Znani ruski umetniki
XIV (14. stoletje) XV (15. stoletje) XVII (17. stoletje) XVIII (18. stoletje) XIX (19. stoletje) XX (20. stoletje)V pestrem nizu let daljnega otroštva je Vladimirju Aleksandroviču Vasiljevu ostal še posebej živ v spominu en čudovit poletni dan. »Ta dan se mi zdi odločilen v mojem umetniškem življenju. Prvič sem izkusil tisti občutek posebne sreče, polnosti življenja, ki me je kasneje, ko sem postal umetnik, tako pogosto preveval v tistih trenutkih, ko ostaneš sam z naravo in jo vedno dojemaš z nekim novim in radostnim. začudenje.
Korovin Konstantin Aleksejevič, slavni ruski slikar in gledališki umetnik. Študiral je na Moskovski šoli za slikarstvo, kiparstvo in arhitekturo - na arhitekturnem oddelku (1875), nato pa (od 1876) na slikovitem oddelku I. Pryanishnikov., V, Perov, L. Savrasov! in V. Polenov. Več mesecev (1882-83) je študiral na Peterburški akademiji umetnosti. Umetniško izobraževanje je zaključil na Visoki šoli (1883-1886).
Kramskoj Ivan Nikolajevič
(1837-1887)
Kramskoy Ivan Nikolajevič, izjemen ruski slikar in napredni umetnik. Rojen v Ostrogozhsku, Voroneška provinca, v revni meščanski družini. Začetno znanje je dobil na deželni šoli. Sama sem risala že od otroštva. Pri šestnajstih letih je vstopil v retušerja k harkovskemu fotografu
Kuindži Arkhip Ivanovič
(1842-1910)
A.I. Kuindži je bil sin revnega grškega čevljarja iz Mariupola, zgodaj je osirotel in vse v življenju je moral doseči sam. V zgodnjih šestdesetih letih 19. stoletja ga je strast do risanja pripeljala v Sankt Peterburg, kjer se je dvakrat poskušal vpisati na Akademijo umetnosti, a je bil neuspešen. Manjkala mu je priprava, saj si je vse slikarske izkušnje pridobil kot retušer v fotografski delavnici.
Kustodijev Boris Mihajlovič
(1878 - 1927)
Kustodijev Boris Mihajlovič, izjemen ruski sovjetski slikar, grafik, gledališki umetnik, kipar. Rojen v Astrahanu, na bregovih Volge je preživel otroštvo, mladost in mladost. Kasneje, ko je bil že znan slikar, je dolgo živel v vasi blizu Kineshme, tam zgradil hišo-delavnico, ki jo je imenoval "terem". Na Volgi je Kustodijev odraščal in zorel kot umetnik. Volgi in prebivalcem Volge je posvetil veliko svojih slik. domovina dal mu je globoko poznavanje ruskega življenja in ljudskega življenja, ljubezen do hrupnih natrpanih sejmov, praznovanj, stojnic, tistih svetlih in veselih barv, ki so z njim vstopile v rusko slikarstvo.
Lagorio Lev Feliksovič
(1827-1905)
Lagorio Lev Feliksovich - ruski krajinski slikar, morski slikar. Rojen v družini neapeljskega konzula v Feodoziji. Njegov učitelj je bil I. K. Aivazovski. Od leta 1843 je Lagorio študiral v Sankt Peterburgu na Akademiji umetnosti pri A. I. Sauerweidu in M. N. Vorobjovu.
Levitan Isaac Iljič
(1861-1900)
Rojen v mestu Kybarty v Litvi v družini železniškega uslužbenca. Študiral je na Moskovski šoli za slikarstvo, kiparstvo in arhitekturo (1873-74) pri A. Savrasovu in V. Polenovu. Od 1884 je nastopal na razstavah Društva potepuhov; od 1891 - član Zveze. Od leta 1898 - akademik krajinskega slikarstva. Levitan je ustvaril veliko čudovitih, duševnih podob ruske narave. V njegovem delu se je razvil lirični začetek, ki je neločljivo povezan s slikarstvom njegovega učitelja in mentorja A. Savrasova.
Malevič Kazimir Severinovič
(1878-1935)
Ime Kazimirja Maleviča je hitro dobilo pravo mesto v zgodovini ruske umetnosti, takoj ko je propadla uradna sovjetska ideologija. To se je zgodilo s toliko večjo lahkoto, da je veliki umetnik že dolgo pridobil trajno slavo zunaj domovine. Njemu posvečena bibliografija naj bi izšla kot posebna izdaja, devet desetin pa je sestavljena iz knjig in člankov o tuji jeziki: Številne študije v ruščini so začele izhajati od poznih osemdesetih let prejšnjega stoletja, ko je bila po desetletjih molka in blasfemije prva večja Malevičeva razstava v njegovi domovini.
Maljutin Sergej Vasiljevič
(1859-1937)
Bodoči umetnik se je rodil 22. septembra 1859 v moskovski trgovski družini. Tri leta je ostal sirota in je bil vzgojen v hiši tete, žene malega uradnika. Fanta so poslali v komercialno šolo, nato pa na računovodski tečaj, po katerem so ga dodelili za uradnika v Voronežu. Umetniška nagnjenja so se pokazala že zgodaj. Toda okolje ni bilo naklonjeno njihovemu razvoju. Šele konec sedemdesetih let 19. stoletja, ko je prišel na potujočo razstavo, ki se je odprla v Voronežu, je Maljutin prvič videl pravo slikarstvo. Dolgoletne nejasne sanje so se uresničile: prišla je odločitev, da kljub vsem težavam postanem umetnik.
Nesterov Mihail Vasiljevič
(1862- 1942)
Nesterov Mihail Vasiljevič, izjemen ruski sovjetski umetnik. Rojen v Ufi v trgovski družini. Študiral je na Moskovski šoli za slikarstvo, kiparstvo in arhitekturo (1877-86) in na Akademiji za umetnost pri V. Perovu, I. Prjanišnikovu in P. Čistjakovu. Sprva sem se preizkusil v domači žanr: "Žrtev prijateljev" (1881), "Izpit v podeželska šola» (1884). Leta 1882 se je poročil z Marijo Martynovo, ki je leta 1885 umrla zaradi poroda. Ta tragedija je močno vplivala na vse nadaljnje delo umetnika. Opustil je lahkotne žanre in se posvetil zgodovinskim in verskim temam.
Perov Vasilij Grigorijevič
(1834-1882)
Eden od pionirjev realističnega slikarstva v 60. letih je bil Vasilij Grigorjevič Perov- naslednik obtožujočih tendenc Fedotova. V nemiru in tesnobi ruskega življenja najde tla za svojo ustvarjalnost, tisti hranilni medij, brez katerega umetnik ne more obstajati. Perov pogumno in odkrito hiti v boj, obsojajoč laž in hinavščino cerkvenih obredov ( "Velikonočna podeželska procesija", 1861), parazitizem in pokvarjenost duhovnikov in redovnikov ( "Pitje čaja v Mitiščih", 1862; oboje v Tretjakovski galeriji v Moskvi).
Polenov Vasilij Dmitrijevič
(1844- 1927)
Rojen v Sankt Peterburgu v umetniški družini. Mati je umetnica, oče je znan arheolog in bibliograf, član Akademije znanosti, poznavalec in ljubitelj umetnosti. Kot otrok se je učil glasbe. Maturiral je na gimnaziji v Petrozavodsku in se vpisal na Akademijo umetnosti (1863) v razredu zgodovinsko slikarstvo in hkrati na pravni fakulteti univerze v Sankt Peterburgu. Vendar glasbenega pouka ni opustil in je nekaj časa pel v Akademskem pevskem zboru. Še kot študent je obiskal Nemčijo in Francijo, občudoval R. Wagnerja in J. Offenbacha.
Repin Ilja Efimovič
(1844-1933)
Repin Ilya Efimovič, izjemen ruski umetnik, predstavnik demokratičnega realizma. Rojen v Chuguevu v provinci Harkov v družini vojaškega naseljenca. Pri trinajstih letih se je začel učiti slikanja v Chuguevu pri umetniku N. Bunakovu. Delal je v ikonopisnih artelih. Leta 1863 je prišel v Sankt Peterburg in vstopil v risarsko šolo Društva za spodbujanje umetnosti. Srečal se je z I. Kramskoyem, ki je postal mentor mladega umetnika pri dolga leta.
Roerich Nikolaj Konstantinovič
(1874- 1947)
Roerich Nikolaj Konstantinovič, izjemen ruski umetnik, umetnostni zgodovinar, arheolog in javna osebnost. Rojen v St. Petersburgu. Študiral je v Petrogradu na gimnaziji Mey (1883–93). Risanje je obiskoval pri M. Mikeshinu. Diplomiral je na pravni fakulteti Univerze v Sankt Peterburgu (1893-96) in slikarskem oddelku Akademije umetnosti (1893-97) v razredu A. Kuindžija. Slednji je pri svojih učencih skušal razviti čut za dekorativnost barv. Ne da bi zavračal delo iz narave, je vztrajal, da so slike naslikane po spominu. Umetnik je moral nositi idejo slike.
Savitsky Konstantin Apollonovich
(1844-1905)
Savitsky Konstantin Apollonovich, ruski slikar in žanrski slikar. Rojen v Taganrogu v družini vojaškega zdravnika. Leta 1862 je vstopil na Akademijo za umetnost v Sankt Peterburgu, vendar je bil zaradi nezadostne pripravljenosti prisiljen zapustiti in po dveh letih intenzivnega študija samostojno delo leta 1864 je ponovno vstopil na akademijo. Leta 1871 je prejel malo zlato medaljo za sliko Kajn in Abel. Že v študijskih letih je bil blizu Artelu I. Kramskega, kasneje pa Društvu potujočih umetniških razstav in je razstavljal na 2. potujoči razstavi (1873). To je vzbudilo nezadovoljstvo uprave akademije, ki je ob prvi priložnosti, ki se je zgodila (nepravočasno opravljen izpit zaradi poroke), Savitskega izključila iz akademije (1873).
Savrasov Aleksej Kondratievič
(1830-1890)
Obstajajo slike, brez katerih si je nepredstavljivo predstavljati rusko umetnost, tako kot si ni mogoče predstavljati ruske književnosti brez Tolstojeve "Vojne in miru", Puškinovega "Evgenija Onjegina", in to ni nujno, da je veliko in kompleksno delo. Tako pravi biser ruskega krajinskega slikarstva je bila majhna, skromna slika Alekseja Kondratijeviča Savrasova (1830-1897) "Rokovi so prispeli". Nastopila je na prvi razstavi Društva potepuhov leta 1871.
Serov Valentin Aleksandrovič
(1865-1911)
Še v življenju V. A. Serova, še bolj pa po njegovi smrti, so se umetnostni zgodovinarji in umetniki prepirali, kdo je Serov: zadnji slikar stare šole 19. stoletja. ali predstavnik nove umetnosti? Pravilen odgovor na to vprašanje bi bil: oboje. Serov je tradicionalen; v zgodovini ruskega slikarstva bi ga lahko imenovali Repinov sin. A pravi nasledniki tradicije se ne ustavijo na istem mestu, ampak gredo naprej in iščejo. Serov je iskal bolj kot drugi. Ni poznal občutka zadovoljstva. Ves čas je bil na poti. Tako je postal umetnik, ki je organsko združil umetnost 19. in 20. stoletja.
Surikov Vasilij Ivanovič
(1848-1916)
Surikov Vasilij Ivanovič, izjemen ruski zgodovinski slikar in žanrski slikar. "Ideale zgodovinskih tipov mi je vzgojila Sibirija." Rojen v Krasnojarsku v družini kozaškega častnika. Njegov oče, strasten ljubitelj glasbe, je odlično igral kitaro in je bil upoštevan najboljši pevec Krasnojarsk. Mati je bila odlična vezilja.
Fedotov Pavel Andrejevič
(1815-1852)
Pavel Andrejevič Fedotov se je rodil v Moskvi 22. junija 1815. Moj oče je bil uradnik in je vsako jutro hodil v službo. Družina Fedotov je bila velika, niso živeli dobro, a niso čutili velike potrebe. Okoli sosedje so bili preprosti ljudje - mali uradniki, upokojeni vojaki, revni trgovci. Pavluša Fedotov je bil še posebej prijatelj s sinovoma stotnika Golovačeva, ki sta živela nasproti, njegova mlajša sestrica, »ostrooka Ljubočka«, kot jo je imenoval, pa je bila prijateljica s Katenko Golovačevo, njene starosti.
Šiškin Ivan Ivanovič
(1832-1898)
Vstopite v dvorano Tretjakovske galerije, kjer visijo slike Ivana Ivanoviča Šiškina, in zazdelo se vam bo, da je vdihnil vlažen dih gozda, svež veter polj, postalo je sončnejše in svetlejše. Na Šiškinovih slikah vidimo tisto zgodnje jutro v gozdu po nočni nevihti, nato neskončna prostranstva polj s potjo, ki teče proti obzorju, nato skrivnostni somrak gozdne goščave.
Yuon Konstantin Fedorovič
(1875-1958)
Usoda naklonjena na vse možne načine K. F. Yuonu. Živel je dolgo življenje. Imel je izjemno srečen zakon. Ljudje okoli njega so ga imeli radi. Nikoli se mu ni bilo treba boriti s stisko. Uspeh mu je prišel zelo zgodaj in ga vedno spremljal. Po revoluciji so ga tako rekoč iskale časti, visoke nagrade, nazivi, vodstveni položaji. Bilo je manj težav - to je bil večletni prepir z očetom (bančnim uslužbencem) zaradi Yuonove poroke s kmečko žensko in zgodnje smrti enega od njegovih sinov.
Ruski umetniki
Akimov Nikolaj Pavlovič
(1901-1968)
N. P. Akimov prišel v Sankt Peterburg precej mlad in skoraj vse življenje je bilo trdno povezano s tem mestom. Študiral je v ateljeju S. M. Seidenberga (1915-18), nekaj let pozneje je vstopil na Akademijo za umetnost, a jo zapustil, ne da bi končal študij. je bil zaročen knjižna grafika in si je uspel ustvariti ime, resnično pa se je znašel v scenografiji. Delo v gledališču ga je tako navdušilo, da je v poznih 1920. posvetil se je tudi režiji, kar je bil njegov drugi, če ne prvi poklic: leta 1933 je vodil Leningrajsko glasbeno dvorano, leta 1935 pa znamenito Leningrajsko gledališče komedije. umetniški vodja kar je ostal do svoje smrti (razen v letih 1949-55, ko je bil prisiljen prestopiti v drugo ekipo).
Nissky Georgij Grigorijevič
(1903-1987)
Umetnik je otroštvo preživel na majhni železniški postaji blizu Gomela. Domači slikar V. Zorin, ki je videl mladeničeve risbe, mu je svetoval, naj nadaljuje študij likovne umetnosti. Po nasvetu je Nissky vstopil v atelje likovnih umetnosti v Gomelu, imenovan po M. Vrubelu. Njegove sposobnosti so opazili in leta 1921 so ga poslali v Moskvo na pripravljalne tečaje na Višje umetniške in tehnične delavnice, leta 1923 pa se je Nissky preselil na slikarski oddelek, kjer sta bila njegova učitelja A. D. Drevin in R. R. Falk.
Pahomov Aleksej Fjodorovič
(1900-1973)
V regiji Vologda, v bližini mesta Kadnikov, na bregovih reke Kubene, se nahaja vas Varlamov. Tam se je 19. septembra (2. oktobra) 1900 kmečki ženski Efimiji Petrovni Pahomovi rodil deček, ki so ga poimenovali Aleksej. Njegov oče Fjodor Dmitrijevič je izhajal iz »specifičnih« kmetov, ki v preteklosti niso poznali grozot suženjstva. Ta okoliščina je igrala pomembno vlogo v načinu življenja in prevladujočih značajskih lastnostih, razvila sposobnost, da se obnaša preprosto, mirno, dostojanstveno.
Obiskovalec Ruskega muzeja, ki gre od razstave ikonografije do dvorane Petra I, doživi občutke, podobne tistim, ki jih je doživel Neo v filmu Matrica, ki je iz Morfejevih rok vzel rdečo tabletko. Ravno zdaj so nas obkrožale poduhovljene podobe, svetle barve in harmonične linije, ki so le od daleč spominjale na to, kar je bilo vidno naokoli, a so s svojo netelesno lepoto predstavljale v našem svetu zakon in red, vzpostavljen ob nastanku vesolja. Dobrodošli v realnosti - ko prestopimo prag, se spustimo v ta svet temnih barv in premišljene telesnosti, izklesane s svetlobo reliefnih obrazov, kot bi se luščili s črnih ozadij. Prišli smo pogledat, a smo se tudi sami znašli pod navzkrižnim ognjem pogledov: skoraj vsi eksponati tukaj so portreti. Od zdaj naprej in vse prihodnje stoletje bo portret postal sinonim za rusko slikarstvo.
Zgodovina ruskega portreta 18. stoletja je slika vizualne samozavesti naroda, proces pridobivanja "obraza" ruske osebe, ki se odvija v času. V petrovskem obdobju se človek navadi na videz posameznika, vgrajenega v družbeno hierarhijo. Od razrednega standarda, fiksiranega v precej omejenem repertoarju poz in mimike, se portret pomika k grajenju subtilnejših odnosov med videzom in notranjim svetom lika. S pojavom sentimentalizma postane vrednota prav življenje duše, znamenje osebnosti, ki harmonično združuje naravo in civilizacijo. Končno bo romantika in doba leta 1812 omogočila - verjetno prvič v ruski umetnosti - rojstvo podobe notranje svobodne osebe.
Ko že govorimo o portretu, si je treba zapomniti nekaj stvari. Najprej je v razredni družbi privilegij, marker in hkrati garant statusa modela. V veliki večini primerov so junaki portretov postali predstavniki najvišjih družbenih slojev. Portret, v katerem so upoštevane in dogovorjene potrebne konvencije podobe (poza, kostum, okolica in atributi), bo samodejno potrdil visok družbeni status njegovega značaja. Portret odraža in oddaja standarde družbenega vedenja. Zdi se, kot da pravi: "Pred teboj plemenit človek. Bodi kot on!" Plemiški portret torej že stoletja ne predstavlja samo plemiške figure, ampak tudi osebo, ki jo odlikuje graciozna lahkotnost, torej lastnost, ki je dolgo služila kot telesni izraz plemenitosti in vzgoje, zato ki pripadajo eliti.
Portretiranje je neke vrste industrija. Že sama narava trga portretov kaže na visoko stopnjo poenotenja. Portrete dokaj jasno delimo na svečane (ceremonialne) in bolj intimne (zasebne). Ti pa pomenijo določen nabor formatov, poze in atributov ter ustrezen cenik, ki upošteva, ali je umetnik sam portret izpeljal od začetka do konca ali pa je manj pomembna področja dela zaupal vajencem.
Že od prvih korakov v antičnem svetu je imel portret magično vlogo: dobesedno je nadomestil upodobljenega in mu podaljšal obstoj po smrti. Spomin na te arhaične funkcije je spremljal portret tudi takrat, ko je postal ena od zvrsti slikarstva in kiparstva sodobnega časa. Prenašala so ga zlasti literarna dela, ki so opisovala imaginarno komunikacijo s portretom: poetični »intervjuji« z njim, zgodbe o zaljubljenosti v portrete, v dobi romantike pa strašne zgodbe o oživljanju podob. Nujno pravijo, da je portret "kot živ", "diha", manjka mu le dar govora itd. Praviloma so bile slike, ki so jih opisali pesniki, plod njihove domišljije. Že samo izročilo, ki ga je stoletja ohranjala literatura, je postavilo pot dojemanju portreta in opominjalo, da ne sodi le v svet umetnosti, ampak je neposredno povezan s problemom človekovega bivanja.
Klasična teorija umetnosti portretu pripisuje malo vrednosti. Ta žanr zavzema primerno mesto tudi v akademski hierarhiji. Konec 18. stoletja je na primer veljalo, da »je na portretu ... vrste vedno narejena samo ena figura, in to večinoma v istem položaju ... Takšna vrsta ne more ... biti v primerjavi z zgodovinskim ... ". V tem času portretiranje, povezano z imitacijo nepopolne narave, ne bi smelo postati prestižen poklic. Medtem se je v Rusiji razvila drugačna situacija: portret, ki ga zahteva družba, je postal ena najzanesljivejših umetnikovih poti do uspeha. Od Louisa Caravaquea, Ivana Nikitina ali Georga Groota je bilo ustvarjanje portretov ena glavnih nalog dvornih slikarjev. Toda umetnik prve polovice - sredine 18. stoletja je še vedno delavec na več postajah: Šeremetov podložnik Ivan Argunov je izpolnil različne muhe lastnika in končal svojo kariero kot oskrbnik, zapustil slikarstvo; Andrej Matvejev in Ivan Višnjakov sta iz zgradb nadzorovala arhitekte in dekoraterje kanclerja; Aleksej Antropov je imel podobne naloge v sinodi. Toda samo za eno kopijo lastnega kronanskega portreta Petra III., ki ga je naročil senat, je umetnik prejel 400 rubljev - le tretjino manj od njegove letne sinodalne plače.
Aleksej Antropov. Portret Petra III. 1762Z ustanovitvijo Umetniške akademije leta 1757 so se razmere začele spreminjati. Pred tem se je ruski portretist, kot renesančni vajenec, učil svojega poklica v delavnici praktičnega umetnika ali pa se je učil pri gostujoči slavni osebi. Štiridesetletni Antropov se je izpopolnjeval pod vodstvom Pietra Rotarija, slikarja evropskega slovesa, ki se je preselil v Rusijo. Argunov se je učil pri Grootu in po ukazu cesarice sam dal navodila slikati pevce, ki »spijo z glasom«, med katerimi je bil tudi bodoči zgodovinski slikar Anton Losenko. Zdaj je bila osnova umetnikovega izobraževanja celostna metoda, ki so jo preizkušale generacije. Portretni razred na Akademiji je bil ustanovljen leta 1767.
Kljub na videz nizkemu statusu žanra jih je od devetih študentov prvega vpisa, ki so končali akademijo, pet diplomiralo kot portretisti, le dva pa sta se specializirala za historično slikarstvo. Portreti so zasedli pomembno mesto na akademskih razstavah in umetniku omogočili popolno kariero - postati "imenovani" (to je dopisni član) ali celo akademik. Borovikovsky je prejel prvi naslov leta 1794 za podobo Ekaterine II na sprehodu v parku Tsarskoselsky, leto kasneje - drugi, za portret velikega kneza Konstantina Pavloviča. Portret človeka ustvarjalnega poklica bi že sam po sebi lahko simbolično dvignil njegov status. Levitsky je upodobil arhitekta Kokorinova leta 1769 po standardu državniškega portreta: rektor Akademije umetnosti z mečem in v razkošni obleki, ki je vredna njegove letne plače, s plemenito gesto kaže na tajnika z akademsko blagajno, akademija tjulnjev in njen načrt. Štiri leta kasneje bo umetnik to shemo dobesedno reproduciral na portretu podkanclerja princa Golicina.
Vladimir Borovikovski. Katarina II na sprehodu po parku Tsarskoye Selo. 1794Državna galerija Tretyakov
Vladimir Borovikovski. Portret velikega kneza Konstantina Pavloviča. 1795Čuvaški državni muzej umetnosti
Dmitrij Levitski. Portret A. F. Kokorinova. 1769
Dmitrij Levitski. Portret podkanclerja princa A. M. Golicina. 1772Državna galerija Tretyakov
Druga polovica stoletja odpira portretistu alternativo - delo po zasebnih naročilih. Fjodor Rokotov je najverjetneje izhajal iz podložnikov, vendar je služil plemstvu v vojaškem oddelku. Ko njegova kariera na Akademiji za umetnost ni uspela, se je v letih 1766-1767 preselil v Moskvo in ugledno plemstvo stare prestolnice je sestavljalo umetnikovo obsežno stranko. Na njegovem primeru lahko dobimo predstavo o položaju iskanega slikarja. Za samoiniciativno naslikan kraljevi portret je Ekaterina Rokotovu podelila 500 rubljev. Prvi zgodovinopisec ruske umetnosti 18. stoletja, Jakob Štelin, priča, da je bil umetnik tudi v Sankt Peterburgu »tako spreten in slaven, da ni mogel obvladati vseh del, ki so mu jih naročili sami ... Imel je okoli 50 portretov v njegovem stanovanju zelo podobno, na njih ni bilo nič dokončano, razen glave [to je verjetno predvidevalo sodelovanje vajencev].« Če je v 1770-ih njegov standardni portret stal 50 rubljev, potem je bil v 1780-ih že ocenjen na sto. To je umetniku omogočilo, da je kupil zemljišče za 14.000 rubljev, na njem zgradil dvonadstropno kamnito hišo, postal član angleškega kluba in si zaslužil jezno pripombo sodobnika: "Rokotov je postal aroganten in pomemben za slavo."
Fedor Rokotov. Kronalni portret Katarine II. 1763 Državna galerija Tretyakov Kontrast med ikonografijo in portretom 18. stoletja jasno kaže na radikalnost petrovske revolucije. Toda evropeizacija slikovnih oblik se je začela že prej. V 17. stoletju so mojstri orožarnice in drugi ikonografi ustvarili hibrid ikone in portreta - parsuna (iz besede "oseba", ki je v prvi polovici 18. stoletja v Rusiji nadomestila besedo "portret") . Do konca 17. stoletja je parsuna že močno uporabljala shemo evropske fronte port-tre-ta, izposojeno prek Poljske in Ukrajine. Iz portreta je nastala naloga - videz osebe v njeni družbeni vlogi. Toda slikovna sredstva v mnogih pogledih ostajajo ikonična: ploskost oblike in prostora, konvencionalnost strukture telesa, razlagalno besedilo na sliki, ornamentalna interpretacija oblačil in atributov. Te značilnosti v 18. stoletju so se dolgo ohranile v deželnem plemiškem portretu, v portretih trgovcev in duhovščine.
Portret carja Alekseja Mihajloviča. Parsuna neznanega ruskega umetnika. Konec 1670-ih - začetek 1680-ih Državni zgodovinski muzej Petrovski upokojenec Ivan Nikitin, ki je študiral v Italiji, je prvi ruski mojster, ki je "pozabil" na parsuno. Njegovi portreti so kompozicijsko dokaj preprosti, uporablja le nekaj ikonografskih vrst, redko slika ročno in daje prednost temnim barvam. Njegove portrete pogosto zaznamuje posebna verodostojnost, obraz je obdelan s poudarjeno reliefnostjo, prepoznavnost prevlada nad idealizacijo. Kancler Gavriil Golovkin je idealna podoba meritokratske monarhije Petra: podolgovato piramido figure, ki jo ugrabi svetloba, krona ovalni obraz, obkrožen z lasuljo. Umirjeno dostojanstvo, ponos in samozavest junaku dajeta tako zadržana, a naravna poza kot neposredni pogled, ki se sreča z gledalcem. Slavnostni kamisol z ukazi in trakom se skoraj zlije z ozadjem, kar vam omogoča, da vso pozornost usmerite na obraz. Temačno okolje potiska Golovkina ven, čopič njegove leve roke označuje mejo prostora platna in zdi se, da filigransko modra pentlja prebija vanj in vstopa v naš prostor. Ta slikarski trik, ki vsiljuje iluzijo prisotnosti, hkrati pomaga zmanjšati psihološko in socialno distanco med modelom in gledalcem, ki je bila v predpetrovskem parsunu nepremostljiva.
Ivan Nikitin. Portret državnega kanclerja grofa G. I. Golovkina. 1720 Državna galerija Tretyakov Ko se je vrnil iz Nizozemske, je Andrej Matvejev okoli leta 1729 ustvaril svoj portret s svojo mlado ženo. Če se strinjamo s to danes splošno sprejeto identifikacijo, potem pred nami ni le prvi znani avtoportret ruskega slikarja. V tej podobi raznočincev je za Rusijo tistega časa predstavljeno nepričakovano ravnovesje moškega in ženske. Z levo roko umetnik ceremonialno prime roko svojega spremljevalca; desna, pokroviteljsko objeta, jo usmeri k gledalcu. Toda ves formalni pomen teh gest nadvlade in prisvajanja je nenadoma izbrisan. Na zelo nezapleteno organiziranem platnu se ženska figura ne nahaja samo na desni strani moškega, ampak zavzema popolnoma enak prostor slike kot on, glave zakoncev pa se nahajajo strogo v eni liniji, kot da bi zamrznili. na istem nivoju lestvice.
Andrej Matvejev. Avtoportret z ženo. Domnevno 1729 Državni ruski muzej Portret iz sredine stoletja večinoma ni prikaz osebnosti, ampak statusa. Tipičen primer sta zakonca Lobanov-Rostov Ivana Argunova (1750 in 1754). Kljub prepoznavnosti likov pred gledalcem, najprej »plemeniti plemič« in »prijazna lepotica«, katerih položaj je enkrat za vselej fiksiran z enotno uniformo, hermelinovim plaščem in obleko s srebrnim vezenjem. . Umetnik sredine 18. stoletja - ruski in tuji - zelo skrbno prenaša kostum in njegove elemente: tkanino, vezenine, čipke; natančno izpiše nakit in nagrade. V teh portretih Argunova je telo junaka omejeno s prostorom, razporejenim vzdolž ravnine platna, tkanine in okraski pa so naslikani s tako podrobnostmi, da se spominjajo parsune s svojim dekorativnim učinkom in posebnim, površinskim vidom. . Človeško telo.
Ivan Argunov. Portret kneza I. I. Lobanova-Rostovskega. 1750Državni ruski muzej
Ivan Argunov. Portret princese E. A. Lobanove-Rostovske. 1754Državni ruski muzej
Danes bolj cenimo tista dela ruskega portreta XVIII. Očitno od tod izvira čar, s katerim je za sodobnega gledalca obdarjena podoba desetletne Sarah Fermor (1749). Ivan Vishnyakov, podrejeni njenega očeta v Kancelariji iz stavb, je predstavil otroka v obliki odraslega dekleta, ki je vpisal krhko figuro v svečano kompozicijo s stebrom in zaveso v ozadju. Od tod privlačnost takšnih podob, kjer se zdi, da je obraz brez zunanje lepote ključ do resničnega prenosa značaja: takšna sta antropska portreta državne gospe Anastazije Izmailove (1759) ali Ane Buturline (1763).
Ivan Višnjakov. Portret Sarah Eleonore Fermor. 1749Državni ruski muzej
Aleksej Antropov. Portret državne dame A. M. Izmailove. 1759Državna galerija Tretyakov
Aleksej Antropov. Portret A. V. Buturlina. 1763Državna galerija Tretyakov
V tej vrstici so tudi portreti Khripunovih avtorja Argunova (1757). Kozma Khripunov, starejši moški z ogromnim nosom, stiska v rokah list prepognjenega papirja in, kot da bi dvignil pogled od branja, ustavi gledalca z ostrim pogledom. Njegova mlada žena drži v rokah odprto knjigo in nas gleda z mirnim dostojanstvom (po izpovednih knjigah je Feodosia Khripunova komajda stara več kot dvajset let: liki na portretih 18. stoletja so pogosto videti starejši od svojih let). Za razliko od sodobne Francije, kjer v dobi Enciklopedije knjiga ni bila neobičajna niti v plemiškem portretu, so liki ruskega slikarstva 18. stoletja zelo redko predstavljeni v branju. Portrete Khripunovih v Evropi, ki niso bogati z atributi in zadržani, bi uvrstili med portrete tretjega stanu, ki odražajo vrednote razsvetljenstva. V njih - kot na primer v portretu zdravnika Leroya Jacquesa Louisa Davida (1783) - ni pomemben status, temveč aktivnost junaka, ne lep videz, temveč pošteno prikazan značaj.
Ivan Argunov. Portret K. A. Khripunova. 1757
Ivan Argunov. Portret Kh. M. Khripunova. 1757Moskovski muzej-posestvo "Ostankino"
Jacques Louis David. Portret dr. Alphonsa Leroya. 1783 Musee Fabre
Imeni Rokotov in Levitsky, prvič v Rusiji novega veka, sta povezani z idejo o strogo individualnem načinu, ki se zdi, da podreja modele: zdaj lahko varno govorimo o dami, ki je "spustila Rokotovljevo platno". «, o gospodu »s portreta Levitskega«. Oba slikarja, različna po slogu in duhu, poskrbita, da v njunih portretih vidimo ne le podobe določenih ljudi, ampak tudi občutimo slikarstvo kot tako, kar vpliva na potezo, teksturo, barvo - ne glede na ploskev. Očitno je to dokaz postopnega spreminjanja statusa umetnika, njegovega samospoštovanja in porajajočega se javnega zanimanja za umetnost.
Rokotov je prvi mojster čustvenega portreta v Rusiji. Oblikovanje njegove manire je povezano z vplivom italijanskega Rotaryja, katerega dekliške "glavice" veljajo za pikantne rokokojske drobnarije. Toda Rokotov je v njih lahko videl primer raznolikih, subtilnih, izmuzljivih intonacij - tisto, kar odlikuje podobe samega ruskega umetnika. Iz temnega ozadja svojih predhodnikov Roko-tov preide v nedoločeno ozadje, kot meglica, ki figure ne toliko približa gledalcu, ampak jo absorbira. Oblečeno v uniformo ali obleko dobi telo podrejen pomen, obraz sedaj popolnoma dominira. Vredno si je podrobneje ogledati, kako Rokotov slika oči: v takšnih stvareh, kot je slavni portret Aleksandre Strujske (1772), je zenica naslikana z zlitimi potezami bližnjih barv s svetlim bleščanjem - pogled izgubi svojo jasnost, vendar pridobi globino. Nerazločnost okolice, gladkost konture, skupaj z meglenim, a bogatim pogledom likov, ustvarjajo občutek večdimenzionalnosti značaja, ki nima analogij v ruskem portretu, v katerem, zlasti pri ženskah, čustva igrajo odločilno vlogo. . V zvezi s tem so Rokotovovi liki ljudje sentimentalizma, v katerih prednost niso družbene vloge in ambicije, temveč čustvena globina in duševna mobilnost človeka.
Fedor Rokotov. Portret A. P. Struiskaya. 1772 Državna galerija Tretyakov Zdi se, da ni naključje, da se je prefinjeni, a brez zunanjih učinkov stil Rokotove oblikoval v Moskvi s tradicijo, ki jo je negovala. zasebnost, družina in prijateljstvo. V istem času je v aristokratski in dvorni prestolnici Katarine, po svetovni umetniški modi, cvetel najbriljantnejši slikar Rusija XVIII stoletja - Dmitry Levitsky. V delu tega domačina iz družine ukrajinskega duhovnika, ki je diplomiral na Sanktpeterburški akademiji umetnosti, je rusko slikarstvo prvič doseglo evropsko raven. Bil je obdarjen z darom za ustvarjanje polnokrvnih in plemenitih podob, sposobnostjo očarljivo natančnega prenosa različnih tekstur - tkanin, kamna, kovine, človeškega telesa. Hkrati je številna njegova dela uvedla rusko umetnost v kontekst naprednih miselnih gibanj tega obdobja.
Tako je ideje o podreditvi avtokracije zakonu, ki so bile pomembne za rusko razsvetljenstvo, Levitsky utelesil v sliki "Katarina II - zakonodajalec v templju boginje pravičnosti" (1783). Slavnostni portret vladarja vedno uteleša njegovo uradno podobo. Platno Levitskega je edinstven primer, ko je podoba monarha, ki v celoti izpolnjuje kanone žanra, sporočilo družbe suverenu, prenaša težnje razsvetljenega plemstva.
Dmitrij Levitski. Portret Katarine Zakonodajalice v templju boginje pravičnosti. 1783 Državni ruski muzej Cesarica, oblečena v lovorov venec in civilno krono, žrtvuje svoj mir, zažge mak na oltarju, ki stoji pod kipom Themis z napisom "za skupno dobro". Na podstavku skulpture je vklesan profil Solona, atenskega zakonodajalca. Cesarski orel sedi na knjigah zakonov, v morski odprtini za kraljico pa je vidna ruska flota pod Andrejevo zastavo z Merkurjevo palico, znamenjem zaščitene trgovine, to je miru in blaginje. Poleg razsvetljenske ideje pravne države so tu možni tudi drugi politični prizvoki. Predlagano je bilo, da naj bi platno postalo središče ansambla portretov Dume vitezov reda svetega Vladimirja in naj bi se nahajalo v Tsarskoye Selo Sofia, s čimer bi vstopilo v ideološki aparat Katarine.
Ta portret, katerega program pripada Nikolaju Lvovu, naročilo pa Aleksandru Bezborodku, je bil verjetno prvo delo ruskega slikarstva, ki se je izkazalo za družabni dogodek. To je v skladu z odo Deržavina "", ki se je pojavila istega leta 1783. Nato je Ippolit Bogdanovich umetniku natisnil kitico, na kateri je Levitsky, ki je razporedil ideološki program portreta, prvi primer neposrednega poziva ruskega slikarja do javnosti. Tako je portret prevzel funkcijo pripovedi zgodovinsko platno, ki oblikuje ideje, ki razburjajo družbo in postane dogodek za razmeroma široko občinstvo. To je eden od prvih znakov novega procesa za Rusijo: likovna umetnost preneha služiti utilitarnim potrebam elite (reprezentacija političnih in osebnih ambicij, dekoracija življenja, vizualizacija znanja itd.) in postopoma postane pomemben element. nacionalne kulture, organiziranje dialoga med različnimi deli družbe.
Sedem platen iz serije "Smolyanki", naslikanih v letih 1772-1776, prikazuje devet učencev Inštituta za plemenite dekle Smolnega različnih "starosti" (obdobij študija). To je spomenik eksperimentu, ki je odražal ključne ideje evropskega razsvetljenstva: vzgoja novega človeka, napredna izobrazba žensk. Jasno kažejo tudi na postopno spremembo odnosa do menstruacije. človeško življenje: če je bil prej otrok na ruskem portretu praviloma predstavljen kot majhna odrasla oseba, potem Smolyanki prikazujejo korake na poti do adolescence, ki v tej seriji portretov prvič deluje kot ločena, neodvisna faza. Dekleta plešejo, igrajo gledališke vloge, vendar se zdi, da dve podobi "starejših študentk" Glafire Alymove in Ekaterine Molchanove, ki zaključita serijo, povzemata in utelešata dve hipostazi razsvetljene ženske. Alymova igra ar-fe, ki predstavlja umetnost, ki je povezana s čutno naravo človeka. Mol-cha-nova predstavlja intelektualni princip. Pozira s knjigo in vakuumsko črpalko – sodobnim orodjem, ki vam omogoča raziskovanje materialne narave sveta. Iz portretnega atributa se tu spremeni v znak naprednega znanja, ki temelji na znanstvenem eksperimentu.
Dmitrij Levitski. Portret Feodozije Rževske in Nastasije Davidove. 1771–1772Državni ruski muzej
Dmitrij Levitski. Portret Ekaterine Nelidove. 1773Državni ruski muzej
Dmitrij Levitski. Portret Ekaterine Hruščove in Ekaterine Khovanskaya. 1773Državni ruski muzej
Dmitrij Levitski. Portret Aleksandre Levšine. 1775Državni ruski muzej
Dmitrij Levitski. Portret Ekaterine Molčanove. 1776Državni ruski muzej
Dmitrij Levitski. Portret Glafire Alymove. 1776Državni ruski muzej
Dmitrij Levitski. Portret Natalije Borščove. 1776Državni ruski muzej
Dela Vladimirja Borovikovskega, učenca in rojaka Levitskega, jasno kažejo, da so sentimentalistične vrednote v zadnjih desetletjih 18. stoletja postale osnova za reprezentacijo zasebne osebe. Zdaj je portret izrazito razslojen na sprednji in zasebni. Namerno razkošje sije s podobo "diamantnega princa" Kurakina (1801-1802), ki je dobil tako vzdevek zaradi svoje ljubezni do nakita in bahavega sijaja. Tako kot številne slike Goye kaže, da sijaj slike postane eden zadnjih argumentov v prid veličini aristokracije: sami modeli niso več vedno sposobni vzdržati patosa, ki ga narekuje žanr.
Vladimir Borovikovski. Portret princa A. B. Kurakina. 1801-1802 Državna galerija Tretyakov Hibridna značilnost »epohe občutljivosti« je podoba Katarine II v Carskem Selu (glej zgoraj). Celopostavni portret na ozadju spomenika vojaške slave je ohranjen v izrazito komornem načinu: predstavlja cesarico v halji v trenutku samotnega sprehoda po uličicah parka. Katarini ta portret ni bil všeč, vendar je Puškinu najverjetneje predlagala mizansceno srečanja Maše Mironove s cesarico v Kapitanovi hčeri. Pri Borovikovskem postane pokrajina prvič med ruskimi umetniki stalno ozadje portreta, ki označuje celo vrsto idej, povezanih z idejami o naravnosti, občutljivosti, zasebnosti in enotnosti sorodnih duš.
Narava kot projekcija duhovnih izkušenj - značilnost kultura sentimentalizma, ki pravi, da človekov notranji svet postane brezpogojna vrednota. Res je, da v mnogih delih Borovikovskega "vpletenost v naravo" lika pridobi značaj klišeja, kar kaže na to, da sta se občutljivost in naravnost spremenili v modo. To je še posebej opazno v mojstrsko izvedenih ženskih portretih, ki sledijo idealu mlade »naravne« lepote in sledijo postavam in atributom modela. Po drugi strani pa je ta okvir pastoralnega portreta omogočil vključitev podložnikov med like. Takšni sta na primer "Lizinka in Dashinka" (1794) - dvoriščne deklice iz Lvova, ki so bile pokroviteljice slikarja, po videzu skoraj nerazločljive od mladih plemkinj.
Vladimir Borovikovski. Lizynka in Dashinka. 1794 Državna galerija Tretyakov Če je v osebi Levitskega in Borovikovskega rusko slikarstvo postalo v skladu s sodobnimi umetniškimi tokovi, potem je naslednja generacija ruskih pristaniških traktatov rešila nov problem: njihova umetnost je končno vzpostavila dialog z odlična slika Evropa XVI-XVII stoletja, katere tradicije v predpetrovski Rusiji ni bilo. Predpogoji za to so bili oblikovanje edinstvene kakovostne zbirke Ermitaža že v Katarininem obdobju, pa tudi dolga potovanja v tujino za tiste, ki so uspešno diplomirali na Akademiji mladih umetnikov. Karl Bryullov je oblikoval svojo podobo po vzorcih »starega mojstra« in hkrati na ruskih tleh poustvaril sijaj Vandijkovega ceremonialnega portreta s simfoničnim barvnim razkošjem (»Jezdenica«, 1831; portret sester Šišmarjovih. , 1839).
Orest Kiprenski. Portret umetnikovega očeta Adama Karloviča Schwalbeja. 1804 Državni ruski muzej
V portretu Puškina (1827) je dialog s tradicijo zgrajen na ravni ikonografije, ki je Evropejcem na prelomu iz 18. v 19. stoletje še razumljiva. Prekrižane roke na prsih in pesnikov pogled, usmerjen v vesolje, so odmev personifikacije melanholije - temperamenta, ki je od renesanse veljal za znak genialnosti.
Orest Kiprenski. Portret A. S. Puškina. 1827 Državna galerija Tretyakov Kolektivni junak del Kiprenskega je bila generacija 1812. Te portrete odlikuje neovirana narava »obnašanja« likov, brez primere v ruski umetnosti. Pomembna je primerjava "formalnega" portreta polkovnika Evgrafa Davidova (1809) in serije grafičnih portretov udeležencev. domovinska vojna 1812-1814 (Aleksej Lanski, Mihail Lanski, Aleksej Tomilov, Jefim Čaplic, Pjotr Olenin in drugi, vsi - 1813). Prvi variira tip plemiškega portreta, značilnega za Evropo v 18. in začetku 19. stoletja. Davydova poza ne kaže le odmaknjene lahkotnosti, ampak ikonografsko oplemeniti lik, saj sega v znameniti Praksitelov "Počivajoči satir": popolnost klasičnega kipa zagotavlja dostojanstvo junaka platna. Toda čutni telesni mir satire je le hrbtna stran njegove živalske narave in Kiprensky odlično uporablja ta spomin na prototip (tako simboličen kot plastičen) in ustvarja podobo junaka, ki je v sproščenem stanju miru, a ki se lahko zravna kot vzmet. Vsak od portretov mladih »veteranov« s svinčnikom je tudi do neke mere podrejen nekemu portretnemu klišeju, skupaj pa izkazujejo nesluteno grafično svobodo in raznolikost formalnih rešitev: obrate telesa, naklone glave, geste in poglede. Umetnik v vsakem posameznem primeru ni izhajal iz vnaprej določenih vlog, temveč iz osebnosti, ki se je razgrnila pred njim. Ta lahkotnost likov, skupaj z demonstrativno lahkotnostjo uprizoritve, deluje kot vidno utelešenje notranje "samostojnosti" generacije - občutka svobode, kakršnega v ruski zgodovini do tedaj še ni bilo.
6.7.2019 ob 15:34 · VeraSchegoleva · 11 620
Top 10 najbolj znanih portretistov, katerih imena bi morali poznati vsi
Portret je podoba skupine oseb ali ene osebe z absolutno natančnostjo. Običajno je to risba, izdelana v določenem slogu.
Portretist reproducira podobo iz spomina ali nariše osebo iz življenja. Portretisti skozi svoje slike prenašajo ne le videz ljudi, temveč tudi njihove edinstvene lastnosti, značajske lastnosti.
Portret je individualni odnos umetnika do določene osebe. Takšna interpretacija osebe je elitistična, ekskluzivna in ni dostopna vsakomur, zato je dragocena in zelo privlačna.
Razmislite o najbolj znanih portretnih slikarjih, ki so skozi slike najbolje razkrili duhovno bistvo ljudi.
10. Anthony Van Dyck
Anthony Van Dyck- grafik in mojster religioznih motivov in dvornih portretov. Njegova domovina je Belgija.
Ta umetnik je bil čudežni otrok, svoj avtoportret je ustvaril pri štirinajstih letih. Ko je bil Van Dyck star osemnajst let, so ga sprejeli v Ceh svetega Luke, ki je združeval tiskarje, kiparje in umetnike.
Pri dvajsetih letih je Van Dyck že začel ustvarjati portrete aristokratov, ki so se odlikovali z neverjetno spretnostjo. Običajno so portretisti to raven dosegli do štiridesetega leta.
Mojster je vedno posvečal veliko pozornosti svojim rokam: bile so lepe, graciozne, sproščene, z dolgimi prsti. Delo Van Dycka lahko prepoznamo prav po načinu risanja rok.
Van Dyck je živel v Italiji, bil je dvorni slikar v Angliji.
Pomembni portreti: "Glave starešine", "Družinski portret", "Portret kardinala Guida Bentivoglia", "Portret Karla I. na lovu".
9. Hans Holbein
Hans Holbein mlajši- eden najbolj znanih Nemški umetniki. Risanja se je naučil pri Holbeinu Starejšem, svojem očetu, ki se je specializiral za oltarno slikarstvo.
Mojster je zaslovel pri enaindvajsetih. Bil je slikar na dvoru Henrika VIII.
Portreti, ki jih je ustvaril Hans Holbein, so zelo natančni, podobe in znake upodobljenih ljudi je prenesel z največjo jasnostjo. Umetnik se je samozavestno poigraval s chiaroscuro, rad je poudarjal različne majhne podrobnosti, ki poudarjajo njegovo idejo.
Mnogi portreti mojstra niso brez sarkazma in ironije: izdali so njegov pravi odnos do upodobljenih oseb.
Pomembni portreti: "Portret Thomasa Morea", "Portret Erazma Rotterdamskega", "Portret Henrika VIII.".
8. Diego Velasquez
Diego Velazquez- slikar iz Španije, dvorni slikar Filipa IV. Velázquez je začel študirati slikanje, ko je bil star deset let.
Že pri osemnajstih je umetniku uspelo odpreti svojo delavnico: pri tem mu je pomagal njegov učitelj Francisco Pacheco.
Najprej kreativen način Velasquez je upodabljal tihožitja, različne kuhinjske prizore. Barva in senca, barvna nasičenost so postale značilnosti teh slik.
Nato se je mojster preselil v prestolnico in postal sodni slikar. Ni le slikal slavnostnih portretov po meri, ampak je poskušal ujeti tudi najbolj nesrečne, ponižane ljudi: čudake, norce, škrate.
Znani portreti: »Krčmar«, »Stari kuhar«, »Portret španskega kralja Filipa IV v oklepu«, »Portret dame s pahljačo«, »Avstrijski šaljivček Juan«.
7. Ilja Efimovič Repin
Ilya Efimovich Repin- ruski umetnik, profesor, učitelj, član Imperial Academy of Arts. Eden glavnih predstavnikov ruskega realizma.
V mladosti je umetnik živel v revščini. Poskušal je zaslužiti s prodajo svojih slik.
Nato je Repin za dober študij dobil priložnost oditi v Evropo, da bi študiral tujo umetnost. Do takrat je že pridobil veliko slave in začel prejemati velika naročila.
Posebnosti Repinovega dela so pogosti pozivi k čustvenim vrhuncem, prikaz socialnih tesnob in nalog ter subtilen psihologizem.
Znani portreti: "Portret Leva Tolstoja", "Portret Musorgskega", "Portret matere", "Portret Konstantina Petroviča Pobedonosceva".
6. Rembrandt Van Rijn
Rembrandt- umetnik iz Nizozemske, mojster chiaroscura, graver. Bil je eden največjih predstavnikov zlate dobe nizozemskega slikarstva.
Njegove slike so utelešale celoten spekter človeških izkušenj. Rembrandt je raje izpustil manjše podrobnosti in razkril čim več stanje duha portretiranca.
Bodoči mojster se je začel učiti risati, ko je bil star trinajst let. Nenehno je ustvarjalno iskal in ustvarjal slike v različnih žanrih: portrete, žanrske prizore, krajine, tihožitja itd.
Pomembni portreti: "Mlada Saskia", "Portret Jana Utenbogarta", "Flora", "Portret Marije Trip".
5. Peter Paul Rubens
Rubens- flamski slikar, zbiratelj, diplomat. Postal je eden glavnih predstavnikov baročne umetnosti. V portretiranju se je talent mojstra v celoti razkril. Zanj so bili vedno zelo pomembni gestikulacija, pogled, obračanje glave, poza modela.
V upodabljanju nežnejšega spola je Rubens tako rekoč užival v njihovi čutnosti, ženstvenosti in sijaju teles.
Umetnik je imel zelo visoko sposobnost za delo: lahko je ustvarjal slike od jutra do večera. Med delom se je Rubens zelo rad pogovarjal s študenti in obiskovalci.
Znani portreti: "Portret markize Brigitte Spinola Doria", "Portret služkinje Infante Isabelle", "Portret Helene Fourman z dvema otrokoma".
4. Albrecht Dürer
Durer- grafik in slikar iz Nemčije, eden najbolj znanih predstavnikov zahodnoevropske renesanse. Za seboj ni pustil le slik, ampak tudi traktate in gravure.
Albrecht Dürer je izpopolnil umetnost rezanja v les. Živel je v Italiji, študiral kreativne metode italijanski umetniki.
Dürer je ustvaril veliko avtoportretov, še posebej je v mladosti rad risal samega sebe. Njegovo delo preveva želja po spoznavanju naravnih zakonov, pa tudi privlačnost do idealne, harmonične lepote. Prežet je z visoko intenzivnostjo občutkov, uporniškim duhom.
Pomembni portreti: "Portret Erazma Rotterdamskega", "Portret Bernarda von Riesen", "Cesar Maksimilijan I.".
3. Tizian
Tizian Vecellio- slavni slikar iz Italije. Njegovo delo je povezano z večnostjo in nesmrtnostjo. Čopičem tega umetnika so v času njegovega življenja pripisovali magične lastnosti.
Tizian je ustvaril čudovite portrete: zdelo se je, da so v njih skrite duše upodobljenih ljudi. Naslikal je veliko epskih slik na mitološke in verske teme.
Tizianova ustvarjalna pot je bila plodna in dolga: umetnik je živel skoraj sto let. Njegove slike so bile večkrat kopirane, vendar še nikomur ni uspelo doseči enake ravni spretnosti.
Pomembni portreti: "Portret Petra Aretina", "Portret Karla V", "Portret mlade ženske".
2. Raphael Santi
Rafael- italijanski grafik in slikar. Njegove slike so odražale ideale renesanse.
Svet je postal čistejši in prijaznejši, ko so vanj začele gledati oči Madon, ki jih je upodobil Rafael: Pasadena, Sikstina, Orleans, Conestabile.
V slikah je spretno utelešal najrazličnejše čustvene odtenke. Rafael je veljal za enega najbolj »uravnovešenih« umetnikov. Mojster je umrl zelo zgodaj, pri 37 letih, a je zapustil gromozansko umetniško zapuščino.
Pomembni portreti: "Donna Velata", "Portret Castiglioneja", "Portret Julija II", "Portret papeža Leona X z dvema kardinaloma".
1. Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci – italijanski umetnik, arhitekt, kipar, znanstvenik, glasbenik, . Bil je svojevrsten »univerzalec«.
Raziskave, odkritja, stvaritve da Vincija so bile pred časom za več kot eno dobo. Pomagal je pri razvoju urbanizma, anatomije.
Osupljiv je bil tudi Da Vincijev videz: angelski videz, visoka postava in neverjetna moč.
Slikarstvo je bilo za tega umetnika dodatek k znanosti: vedno je bil osredotočen na zajemanje realnosti.
Pomembni portreti: "Mona Lisa", "Dama s hermelinom", "Portret Ginerve de Benci", "Portret glasbenika".
Izbira bralcev:
Uvod
I. Ruski portretisti prvega polovica XIX stoletja
1.3 Aleksej Gavrilovič Venecianov (1780-1847)
II. Društvo potujočih likovnih razstav
poglavje IV. Umetnost portretno slikarstvo
Zaključek
Namen tega dela je povedati o pomenu portreta kot enega glavnih žanrov umetnosti, o njegovi vlogi v kulturi in umetnosti tistega časa, se seznaniti z glavnimi deli umetnikov, spoznati ruski portret. slikarjev 19. stoletja, o njihovem življenju in delu.
V tem delu bomo obravnavali umetnost portretiranja v 19. stoletju:
Največji mojstri ruske umetnosti 19. stoletja
Društvo potujočih likovnih razstav.
Kaj je portret?
Zgodovina videza portreta.
Prva polovica 19. stoletja - čas dodajanja sistema žanrov v rusko slikarstvo. V slikarstvu druge polovice 19. stol. je prevladala realistična smer. Naravo ruskega realizma so določili mladi slikarji, ki so leta 1863 zapustili Akademijo umetnosti in se uprli klasičnemu slogu ter zgodovinskim in mitološkim temam, ki so bile vcepljene v akademijo. Ti umetniki so se leta 1870 organizirali
Partnerstvo potujoče razstave, katerega naloga je bila omogočiti članom partnerstva, da razstavljajo svoja dela. Zahvaljujoč njegovim dejavnostim so umetnine postale dostopne širšemu krogu ljudi. Pavel Mihajlovič Tretjakov (1832–1898) je od leta 1856 zbiral dela ruskih umetnikov, predvsem potepuhov, leta 1892 pa je svojo zbirko slik skupaj z zbirko brata S. M. Tretjakova podaril Moskvi. V portretnem žanru so Potepuhi ustvarili galerijo podob vidnih kulturnikov svojega časa: portret Fjodorja Dostojevskega (1872) Vasilija Perova (1833–1882), portret Nikolaja Nekrasova (1877–1878) Ivana Kramskoga. (1837–1887), portret Modesta Musorgskega (1881), delo Ilje Repina (1844–1930), portret Leva Tolstoja (1884) Nikolaja Geja (1831–1894) in številni drugi. Potepuhi so se v nasprotju z Akademijo in njeno umetniško politiko obrnili k t.i. "nizke" teme; v njihovih delih se pojavljajo podobe kmetov in delavcev.
Rast in širjenje umetniškega razumevanja in potreb se odražata v nastanku številnih umetniških društev, šol, številnih zasebnih galerij (Tretjakovska galerija) in muzejev ne le v prestolnicah, ampak tudi v provinci, v uvodu v šolo. izobraževanje v risanju.
Vse to v povezavi s pojavom številnih briljantnih del ruskih umetnikov kaže, da se je umetnost ukoreninila na ruskih tleh in postala nacionalna. Nova ruska nacionalna umetnost se je močno razlikovala po tem, da je jasno in močno odražala glavne tokove ruske umetnosti. javno življenje.
I. Ruski portretisti prve polovice 19. stoletja.
1.1 Orest Adamovič Kiprenski (1782-1836)
Rojen v dvorcu Nezhinskaya (blizu Koporye, zdaj v Leningradski regiji) 13. (24.) marca 1782. Bil je naravni sin posestnika A. S. Dyakonova, zapisanega v družini njegovega podložnika Adama Schwalbeja. Ko je bil osvobojen, je študiral na peterburški Akademiji umetnosti (1788-1803) pri G. I. Ugrjumovu in drugih, živel v Moskvi (1809), Tverju (1811), Sankt Rimu in Neaplju.
Že prvi portret - posvojitelja A. K. Schwalbeja (1804, Ruski muzej, Sankt Peterburg) - izstopa po svoji čustveni barvi. Z leti se je spretnost Kiprenskega, ki se kaže v sposobnosti ustvarjanja ne le družbeno-duhovnih tipov (ki so prevladovali v ruski umetnosti razsvetljenstva), izboljšala, temveč tudi edinstvene individualne podobe. Naravno je, da je običajno začeti zgodovino romantike v ruski likovni umetnosti s slikami Kiprenskega.
Ruski umetnik, izjemen mojster ruščine vizualna umetnost Romantika, znana kot čudovit portretist. Portreti Kiprenskega so prežeti s posebno prisrčnostjo, posebno preprostostjo, napolnjeni so z njegovo visoko in poetično ljubeznijo do človeka. V portretih Kiprenskega so vedno otipljive značilnosti njegove dobe. To je vedno neločljivo povezano z vsakim njegovim portretom - in romantično podobo mladega V.A. Žukovski in modri E.P. Rostopchin (1809), portreti: D.N. Khvostov (1814 Tretjakovska galerija), deček Chelishchev (1809 Tretjakovska galerija), E.V. Davidov (1809 GRM).
Neprecenljiv del Kiprenskega dela so grafični portreti, narejeni predvsem v svinčniku s toniranimi pasteli, akvareli in barvnimi svinčniki. Upodablja generala E.I. Čaplica (TG), P.A. Olenina (TG). V teh podobah je pred nami Rusija, ruska inteligenca od domovinske vojne leta 1812 do decembrske vstaje.
Portreti Kiprenskega se pred nami pojavljajo zapleteni, premišljeni, spremenljivega razpoloženja. Razkrivanje različnih vidikov človeške narave in duhovni svet Kiprenski je v svojih zgodnjih romantičnih portretih vedno uporabljal različne možnosti slikanja. Njegove mojstrovine, kot eden najboljših Puškinovih življenjskih portretov (1827 Državna Tretjakovska galerija), portret Avdulina (1822 Ruski muzej). Žalost in zamišljenost junakov Kiprenskega je vzvišena in lirična.
"Favorit lahkotne mode,
Čeprav ne britanski, ne francoski,
Spet si ustvaril, dragi čarovnik,
Jaz, ljubljenček čistih muz. -
In smejim se na grobu
Za vedno odšel iz vezi smrti.
Vidim se kot v ogledalu
Ampak to ogledalo mi laska.
Piše, da ne bom poniževal
Strasti pomembnih aonidov.
Od zdaj naprej bo moj videz znan, -
Puškin je pisal Kiprenskemu v zahvalo za njegov portret. Puškin je cenil njegov portret in ta portret je visel v njegovi pisarni.
Poseben sklop predstavljajo avtoportreti Kiprenskega (z resicami za ušesom, ok. 1808, Tretjakovska galerija in drugi), prežeti s patosom ustvarjalnosti. Lasti mu tudi duševne podobe ruskih pesnikov: K. N. Batjuškova (1815, risba, Muzej Inštituta za rusko književnost Ruske akademije znanosti, Sankt Peterburg; V. A. Žukovskega (1816). vrsto izjemnih vsakdanjih likov (npr. Slepi glasbenik, 1809, Ruski muzej) Kiprenski je umrl v Rimu 17. oktobra 1836.
1.2 Vasilij Andrejevič Tropinin (1776-1857)
Predstavnik romantike v ruski likovni umetnosti, mojster portretnega slikarstva. Rojen v vasi Karpovka (provinca Novgorod) 19. (30.) marca 1776 v družini podložnikov grofa A. S. Minikha; kasneje je bil poslan na razpolago grofu I. I. Morkovu kot dota za hčer Minicha. Že kot deček je pokazal sposobnost risanja, a ga je mojster poslal v Sankt Peterburg, da bi se izučil za slaščičarja. Obiskoval je pouk na Akademiji za umetnost, sprva prikrito, od leta 1799 - z dovoljenjem Morkova; med študijem je spoznal O.A.Kiprenskega. Leta 1804 je lastnik mladega umetnika poklical k sebi in od takrat naprej je izmenično živel bodisi v Ukrajini, na novem posestvu Morkovo Kukavka, bodisi v Moskvi, kot podložni slikar, ki je bil dolžan hkrati izvajati gospodinjska opravila lastnika zemljišča. Leta 1823 je prejel svobodo in naslov akademika, vendar je opustil kariero v Sankt Peterburgu in ostal v Moskvi.
Umetnik iz podložnikov, ki je s svojim delom prinesel veliko novega v rusko slikarstvo prve polovice 19. stoletja. Prejel naziv akademik postal najbolj slavni umetnik Moskovska portretna šola 20-30-ih let. Kasneje postane kolorit Tropininovega slikarstva bolj zanimiv, volumni so navadno oblikovani jasneje in kiparsko, predvsem pa se namignujoče razrašča čisto romantičen občutek gibljivih elementov življenja, Tropinin je ustvarjalec posebne vrste portreta – slika. Portreti, v katerih so uvedene značilnosti žanra, slike z določenim zapletom: "Čipkarica", "Spinner", "Kitarist", "Zlato šivanje".
Najboljši Tropininovi portreti, kot je portret sina Arsenija (1818 Tretjakovska galerija), Bulakhov (1823 Tretjakovska galerija). Tropinin v svojem delu sledi poti jasnosti, uravnoteženosti s preprostimi portretnimi kompozicijami. Praviloma je slika podana na nevtralnem ozadju z najmanj dodatki. Točno tako je Tropinin A.S. Puškin (1827) - sedi za mizo v prostem položaju, oblečen v hišno obleko, ki poudarja naraven videz.
Zgodnja dela Tropinina so barvno zadržane in kompozicijsko klasično statične ( družinski portreti Morkovyh, 1813 in 1815; obe deli sta v Tretjakovski galeriji v Moskvi). V tem obdobju mojster ustvarja tudi ekspresivne lokalne, maloruske podobe - ukrajinske vrste (1810, Ruski muzej, Sankt Peterburg). Bulakov, 1823; K. G. Ravič, 1823; oba portreta v Tretjakovski galeriji).
Z leti se vloga duhovne atmosfere - izražena z ozadjem, pomembnimi detajli - samo povečuje. Najboljši primer je Avtoportret s čopiči in paleto iz leta 1846, kjer si je umetnik predstavljal sebe pred oknom s spektakularnim pogledom na Kremelj. Tropinin posveča številna dela kolegom umetnikom, upodobljenim med delom ali razmišljanjem (I. P. Vitali, ok. 1833; K. P. Bryullov, 1836; oba portreta v Tretjakovski galeriji in drugi). Hkrati je Tropininovemu slogu vedno značilen posebno intimen, domač okus. V priljubljeni Ženski v oknu (na podlagi pesmi M. Yu. Lermontova Zakladnica, 1841) ta sproščena iskrenost dobi erotičen pridih. Pozna dela mojstra (Služabnik z damaskom, štetje denarja, 1850, ibid.) pričajo o bledenju barvnega mojstrstva, a predvidevajo močno zanimanje za dramatični vsakdan, značilno za Potepuhe. Pomembno področje Tropininovega dela so tudi njegove ostre skice s svinčnikom. Tropinin je umrl v Moskvi 3. (15.) maja 1857.
Ruski umetnik, predstavnik romantike (znan predvsem po podeželskih žanrih). Rojen v Moskvi 7. (18.) februarja 1780 v trgovski družini. V mladosti je služil kot uradnik. Umetnost je študiral večinoma sam, kopiral je slike Ermitaža. V letih 1807–1811 se je učil slikanja pri VL Borovikovskem. Velja za utemeljitelja ruske tiskane karikature. Po izobrazbi geodet, službo je pustil zaradi slikanja. V portretnem žanru je s pastelom, svinčnikom, oljem ustvarjal neverjetno poetične, lirične, romantične podobe, prežete z romantičnim razpoloženjem - portret V.S. Putjatina (TG). Med njegovimi najlepšimi tovrstnimi deli je njegov lastni portret (Muzej Aleksandra III.), naslikan bogato in drzno, v prijetnih, gostih sivo-rumenih in rumeno-črnih tonih, pa tudi portret, ki ga je naslikal iz starega slikarja Golovochyja (Cesarska akademija umetnosti).
Venetsianov je prvovrstni mojster in izjemna oseba; na kar bi morala biti Rusija zelo ponosna. Mlade talente je vneto iskal neposredno med ljudmi, predvsem med slikarji, jih privabljal k sebi. Število njegovih učencev je bilo več kot 60 ljudi.
Med domovinsko vojno 1812 je ustvaril vrsto agitacijskih in satiričnih slik na teme ljudskega odpora proti francoskemu okupatorju.
Slikal je portrete, praviloma majhne velikosti, zaznamovane s subtilnim liričnim navdihom (M. A. Venetsianova, umetnikova žena, konec 1820-ih, Ruski muzej, Sankt Peterburg; Avtoportret, 1811, Tretjakovska galerija). Leta 1819 je zapustil prestolnico in od takrat živel v vasi Safonkovo (Tverska provinca), ki jo je kupil, navdihnjen z motivi okoliške pokrajine in podeželskega življenja. Najboljše slike Venetsianova so klasične na svoj način in prikazujejo to naravo v stanju idealizirane, razsvetljene harmonije; po drugi strani pa v njih očitno prevladuje romantični element, čar niso ideali, temveč preprosta naravna občutja v ozadju domače narave in življenja. Njegovi kmečki portreti (Zaharka, 1825; ali Kmečka žena s koruznicami, 1839) se kažejo kot drobci iste razsvetljene, naravne, klasično-romantične idile.
Nova ustvarjalna iskanja prekine umetnikova smrt: Venetsianov je umrl v tverski vasi Poddubie 4. (16.) decembra 1847 zaradi poškodb - vrgli so ga iz vagona, ko so konji zdrsnili na spolzki zimski cesti. Pedagoški sistem mojstra, ki je gojil ljubezen do preproste narave (okoli leta 1824 je ustvaril lastno umetniško šolo), je postal osnova posebne beneške šole, najbolj značilne in izvirne od vseh osebnih šol ruske umetnosti 19. stoletja.
1.4 Karl Pavlovič Bryullov (1799-1852)
Rojen 29. novembra (10. decembra) 1798 v družini umetnika P. I. Bryullova, brata slikarja K. P. Bryullova. Osnovno izobrazbo je dobil pri očetu, mojstru dekorativnega rezbarstva, nato je študiral na Umetniški akademiji (1810-1821). Poleti 1822 sta bila z bratom na stroške Društva za spodbujanje umetnosti poslana v tujino. Po obisku Nemčije, Francije, Italije, Anglije in Švice se je leta 1830 vrnil v Sankt Peterburg. Od leta 1831 - profesor na Akademiji za umetnost. Človek izjemne usode, poučen in svojevrsten. Od otroštva je bil obkrožen z vtisi ruske resničnosti. Le v Rusiji se je čutil doma, stremel je po njej, hrepenel je po njej v tuji deželi. Bryullov je delal z navdihom, uspehom in gorečnostjo. V dveh ali treh mesecih so se v njegovem ateljeju pojavile takšne mojstrovine portretiranja, kot so portreti Semenove, dr. Orlova, Nestorja in Platona Kukolnika. V portretih Bryullova, izvedenih z neusmiljeno resnico in izjemno visoko spretnostjo, je mogoče videti obdobje, v katerem je živel, željo po pristnem realizmu, raznolikost, naravnost in preprostost upodobljene osebe.
Od zgodovinskega slikarstva se je Bryullov zanimal za portretno slikarstvo, v katerem je pokazal ves svoj ustvarjalni temperament in briljantnost spretnosti. Njegova briljantna dekorativna slika "Konjenica" (1832 Tretyakovska galerija), ki prikazuje učenca grofice Yu.P. Samoilova Giovanina Pacchini. Portret same Samoilove z drugo učenko - Amazilijo (1839, Ruski muzej). V obrazu pisatelja Strugovščikova (1840 Tretjakovska galerija) je mogoče brati napetost notranjega življenja. Avtoportret (1848 Tretjakovska galerija) - žalostno suh obraz s prodornim pogledom. Zelo resničen portret kneza Golicina, ki počiva na naslanjaču v svoji pisarni.
Bryullov z močno domišljijo, ostrim očesom in zvesto roko. Rojeval je žive stvaritve, skladne s kanoni akademizma.
Odhod relativno zgodaj praktično delo, mojster se je aktivno ukvarjal s poučevanjem na Akademiji za umetnost (od 1831 - profesor). Zapustil je tudi bogato grafično zapuščino: številne portrete (E.P. Bakunina, 1830–1832; N.N. Puškina, žena velikega pesnika; A.A. Perovski, 1834; vsi v akvarelu; itd.), ilustracije itd.; tu so se romantične poteze njegovega talenta pokazale še bolj neposredno kot v arhitekturi. Umrl je 9. (21.) januarja 1887 v St.
Navdihujoč primer za partnerstvo je bil "Sanktpeterburški artel umetnikov", ki so ga leta 1863 ustanovili udeleženci "upora štirinajstih" (I. N. Kramskoj, A. I. Korzuhin, K. E. Makovski in drugi) - diplomanti Akademije za umetnost. , jo je kljubovalno zapustil, potem ko je svet akademije prepovedal pisanje natečajne slike na prosti ploskvi namesto uradno predlagane teme iz Skandinavska mitologija. Zavzemajoč se za ideološko in ekonomsko svobodo ustvarjalnosti, so »arteli« začeli organizirati lastne razstave, vendar je na prelomu 1860-ih in 1870-ih njihova dejavnost praktično propadla. Nova spodbuda je bila pritožba na "Artel" (leta 1869). Z ustreznim dovoljenjem potujoče umetniške razstave v vseh mestih cesarstva v obliki: a) zagotavljanja prebivalcem provinc priložnosti, da se seznanijo z rusko umetnostjo in spremljajo njen napredek; b) razvijanje ljubezni do umetnosti v družbi; in c) olajšanje umetnikom trženja njihovih del.« Tako je prvič v vizualni umetnosti Rusije (z izjemo Artela) nastala močna umetniška skupina, ne le prijateljski krog ali zasebna šola, temveč velika skupnost podobno mislečih ljudi, ki je domnevala (kljub diktatov Akademije za umetnost) ne samo izražati, ampak tudi samostojno določati razvojni proces umetniška kultura po vsej državi.
Teoretični vir ustvarjalnih idej "Potepuhov" (izraženih v njihovi korespondenci, pa tudi v kritiki tistega časa - predvsem v besedilih Kramskega in govorih V. V. Stasova) je bila estetika filozofske romantike. Nova umetnost, osvobojena kanonov akademske klasike. Pravzaprav odpreti sam potek zgodovine in s tem učinkovito pripraviti prihodnost v svojih podobah. Med »Potepuhi« se je kot takšno umetniško in zgodovinsko »ogledalo« pojavila predvsem sodobnost: osrednje mesto na razstavah so zasedali žanrski in vsakdanji motivi, Rusija v njenem mnogostranskem vsakdanu. Žanrski začetek je postavil ton portretom, pokrajinam in celo podobam preteklosti, čim bližje duhovnim potrebam družbe. V poznejši tradiciji, tudi v sovjetski, ki je tendenciozno izkrivljala pojem »peredvižniškega realizma«, se je zadeva zreducirala na družbenokritične, revolucionarno-demokratične teme, ki jih je res bilo nemalo. Pomembneje je imeti v mislih analitično in celo vizionarsko vlogo brez primere, ki je bila tukaj dodeljena ne toliko razvpitim družbenim vprašanjem, temveč umetnosti kot taki, ki ustvarja lastno suvereno sodbo o družbi in se s tem ločuje v svoj idealni jaz. -zadostno umetniško področje. Takšna estetska suverenost, ki je z leti rasla, je postala neposredni prag ruskega simbolizma in modernosti.
Na rednih razstavah (skupaj jih je bilo 48), ki so bile najprej prikazane v Sankt Peterburgu in Moskvi, nato pa še v mnogih drugih mestih imperija, od Varšave do Kazana in od Novgoroda do Astrahana, je bilo z leti mogoče videti več in več primerov ne samo romantično-realističnega, ampak tudi modernističnega sloga. Težki odnosi z Akademijo so se na koncu končali s kompromisom, saj je konec 19. st. (po želji Aleksandra III. »ustaviti razkol med umetniki«) je bil znaten del najbolj avtoritativnih potepuhov vključen v akademski zbor. V začetku 20. stol v Partnerstvu so se okrepila trenja med inovatorji in tradicionalisti, Potepuhi niso več predstavljali, kot so sami mislili, vsega umetniško naprednega v Rusiji. Družba je hitro izgubljala vpliv. Leta 1909 so njegove deželne razstave prenehale. Zadnji večji izbruh dejavnosti se je zgodil leta 1922, ko je društvo sprejelo novo deklaracijo, v kateri je izrazilo željo po odsevanju življenja sodobne Rusije.
Poglavje III. Ruski portretisti druge polovice 19. stoletja
3.1 Nikolaj Nikolajevič Ge (1831-1894)
ruski umetnik. Rojen v Voronežu 15. (27.) februarja 1831 v družini posestnika. Študiral je na matematičnih oddelkih univerz v Kijevu in St. Živel je v Rimu in Firencah (1857-1869), v Sankt Peterburgu, od leta 1876 pa na kmetiji Ivanovsky v provinci Chernihiv. Bil je med ustanovitelji Društva potepuhov (1870). Veliko je slikal portrete. S portreti se je začel ukvarjati še med študijem na Akademiji za umetnost. V dolgoletnem ustvarjanju je naslikal številne svoje sodobnike. V bistvu so bili to napredni kulturniki. M.E. Saltikov - Ščedrin, M.M. Antokolsky, L.N. Tolstoj in drugi Ge ima enega najboljših portretov A.I. Herzen (1867, Državna Tretjakovska galerija) - podoba ruskega revolucionarja, gorečega borca proti avtokraciji in tlačanstvu. Toda ideja slikarja ni omejena na prenos zunanje podobnosti. Hercenov obraz, kot da bi bil ugrabljen iz mraka, je odseval njegove misli, neomajno odločnost borca za socialno pravičnost. Ge je v tem portretu ujel duhovnost zgodovinska osebnost, je utelešala izkušnjo njenega celotnega življenja, polnega boja in tesnobe.
Njegova dela se od del Kramskoya razlikujejo po čustvenosti in dramatičnosti. Portret zgodovinarja N.I. Kostomarov (1870, Državna Tretjakovska galerija) je napisan nenavadno lepo, temperamentno, sveže in svobodno. Avtoportret je bil naslikan tik pred njegovo smrtjo (1892-1893, KMRI), obraz mojstra je osvetljen z ustvarjalnim navdihom. Portret N. I. Petrunkeviča (1893) je umetnik naslikal ob koncu svojega življenja. Deklica je upodobljena v skoraj polna višina pri odprtem oknu. Zatopljena je v branje. Njen obraz v profilu, nagib glave, drža izražajo stanje misli. Kot še nikoli doslej je Ge veliko pozornosti posvetil ozadju. Barvna harmonija priča o neporabljenih silah umetnika.
Od leta 1880 je Ge postal tesen prijatelj in sledilec Leva Tolstoja. V želji, da bi poudaril človeško vsebino evangeljske pridige, Ge prehaja k vse bolj svobodnemu načinu pisanja, do skrajnosti izostri barvne in svetlobne kontraste. Mojster je naslikal čudovite portrete, polne notranje duhovnosti, med drugim portret Leva Tolstoja za pisalno mizo (1884). Na podobi N. I. Petrunkeviča na ozadju okna, odprtega na vrt (1893; oba portreta v Tretjakovski galeriji). Ge je umrl na kmetiji Ivanovsky (provinca Chernigov) 1. (13.) junija 1894.
3.2 Vasilij Grigorjevič Perov (1834-1882)
Rojen v Tobolsku 21. ali 23. decembra 1833 (2. ali 4. januarja 1834). Bil je nezakonski sin lokalnega tožilca barona G. K. Kridenerja, vendar je priimek "Perov" bodočemu umetniku v obliki vzdevka dal njegov učitelj pismenosti, deželni diakon. Študiral je na slikarski šoli Arzamas (1846-1849) in moskovski šoli za slikarstvo, kiparstvo in arhitekturo (1853-1861), kjer je bil eden od njegovih mentorjev S. K. Zaryanko. Nanj je še posebej vplival P. A. Fedotov, mojster satirične revijalne grafike, od tujih mojstrov pa W. Hogarth in žanrski slikarji düsseldorfske šole. Živel v Moskvi. Bil je med ustanovnimi člani Društva potepuhov (1870).
Najboljša portretna dela mojstra pripadajo prelomu 60-ih in 70-ih let: F.M. Dostojevski (1872, Tretjakovska galerija) A.N. Ostrovski (1871, Tretjakovska galerija), I.S. Turgenjev (1872, Ruski muzej). Posebej ekspresiven je Dostojevski, popolnoma izgubljen v bolečih mislih, živčno sklenjen z rokami na kolenu, podoba najvišjega intelekta in duhovnosti. Iskrena žanrska romanca se spremeni v simboliko, prežeto z otožnim občutkom šibkosti. Portreti mojstra (V. I. Dal, A. N. Maikov, M. P. Pogodin, vsi portreti - 1872), ki dosegajo duhovno napetost brez primere za rusko slikarstvo. Ni čudno, da portret F. M. Dostojevskega (1872) upravičeno velja za najboljšega v ikonografiji velikega pisatelja.
V zadnjih desetletjih svojega življenja je umetnik odkril izjemen talent pisca esejev (zgodbe Teta Marija, 1875; Pod križem, 1881; in druge; zadnja izdaja - Zgodbe umetnika, M., 1960). V letih 1871-1882 je Perov poučeval na Moskovski šoli za slikarstvo, kiparstvo in arhitekturo, kjer so bili med njegovimi učenci N. A. Kasatkin, S. A. Korovin, M. V. Nesterov, A. P. Rjabuškin. Perov je umrl v vasi Kuzminki (v tistih letih - blizu Moskve) 29. maja (10. junija) 1882.
3.3 Nikolaj Aleksandrovič Jarošenko (1846-1898)
Rojen v Poltavi 1. (13.) decembra 1846 v vojaški družini. Diplomiral je na Mihajlovski topniški akademiji v Sankt Peterburgu (1870), služil v Arsenalu in se leta 1892 upokojil s činom generalmajorja. Slikarstvo je študiral na risarski šoli Društva za spodbujanje umetnosti pri I. N. Kramskem in na Akademiji za umetnost (1867–1874). Veliko je potoval - po državah Zahodne Evrope, Bližnjega in Srednjega vzhoda, Urala, Volge, Kavkaza in Krima. Bil je član (od 1876) in eden od voditeljev Društva potepuhov. Živel je predvsem v Sankt Peterburgu in Kislovodsku.
Njegova dela lahko imenujemo portret - na primer "Stoker" in "Prisoner" (1878, Državna galerija Tretyakov). "Stoker" - prva podoba delavca v ruskem slikarstvu. "Zapornik" - pomembna podoba v letih nevihtnega populističnega revolucionarnega gibanja. "Cursist" (1880, Ruski muzej) mlado dekle s knjigami hodi po mokrem peterburškem pločniku. V tej podobi se je izrazilo celotno obdobje boja žensk za neodvisnost duhovnega življenja.
Jarošenko je bil vojaški inženir, visoko izobražen s močan značaj. Umetnik Potepuh je s svojo umetnostjo služil revolucionarnim demokratičnim idealom. Mojster socialnega žanra in portreta v duhu Potepuhov. Zaslovel je z ostro ekspresivnimi slikovnimi kompozicijami, ki nagovarjajo k sočutju s svetom družbeno odrinjenih. Posebna vrsta tesnobnega, "vestnega" izraza daje življenje najboljšim portretom Jarošenka (P. A. Strepetova, 1884, ibid; G. I. Uspensky, 1884, Umetnostna galerija, Jekaterinburg; N. N. Ge, 1890, Ruski muzej, Sankt Peterburg). Jarošenko je umrl v Kislovodsku 25. junija (7. julija) 1898.
3.4 Ivan Nikolajevič Kramskoj (1837-1887)
Rojen v provinci Voronezh v družini malega uradnika. Že od otroštva je imel rad umetnost in literaturo. Po končani deželni šoli leta 1850 je služil kot pisar, nato kot retušer pri fotografu. Leta 1857 je končal v Sankt Peterburgu, kjer je delal v foto studiu. Jeseni istega leta se je vpisal na Akademijo za umetnost.
Prevladujoče področje umetniških dosežkov je ostalo za Kramskojev portret. Kramskoya v portretnem žanru zaseda vzvišena, visoko duhovna osebnost. Ustvaril je celo galerijo slik največjih osebnosti ruske kulture - portrete Saltykova - Ščedrina (1879, Državna galerija Tretyakov), N.A. Nekrasov (1877, Državna Tretjakovska galerija), L.N. Tolstoj (1873, Državna Tretjakovska galerija), P.M. Tretjakov (1876, Državna Tretjakovska galerija), I.I. Šiškin (1880, Ruski muzej), D.V. Grigoroviča (1876, Državna Tretjakovska galerija).
Za Kramskojev umetniški način je značilna določena protokolarna suhost, monotonost kompozicijskih oblik, shem, saj portret kaže značilnosti dela retušerja v mladosti. Portret A.G. Litovchenko (1878, Državna Tretjakovska galerija) s slikovitim bogastvom in lepoto rjavih, olivnih tonov. Ustvarjena so bila tudi kolektivna dela kmetov: "Woodsman" (1874, Državna Tretjakovska galerija), "Mina Moiseev" (1882, Ruski muzej), "Kmet z uzdo" (1883, KMRI). Kramskoy se je večkrat obrnil k tej obliki slikanja, v kateri sta se srečala dva žanra - portret in vsakdanje življenje. Na primer, dela 80-ih: "Neznano" (1883, Državna galerija Tretyakov), "Neutolažljiva žalost" (1884, Državna galerija Tretyakov). Eden od vrhuncev Kramskojevega dela je portret Nekrasova, Avtoportret (1867, Državna Tretjakovska galerija) in portret agronoma Vjunikova (1868, Muzej BSSR).
V letih 1863-1868 je Kramskoy poučeval na risarski šoli Društva za spodbujanje umetnikov. Leta 1870 je Kramskoj postal eden od ustanoviteljev TPHV. Pri pisanju portreta se je Kramskoj pogosto zatekel k grafični tehniki (uporaba mošta, belila in svinčnika). Tako so nastali portreti umetnikov A.I. Morozov (1868), G.G. Myasoedov (1861) - Državni ruski muzej. Kramskoj je umetnik velikega ustvarjalnega temperamenta, globok in izviren mislec. Vedno se je boril za napredno realistično umetnost, za njeno ideološko in demokratično vsebino. Plodno je deloval kot učitelj (na risarski šoli Društva za spodbujanje umetnosti, 1863-1868). Kramskoj je umrl v Sankt Peterburgu 24. marca (5. aprila) 1887.
3.5 Ilja Efimovič Repin (1844-1930)
Rojen v Chuguevu v provinci Harkov v družini vojaškega naseljenca. Začetno umetniško izobraževanje je dobil v šoli za tipografe in pri lokalnih umetnikih I.M. Bunakov in L.I. Persanova. Leta 1863 je prišel v Sankt Peterburg, študiral na risarski šoli Društva za spodbujanje umetnikov pri R.K. Žukovski in I.N. Kramskoj, nato pa je bil leta 1864 sprejet na Akademijo za umetnost.
Repin je eden najboljših portretistov tiste dobe. Ustvaril je celo galerijo podob svojih sodobnikov. S kakšno spretnostjo in močjo so ujeti na njegovih platnih. V Repinovih portretih je vse premišljeno do zadnjega pregiba, vsaka poteza je izrazita. Repin je imel največjo sposobnost umetnikovega duha, da prodre v samo bistvo psiholoških značilnosti, nadaljuje tradicijo Perova, Kramskoga in Geja, zapustil je podobe znanih pisateljev, skladateljev, igralcev, ki so slavili rusko kulturo. V vsakem posameznem primeru je našel drugačne kompozicijske in koloristične rešitve, s katerimi je najizraziteje razkril podobo portretiranca. Kako ostro škili kirurg Pirogov. Žalostno lepe oči umetnika Strepetove (1882, Državna Tretjakovska galerija) švigajo naokoli, naslikan je oster, inteligenten obraz umetnika Mjasoedova, premišljenega Tretjakova. Z neusmiljeno resnico je napisal "Protodiakon" (cerkveni minister 1877, Ruski muzej). Bolnik M.P. je bil napisan s toplino. Musorgskega (1881, Tretjakovska galerija), nekaj dni pred smrtjo skladatelja. Portreti mladega Gorkega, modrega Stasova (1883, Ruski muzej) in drugi so prodorno izvedeni.»Jesenski šopek«(1892, Državna Tretjakovska galerija) je portret Verine hčerke, kako sončen obraz umetnikove hčere sije v topel odtenek slamnika. Repin je z veliko ljubeznijo posredoval privlačen obraz s svojo mladostjo, vedrino in zdravjem. Polja, ki še vedno cvetijo, vendar se jih dotaknejo rumenost trave, zelena drevesa in prozornost zraka, prinašajo delo poživljajoče razpoloženje.
Portret ni bil le vodilni žanr, ampak tudi osnova Repinovega dela na splošno. Pri delu na velikih platnih se je sistematično obračal k portretnim študijam, da bi razjasnil videz in značilnosti likov. Takšen je portret Grba, povezan s sliko "Procesija v provinci Kursk" (1880-1883, Državna galerija Tretyakov). Od grbavca je Repin vztrajno poudarjal prozaičnost, uboštvo grbavčevih oblačil in celotnega videza, običajnost figure bolj kot njeno tragičnost in osamljenost.
Pomen Repina v zgodovini ruske umetnosti je ogromen. V njegovih portretih je še posebej vplivala njegova bližina velikim mojstrom preteklosti. V portretih je Repin dosegel najvišjo točko svoje slikarske moči.
Repinovi portreti so presenetljivo lirično privlačni. Ustvarja ostro značilne ljudske like, številne popolne podobe kulturnikov, graciozne posvetne portrete (baronica V.I. Ikskul von Hildebrandt, 1889). Podobe umetnikovih sorodnikov so še posebej barvite in iskrene: številne slike z Repinovo ženo N. I. Nordman-Severovo. Virtuozni so tudi njegovi čisto grafični portreti, narejeni z grafitnim svinčnikom ali ogljem (E.Duse, 1891; Princesa M.K.Teniševa, 1898; V.A.Serov, 1901). Repin se je izkazal tudi kot izjemen učitelj: bil je profesor-vodja delavnice (1894-1907) in rektor (1898-1899) Akademije za umetnost, hkrati pa je poučeval na šoli-delavnici Tenisheva.
Po oktobrski revoluciji leta 1917 je bil umetnik ločen od Rusije, ko se je Finska osamosvojila, se ni nikoli preselil v domovino, čeprav je ohranil stike s tam živečimi prijatelji (zlasti s K. I. Čukovskim). Repin je umrl 29. septembra 1930. Leta 1937 je Čukovski izdal zbirko svojih spominov in člankov o umetnosti (Daleč blizu), ki je bila pozneje večkrat ponatisnjena.
3.6 Valentin Aleksandrovič Serov (1865-1911)
Rojen v Sankt Peterburgu v družini skladatelja A.N. Serov. Od otroštva je V.A. Serov je bil obkrožen z umetnostjo. Repin je bil učitelj. Serov je delal blizu Repina z zgodnje otroštvo in zelo kmalu odkril talent in neodvisnost. Repin ga pošlje na Akademijo za umetnost k P.P. Čistjakov. Mladi umetnik je pridobil spoštovanje, njegov talent pa vzbudil občudovanje. Serov je napisal "Dekle z breskvami". Prvo večje delo Serova. Kljub majhnosti se slika zdi zelo preprosta. Napisana je v roza in zlatih tonih. Za to sliko je prejel nagrado moskovskega društva ljubiteljev umetnosti. Naslednje leto je Serov naslikal portret svoje sestre Marije Simonovič in ga kasneje poimenoval "Dekle, obsijano s soncem" (1888). Deklica sedi v senci, jasa v ozadju pa je osvetljena z žarki jutranjega sonca.
Serov je postal moden portretist. Poziral pred njim znani pisci, aristokrati, umetniki, umetniki, podjetniki in celo kralji. V odrasli dobi je Serov še naprej pisal sorodnike, prijatelje: Mamontov, Levitan, Ostroukhov, Chaliapin, Stanislavsky, Moskvin, Lensky. Serov je izvršil ukaze kronanih - Aleksandra III in Nikolaja II. Cesar je upodobljen v preprostem suknjiču Preobraženskega polka; ta slika (uničena leta 1917, a ohranjena v avtorjevi repliki iz istega leta; Tretjakovska galerija) pogosto velja za najboljši portret zadnjega Romanova. Mojster je slikal tako imenovane uradnike kot trgovce. Serov je vsak portret delal do onemoglosti, s popolno predanostjo, kot da bi bilo delo, ki ga je začel, njegovo zadnje delo, pri čemer je razliko med študijo in sliko zmanjšal ali celo izničil. Enakovredna oblika ustvarjalnosti je bila tudi črno-bela risba (samovrednost slednjega je bila določena v njegovem delu iz leta 1895, ko je Serov izvedel cikel živalskih skic, ki je delal na ilustriranju basni I. A. Krylova).
Na prelomu 19.-20. Serov postane morda prvi portretist v Rusiji, če je kdo v tem pogledu slabši, potem samo en Repin. Zdi se, da mu najbolj uspevajo intimne lirične podobe, ženske in otroške (N. Ya. Derviz z otrokom, 1888–1889; Mika Morozov, 1901; oba portreta sta iz Tretjakovske galerije) ali podobe ustvarjalnih ljudi (A. Mazini, 1890; K. A. Korovin, 1891; F. Tamagno, 1891; N. A. Leskov, 1894; vsi - na istem mestu), kjer barvit vtis, prosta poteza odražata stanje duha modela. Toda še bolj uradni, posvetni portreti organsko združujejo subtilno umetnost z nič manj subtilnim darom umetnika-psihologa. Med mojstrovinami "posvetnega" Serova - grof F.F. Sumarokov-Elston (kasneje - knez Jusupov), 1903, Ruski muzej; G. L. Girshman, 1907; V.O.Girshman, 1911; I. A. Morozov, 1910; Princesa O. K. Orlova, 1911; vse je tam).
V portretih mojstra v teh letih popolnoma prevladuje Art Nouveau s svojim kultom močne in prožne linije, monumentalne privlačne poteze in poze (M. Gorky, 1904, Muzej A. M. Gorky, Moskva; M. N. Ermolova, 1905; F. I. Chaliapin , oglje, kreda, 1905; oba portreta sta v Tretjakovski galeriji; Ida Rubinstein, tempera, oglje, 1910, Ruski muzej). Serov je zapustil hvaležen spomin na sebe kot učitelja (v letih 1897–1909 je poučeval na moskovski šoli za slikarstvo, kiparstvo in arhitekturo, kjer so bili med njegovimi učenci K. F. Yuon, N. N. Sapunov, P. V. Kuznetsov, M. S. Saryan, K. S. Petrov -Vodkin). Serov je umrl v Moskvi 22. novembra (5. decembra) 1911.
odsek. Umetnost portretiranja
Portret je pomemben in pomemben žanr v umetnosti. Sama beseda "portret" sega v staro francosko besedo "pourtrait", ki pomeni: podoba hudiča v hudiču; sega tudi k latinskemu glagolu "protrahere" - to je "izvleči", "odkriti"; kasneje - "prikazati", "portretirati". V ruščini beseda "portret" ustreza besedi "kot".
V vizualni umetnosti, ki ji izvirno pripada ta izraz, portret pomeni podobo določene osebe ali skupine ljudi, v kateri se prenaša, reproducira individualni videz človeka, njegov notranji svet, bistvo njegovega značaja. razkrila.
Podoba osebe je glavna tema slikarstva. Njegova študija se začne s skicami glave. Vse formalne slike so podrejene ustvarjanju podobe, prenosu psihološkega stanja osebe. V slikarstvu mora podoba človeške glave iz narave ustrezati naši običajni tridimenzionalni viziji in razumevanju sveta okoli nas.
Metode slikanja glave v ruski akademski šoli prve polovice 19. stoletja nadaljujejo tradicijo oblikovanja oblike s pomočjo močnih in vročih senc. O akademskih metodah lahko sodimo po delih O. Kiprenskega, K. Bryullova, A. Ivanova. Akademske metode je nemogoče obravnavati kot nekaj enakega za vse umetnike, toda tisto, kar je skupno študentom akademije, je disciplina forme.
Portret se lahko šteje za povsem zadovoljivega, če so prenesene intimne in osebne poteze upodobljenca, ko je izvirnik natančno reproduciran z vsemi značilnostmi njegovega videza in notranjega individualnega značaja, v njegovi najbolj znani pozi, z njegovim najbolj značilnim izrazom. . Izpolnjevanje te zahteve je del obsega nalog umetnosti in lahko vodi do visoko umetniških rezultatov, če ga izvajajo nadarjeni mojstri, ki v reprodukcijo realnosti vlagajo svoj osebni okus in občutek za naravo.
Slikarstvo je predvsem podoba forme, volumna. Zato je obrazec pogosto vnaprej izdelan v eni barvi natančno z vsemi podrobnostmi. Potem so bile luči naslikane hladno, gosto, teksturirano; sence vroče, prozorne, z uporabo lakov, olj, smol. Vse to velja za oljne slike. Akvareli tistega časa so le tonirane risbe, tempera pa je bila uporabljena za cerkvene poslikave, daleč od del iz narave.
Velik pomen v akademskem slikarstvu imela zaporedje dela, sistem. Suho in mokro glaziranje je dalo glavi končno obliko, barvo in izraz. Verjetno pa nekateri vodje K.P. Bryullov je slikal takoj, hkrati pa je ohranil strogo modeliranje, hladne luči in vroče sence. Enake vroče sence ležijo na portretih I. N. Kramskoya. Njihovo rdečico omili običajno razpršena muzejska svetloba. Če pa na portret pade sončni žarek, ste presenečeni nad pogojno svetlostjo rdečih senc.
Impresionisti so največ pozornosti posvečali pomenu tople in hladne svetlobe pri kiparjenju žive glave. Ali so luči hladne in sence tople, ali obratno. V vsakem modelu so izbrani pogoji situacije, ki temeljijo na polti, oblačilih splošnega videza. Za ustvarjanje zanimive osvetlitve se uporabljajo zasloni - karton, platno, papir. Zaslon lahko zatemni del ozadja ali oblačila, zaradi česar obraz bolje izstopa.
Ohranjanje pripravljalne skice M. A. Vrubela za portret N. I. Zabele - Vrubel, kjer so s svinčnikom narisane meje vseh barvnih sprememb. Površina obraza je razdeljena na zelo majhne dele, kot mozaik. Če vsakega od njih napolnite z ustrezno barvo, bo portret pripravljen.
Portretna podoba ne odraža le modela, ampak tudi umetnika samega. Zato je avtor prepoznaven po svojih delih. Ista oseba je na portretih različnih umetnikov videti povsem drugače. Navsezadnje vsak od njih prispeva k portretu svoj odnos do modela, do sveta, svoje občutke in misli, svoj način gledanja in čustvovanja, svoje mentalno skladišče, svoj pogled na svet. Umetnik ne samo kopira modela, ne le reproducira njegov videz - sporoča svoje vtise o njej, posreduje, izraža svojo predstavo o njej.
Portretni žanr je zavzemal veliko mesto v sistemu akademskega izobraževanja, saj so ga učitelji zgodnjega 19. stoletja v upodabljanju osebe videli kot način umetnikovega neposrednega nagovarjanja narave.
Z razvojem in uveljavljanjem demokratičnih tendenc v ruski umetnosti v procesu reševanja skupnih ustvarjalnih problemov pride do zbliževanja iskanj v različnih žanrih, zlasti v portretu.
Delo na portretu umetnika tesno povezuje s predstavniki različnih družbenih slojev. moderna družba, delo iz narave pa bistveno razširi in poglobi razumevanje psihologije utelešenih podob v sliki. Portretiranje je obogateno s tipičnimi ljudske podobe. Poglabljajo se psihološke značilnosti osebe, upodobljene na portretu, njegovo moralno, socialno razumevanje. V portretu je še posebej čutiti ne samo kritičen odnos do življenja, ampak tudi iskanje pozitivna podoba, z največjo močjo, ki se kaže v podobah predstavnikov inteligence.
Ruska umetnost ima bogato tradicijo realističnega portretiranja, ki sega v 18. stoletje, ki je pustilo pomembno dediščino. Plodno so se razvili v prvi polovici 19. stoletja. V teh obdobjih je bil portret, razmeroma osvobojen moči kanonov, v realistični popolnosti svojih podob tisti, ki je šel pred tako zapletom - zgodovinskim kot vsakdanjim slikarstvom, ki je naredil le prve korake v ruski umetnosti.
Najboljši portretisti 18. stoletja in prve polovice 19. stoletja nam posredujejo tipične poteze svojih sodobnikov. Toda naloge tipizacije ob ohranjanju posameznika v človeški podobi so prišle v teh portretih v nasprotje s prevladujočim klasičnim konceptom, v katerem je bilo tipično razumljeno kot abstraktno od posameznika. V portretu Potepuha pa naletimo na obratno razumevanje tipičnega: čim globlje je prodiranje v osebnost človeka, bolj konkretna in svetlejša je poustvarjena njegova podoba, bolj jasne so skupne poteze, ki so se razvile pod vplivom v njegovem portretu se pojavijo določene življenjske razmere.
Bibliografija
1. Alešina L.S. Ruska umetnost 19. - zgodnjega 20. stoletja -M., "Umetnost" 1972.
2. Benois A. Zgodovina ruskega slikarstva v XIX stoletju - M., "Republika" 1999.
3. Gomberg - Verzhbitskaya E.P. Potepuhi: knjiga o mojstrih ruskega realističnega slikarstva od Perova do Levitana - M., 1961.
4. Ilyina T.V. Umetnostna zgodovina. Domača umetnost - M., "Višja šola", 2005.
5. Umetnost portreta. Zbirka - M., 1928.
6. Kratek slovar izrazov likovne umetnosti.
7. Likhachev D.S. Ruska umetnost od antike do avantgarde - M., "Umetnost", 1992.
8. Matafonov S.M. Tri stoletja ruskega slikarstva - Sib., "Kitezh" 1994.
9. Puškin A.S. Celotna dela v enem zvezku - M., 1938.
10. Roginskaya F.S. Potepuhi - M., 1997.
11. Shchulgin V.S., Koshman L.V., Zezina M.Z. Kultura Rusije IX - XX stoletja. uč. dodatek - M., "Prostor" 1996.
12. Yakovlev V.M. O velikih ruskih umetnikih - M., "Založba Akademije umetnikov ZSSR" 1952.
Puškin A.S. Celotna dela v enem zvezku. M., 1983, str.9.
Shulgin V.S., Koshman L.V., Zezina M.Z., Kultura Rusije v 9. - 20. stoletju. uč. dodatek - M. "Prostor", 1996 S. 205
Umetnost portreta. Zbirka. M., 1928, str.77.
Kratek slovar izrazov likovne umetnosti. M., 1959, str.126.
Gomberg - Verzhbitskaya E.P. Potepuhi: knjiga o mojstrih ruskega realističnega slikarstva od Perova do Levitana - M., 1961. Str. 44.
