to, kdo jo je napisal,« je trdil Caravaggio, »ni dobra, če vsi njeni deli niso narejeni iz narave; nič ne more biti rajši od tega mentorja.« V tej izjavi Caravaggia je s svojo naravnostjo in kategoričnostjo utelešen celoten program njegove umetnosti.

Umetnik je veliko prispeval k oblikovanju gospodinjski žanr("The Rounders", 1596; "The Boy Bitten by the Lizard", 1594). Junaki večine del Caravaggia so ljudje iz ljudstva. Našel jih je v pestri ulični množici, v poceni pivnicah in na hrupnih mestnih trgih, jih pripeljal v svoj atelje kot varuške, pri čemer je imel to posebno metodo dela raje kot študij starodavnih kipov - to dokazuje prvi biograf umetnika D. Bellori. Njegovi najljubši liki so vojaki, kartarji, vedeževalci, glasbeniki (Vedeževalka, Lutnjist (oba - 1596); Glasbeniki, 1593) - prid., sl. 2. Prav oni "naseljujejo" žanrske slike Caravaggia, v katerih uveljavlja ne le pravico do obstoja, ampak tudi umetniška vrednost zasebni gospodinjski motiv. Če je bilo Caravaggievo slikarstvo v zgodnjih delih kljub vsej svoji plastičnosti in vsebinski prepričljivosti še nekoliko grobo, se v prihodnosti te svoje pomanjkljivosti znebi. Zrela umetnikova dela so monumentalna platna z izjemno dramatično močjo (»Klic apostola Mateja« in »Mučeništvo apostola Mateja« (obe - 1599-1600); »Pokopavanje«, »Marijina smrt« (oboje - c. 1605-1606 )). Ta dela, čeprav so po slogu blizu njegovim zgodnjim žanrskim prizorom, so že napolnjena s posebno notranjo dramatiko.

Slikovita manira Caravaggia v tem obdobju temelji na močnih kontrastih svetlobe in sence, ekspresivni preprostosti gest, energičnem modeliranju volumnov, nasičenosti barv - tehnikah, ki ustvarjajo čustveno napetost, poudarjajo akutno prizadetost občutkov. Običajno umetnik upodablja več posnetih figur Zapri, gledalcu blizu in napisan z vso plastičnostjo, materialnostjo in vidno pristnostjo. igra pomembno vlogo v njegovih delih okolju, domači interier in tihožitje. Tako na primer na sliki »Klic Mateja« mojster prikazuje manifestacijo vzvišenega duhovnega v svetu »nizkega« vsakdanjega življenja.

Zaplet dela temelji na zgodbi iz evangelija o tem, kako je Kristus poklical cestninarja Mateja, ki so ga vsi prezirali, da postane njegov učenec in sledilec. Znaki upodobljen sedi za mizo v neudobnem, praznem prostoru, liki pa so predstavljeni v polni velikosti, oblečeni v sodobne kostume. Nepričakovano sta Kristus in apostol Peter, ki sta nenadoma vstopila v sobo, povzročila različne odzive občinstva – od začudenja do budnosti. Tok svetlobe, ki vstopa od zgoraj v temno sobo, ritmično organizira dogajanje, poudarja in povezuje glavne elemente (Matejev obraz, Kristusova roka in profil). Slikar iztrga figure iz teme ter ostro trčijo svetlobo in globoko senco, daje občutek notranji stres in dramatično vznemirjenje. Na prizorišču prevladujejo prvine čustev, človeških strasti. Za ustvarjanje čustvenega vzdušja Caravaggio spretno uporablja bogate barve. Na žalost ostrega Caravaggiovega realizma mnogi njegovi sodobniki, privrženci "visoke umetnosti", niso razumeli. Navsezadnje je tudi pri ustvarjanju del na mitološke in religiozne teme (najbolj znana med njimi je »Počitek na begu v Egipt«, 1597) vedno ostal zvest realističnim načelom svojega vsakdanjega slikarstva, tako da tudi najbolj tradicionalni svetopisemski motivi od njega prejel popolnoma drugačno intimno in psihološko interpretacijo, drugačno od tradicionalne. In privlačnost do narave, ki jo je naredil za neposredni predmet podobe svojih del, in verodostojnost njene interpretacije sta povzročila številne napade na umetnika s strani duhovščine in uradnikov.

Kljub temu med umetniki 17. stoletja morda ni bilo niti enega pomembnega, ki na tak ali drugačen način ne bi doživel mogočnega vpliva Caravaggiove umetnosti. Resda je večina mojstrovih privržencev, imenovanih karavagisti, pridno posnemala le njegove zunanje tehnike, predvsem pa njegov znameniti kontrastni chiaroscuro, intenzivnost in materialnost slike.

Peter Paul Rubens, Diego Velazquez, Jusepe de Ribera, Rembrandt van Rijn, Georges de Latour in številni drugi slavni umetniki so prešli skozi stopnjo karavagizma. Nemogoče si je predstavljati nadaljnji razvoj realizma v 17. stoletju brez revolucije, ki jo je Michelangelo Caravaggio naredil v evropskem slikarstvu.

Alessandro Magnasco (1667-1749). Njegovo delo je povezano z romantičnim trendom v italijanski umetnosti 17. stoletja.

Bodoči umetnik se je rodil v Genovi. Najprej se je učil pri očetu, nato pa po njegovi smrti v Milanu pri enem od tamkajšnjih mojstrov, ki ga je učil tehnik beneškega slikarstva in poučeval umetnost portretiranja. V prihodnosti je Magnasco dolga leta delal v Milanu, Genovi, Firencah in šele v zadnjih letih, leta 1735, se je končno vrnil v rodno mesto.

Ta nadarjeni, a izjemno kontroverzni umetnik je bil obdarjen z izjemno svetlo osebnostjo. Magnascovo delo kljubuje vsakršni klasifikaciji: včasih globoko religiozno, včasih bogokletno, v svojih delih se je kazal bodisi kot navaden dekorater bodisi kot slikar trepetajoče duše. Njegova umetnost je prežeta s povečano čustvenostjo, ki stoji na meji mističnosti in vzvišenosti.

Znak zgodnja dela umetnik, usmrčen med njegovim bivanjem v Milanu, je določil tradicijo genovske slikarske šole, ki je težila k pastorali. Toda že takšna njegova dela, kot je več "Bakanalije", "Bandits' Halt" (vse iz 1710-ih) - ki prikazujejo nemirne človeške figure na ozadju veličastnih starodavnih ruševin - nosijo popolnoma drugačen čustveni naboj kot umirjene pastorale njegovih predhodnikov. Izdelani so v temnih barvah, s sunkovito dinamično potezo, ki nakazuje dramsko dojemanje sveta (priloga, sl. 3).

Umetnikovo pozornost pritegne vse nenavadno - prizori sodišč inkvizicije, mučenje, ki ga je lahko opazoval v Milanu, ki je pod vladavino Španije ("Mučilnica"), pridiga v sinagogi ("Sinagoga", pozno 1710-1720), nomadsko življenje Romov ("Ciganski obrok") itd.

Magnascove najljubše teme so različne epizode iz samostanskega življenja (»Menihov pogreb«, »Obrok nun«, obe iz dvajsetih let 17. stoletja), celice puščavnikov in alkimistov, ruševine zgradb in nočne pokrajine s figurami Romov, beračev, potepuški glasbeniki itd. Povsem resnični liki njegovih del - razbojniki, ribiči, puščavniki, cigani, komedijanti, vojaki, pralnice ("Pokrajina s pralkami", 1720) - delujejo v fantastičnem okolju. Upodobljeni so na ozadju mračnih ruševin, divjega morja, divjega gozda in ostrih sotesk. Magnasco riše njihove figure pretirano podolgovate, kot da se zvijajo in so v stalnem neprekinjenem gibanju; njihove podolgovate ukrivljene silhuete so podvržene živčnemu ritmu udarca. Slike preveva tragični občutek nepomembnosti človeka pred slepimi silami narave in strogostjo družbene stvarnosti.

Ista vznemirljiva dinamika odlikuje njegove krajinske skice s poudarjeno subjektivnostjo in čustvenostjo, ki v ozadje odrivajo prenos resničnih slik narave (»Morska pokrajina«, 1730-a; »Gorska pokrajina«, 1720-a). V nekaterih kasnejših delih mojstra je opazen vpliv pokrajin italijanskega Salvatoreja Rosa, gravure francoskega manierističnega umetnika Jacquesa Callota. Ta nerazločljiva plat resničnosti in čudaški svet, ki ga je ustvarila umetnikova domišljija, ki je ostro občutil vsa tragična in vesela dogajanja okoliške stvarnosti, bo vedno prisoten v njegovih delih in jim dal značaj bodisi prispodobe bodisi vsakdana. scena.

Ekspresivna slikovna manira Magnasca je na nek način napovedala ustvarjalna iskanja. umetniki XVIII V. Slika s hitrimi, hitrimi potezami, z nemirnim chiaroscurom, ki povzroča nemirne svetlobne učinke, kar daje njegovim slikam premišljeno skicoznost, včasih celo dekorativnost. Hkrati je barvanje njegovih del brez barvite večbarvnosti, običajno je mojster omejen na mračno sivkasto-rjavo ali zelenkasto lestvico, vendar na svoj način precej rafinirano in prefinjeno. Ta izvirni umetnik, ki je bil že za življenja priznan in od zanamcev pozabljen, je znova pridobil popularnost šele v začetku 20. stoletja, ko so v njem videli predhodnika impresionizma in celo ekspresionizma.

Giuseppe Maria Crespi (1665-1747), po rodu iz Bologne, je svojo slikarsko pot začel z marljivim kopiranjem slik in fresk slavnih mojstrov, med njimi tudi svojih rojakov, bratov Carracci. Kasneje je odpotoval v severno Italijo, kjer se je seznanil z delom mojstrov visoke renesanse, predvsem beneških (Tician in Veronese).

Do začetka XVIII. stoletja. Crespi je že precej znan, zlasti po svojih oltarjih. Toda glavno delo zgodnjega obdobja njegovega ustvarjanja je monumentalna poslikava plafonov palače grofa Pepolija (1691-1692) v Bologni, katere mitološki liki (bogovi, junaki, nimfe) v njegovi interpretaciji izgledajo izjemno zemeljski, živahen in prepričljiv, v nasprotju s tradicionalnimi abstraktnimi podobami baroka.

Crespi je deloval v različnih žanrih. Slikal je slike na mitološke, verske in vsakdanje teme, ustvarjal portrete in tihožitja ter v vsako od teh tradicionalnih zvrsti vnesel novo in iskreno videnje sodobnega sveta. Umetnikova zavezanost naravi, natančen prikaz okoliška resničnost je vstopila v nezdružljivo protislovje z zastarelimi tradicijami bolonjskega akademizma, ki je do takrat postal zavora za razvoj umetnosti. Zato se skozi vse njegovo delo kot rdeča nit vleče nenehen boj proti konvencijam akademskega slikarstva za zmagoslavje realistične umetnosti.

V začetku leta 1700 Crespi prehaja od mitoloških prizorov k upodabljanju prizorov iz kmečkega življenja, ki jih najprej interpretira v duhu pastorale, nato pa jim daje vse bolj prepričljiv značaj vsakdanjega slikarstva. Eden prvih med mojstri XVIII stoletja je začel upodabljati življenje navadni ljudje- perice, pomivalke, kuharice, pa tudi epizode iz kmečkega življenja.

Želja, da bi svojim slikam dal večjo pristnost, ga prisili, da se obrne na Caravaggiovo "kletno" svetlobo - ostro osvetlitev dela temnega prostora notranjosti, zaradi česar figure pridobijo plastično jasnost. Preprostost in iskrenost pripovedi dopolnjujejo v podobo notranjščine vpeti predmeti ljudske rabe, ki jih Crespi vedno slika z veliko slikarsko spretnostjo (»Prizor v kleti«; »Kmečka družina«).

Najvišji dosežek vsakdanjega slikarstva tistega časa sta njegova platna Sejem v Poggio a Caiano (ok. 1708) in Sejem (ok. 1709), ki prikazujeta množične ljudske prizore.

Pokazali so umetnikovo zanimanje za grafiko Jacquesa Callota, pa tudi njegovo tesno poznavanje dela nizozemskih mojstrov žanrskega slikarstva 17. stoletja. Toda Crespijeve podobe kmetov so brez Callotove ironije in ne zna tako spretno karakterizirati okolja, kot so to počeli nizozemski žanrski slikarji. Figure in predmeti v ospredju so napisani bolj podrobno kot ostali - to spominja na način Magnasca. Vendar pa stvaritve genovskega slikarja, izvedene na bravurozen način, vedno vsebujejo element fantazije. Crespi pa si je prizadeval za natančno in natančno zgodbo o pisani in veseli sceni. Z jasno porazdelitvijo svetlobe in sence svojim figuram daje življenjske posebnosti in postopoma presega tradicijo pastoralnega žanra.

Najpomembnejše delo zrelega mojstra je bila serija sedmih slik "Sedem zakramentov" (1710) - najvišji dosežek baročnega slikarstva zgodnjega 18. stoletja (dodatek, sl. 4). Gre za dela, ki so po duhu povsem nova, v katerih se je nakazal odmik od tradicionalne abstraktne interpretacije verskih prizorov.

Vse slike ("Spoved", "Krst", "Poroka", "Obhajilo", "Duhovništvo", "Maziljenje", "Maziljenje") so napisane v Rembrandtovem toplem rdečkasto-rjavem tonu. Sprejem ostre osvetlitve vnese v pripoved o zakramentih določeno čustveno noto. Umetnikova barvna paleta je precej enobarvna, a hkrati presenetljivo bogata z najrazličnejšimi odtenki in prelivi barv, ki jih združuje mehak, mestoma svetleči od znotraj žarek. To daje vsem upodobljenim epizodam pridih skrivnostne skrivnosti dogajanja in hkrati poudarja idejo Crespija, ki želi povedati o najpomembnejših življenjskih obdobjih vsakega človeka tistega časa, ki so predstavljena v forma prizorov iz resničnosti, ki dobivajo značaj nekakšne parabole. Poleg tega te zgodbe ne odlikuje didaktika, značilna za barok, temveč posvetna vzgoja.

Skoraj vse, kar je mojster napisal po tem, predstavlja sliko postopnega bledenja njegovega talenta. V svojih slikah vse pogosteje uporablja znane pečate, kompozicijske sheme, akademske poze, ki se jim je prej izogibal. Ni presenetljivo, da je bilo kmalu po njegovi smrti Crespijevo delo hitro pozabljeno.

Kot svetel in izviren mojster so ga odkrili šele v dvajsetem stoletju. Toda po kakovosti, globini in čustvenem bogastvu je Crespijevo slikarstvo, ki je dopolnilo umetnost 17. stoletja, v svojih najboljših manifestacijah slabše morda samo od Caravaggia, čigar delo je tako briljantno in inovativno začelo italijansko umetnost te dobe.

To besedilo je uvodni del. Iz knjige Zlomljeno življenje ali Oberonov čarobni rog avtor Kataev Valentin Petrovič

Slikarska mama mi je kupila nekaj podobnega albumu, ki se je odvijal kot harmonika, v cikcakih; na njegovih zelo debelih kartonskih straneh je bilo v barvah natisnjenih veliko podob naključno raztresenih gospodinjskih predmetov: svetilka, dežnik, aktovka,

Iz knjige Tamerlane avtor Roux Jean-Paul

Slikarstvo Iz dejstva, da sta Shah Rukh in njegov sin, filantrop Bai Shungkur (um. 1434) ustvarila knjigo na Akademiji v Heratu, je jasno, da je knjiga, napisana z elegantno kaligrafsko pisavo, na začetku 15. v lep ovitek in ilustriran z miniaturami, je bil uporabljen

Iz knjige Kolyma Notebooks avtor Shalamov Varlam

Slikarski portret - ego spor, debata, Ne pritožba, ampak dialog. Boj dveh različnih resnic, Boj čopičev in linij. Potok, kjer so rime barve, kjer je vsak Malyavin Chopin, kjer je strast, brez strahu pred javnostjo, uničila nekoga ujetništvo. V primerjavi s katero koli pokrajino, kjer je spoved

Iz knjige Razmišljanja o pisanju. Moje življenje in moje obdobje avtorja Henry Miller

Iz knjige Moje življenje in moje obdobje avtorja Henry Miller

Slikarstvo Pomembno je obvladati osnove spretnosti, v starosti pa se opogumiti in narisati, kar rišejo otroci, ne obremenjeni z znanjem. Moj opis postopka slikanja se spušča v to, da nekaj iščeš. Mislim, da kakršne koli ustvarjalno delo- nekaj podobnega. V glasbi

Iz knjige Renoir avtor Bonafou Pascal

SEDMO POGLAVJE VESLAČI IZ CHATUJA, SLIKARSTVO ITALIJE Do Renoirja, ki je razstavljal na Salonu, so se njegovi prijatelji obnašali prizanesljivo, ne da bi ga imeli za »izdajalca«. Dejstvo je, da sta bila tudi Cezanne in Sisley »odpadnika«, saj sta se odločila, da ne bosta sodelovala na četrti razstavi »neodvisnih

Iz knjige Matisse avtorja Escolier Raymond

SODENJE IN SLIKARSTVO Henriju Matisseju, ki je dobil klasično izobrazbo, očitno nič ni preprečilo uresničitve očetovih načrtov in oče je želel, da bi postal odvetnik. Z lahkoto opravil izpit oktobra 1887 v Parizu, kar mu je omogočilo, da se je posvetil

Iz knjige Churchill brez laži. Zakaj je osovražen avtor Bailey Boris

Churchill in slikarstvo Leta 1969 je Clementine povedala Martinu Gilbertu, avtorju Churchillove najbolj temeljne biografije v osmih zvezkih (prva dva zvezka je napisal Churchillov sin Randolph): »Neuspeh v Dardanelih je Winstona preganjal vse življenje. Po odhodu

Iz knjige Veliki možje 20. stoletja avtor Vulf Vitalij Jakovlevič

Slika

Iz knjige Dnevniški listi. zvezek 2 avtor Roerich Nikolaj Konstantinovič

Slikanje Najprej so me pritegnile barve. Začelo se je z oljem. Prve slike so napisane na debelo, zelo na debelo. Nihče ni predlagal, da je mogoče z ostrim nožem popolnoma rezati in dobiti gosto površino emajla. Zato je "The Elders Converge" izšel tako grob in celo oster. Nekdo noter

Iz knjige Rahmaninova avtor Fedjakin Sergej Romanovič

5. Slikarstvo in glasba "Otok mrtvih" - eno najtemnejših del Rahmaninova. In najbolj popolna. Pisati jo bo začel leta 1908. Končal bo v začetku leta 1909. Nekoč je v počasnem delu nedokončanega kvarteta predvideval možnost takšne glasbe. dolga,

Iz Junove knjige. Samota sonca avtor Savitskaya Svetlana

Slikanje in risanje Da bi se naučili risati, se morate najprej naučiti videti. Slika lahko vsak, tako fotoaparat kot mobilni telefon, vendar je, kot velja v slikarstvu, "obraz umetnika" težko pridobiti. Juna je pustila pečat v slikarstvu. Njene slike

Iz knjige Zgodovina umetnost XVII stoletja avtor Khammatova V.V.

ŠPANSKO SLIKARSTVO Špansko umetnost, tako kot celotno špansko kulturo kot celoto, je odlikovala pomembna izvirnost, ki je v tem, da je renesansa v tej državi, ko je komaj dosegla stopnjo visokega razcveta, takoj vstopila v obdobje upada in krize, ki sta bila

Iz avtorjeve knjige

FLANDRSKO SLIKARSTVO Flamsko umetnost v nekem smislu lahko imenujemo edinstven fenomen. Še nikoli v zgodovini ni po površini tako majhna država, ki je bila tudi v tako odvisnem položaju, ustvarila tako značilnega in pomembnega v svojem

Iz avtorjeve knjige

SLIKARSTVO NIZOZEMSKE Nizozemska revolucija je spremenila Nizozemsko po Karlu Marxu »v zgledno kapitalistično državo 17. stoletja«. Osvojitev nacionalne neodvisnosti, uničenje fevdalnih ostankov, hiter razvoj produktivnih sil in trgovine

Iz avtorjeve knjige

SLIKARSTVO FRANCIJE Posebno mesto med najboljšimi na tem področju umetniška ustvarjalnost Evropske države je v 17. stoletju zasedla Francija. V delitvi dela med nacionalnimi šolami evropskega slikarstva pri reševanju žanrskih, tematskih, duhovnih in formalnih nalog za Francijo

italijanski umetnik Michelangelo Merisi da Caravaggio poveličeval slavni chiaroscuro. Zdi se, da figure na njegovih slikah štrlijo iz teme, ugrabljene s svetlimi žarki svetlobe. To metodo so sprejeli številni privrženci po umetnikovi smrti.

Jemanje Kristusa v pripor, 1602

Umetnost Caravaggia je imela velik vpliv na delo ne le številnih italijanskih, ampak tudi vodilnih zahodnoevropskih mojstrov 17. stoletja - Rubensa, Jordansa, Georgesa de Latourja, Zurbarana, Velazqueza, Rembrandta. Karavagisti so se pojavili v Španiji (Jose Ribera), Franciji (Trofim Bigot), Flandriji in na Nizozemskem (Utrechtski karavagisti - Gerrit in Willem van Honthorst, Hendrik Terbruggen, Judith Leyster) in drugih evropskih državah, da ne omenjamo same Italije (Orazio Gentileschi, njegov hči Artemisia Gentileschi).

"Pokopavanje" (1603)

Michelangelo Merisi da Caravaggio /Michelangelo Merisi da Caravaggio (29. september 1571, Milano - 18. julij 1610, Porto Ercole) - italijanski umetnik, reformator evropskega slikarstva 17. stoletja, utemeljitelj realizma v slikarstvu, eden največjih mojstrov baroka. Bil je eden prvih, ki je uporabil stil pisanja chiaroscuro - ostro nasprotje svetlobe in sence. Najdena ni bila niti ena risba ali skica, umetnik je svoje zapletene kompozicije takoj realiziral na platnu.

Milano 1571-1591

Sin arhitekta Ferma Merisija in njegove druge žene Lucie Aratori, hčerke veleposestnika iz mesta Caravaggio blizu Milana. Njegov oče je služil kot upravitelj pri markizu Francescu Sforza da Caravaggio. Leta 1576 sta med kugo umrla oče in dedek, mati in otroci so se preselili v Caravaggio.

David in Goljat 1599

Prva pokrovitelja bodočega umetnika sta bila vojvoda in vojvodinja Colonna.Leta 1584 je v Milanu Michelangelo Merisi prišel v delavnico Peterzana, ki je veljal za Tizianovega učenca. Takrat je manierizem prevladoval v umetniškem svetu Italije, vendar je bil v Milanu močan lombardijski realizem.

Prva dela umetnika, napisana v Milanu, žanrski prizori in portreti, niso preživeli do danes.

Do konca osemdesetih let 15. stoletja so življenje jezljivega Merisija zasenčili škandali, prepiri in zapori, ki ga bodo spremljali vse življenje.

Leta 1589 se umetnik vrne domov, da bi prodal svojo parcelo, očitno v potrebi po denarju. Hišo je zadnjič obiskal po materini smrti leta 1590. Jeseni 1591 je bil prisiljen pobegniti iz Milana po prepiru zaradi igre s kartami, ki se je končal z umorom. Potem ko se najprej ustavi v Benetkah, se odpravi v Rim.

"Klic apostola Mateja" (1600)

Rim 1592-1594

V prestolnici po navadi italijanskih umetnikov tistega časa dobi vzdevek, povezan z rojstnim krajem, kot je bilo na primer pri Veroneseju ali Correggiu. Tako je Michelangelo Merisi postal Caravaggio.

Leta 1593 je Caravaggio vstopil v delavnico Cesarija d'Arpina, ki je Caravaggiu naročil, naj slika rože in liste na freskah. V delavnici d'Arpino se je srečal s pokrovitelji in umetniki, zlasti z Janom Brueghelom starejšim.

Zgodnja dela Caravaggia so nastala pod vplivom Leonarda da Vincija (v Milanu je srečal Madono v skalah in Zadnja večerja), Giorgioneja, Tiziana, Giovannija Bellinija, Mantegne.Prva slika, ki je prišla do nas, je Deček, ki lupi sadje (1593).V delavnici d'Arpino je Caravaggio srečal Maria Minnitija, ki je postal njegov učenec in model za številne slike, med katerimi je prva "Mladenič s košaro sadja" (1593-1594).

"Fant s košaro sadja", 1593-94, Galerija Borghese

Po pretepu Caravaggio konča v zaporu Tor di Nona, kjer sreča Giordana Bruna.Kmalu se razide s Cesarijem d'Arpinom, brezdomec Caravaggio povabi Antiveduto Grammar k sebi.

Leta 1593 je zbolel za rimsko mrzlico (eno od imen za malarijo), šest mesecev je bil v bolnišnici na robu življenja in smrti. Morda pod vtisom bolezni ustvari sliko "Sick Bacchus" (1593) - njegov prvi avtoportret.

Bolni Bacchus (detajl) (1593), Galerija Borghese

Prve večfiguralne slike so nastale leta 1594 - to sta "Rounders" in "Fortune Teller" (Kapitolski muzeji). Georges de Latour bo kasneje napisal svojo "Vedeževalko" z identično kompozicijo.

"Rounders" (1594)

"Vedeževalka" (1594)

Jeseni 1594 je Caravaggio začel delati za kardinala Francesca del Monteja, se preselil v njegovo vilo Madama, kjer se je srečal z Galilejem, Campanello, Della Porto, pesnikoma Marinom in Milesijem.

Rim 1595-1599

To obdobje življenja, preživeto v vili Madama, se je izkazalo za zelo plodno za Caravaggia, poleg tega so skoraj vse slike, ustvarjene v tistem času, preživele do danes.Na sliki "Glasbeniki" (1595) je Mario Minniti upodobljen v središču, poleg njega pa se je umetnik postavil z rogom.

"Glasbeniki" (1595). Caravaggio se je naslikal z rogom med dvema glasbenikoma

V podobi Kupida z grozdjem nekateri raziskovalci vidijo erotično aluzijo na odnos z Minnitijem. Minniti je upodobljen tudi na sliki "Boy Bitten by a Lizard" (1596, London), prodani trgovcu z umetninami Valentinu.

"Fant, ki ga je ugriznil kuščar"

Leta 1595 so Caravaggiu kljub priporočilom Gentileschija, Gramatika, Prospera Orsija zavrnili sprejem na Akademijo svetega Luke. Glavni nasprotnik sprejema Caravaggia na Akademijo je bil njen predsednik Federico Zuccaro. Verjel je, da so učinki Caravaggievih slik posledica ekstravagantnega značaja, uspeh njegovih slik pa je posledica le njihovega "odtenka novosti", ki so ga zelo cenili bogati meceni.

Leta 1596 je Caravaggio ustvaril prvo tihožitje v zgodovini italijanskega slikarstva - "Košara s sadjem".

Košara s sadjem (1596), Pinacoteca Ambrosiana, Milano

V Lutnjici (1596, Ermitaž) se je partitura izkazala za lahko berljivo, to je madrigal Jacoba Arkadelta "Ti veš, da te ljubim." Komu je to sporočilo namenjeno, ni znano.

Slika platna kot so:

"Bacchus" (1596)

Kot tudi "Kurtizana Fillida" (1597), "Portret Maffea Barberinija" (1598).Leta 1597 je kardinal del Monte prejel naročilo za poslikavo stropa svoje rezidence. Tako se je pojavila edina Caravaggieva freska "Jupiter, Neptun in Pluton".

Caravaggiove slike postajajo priljubljene.Pravo slavo Caravaggiu so prinesle slike na svetopisemske teme - inovativna v izvedbi je "Počitek na begu v Egipt" (1597). »Glavna prednost slike je mojstrsko poustvarjeno svetlobno in zračno okolje, ki ustvarja vzdušje poezije in miru, ki ga dopolnjuje skromna pokrajina, zapisana pod jasnim vtisom spominov na rodno Lombardijo s trstičjem, šašem ob vodni gladini. , srebrni topoli na ozadju hribovitega grebena in večerno modrega neba«

"Počitek na begu v Egipt" (1597)

Napisal je tudi Ekstazo sv. Frančiška" (1595), "Izakova žrtev" (1598).

Ekstaza svetega Frančiška, 1595

"Žrtvovanje Izaka"

Prva ženska podoba v delu Caravaggia - "Spokorna Marija Magdalena" (1597) kaže umetnikovo sposobnost globoke in poetično pomembne interpretacije slike. Sliko so prodali bankirju in pokrovitelju umetnosti Vincenzu Giustinaniju.

"Spokorna Marija Magdalena"

Sledili so ji

"Sveta Katarina Aleksandrijska" (1598)

"Marta in Marija" (1598)

"Judita obglavi Holoferna" (1598) dokazuje, da se Caravaggio v svojem realizmu ne izogiba namerno naturalističnim učinkom

V Janezu Krstniku (1598) je opazen vpliv Michelangela:

Caravaggio je postal znan. Zapusti vilo Madama in se preseli v hišo bankirja in zbiratelja Chiriaca Matteija, ki je kupil Vedeževalko. Mario Minniti se je po sporu s Caravaggiem poročil in odšel na Sicilijo.

Rim 1600-1606

Več mesecev se je Caravaggio skrival na posestvu Colonna. Tam je naslikal več slik, vendar je njegov slog postal temačen: Sv. Frančišek v meditaciji (1606), Večerja v Emavsu (1606). Kristusova figura spominja na Leonardovo fresko "Zadnja večerja".

Caravaggio se je preselil v Neapelj, kjer je naslikal več kot deset slik, čeprav niso vse ohranjene:

"Ekstaza Magdalene" (1606)

"Kristus pri stebru" (1607)

"Saloma z glavo Janeza Krstnika" (1607)

Po naročilu cerkve Pio Monte della Misericordia je z veliko slikovno energijo naslikal sliko »Sedem milosti« (1607), ki je še vedno v tej cerkvi.

Caravaggio je julija 1607 nepričakovano odšel na Malto - v La Valletto.

"St. Hieronima" (1608)

H ki ga je napisal za katedralo San Giovanni dei Cavalieri, je bil všeč velikemu mojstru Malteškega reda Alofu de Vignacourju. Caravaggio slika portrete: Alofa de Vignacour, ki jo je kasneje zelo cenil Delacroix, in sodelavka mojstra Antonia Martellija.

14. julij 1608 Caravaggio postane vitez malteškega reda brez pravice do nošenja malteškega križa, saj ni bil plemič.