Na prelomu iz 18. v 19. stoletje je evropska in tudi ameriška kultura doživela rojstvo, ki je bilo povsem drugačno od obdobja refleksije in filozofije razsvetljenstva, stopnje romantike. Postopoma prehajajoč iz Nemčije v kulturo in umetnost Anglije, Francije, Rusije in drugih evropskih držav, je romantika obogatila umetnostni svet z novimi barvami, zgodbe in drznost nagosti.

Ime svežega toka se je rodilo iz tesnega prepletanja več pomenov enozvočnih besed iz različnih držav - romantisme (Francija), romance (Španija), romantic (Anglija). Kasneje se je ime smeri uveljavilo in se je do naših dni uveljavilo kot romantika - nekaj slikovito čudnega, fantastično lepega, ki obstaja samo v knjigah, ne pa tudi v resnici.

splošne značilnosti

Romantika nadomesti dobo razsvetljenstva in sovpada z industrijsko revolucijo, ki jo zaznamujejo pojav parnega stroja, parne lokomotive, parnika, fotografije in tovarniških obrobij. Če je za razsvetljenstvo značilen kult razuma in na njegovih načelih temelječa civilizacija, potem romantika afirmira kult narave, čustev in naravnega v človeku.

V dobi romantike so se oblikovali fenomeni turizma, planinstva in piknika, namenjeni ponovni vzpostavitvi enotnosti človeka in narave. Zahtevana je podoba "plemenitega divjaka", oboroženega z "ljudsko modrostjo" in ki ga civilizacija ni pokvarila. To pomeni, da so romantiki želeli pokazati nenavadno osebo v nenavadnih okoliščinah. Z eno besedo, romantiki so nasprotovali napredni civilizaciji.

Romantika v slikarstvu

Globina lastnih osebnih doživetij in razmišljanj - to slikarji posredujejo skozi svojo likovno podobo, ki je narejena s pomočjo barve, kompozicije in poudarkov. Različne evropske države so imele svoje posebnosti pri interpretaciji romantične podobe. Vse to je povezano s filozofskim trendom, pa tudi z družbenopolitičnimi razmerami, na katere je bila umetnost edini živ odziv. Slikarstvo ni bilo izjema.

Takratna Nemčija je bila razdrobljena na majhne vojvodine in kneževine in je doživljala hude javne pretrese. Slikarji niso upodabljali junakov-titanov, niso delali monumentalnih platen, v tem primeru je navdušenje vzbudilo globoko duhovni svetčloveško, moralno iskanje, njegovo veličino in lepoto. Ker v nai več romantika v nemškem slikarstvu je predstavljena v krajinah in portretih.

Tradicionalni standard tega žanra so dela Otta Rungeja. V portretih tega slikarja se skozi obdelavo potez obraza in oči, skozi kontrast sence in svetlobe izraža umetnikova želja po prikazu nedoslednosti osebnosti, njene globine in moči čutenja. Zahvaljujoč pokrajini, pretirana in manj osupljiva upodobitev dreves, ptic in rož. Tudi Otto Runge je poskušal odkriti raznolikost človekove osebnosti, njeno podobnost z naravo, neidentificirano in drugačno.

Avtoportret "Trije od nas", 1805, Philipp Otto Runge

V Franciji se je romantika v slikarstvu razvijala po drugačnih načelih. Viharno družbeno življenje, pa tudi revolucionarni prevrati se v slikarstvu kažejo v nagnjenosti slikarjev k upodabljanju dih jemajočih in zgodovinskih motivov, tudi z »živčnim« vznemirjenjem in patosom, ki so bili doseženi z bleščečim barvnim kontrastom, nekaj naključnosti, ekspresijo gibov. , pa tudi spontanost kompozicij.

V delu T. Gericaulta so najbolj jasno predstavljene romantične ideje. Slikar je s profesionalno uporabo svetlobe in barv ustvaril utripajočo globino čustev, upodobil vzvišen impulz po svobodi in boju.

Derby v Epsomu, 1821, Théodore Géricault

"Častnik konjskih nadzornikov cesarske garde, ki gre v napad", 1812

Obdobje romantike je našlo svoj odsev tudi v platnih umetnikov, ki v jasnih kontrastih svetlobe, sence in poltonov razkrivajo notranje strahove, impulze, ljubezen in sovraštvo. Pobeljena telesa G.I. španski slikar F. Goya, svežina miru in mračnost nevihte I. Aivazovskega -  je iz globin gotskih in renesančnih stoletij potegnila na površje tisto, kar so prej tako spretno prikrivali splošno sprejeti kanoni.

Nočna mora, 1781, Johann Heinrich Fuseli

Svoboda vodi ljudstvo, 1830, Eugene Delacroix

Mavrica, Ivan Aivazovski

Če je bilo slikarstvo XIII. in XIV. stoletja skopo s čustvi, pa je bilo v naslednjih tristo letih oblikovanja umetnosti zgodnje in visoke renesanse s preseganjem religioznosti in slepe vere v nekaj drugega ali razsvetljenstvo, ki je končal "lov na čarovnice", nato pa je umetniški prikaz na platnih romantike omogočil pogled v svet, drugačen od resničnega.

Da bi prenesli strasti, so se umetniki zatekli k uporabi bogatih barv, svetlih potez in nasičenosti slik s "posebnimi učinki".

bidermajer

Eden od poganjkov romantike v slikarstvu je slog bidermajer. Glavna značilnost bidermajerja je idealizem. V slikarstvu prevladujejo vsakdanji prizori, v drugih žanrih pa so slike komorne narave. Slikarstvo išče v svetu značilnosti idilične privlačnosti Mali človek. Ta trend je zakoreninjen v posebnostih nacionalnega nemškega načina življenja, predvsem meščanov.

Knjižni molj, ca. 1850, K. Spitzweg

Eden največjih predstavnikov bidermajerskega slikarstva Karl Spitzweg je slikal ekscentrične prebivalce, kot so jim rekli v Nemčiji, filistre, kakršen je bil tudi sam.

Seveda so njegovi junaki omejeni, to so mali ljudje iz province, ki zalivajo vrtnice na balkonu, poštarji, kuharji, uradniki. V Spitzwegovih slikah je humor, svojim likom se smeji, a brez zlobe.

Postopoma se je pojem "bidermajer" razširil na modo, uporabno umetnost, grafiko, interjer, pohištvo. IN uporabne umetnosti najbolj razvito je slikanje na porcelan in steklo. Do leta 1900 je beseda začela pomeniti tudi "dobre stare čase".

Bidermajer je provincialni slog, čeprav so v tem slogu ustvarjali tudi metropolitanski umetniki, v Berlinu in na Dunaju. Bidermajer je prodrl tudi v Rusijo. Njegov vpliv je v delih ruskih mojstrov A. G. Venetsianova in V. A. Tropinina. Izraz "ruski bidermajer" obstaja, čeprav se sliši smešno.

Speči pastirček, 1823-24, A. G. Venetsianov

Družinski portret grofov Morkov, 1813, V. A. Tropinin

V Rusiji je bidermajer čas Puškina. Bidermajerska moda - Puškinova moda. To je redingote, telovnik in cilinder za moške, palica, ozke hlače z lasnicami. Včasih - fraque. Ženske so nosile obleke z ozkim pasom, širokimi izrezi, široka zvonasta krila in klobuke. Stvari so bile preproste, brez zapletenih okraskov.

Notranjost v slogu bidermajer odlikujejo intimnost, uravnoteženost proporcev, preprostost oblik in svetle barve. Sobe so bile svetle in prostorne, zaradi česar je bila notranjost zmerno preprosta, a psihološko udobna. Stene prostorov z globokimi okenskimi nišami so bile pobarvane v belo ali druge svetle barve, polepljene z reliefno črtasto tapeto. Vzorec na okenskih zavesah in oblazinjenju je bil enak. Te tkanine v notranjosti so bile obarvane in so vsebovale risbe, ki prikazujejo rože.

Pojavi se koncept "čiste sobe", to je sobe, ki ni bila uporabljena ob delavnikih. Ta običajno zaprta "nedeljska soba" je služila samo za sprejem gostov. Dodatno udobje stanovanjski notranjosti je dalo pohištvo, pobarvano v toplih barvah in stenski akvareli, gravure ter veliko število nakita in spominkov. Tako kot pri stilskih preferencah praktični bidermajer izbira le tiste kose pohištva, ki ustrezajo njegovi predstavi o funkcionalnosti in udobju. Še nikoli pohištvo ni v celoti izpolnilo svojega namena, saj v tem času dekorativnost zbledi v ozadje.

V začetku 20. stoletja so bidermajer začeli negativno ocenjevati. Razumeli so ga kot "vulgarnega, filistra". Res je imel takšne lastnosti, kot so intimnost, intimnost, sentimentalnost, poetizacija stvari, ki so privedle do takšne ocene.

Romantika v literaturi

Romantika se je razsvetljenstvu zoperstavila tudi na verbalni ravni: jezik romantičnih del, ki je stremel k naravnemu, »preprostemu«, dostopnemu vsem bralcem, je bil nekaj nasprotnega klasiki s svojo plemenito, »vzvišeno« tematiko, značilno npr. za klasično tragedijo.

romantični junak- kompleksna, strastna osebnost, katere notranji svet je nenavadno globok, neskončen; to je celotno vesolje, polno protislovij. Romantike so zanimale vse strasti, tako visoke kot nizke, ki so si nasprotovale. Visoka strast - ljubezen v vseh njenih manifestacijah, nizka - pohlep, ambicije, zavist. Zanimanje za močna in živa čustva, vsesplošne strasti, za skrivna gibanja duše - to so značilne lastnosti romantike.

Pri kasnejših zahodnoevropskih romantikih dobi pesimizem v odnosu do družbe kozmične razsežnosti, postane »bolezen stoletja«. Za junake številnih romantičnih del (F. R. Chateaubriand, A. Musset, J. Byron, A. Vigny, A. Lamartine, G. Heine itd.) so značilna razpoloženja brezupnosti, obupa, ki pridobijo univerzalni značaj. Popolnost je za vedno izgubljena, svetu vlada zlo, starodavni kaos oživlja. Tema "groznega sveta", značilna za vso romantično literaturo, je bila najbolj jasno utelešena v tako imenovanem "črnem žanru", pa tudi v delih Byrona, C. Brentana, E. T. A. Hoffmanna, E. Poeja in N. Hawthorne.

Romantika hkrati temelji na idejah, ki izzivajo »strašni svet«, – predvsem na idejah svobode. Razočaranje nad romantiko je razočaranje nad realnostjo, napredek in civilizacija pa sta le ena stran tega. Zavračanje te strani, pomanjkanje vere v možnosti civilizacije zagotavljajo drugo pot, pot k idealu, k večnemu, k absolutu. Ta pot mora razrešiti vsa nasprotja, popolnoma spremeniti življenje. To je pot do popolnosti, »do cilja, katerega razlago je treba iskati na drugi strani vidnega« (A. De Vigny).

Za nekatere romantike svet obvladujejo nerazumljive in skrivnostne sile, ki jim je treba ubogati in ne poskušati spremeniti usode (pesniki »jezerske šole«, Chateaubriand, V.A. Žukovski). Pri drugih je »svetovno zlo« izzvalo protest, zahtevalo maščevanje, boj. (J. Byron, P. B. Shelley, S. Petofi, A. Mickevič, zgodnji A. S. Puškin). Skupno je bilo, da so vsi v človeku videli eno samo entiteto, katere naloga sploh ni omejena na reševanje običajnih problemov. Nasprotno, ne da bi zanikali vsakdanje življenje, so romantiki skušali razvozlati skrivnost človeškega bivanja, se obračali k naravi, zaupali svojim religioznim in pesniškim občutkom.

Mimogrede, prav po zaslugi Žukovskega je eden izmed najljubših žanrov zahodnoevropskih romantikov vključen v rusko literaturo. balada. Zahvaljujoč prevodom Žukovskega so se ruski bralci seznanili z baladami Goetheja, Schillerja, Burgerja, Southeya, W. Scotta. "Prevajalec v prozi je suženj, prevajalec v verzih je tekmec", te besede pripadajo samemu Žukovskemu in odražajo njegov odnos do lastnih prevodov.

Po Žukovskem se številni pesniki obračajo k žanru balade - A. S. Puškin ( Pesem o preroškem Olegu, utopljen), M. Yu Lermontov ( Zračna ladja, morska deklica), A. K. Tolstoj ( Vasilij Šibanov) in itd.

Nastala je ob koncu 18. stoletja, največji razcvet pa je dosegla v tridesetih letih 19. stoletja. Od začetka petdesetih let 19. stoletja začne obdobje padati, vendar se njegove niti raztezajo skozi celotno 19. stoletje, v katerem nastanejo trendi, kot so simbolizem, dekadenca in neoromantika.

Vzpon romantike

Evropa, zlasti Anglija in Francija, velja za rojstni kraj smeri, od koder je prišlo ime te umetniške smeri - "romantisme". To je razloženo z dejstvom, da je romantika 19. stoletja nastala kot posledica francoske revolucije.

Revolucija je uničila celotno hierarhijo, ki je obstajala prej, mešano družbo in družbene sloje. Moški se je začel počutiti osamljenega in je začel iskati uteho v igrah na srečo in drugi zabavi. Na tem ozadju se je pojavila ideja, da je vse življenje igra, v kateri so zmagovalci in poraženci. Glavni junak vsakega romantičnega dela je človek, ki se igra z usodo, z usodo.

Kaj je romantika

Romantika je vse, kar obstaja samo v knjigah: nerazumljivi, neverjetni in fantastični pojavi, hkrati povezani z uveljavljanjem posameznika skozi njegovo duhovno in ustvarjalno življenje. Večinoma se dogajanje odvija v ozadju izraženih strasti, vsi liki imajo jasno izražene značaje in pogosto obdarjeni z uporniškim duhom.

Pisatelji dobe romantike poudarjajo, da je glavna vrednota v življenju človekova osebnost. Vsak človek je ločen svet, poln neverjetne lepote. Od tam črpajo ves navdih in vzvišena čustva, pa tudi nagnjenost k idealizaciji.

Po mnenju romanopiscev je ideal efemeren koncept, vendar ima kljub temu pravico do obstoja. Ideal je onstran vsega običajnega, zato so glavni junak in njegove ideje neposredno v nasprotju s svetovnimi odnosi in materialnimi stvarmi.

Značilne lastnosti

Značilnosti romantike so v glavnih idejah in konfliktih.

Glavna ideja skoraj vsakega dela je nenehno gibanje junaka v fizičnem prostoru. To dejstvo tako rekoč odraža zmedenost duše, njene nenehne refleksije in hkrati spremembe v svetu okoli nje.

Kot številna umetniška gibanja ima tudi romantika svoje konflikte. Tu celoten koncept temelji na kompleksnem odnosu glavnega junaka z zunanjim svetom. Je zelo egocentričen in se hkrati upira nizkotnim, vulgarnim, materialnim predmetom realnosti, ki se tako ali drugače manifestirajo v dejanjih, mislih in idejah lika. Najbolj izrazite v tem pogledu so naslednje literarni primeri Romantika: Childe Harold - glavni lik iz Byronovega "Romanja Childe Harolda" in Pechorin - iz Lermontovega "Junaka našega časa".

Če povzamemo vse našteto, se izkaže, da je osnova vsakega tovrstnega dela razkorak med realnostjo in idealiziranim svetom, ki ima zelo ostre robove.

Romantika v evropski književnosti

Evropska romantika 19. stoletja je izjemna po tem, da imajo njena dela večinoma fantastično osnovo. To so številne pravljične legende, novele in povesti.

Glavne države, v katerih je romantika kot literarna smer najbolj izrazita, so Francija, Anglija in Nemčija.

Ta umetniški pojav ima več stopenj:

1. 1801-1815 let. Začetek oblikovanja romantične estetike.
2. 1815-1830 let. Oblikovanje in razcvet toka, opredelitev glavnih postulatov te smeri.
3. 1830-1848 let. Romantika dobiva bolj socialne oblike.

Vsaka od naštetih držav je dala svoj, poseben prispevek k razvoju omenjenega kulturnega fenomena. V Franciji so imeli romantični bolj politično obarvanost, pisatelji so bili sovražni do nove buržoazije. Ta družba je po mnenju francoskih voditeljev uničila integriteto posameznika, njeno lepoto in svobodo duha.

V angleških legendah romantika obstaja že dolgo, vendar do konca 18. stoletja ni izstopala kot ločeno literarno gibanje. Angleška dela so za razliko od francoskih napolnjena z gotiko, religijo, narodno folkloro, kulturo kmečkih in delavskih družb (vključno z duhovnimi). Poleg tega so angleška proza ​​in besedila polna potovanj v daljne dežele in raziskovanja tujih dežel.

V Nemčiji se je romantika kot literarna smer oblikovala pod vplivom idealistične filozofije. Temelji so bili individualnost in zatirani fevdalizem ter dojemanje vesolja kot enotnega živega sistema. Skoraj vsako nemško delo je prežeto z razmišljanji o obstoju človeka in življenju njegovega duha.

Evropa: primeri del

Za najbolj opazna evropska dela v duhu romantike veljajo naslednja literarna dela:

Traktat "Genij krščanstva", zgodbi "Atala" in "Rene" Chateaubriand;

Romani "Delphine", "Corinne ali Italija" Germaine de Stael;

Roman "Adolf" Benjamina Constanta;

Roman Musseta "Izpoved sina stoletja";

Roman Saint-Mar Vignyja;

Manifest "Predgovor" k delu "Cromwell", roman "Notre Dame Cathedral" Huga;

Drama "Henry III in njegov dvor", serija romanov o mušketirjih, "Grof Monte Cristo" in "Kraljica Margot" Dumasa;

Romani "Indiana", "Potepujoči vajenec", "Horas", "Consuelo" George Sand;

Manifest "Racine in Shakespeare" Stendhala;

Pesmi "Stari mornar" in "Christabel" Coleridgea;

- "Orientalske pesmi" in "Manfred" Byron;

Zbrana Balzacova dela;

Roman "Ivanhoe" Walterja Scotta;

Pravljica "Hijacint in vrtnica", roman "Heinrich von Ofterdingen" Novalisa;

Zbirke kratkih zgodb, pravljic in romanov Hoffmanna.

Romantika v ruski literaturi

Ruska romantika 19. stoletja se je rodila pod neposrednim vplivom zahodnoevropske literature. Kljub temu pa je imel svoje značilne lastnosti, ki so jih spremljali v prejšnjih obdobjih.

Ta umetniški pojav v Rusiji je v celoti odražal vso sovražnost vodilnih delavcev in revolucionarjev do vladajoče buržoazije, zlasti do njenega načina življenja - nebrzdanega, nemoralnega in krutega. Ruska romantika 19. stoletja je bila neposredna posledica uporniških razpoloženj in pričakovanja prelomnic v zgodovini države.

V literaturi tistega časa ločimo dve smeri: psihološko in civilno. Prvi je temeljil na opisu in analizi občutkov in izkušenj, drugi - na propagandi boja proti sodobni družbi. Splošna in glavna ideja vseh romanopiscev je bila, da se mora pesnik ali pisatelj obnašati v skladu z ideali, ki jih je opisal v svojih delih.

Rusija: primeri del

Najbolj presenetljivi primeri romantike v ruski literaturi 19. stoletja so:

Zgodbe "Ondine", "The Prisoner of Chillon", balade "The Forest King", "Fisherman", "Lenora" Žukovskega;

Skladbe "Eugene Onegin", "The Queen of Spades" Puškina;

- "Noč pred božičem" Gogola;

- "Junak našega časa" Lermontov.

Romantika v ameriški književnosti

V Ameriki je smer dobila nekoliko kasnejši razvoj: njena začetna faza sega v leta 1820-1830, naslednja - 1840-1860 19. stoletja. Na obe fazi so izjemno vplivali državljanski nemiri, tako v Franciji (ki so bili spodbuda za nastanek ZDA), kot neposredno v sami Ameriki (vojna za neodvisnost od Anglije ter vojna med severom in jugom).

Umetniške smeri v ameriški romantiki predstavljata dve vrsti: abolicionistična, ki je zagovarjala osvoboditev od suženjstva, in vzhodna, ki je idealizirala plantažo.

Ameriška književnost tega obdobja temelji na premisleku znanja in žanrov, zajetih iz Evrope in pomešanih s svojevrstnim načinom življenja in tempom življenja na še novi in ​​malo poznani celini. Ameriška dela so bogato začinjena z nacionalnimi intonacijami, občutkom neodvisnosti in boja za svobodo.

Ameriška romantika. Primeri del

Cikel Alhambra, zgodbe The Ghost Groom, Rip Van Winkle in The Legend of Sleepy Hollow Washingtona Irvinga;

Roman "Zadnji Mohikanec" Fenimora Cooperja;

Pesem "The Raven", zgodbe "Ligeia", "The Gold Bug", "The Fall of House of Usher" in druge E. Alana Poeja;

Gortonova romana The Scarlet Letter in The House of Seven Gables;

Romana Typei in Moby Dick Melvilla;

Roman "Uncle Tom's Cabin" Harriet Beecher Stowe;

Poetično urejene legende o "Evangeline", "Song of Hiawatha", "Wooing of Miles Standish" od Longfellowa;

Whitmanova zbirka "Leaves of Grass";

"Ženska v devetnajstem stoletju" Margaret Fuller.

Romantika kot literarni trend je imela precej močan vpliv na glasbeno, gledališko umetnost in slikarstvo - dovolj je, da se spomnimo številnih produkcij in slik tistega časa. To se je zgodilo predvsem zaradi takšnih lastnosti smeri, kot so visoka estetika in čustvenost, junaštvo in patos, viteštvo, idealizacija in humanizem. Kljub dejstvu, da je bila doba romantike precej kratkotrajna, to v naslednjih desetletjih ni niti najmanj vplivalo na priljubljenost knjig, napisanih v 19. stoletju - literarna dela tega obdobja so v javnosti ljuba in čaščena. do tega dne.

Podrobnosti Kategorija: Raznolikost stilov in smeri v umetnosti ter njihove značilnosti Objavljeno 02.08.2015 17:33 Ogledi: 4319

Romantika, ki je nadomestila razsvetljenstvo in prešla sentimentalizem, se je uveljavila v evropski kulturi poznega 18. in prve polovice 19. stoletja.

Ta idejna in umetniška smer je bila nasprotna klasicizmu in razsvetljenstvu. In znanilec romantike je bil sentimentalizem. Rojstni kraj romantike je Nemčija.

Filozofija romantike

Romantika je afirmirala kult narave, občutkov in naravnega v človeku. Ampak, lahko bi ugovarjali, to je trdil tudi sentimentalizem. Kakšna je torej razlika med njima?
Da, protest proti brezduhovnosti in sebičnosti se kaže že v sentimentalizmu. Romantika najbolj ostro izraža to zavračanje. Romantika je nasploh bolj kompleksen in protisloven pojav kot sentimentalizem. Če je v sentimentalizmu ideal duša navaden človek, ki ga sentimentalisti vidijo ne samo kot enakega duši aristokrata, ampak včasih celo višjega in plemenitejšega, tedaj romantiko ne zanima samo vrlina, ampak tudi zlo, ki ga skuša celo oplemenititi; zanima ga tudi dialektika dobrega in zla v človeku (spomnite se glavnega junaka romana Junak našega časa M.J. Lermontova).

M. Vrubel. Ilustracija za roman Lermontova "Junak našega časa". Dvoboj Pečorina z Grušnickim

Romantični pesniki so v svojih delih začeli uporabljati podobe angelov, zlasti padlih. Na primer, zanimanje za podobo demona: več pesmi in pesem "Demon" Lermontova; cikel slik, posvečenih demonu M. Vrubela.

M. Vrubel "Sedeči demon"
Romantiki so skušali razvozlati skrivnost človeškega obstoja, se obračali k naravi, zaupali svojim verskim in pesniškim občutkom. A romantika hkrati skuša celo premisliti religijo.
Romantični junak je zapletena, strastna oseba z globokim, a protislovnim notranjim svetom - to je celotno vesolje. M.Yu. Lermontov je v svojem romanu rekel: "Zgodovina človeške duše, tudi najmanjše duše, je skoraj bolj radovedna in uporabnejša od zgodovine celega ljudstva." Značilnosti romantike so bile zanimanje za močna in živa čustva, vsesplošne strasti, za skrivna gibanja duše.
Druga značilnost romantike je zanimanje za folkloro, mit, pravljico. V ruski romantiki postaneta balada in romantična drama še posebej priljubljena žanra. Zahvaljujoč prevodom Žukovskega so se ruski bralci seznanili z baladami I.V. Goethe, F. Schiller, W. Scott, nato pa se številni pesniki obračajo k baladni zvrsti: A.S. Puškin (»Pesem preroškega Olega«, »Utopljenec«), M.Yu. Lermontov ("Zračna ladja", "Sirena"), A.K. Tolstoj in drugi In še en literarni žanr se je v Rusiji uveljavil po zaslugi V. Žukovskega - elegija.
Romantike so zanimale različne zgodovinske dobe, njihova izvirnost, pa tudi eksotične in skrivnostne dežele in okoliščine. Zasluga romantike je tudi nastanek žanra zgodovinskega romana. Utemeljitelj zgodovinskega romana je V. Scott, nadalje pa se ta žanr razvija v delih F. Cooperja, A. Vignyja, V. Huga in drugih.
In še ena značilnost romantike (še zdaleč ne edina) je ustvarjanje svojega, posebnega sveta, lepšega in resničnejšega od realnosti. Romantični junak živi v tem svetu, strastno brani svojo svobodo in verjame, da ni podvržen pravilom zunanjega sveta, temveč samo svojim pravilom.
V dobi romantike je prišlo do razcveta literature. Toda za razliko od literature sentimentalizma se ta literatura ni ogradila od družbenih in političnih problemov.

VEM. Aivazovski, I.E. Repin "Puškinovo slovo od morja" (1877)
pomembno mesto v delu romantikov (v vseh vrstah umetnosti) krajina zaseda - najprej morje, gore, nebo, nevihtne elemente, s katerimi ima junak zapletene odnose. Narava je lahko podobna strastni naravi romantičnega junaka, lahko pa se mu tudi upre, se izkaže za sovražno silo, s katero se je prisiljen boriti.

I. Aivazovski "Deveti val" (1850). Državni ruski muzej (Peterburg)
V različnih državah je imela usoda romantike svoje značilnosti.

Romantika v slikarstvu

T. Gericault

Mnogi umetniki iz različnih držav Evrope so pisali v slogu romantike. Toda romantika je bila dolgo časa v boju s klasicizmom. In šele po pojavu slike Theodora Gericaulta "Splav Meduze", ki je veljala za inovativno, so privrženci akademskega sloga prepoznali romantiko kot novo umetniško smer v umetnosti, čeprav je bila slika sprva sprejeta neodobravajoče. Toda prav ta slika je pomenila začetek francoske romantike. V Franciji so bile tradicije klasicizma močne in nova smer je morala premagati nasprotovanje.

T. Géricault "Splav Meduze" (1819). Platno, olje. 491 x 716 cm Louvre (Pariz)
Zaplet slike je zgodba o fregati "Medusa", ki se je leta 1816 zaradi nesposobnosti kapitana zrušila ob obali Senegala. 140 potnikov in članov posadke je poskušalo pobegniti s pristankom na splavu. Šele 12. dan jih je pobral Argus brig, vendar je preživelo le 15 ljudi. Leta 1817 bosta dva izmed njih, inženir Correard in kirurg Henri Savigny, napisala knjigo o tej tragediji.
Théodore Géricault je bil tako kot mnogi drugi šokiran nad tem, kar se je zgodilo Meduzi. Pogovarja se z očividci dogodka, dela skice usmrčenih in umirajočih, piše na stotine skic divjega morja. In čeprav sliko odlikuje enobarvna barva, je njena glavna prednost v globokem psihologizmu situacije, prikazane na platnu.
Drugi vodja romantične smeri v evropskem slikarstvu je bil francoski slikar in grafik Eugene Delacroix.

Eugene Delacroix "Avtoportret" (1837)
Njegova slika Liberty Leading the People (1830) temelji na julijski revoluciji leta 1830, ki je končala režim restavracije burbonske monarhije.
Ženska, upodobljena v središču slike, simbolizira svobodo. Na glavi ima frigijsko kapo (simbol svobode ali revolucije), v desni roki ima zastavo republikanske Francije, v levici pištolo. Gole prsi simbolizirajo predanost takratnih Francozov, ki so z "golimi prsmi" šli proti sovražniku. Okoli svobode, delavec, buržuj, najstnik, ki simbolizirajo enotnost francoskega ljudstva med julijsko revolucijo. Nekateri umetnostni zgodovinarji in kritiki menijo, da se je umetnik upodobil kot moški s cilindrom na levi strani glavnega junaka.

O. Kiprensky "Avtoportret" (1828)
Orest Adamovič Kiprenski (1782-1836) - slavni ruski umetnik, grafik in slikar, mojster portretov.

O. Kiprensky »Portret A.S. Puškin" (1827). Platno, olje. 63 x 54 cm Stanje Tretjakovska galerija(Moskva)
To je morda največ slavni portret Puškina, ki jo je umetniku naročil Puškinov prijatelj Delvig. Na platnu je Puškin upodobljen do pasu, s prekrižanimi rokami na prsih. Čez pesnikovo desno ramo je vržen karirasti škotski karo - s tem detajlom umetnik označuje Puškinovo povezavo z Byronom, idolom obdobja romantike.

K. Bryullov "Avtoportret" (1848)
Delo ruskega umetnika K. Bryullova uvrščamo med akademizme, vendar so nekatera njegova slikarska dela vrhunec pozne ruske romantike z občutkom tragičnosti in konfliktnosti v življenju, zanimanjem za močne strasti, nenavadne teme in situacije ter za usoda ogromnih človeških množic.

K. Bryullov "Zadnji dan Pompejev" (1830-1833). Platno, olje. 465,5 x 651 cm Državni ruski muzej (Petersburg)
Bryullov je v sliki združil dramatičnost akcije, romantične učinke osvetlitve in kiparsko, klasično popolno plastičnost figur.
Slika prikazuje znameniti izbruh Vezuva leta 79 našega štetja. e. in uničenje mesta Pompeji blizu Neaplja. "Zadnji dan Pompejev" ponazarja romantiko ruskega slikarstva, pomešano z idealizmom, povečanim zanimanjem za plezen in gravitiranjem k podobnim zgodovinskim temam. Globok psihologizem, ki je neločljivo povezan z romantiko, pomaga videti osebnost v vsakem liku: ugleden in nesebičen (skupina ljudi v spodnjem desnem kotu slike, ki nosi starejšo osebo), pohlepen (figura v belem, ki nosi ukradeno lastnino nekoga). zvit), ljubeč (mladenič na desni sliki, ki poskuša rešiti svojo ljubljeno), bhakta (mati, ki objema svoje hčerke v spodnjem levem kotu slike) itd.
Podoba umetnika v levem kotu slike je avtorjev avtoportret.
Toda umetnikov brat, Bryullov Aleksander Pavlovič, je bil predstavnik romantike v arhitekturi (čeprav je bil tudi umetnik).

A. Bryullov "Avtoportret" (1830)
Ustvaril je projekte za stavbe v Sankt Peterburgu in njegovi okolici.

Stavba Mihajlovskega gledališča je bila zgrajena tudi po projektu A. Bryullova.

Pravoslavna cerkev svetih apostolov Petra in Pavla v vasi Pargolovo (danes ozemlje Sankt Peterburga)

Romantika v glasbi

M. Vodzinskaya "Portret F. Chopina" (1835)

Romantika v glasbi, ki se je oblikovala v dvajsetih letih 19. stoletja, je zajela celotno 19. stoletje. in ga predstavlja cela galaksija najbolj nadarjenih skladateljev, od katerih je celo težko izpostaviti nekoga ali nekaj, da ne bi užalili drugih. Zato bomo poskušali poimenovati čim več imen. Najvidnejši predstavniki romantike v glasbi so Franz Schubert, Franz Liszt, pa tudi pozna romantika Anton Bruckner in Gustav Mahler (Avstro-Ogrska); Ludwig van Beethoven (deloma), Johannes Brahms, Richard Wagner, Anna Maria Weber, Robert Schumann, Felix Mendelssohn (Nemčija); Frederic Chopin (Poljska); Niccolo Paganini, Vincenzo Bellini, zgodnji Giuseppe Verdi (Italija); A. A. Alyabiev, M. I. Glinka, A.S. Dargomyzhsky, M.A. Balakirev, N.A. Rimsky-Korsakov, M.P. Musorgski, A.P. Borodin, Ts.A. Cui, P. I. Čajkovski (Rusija).

J. Kriehuber "Portret R. Schumanna" (1849)
Romantični skladatelji so s pomočjo glasbenih sredstev poskušali izraziti globino in bogastvo človekovega notranjega sveta. Glasba postane bolj reliefna, individualna. Razvijajo se pesemske zvrsti, med njimi tudi balada.

Glavni problem romantične glasbe je problem osebnosti v njenem konfliktu z zunanjim svetom. Romantični junak je vedno sam. Tema osamljenosti je najbolj priljubljena v vsej romantični umetnosti. Zelo pogosto je ideja o ustvarjalni osebi povezana z njo: človek je osamljen, ko je ravno izjemna, nadarjena oseba. Umetnik, pesnik, glasbenik so najljubši junaki v delih romantikov (Schumannova Ljubezen pesnika, Berliozova Fantastična simfonija s podnaslovom - "Epizoda iz umetnikovega življenja", Lisztova simfonična pesnitev "Tasso").

P.I. Čajkovskega
Za romantično glasbo, tako kot za druge vrste romantične umetnosti, je značilno globoko zanimanje za človeško osebnost, prevlada osebnega tona v glasbi. Pogosto so bila glasbena dela s pridihom avtobiografizma, kar je vneslo v glasbo posebno iskrenost. Številna Schumannova klavirska dela so na primer povezana z zgodbo o njegovi ljubezni do Clare Wieck. Wagner je poudarjal avtobiografsko naravo svojih oper. Chopinovo glasbo lahko imenujemo tudi avtobiografska, hrepenenje po domovini (Poljski) je izražal v svojih mazurkah, polonezah in baladah. Globoko zaljubljen v Rusijo in rusko naravo, P.I. Čajkovski v mnogih svojih delih riše slike narave, cikel skladb za klavir "Letni časi" pa ji je v celoti posvečen.

Romantika v literaturi

Brata Grimm: Wilhelm in Jakob

Romantika se je najprej pojavila v Nemčiji, med pisatelji in filozofi jenske šole. To je skupina osebnosti romantičnega gibanja, ki se je zbrala leta 1796 v univerzitetnem mestu Jena (brata August Wilhelm in Friedrich Schlegel, Ludwig Tieck, Novalis). Začneta izdajati revijo Ateneum, kjer oblikujeta svoj estetski program romantike. V prihodnosti nemško romantiko odlikuje zanimanje za pravljične in mitološke motive (delo bratov Wilhelma in Jacoba Grimma, Hoffmanna).

R. Westall "Portret Byrona"
Vidni predstavnik angleške romantike je D.G. Byron, ki je po A.S. Puškin "oblečen v dolgočasno romantiko in brezupno sebičnost." Njegovo delo je prežeto s patosom boja in protesta proti sodobni svet, opevanje svobode in individualizma.
Angleška romantika vključuje delo Shelleyja, Johna Keatsa, Williama Blakea.

Prosper Merimee
Romantika se je razširila tudi v druge evropske države. V Franciji so njeni predstavniki Chateaubriand, J. Stael, Lamartine, Victor Hugo, Alfred de Vigny, Prosper Merimee, George Sand. V Italiji - N.U. Foscolo, A. Manzoni. Na Poljskem - Adam Mickiewicz, Juliusz Slowacki in drugi, v ZDA - Washington Irving, Fenimore Cooper, Edgar Allan Poe, Henry Longfellow in drugi.

Adam Miscavige

Romantika v ruski literaturi

K. Bryullov "Portret V. Žukovskega"

Romantični pesniki so K. N. Batyushkov, E. A. Baratynsky, N. M. Yazykov. Zgodnja poezija A. S. Puškina - v okviru romantike. Za vrhunec ruske romantike velja poezija M. Yu Lermontova, ki so ga imenovali "ruski Byron".

P. Zabolotski. "Portret M.Yu. Lermontov v ogrinjalu življenjske garde husarskega polka "(1837)
Osebnost in duša sta za Lermontova glavni realnosti bivanja, preučevanje osebnosti in človeške duše je glavna tema njegovih del. Ko raziskuje izvor dobrega in zla, Lermontov pride do zaključka, da dobro in zlo ne obstajata zunaj človeka, ampak v njem samem. Zato je nemogoče upati, da se bo človek spremenil na bolje zaradi spremembe sveta. Od tod pesnikova skoraj popolna odsotnost pozivov k boju za socialno pravičnost. Lermontov se osredotoča predvsem na človeško dušo in njegovo duhovno pot.
Filozofska lirika F. I. Tjutčeva dopolnjuje romantiko v Rusiji.

F. I. Tjutčev (1860-1861). Foto S. Levitsky
F.I. Tjutčev se ni imel za pesnika (deloval je kot diplomat), vendar je vsa njegova poezija avtobiografska in polna filozofskih razmišljanj o svetu in človeku v njem, o nasprotjih, ki mučijo človeško dušo, o pomenu življenja in smrti. .

Bodi tiho, skrivaj se in skrivaj
In občutki in tvoje sanje -
Naj v globino duše
Vstanejo in vstopijo
Tiho, kot zvezde v noči,
Občudujte jih - in bodite tiho.

Kako se lahko srce izrazi?
Kako naj te nekdo drug razume?
Bo razumel, kako živiš?
Izrečena misel je laž.
Eksplozija, moti ključe, -
Pojej jih - in bodi tiho.

Samo znaj živeti v sebi -
V tvoji duši je cel svet
Skrivnostne magične misli;
Zunanji hrup jih bo oglušil
Dnevni žarki se bodo razpršili, -
Poslušajte njihovo petje - in utihnite! ..
_______________
* Tišina! (lat.)

Več kot enkrat smo že povedali, da umetnik, pesnik ali skladatelj ne deluje vedno v eni vrsti umetniškega sloga. Poleg tega se umetniški slog ne prilega vedno določenemu časovnemu obdobju. Tako lahko v vsakem trenutku najdemo značilnosti katerega koli umetniškega sloga. Včasih je to moda (na primer, slog Empire je pred kratkim nenadoma spet postal priljubljen), včasih je umetnikova potreba po takšnem načinu samoizražanja.

Romantika kot smer v slikarstvu se je v zahodni Evropi oblikovala konec 18. stoletja. V 20. in 30. letih 19. stoletja je romantika dosegla svoj višek v umetnosti večine zahodnoevropskih držav. 19. stoletje.

Sam izraz "romantika" izvira iz besede "roman" (v 17. stoletju so literarna dela, napisana ne v latinščini, temveč v jezikih, ki izhajajo iz nje - francoščini, angleščini itd.), imenovali romani. Kasneje se je vse nerazumljivo in skrivnostno začelo imenovati romantično.

Romantika se je kot kulturni pojav oblikovala iz posebnega pogleda na svet, ki so ga ustvarile posledice francoske revolucije. Razočarani nad ideali razsvetljenstva so romantiki, stremeči k harmoniji in celovitosti, ustvarjali nove estetske ideale in umetniške vrednote. Glavni predmet njihove pozornosti so bili izjemni liki z vsemi svojimi izkušnjami in željo po svobodi. Junak romantičnih del je izjemna oseba, ki se je po volji usode znašla v težkih življenjskih okoliščinah.

Čeprav je romantika nastala kot protest proti umetnosti klasicizma, je bila slednjemu v marsičem blizu. Romantiki so bili deloma takšni predstavniki klasicizma, kot so N. Poussin, C. Lorrain, J. O. D. Ingres.

Romantiki so v slikarstvo vnesli izvirne nacionalne poteze, torej tisto, kar je manjkalo v umetnosti klasicistov.
Največji predstavnik francoske romantike je bil T. Gericault.

Theodore Géricault

Theodore Gericault, veliki francoski slikar, kipar in grafik, se je rodil leta 1791 v Rouenu v premožni družini. Talent umetnika se je v njem pokazal precej zgodaj. Géricault je pogosto, namesto da bi obiskoval pouk v šoli, sedel v hlevu in risal konje. Že takrat si je prizadeval ne le prenesti zunanjih značilnosti živali na papir, temveč tudi prenesti njihov temperament in značaj.

Po diplomi na liceju leta 1808 je Géricault postal učenec takrat slavnega slikarja Carla Verneta, ki je slovel po sposobnosti upodabljanja konj na platnu. Mlademu umetniku pa Vernetov slog ni bil všeč. Kmalu zapusti delavnico in gre študirat k drugemu, nič manj nadarjenemu slikarju od Verneta, P. N. Guerinu. učenje od dveh znani umetniki, Gericault kljub temu ni nadaljeval njihove slikarske tradicije. Za njegova prava učitelja bi verjetno morali imeti J. A. Grosa in J. L. Davida.

Gericaultova zgodnja dela se odlikujejo po tem, da so čim bližje življenju. Takšne slike so nenavadno ekspresivne in patetične. Prikazujejo navdušeno razpoloženje avtorja, ko ocenjuje svet okoli sebe. Primer je slika z naslovom »Oficir cesarskih konjskih jezdnikov med napadom«, ustvarjena leta 1812. To platno so prvi videli obiskovalci pariškega salona. Delo mladega umetnika so sprejeli z občudovanjem in cenili talent mladega mojstra.

Delo je nastalo v tistem obdobju francoske zgodovine, ko je bil Napoleon na vrhuncu svoje slave. Sodobniki so ga malikovali, velikega cesarja, ki mu je uspelo osvojiti večji del Evrope. S takim razpoloženjem, pod vtisom zmag Napoleonove vojske, je nastala slika. Platno prikazuje vojaka, ki galopira na konju. Njegov obraz izraža odločnost, pogum in neustrašnost pred smrtjo. Celotna kompozicija
nenavadno dinamično in čustveno. Gledalec dobi občutek, da sam postane resnični udeleženec dogodkov, prikazanih na platnu.

Figura pogumnega vojaka se bo večkrat pojavila v delu Géricaulta. Med takšnimi podobami so še posebej zanimivi junaki slik "Častnik karabinjerjev", "Častnik kirasirja pred napadom", "Portret karabinjerjev", "Ranjeni kirasir", ustvarjen v letih 1812-1814. Zadnje delo je izjemno, saj je bilo predstavljeno na naslednji razstavi v Salonu istega leta. Vendar to ni glavna prednost sestave. Še pomembneje pa je, da je pokazala spremembe, ki so se zgodile v umetnikovem ustvarjalnem slogu. Če so se v njegovih prvih platnih odražala iskrena domoljubna čustva, potem v delih iz leta 1814 patos v prikazovanju junakov nadomesti drama.

Podobna sprememba umetnikovega razpoloženja je bila spet povezana z dogodki, ki so se takrat odvijali v Franciji. Leta 1812 je bil Napoleon poražen v Rusiji, v zvezi s čimer je bil nekoč sijajni junak od svojih sodobnikov pridobil slavo neuspešnega vojskovodje in arogantnega ponosnika. Svoje razočaranje nad idealom Géricault uteleša v sliki "Ranjeni kirasir". Na platnu je upodobljen ranjeni bojevnik, ki poskuša čim prej zapustiti bojno polje. Naslanja se na sabljo - orožje, ki ga je morda še pred nekaj minutami držal visoko.

Géricaultovo nezadovoljstvo z Napoleonovo politiko je narekovalo njegov vstop v službo Ludvika XVIII., ki je zasedel francoski prestol leta 1814. Dejstvo, da po drugem prevzemu oblasti v Franciji s strani Napoleona (obdobje stotih dni) mladi umetnik zapusti svojo domovina skupaj z Bourboni. A tudi tu ga je čakalo razočaranje. Mladenič ni mogel mirno gledati, kako kralj uničuje vse, kar je bilo doseženo v času Napoleonove vladavine. Poleg tega se je pod Ludvikom XVIII okrepila fevdalno-katoliška reakcija, država se je vse hitreje vračala nazaj v stari državni sistem. Tega mladi, progresivno, niso mogli sprejeti misleča oseba. Kmalu mladenič, ki je izgubil vero v svoje ideale, zapusti vojsko, ki jo je vodil Ludvik XVIII., in spet poprime za čopiče in barve. Teh let ni mogoče imenovati svetla in nič izjemnega v umetnikovem delu.

Leta 1816 je Gericault odšel na potovanje po Italiji. Po obisku Rima in Firenc ter preučevanju mojstrovin slavnih mojstrov je umetnik naklonjen monumentalnemu slikarstvu. Posebej pozornost pritegnejo Michelangelove freske, ki krasijo Sikstinsko kapelo. V tem času je Géricault ustvaril dela, ki po svojem obsegu in veličastnosti v mnogih pogledih spominjajo na platna slikarjev visoke renesanse. Med njimi sta najbolj zanimiva "Ugrabitev nimfe s strani kentavra" in "Človek, ki vrže bika".

Enake poteze sloga starih mojstrov so vidne tudi na sliki "Tek prostih konj v Rimu", naslikani okoli leta 1817 in predstavlja tekmovanja konjenikov na enem od karnevalov v Rimu. Značilnost te kompozicije je, da jo je umetnik sestavil iz predhodno izdelanih naravnih risb. Poleg tega se narava skic izrazito razlikuje od sloga celotnega dela. Če so prvi prizori, ki opisujejo življenje Rimljanov - umetnikovih sodobnikov, potem so v celotni kompoziciji podobe pogumnih starodavni junaki kot bi prišli iz starodavnih zgodb. Pri tem gre Gericault po poti J. L. Davida, ki je svoje junake, da bi dal podobi herojske patetike, oblekel v starodavne oblike.

Kmalu po nastanku te slike se Gericault vrne v Francijo, kjer postane član opozicijskega kroga, ki se oblikuje okrog slikarja Horacea Verneta. Ob prihodu v Pariz je umetnika zanimala predvsem grafika. Leta 1818 je ustvaril vrsto litografij na vojaško temo, med katerimi je bila najpomembnejša "Vrnitev iz Rusije". Litografija predstavlja poražene vojake francoske vojske, ki tavajo po zasneženem polju. Liki onemoglih in od vojne utrujenih ljudi so upodobljeni življenjsko in resnično. V kompoziciji ni patosa in heroične patetike, ki je bila značilna za Gericaultova zgodnja dela. Umetnik želi prikazati resnično stanje stvari, vse nesreče, ki so jih v tuji deželi morali prestati francoski vojaki, zapuščeni od svojega poveljnika.

V delu "Vrnitev iz Rusije" se je prvič slišala tema človekovega boja s smrtjo. Vendar tukaj ta motiv še ni izražen tako jasno kot v kasnejših delih Géricaulta. Primer takih platen je lahko slika z naslovom "Splav Meduze". Napisana je bila leta 1819 in istega leta razstavljena na pariškem salonu. Na platnu so upodobljeni ljudje, ki se borijo z divjo vodno stihijo. Umetnik ne prikazuje le njihovega trpljenja in muke, temveč tudi željo, da bi v boju s smrtjo za vsako ceno izšli zmagovalci.

Zaplet skladbe narekuje dogodek, ki se je zgodil poleti 1816 in je vznemiril vso Francijo. Takrat znana fregata "Medusa" je naletela na grebene in se potopila ob obali Afrike. Od 149 ljudi, ki so bili na ladji, jih je le 15 uspelo pobegniti, med njimi sta bila kirurg Savigny in inženir Correard. Ob prihodu v domovino sta izdala knjižico, ki pripoveduje o njunih dogodivščinah in srečnem reševanju. Iz teh spominov so Francozi izvedeli, da se je nesreča zgodila po krivdi neizkušenega kapitana ladje, ki se je vkrcal zahvaljujoč pokroviteljstvu plemenitega prijatelja.

Slike, ki jih je ustvaril Gericault, so nenavadno dinamične, plastične in ekspresivne, kar je umetnik dosegel z dolgotrajnim in skrbnim delom. Da bi na platnu resnično upodobil strašne dogodke, da bi prenesel občutke ljudi, ki umirajo na morju, se umetnik srečuje z očividci tragedije, dolgo preučuje obraze izčrpanih bolnikov, ki se zdravijo v eni od pariških bolnišnic. , pa tudi mornarji, ki jim je uspelo pobegniti iz brodolomov. V tem času je slikar ustvaril veliko število portretnih del.

Razburkano morje je napolnjeno tudi z globokim pomenom, kot bi poskušalo pogoltniti krhek lesen splav z ljudmi. Ta slika je nenavadno ekspresivna in dinamična. Tako kot figure ljudi je bil narisan iz narave: umetnik je naredil več skic, ki prikazujejo morje med nevihto. Pri delu na monumentalni kompoziciji se je Gericault večkrat obrnil na predhodno pripravljene skice, da bi v celoti odražal naravo elementov. Zato slika naredi velik vtis na gledalca, ga prepriča o realizmu in resničnosti dogajanja.

"Splav Meduze" predstavlja Géricaulta kot izjemnega mojstra kompozicije. Umetnik je dolgo časa razmišljal o tem, kako razporediti figure na sliki, da bi najbolj v celoti izrazil avtorjevo namero. Med delom je bilo narejenih več sprememb. Skice pred sliko kažejo, da je Gericault sprva želel upodobiti medsebojni boj ljudi na splavu, kasneje pa je takšno interpretacijo dogodka opustil. V končni različici platno predstavlja trenutek, ko že obupani ljudje na obzorju zagledajo ladjo Argus in iztegnejo roke proti njej. Zadnji dodatek k sliki je bila človeška figura, postavljena spodaj, na desni strani platna. Prav ona je bila končni dotik skladbe, ki je po tem pridobila globoko tragičen značaj. Omeniti velja, da je do te spremembe prišlo, ko je bila slika že na ogled v Salonu.

S svojo monumentalnostjo in povečano čustvenostjo Gericaultovo slikarstvo v marsičem spominja na dela mojstrov visoke renesanse (predvsem na Michelangelovo Poslednjo sodbo), ki jih je umetnik srečal na potovanju po Italiji.

Slika "Splav Meduze", ki je postala mojstrovina francoskega slikarstva, je doživela velik uspeh v opozicijskih krogih, ki so jo videli kot odraz revolucionarnih idealov. Iz istih razlogov delo ni bilo sprejeto med najvišjim plemstvom in uradnimi predstavniki likovne umetnosti Francije. Zato takrat platna od avtorja ni odkupila država.

Razočaran nad sprejemom, ki ga je prejela njegova stvaritev doma, Gericault odide v Anglijo, kjer svoje najljubše delo predstavi britanskemu dvoru. V Londonu so poznavalci umetnosti znamenito platno sprejeli z velikim navdušenjem.

Gericault se približa angleškim umetnikom, ki ga osvojijo s sposobnostjo iskrenega in resničnega upodabljanja stvarnosti. Gericault posveča cikel litografij življenju in življenju glavnega mesta Anglije, med katerimi so dela, ki so prejela naslova "Velika angleška suita" (1821) in "Stari berač, ki umira na vratih pekarne" (1821) so največje zanimanje. V slednjem je umetnik upodobil londonskega potepuha, ki je odražal vtise, ki jih je slikar prejel v procesu preučevanja življenja ljudi v delavskih četrtih mesta.

Isti cikel je vključeval litografije, kot sta "The Flanders Smith" in "At the Gates of the Adelphin Shipyard", ki gledalcu predstavljajo sliko življenja navadnih ljudi v Londonu. V teh delih so zanimive podobe konj, težkih in pretežkih. Opazno se razlikujejo od tistih gracioznih in gracioznih živali, ki so jih slikali drugi umetniki - Géricaultovi sodobniki.

Ker je v glavnem mestu Anglije, se Gericault ukvarja z ustvarjanjem ne le litografij, ampak tudi slike. Eno najbolj presenetljivih del tega obdobja je bilo platno "Race at Epsom", ustvarjeno leta 1821. Na sliki umetnik prikazuje konje, ki hitijo s polno hitrostjo, njihove noge pa se sploh ne dotikajo tal. To zvito tehniko (fotografija je dokazala, da konji ne morejo imeti takšnega položaja nog med tekom, to je umetnikova fantazija) uporablja mojster, da bi dal dinamiko kompoziciji, da bi gledalcu dal vtis strele- hitro gibanje konj. Ta občutek je okrepljen z natančnim prenosom plastičnosti (poze, geste) človeških figur, pa tudi z uporabo svetlih in bogatih barvnih kombinacij (rdeča, lovor, beli konji; temno modra, temno rdeča, belo-modra in zlato- rumeni jopiči džokejev).

Tema konjskih dirk, ki je že dolgo pritegnila slikarjevo pozornost s svojim posebnim izrazom, se je večkrat ponovila v delih, ki jih je Géricault ustvaril po končanem delu na Konjskih dirkah v Epsomu.

Do leta 1822 je umetnik zapustil Anglijo in se vrnil v rodno Francijo. Tu se ukvarja z ustvarjanjem velikih platen, podobnih delom renesančnih mojstrov. Med njimi so "Črna trgovina", "Odpiranje vrat zapora inkvizicije v Španiji". Te slike so ostale nedokončane - smrt je Gericaultu preprečila dokončanje dela.

Posebno zanimivi so portreti, katerih nastanek umetnostni zgodovinarji pripisujejo obdobju od 1822 do 1823. Posebno pozornost si zasluži zgodovina njihovega pisanja. Dejstvo je, da je te portrete naročil umetnikov prijatelj, ki je delal kot psihiater na kliniki v Parizu. Naj bi postale neke vrste ilustracije, ki dokazujejo različne mentalna bolezen oseba. Tako so bili naslikani portreti "Nora stara ženska", "Nori", "Nori, ki si predstavlja sebe kot poveljnika". Za mojstra slikarstva ni bilo toliko pomembno prikazati zunanjih znakov in simptomov bolezni, temveč prenesti notranje, stanje duha bolna oseba. Na platnih pred gledalcem se pojavljajo tragične podobe ljudi, katerih oči so polne bolečine in žalosti.

Med portreti Géricaulta zavzema posebno mesto portret črnca, ki je trenutno v zbirki muzeja v Rouenu. S platna na gledalca gleda odločna in močna oseba, pripravljena na boj do konca z njemu sovražnimi silami. Slika je nenavadno svetla, čustvena in ekspresivna. Človek na tej sliki je zelo podoben tistim junakom močne volje, ki jih je Gericault prej prikazal v velikih kompozicijah (na primer na platnu "Splav Meduze").

Gericault ni bil samo slikarski mojster, ampak tudi odličen kipar. Njegova dela v tej zvrsti umetnosti na začetku 19. stoletja so bila prvi primeri romantičnih kipov. Med takimi deli je še posebej zanimiva nenavadno ekspresivna kompozicija "Nimfa in Satir". Slike, zamrznjene v gibanju, natančno izražajo plastičnost Človeško telo.

Théodore Gericault je tragično umrl leta 1824 v Parizu, ko se je ponesrečil pri padcu s konja. Njegova zgodnja smrt je bila presenečenje za vse sodobnike slavnega umetnika.

Delo Gericaulta je zaznamovalo novo stopnjo v razvoju slikarstva ne le v Franciji, ampak tudi v svetovni umetnosti - obdobje romantike. V svojih delih mojster premaga vpliv klasičnih tradicij. Njegova dela so nenavadno barvita in odražajo raznolikost naravnega sveta. Z uvajanjem človeških figur v kompozicijo si umetnik prizadeva čim bolj polno in živo razkriti notranje občutke in čustva človeka.

Po Gericaultovi smrti je tradicijo njegove romantične umetnosti prevzel umetnikov mlajši sodobnik E. Delacroix.

Eugene Delacroix

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, slavni francoski umetnik in grafik, naslednik tradicije romantike, ki se je razvila v delu Géricaulta, se je rodil leta 1798. Ne da bi dokončal svoje izobraževanje na cesarskem liceju, je Delacroix leta 1815 vstopil v slavni mojster Guerin. Vendar umetniške metode mladega slikarja niso ustrezale zahtevam učitelja, zato ga po sedmih letih mladenič zapusti.

Delacroix med študijem pri Guerinu veliko časa posveča preučevanju dela Davida in mojstrov renesančnega slikarstva. Za temeljno za razvoj svetovne umetnosti meni, da je kultura antike, katere tradiciji je sledil tudi David. Zato so bili estetski ideali za Delacroixa dela pesnikov in mislecev stare Grčije, med njimi je umetnik še posebej cenil dela Homerja, Horacija in Marka Avrelija.

Prva dela Delacroixa so bila nedokončana platna, kjer je mladi slikar poskušal odražati boj Grkov s Turki. Vendar je umetniku manjkalo spretnosti in izkušenj, da bi ustvaril ekspresivno sliko.

Leta 1822 je Delacroix razstavil svoje delo na pariškem salonu pod naslovom Dante in Vergil. To platno, nenavadno čustveno in svetle barve, v mnogih pogledih spominja na delo Géricaulta "Splav Meduze".

Dve leti kasneje je bila občinstvu Salona predstavljena še ena Delacroixova slika, Masaker na Hiosu. V njem je bil utelešen umetnikov dolgoletni načrt, da prikaže boj Grkov s Turki. Celotna kompozicija slike je sestavljena iz več delov, ki tvorijo ločene skupine ljudi, od katerih ima vsak svoj dramatični konflikt. Na splošno delo daje vtis globoke tragedije. Občutek napetosti in dinamike je okrepljen s kombinacijo gladkih in ostrih linij, ki tvorijo figure likov, kar vodi do spremembe razmerja osebe, ki jo upodablja umetnik. Vendar slika prav zaradi tega dobi realistični značaj in življenjsko verodostojnost.

Ustvarjalna metoda Delacroixa, v celoti izražena v "Masakru na Chiosu", je daleč od klasičnega sloga, ki je bil takrat sprejet v uradnih krogih Francije in med predstavniki likovne umetnosti. Zato je bila slika mladega umetnika v Salonu deležna ostrih kritik.

Kljub neuspehu slikar ostaja zvest svojemu idealu. Leta 1827 se je pojavilo še eno delo, posvečeno temi boja grškega ljudstva za neodvisnost - "Grčija na ruševinah Missolonghija". Podoba odločne in ponosne Grkinje, upodobljena na platnu, tu pooseblja nepremagano Grčijo.

Leta 1827 je Delacroix izvedel dve deli, ki sta odražali mojstrovo ustvarjalno iskanje na področju sredstev in metod umetniški izraz. To sta platnu "Sardanapalova smrt" in "Marino Faliero". Na prvem od njih se tragedija situacije prenaša v gibanju človeških figur. Le podoba samega Sardanapala je tukaj statična in umirjena. V kompoziciji "Marino Faliero" je dinamična le figura glavnega junaka. Zdelo se je, da so preostali junaki zmrznili od groze ob misli, kaj se bo zgodilo.

V 20. letih. 19. stoletje Delacroix je izvedel številna dela, katerih zapleti so bili vzeti iz znanih literarnih del. Leta 1825 je umetnik obiskal Anglijo, rojstni kraj Williama Shakespeara. Istega leta je pod vtisom tega potovanja in tragedije slavnega dramatika Delacroixa nastala litografija "Macbeth". V obdobju od 1827 do 1828 je ustvaril litografijo "Faust", posvečeno istoimenskemu delu Goetheja.

V zvezi z dogodki, ki so se zgodili v Franciji leta 1830, je Delacroix izvedel sliko "Svoboda, ki vodi ljudi". Revolucionarna Francija je predstavljena v podobi mlade, močne ženske, oblastne, odločne in neodvisne, ki drzno vodi množico, v kateri izstopajo figure delavke, študentke, ranjenega vojaka, pariškega gamena (podoba, ki je predvidevala Gavroche, ki se je kasneje pojavil v Les Misérables V. Hugoja).

To delo se je opazno razlikovalo od podobnih del drugih umetnikov, ki jih je zanimal le resničen prenos dogodka. Za platna, ki jih je ustvaril Delacroix, je bil značilen visok herojski patos. Slike tukaj so posplošeni simboli svobode in neodvisnosti Francozov.

S prihodom meščanskega kralja Ludvika Filipa na oblast junaštva in vzvišenih čustev, ki jih je pridigal Delacroix, ni bilo mesta v moderno življenje. Leta 1831 je umetnik potoval po afriških državah. Potoval je v Tanger, Meknes, Oran in Alžir. Istočasno Delacroix obišče Španijo. Življenje vzhoda umetnika dobesedno očara s svojim hitrim tokom. Ustvarja skice, risbe in vrsto akvarelov.

Po obisku Maroka Delacroix slika platna, posvečena vzhodu. Slike, na katerih umetnik prikazuje konjske dirke ali bitko pri Mavrih, so nenavadno dinamične in ekspresivne. V primerjavi z njimi se kompozicija "Alžirke v svojih sobanah", ustvarjena leta 1834, zdi umirjena in statična. Nima tiste hitre dinamike in napetosti, ki sta značilni za več zgodnje delo umetnik. Delacroix se tu pojavi kot mojster barve. Barvna shema, ki jo je slikar uporabil, v celoti odseva svetlo pestrost palete, ki jo gledalec povezuje z barvami vzhoda.

Za platno "Judovska poroka v Maroku", napisano približno leta 1841, je značilna enaka počasnost in odmerjenost.Tukaj je ustvarjeno skrivnostno orientalsko vzdušje, zahvaljujoč umetnikovi natančni predstavitvi izvirnosti nacionalne notranjosti. Kompozicija deluje presenetljivo dinamično: slikar pokaže, kako se ljudje premikajo po stopnicah in vstopajo v prostor. Svetloba, ki vstopa v prostor, naredi sliko realistično in prepričljivo.

Vzhodni motivi so bili še dolgo prisotni v delih Delacroixa. Torej, na razstavi, organizirani v Salonu leta 1847, je bilo od šestih del, ki jih je predstavil, pet posvečenih življenju in življenju Vzhoda.

V 30-40 letih. V 19. stoletju se v delu Delacroixa pojavijo nove teme. V tem času mojster ustvarja dela zgodovinske tematike. Med njimi si posebno pozornost zaslužijo platna "Protest Mirabeauja proti razpustitvi generalnih držav" in "Boissy d'Angles". Skica slednjega, prikazana leta 1831 v Salonu, je svetel vzorec skladbe na temo ljudske vstaje.

Sliki "Bitka pri Poitiersu" (1830) in "Bitka pri Tayburju" (1837) sta posvečeni podobi ljudi. Z vsem realizmom je tu prikazana dinamika bitke, gibanje ljudi, njihov bes, jeza in trpljenje. Umetnik skuša prenesti čustva in strasti človeka, ki ga prevzame želja po zmagi za vsako ceno. Ravno figure ljudi so glavne pri posredovanju dramatičnosti dogodka.

Zelo pogosto v delih Delacroixa sta si zmagovalec in poraženec ostro nasprotna. To je še posebej jasno vidno na platnu "Zajem Konstantinopla s strani križarjev", napisanem leta 1840. V ospredju je prikazana skupina ljudi, ki jih je premagala žalost. Za njimi je čudovita, s svojo lepoto očarljiva pokrajina. Tu so postavljene tudi figure zmagovitih jezdecev, katerih mogočne silhuete so v kontrastu z žalostnimi figurami v ospredju.

"Zavzetje Konstantinopla s strani križarjev" predstavlja Delacroixa kot izjemnega kolorista. Svetle in nasičene barve pa ne okrepijo tragičnega začetka, ki ga izražajo žalostne figure, ki se nahajajo blizu gledalca. Nasprotno, bogata paleta ustvarja občutek počitnic, organiziranih v čast zmagovalcem.

Nič manj barvita je kompozicija "Trajanova pravičnost", ustvarjena istega leta 1840. Umetnikovi sodobniki so to sliko prepoznali kot eno najboljših med vsemi slikarjevimi platnimi. Posebno zanimivo je dejstvo, da mojster med delom eksperimentira na področju barv. Tudi sence od njega dobijo najrazličnejše odtenke. Vse barve kompozicije popolnoma ustrezajo naravi. Pred izvedbo dela so sledila dolga slikarjeva opazovanja sprememb odtenkov v naravi. Umetnik jih je vpisal v svoj dnevnik. Nato so znanstveniki glede na opombe potrdili, da so odkritja Delacroixa na področju tonalnosti popolnoma skladna z doktrino barve, ki se je rodila v tistem času, katere ustanovitelj je E. Chevreul. Poleg tega umetnik primerja svoja odkritja z uporabljeno paleto beneška šola, ki je bila zanj zgled slikarske spretnosti.

Posebno mesto med Delacroixovim slikarstvom zavzemajo portreti. Mojster se je redko obračal na ta žanr. Slikal je samo tiste ljudi, s katerimi se je dolgo poznal, katerih duhovni razvoj je potekal pred umetnikom. Zato so podobe na portretih zelo ekspresivne in globoke. To sta portreta Chopina in George Sand. Platno, posvečeno slavni pisateljici (1834), prikazuje plemenito in voljno žensko, ki navdušuje svoje sodobnike. Chopinov portret, naslikan štiri leta kasneje, leta 1838, predstavlja poetično in duhovno podobo velikega skladatelja.

Zanimiv in nenavadno izrazit portret slavnega violinista in skladatelja Paganinija, ki ga je Delacroix naslikal okoli leta 1831. Paganinijev glasbeni slog je bil v marsičem podoben umetnikovemu slikarskemu načinu. Za Paganinijevo delo sta značilni enak izraz in močna čustvenost, ki sta bili značilni za slikarjeva dela.

Pokrajine zavzemajo majhno mesto v delu Delacroixa. Vendar so se izkazale za zelo pomembne za razvoj francoskega slikarstva v drugi polovici 19. stoletja. Delacroixove krajine zaznamuje želja po natančnem podajanju lahkotnega in izmuzljivega življenja narave. Živa primera tega sta sliki Nebo, kjer je občutek dinamike ustvarjen zaradi snežno belih oblakov, ki lebdijo po nebu, in Morje, vidno z obal Dieppa (1854), v kateri je slikar mojstrsko posreduje drsenje lahkih jadrnic po gladini morja.

Leta 1833 je umetnik prejel naročilo francoskega kralja, da poslika dvorano v palači Bourbon. Delo na ustvarjanju monumentalnega dela je trajalo štiri leta. Slikarja je pri izpolnjevanju naročila vodilo predvsem to, da so bile podobe izjemno preproste in jedrnate, gledalcu razumljive.
Zadnje Delacroixovo delo je bila poslikava kapele svetih angelov v cerkvi Saint-Sulpice v Parizu. Izdelana je bila v obdobju od 1849 do 1861. S svetlimi, bogatimi barvami (roza, svetlo modra, lila, postavljena na pepelnato modro in rumeno-rjavo ozadje) umetnik ustvarja veselo razpoloženje v kompozicijah, ki povzročajo gledalca čutiti navdušeno veselje. Pokrajina, vključena v sliko "Izgon Iliodorja iz templja" kot nekakšno ozadje, vizualno poveča prostor kompozicije in prostore kapele. Po drugi strani, kot da bi želel poudariti izolacijo prostora, Delacroix v kompozicijo uvaja stopnišče in balustrado. Številke ljudi, postavljene za njim, se zdijo skoraj ravne silhuete.

Eugene Delacroix je umrl leta 1863 v Parizu.

Delacroix je bil najbolj izobražen med slikarji prve polovice 19. stoletja. Številne teme njegovih slik so vzete iz literarnih del slavnih mojstrov peresa. Zanimivo dejstvo je, da je umetnik najpogosteje slikal svoje like brez uporabe modela. To je želel naučiti svoje sledilce. Po Delacroixu je slikanje nekaj bolj zapletenega kot primitivno kopiranje linij. Umetnik je verjel, da je umetnost predvsem v sposobnosti izražanja razpoloženja in ustvarjalnega namena mojstra.

Delacroix je avtor več teoretičnih del o vprašanjih barve, metode in sloga umetnika. Ta dela so služila kot svetilnik slikarjem naslednjih generacij, ki so iskale svoje umetniška sredstva uporablja za ustvarjanje kompozicij.

Povzetek izpita

Zadeva: "Romantika kot smer v umetnosti".

Izvedeno učenec 11 "B" razreda srednje šole št. 3

Boiprav Anna

Učitelj svetovne umetnosti

kultura Butsu T.N.

Brest, 2002

1. Uvod

2. Vzroki romantike

3. Glavne značilnosti romantike

4. romantični junak

5. Romantika v Rusiji

a) Literatura

b) Slikanje

c) Glasba

6. Zahodnoevropska romantika

slika

b) Glasba

7. Zaključek

8. Reference

1. UVOD

Če pogledate v Slovar V ruskem jeziku lahko najdete več pomenov besede "romantika": 1. Tečaj v literaturi in umetnosti prve četrtine 19. stoletja, za katerega je značilna idealizacija preteklosti, izolacija od realnosti, kult osebnosti in človeka. . 2. Smer v literaturi in umetnosti, prežeta z optimizmom in željo po izkazovanju žive slike visoki namen človeka. 3. Stanje duha, prežeto z idealizacijo realnosti, zasanjano kontemplacijo.

Kot je razvidno iz definicije, je romantika pojav, ki se ne kaže le v umetnosti, temveč tudi v obnašanju, oblačenju, življenjskem slogu, psihologiji ljudi in se pojavlja v kritičnih trenutkih življenja, zato je tematika romantike aktualna še danes. . Živimo na prelomu stoletja, smo na prehodu. V zvezi s tem v družbi obstaja nevera v prihodnost, nezaupanje v ideale, obstaja želja po pobegu iz okoliške resničnosti v svet lastnih izkušenj in ga hkrati razumeti. Prav te značilnosti so značilne za romantično umetnost. Zato sem za raziskavo izbrala temo »Romantika kot smer v umetnosti«.

Romantika je zelo velika plast različnih vrst umetnosti. Namen mojega dela je izslediti pogoje za nastanek in vzroke za nastanek romantike v različnih državah, raziskati razvoj romantike v umetniških oblikah, kot so literatura, slikarstvo in glasba, ter jih primerjati. Moja glavna naloga je bila izpostaviti glavne značilnosti romantike, značilne za vse vrste umetnosti, ugotoviti, kakšen vpliv je imela romantika na razvoj drugih smeri v umetnosti.

Pri razvoju teme sem uporabil študijski vodniki o umetnosti, avtorji, kot so Filimonova, Vorotnikov in drugi, enciklopedične publikacije, monografije, posvečene različnim avtorjem dobe romantike, biografsko gradivo avtorjev, kot so Aminskaya, Atsarkina, Nekrasova in drugi.

2. RAZLOGI ZA NASTANAK ROMANTIKE

Bližje kot smo sodobnosti, krajšajo se časovni razponi prevlade enega ali drugega stila. Časovno obdobje konec 18. – 1. tretjina 19. stoletja. velja za obdobje romantike (iz francoske romantike; nekaj skrivnostnega, čudnega, neresničnega)

Kaj je vplivalo na nastanek novega sloga?

To so trije glavni dogodki: Veliki francoska revolucija, Napoleonove vojne, vzpon narodnoosvobodilnega gibanja v Evropi.

Grmenje Pariza je odmevalo po vsej Evropi. Geslo "Svoboda, enakost, bratstvo!" je imelo izjemno privlačnost za vse evropske narode. Z nastankom buržoaznih družb je delavski razred začel delovati proti fevdalnemu sistemu kot samostojna sila. Nasprotni boj treh razredov - plemstva, buržoazije in proletariata - je bil osnova zgodovinskega razvoja 19. stoletja.

Usoda Napoleona in njegova vloga v evropski zgodovini sta 2 desetletji, 1796-1815, zasedala misli sodobnikov. "Vladar misli" - o njem je govoril A.S. Puškin.

Za Francijo so bila to leta veličine in slave, čeprav za ceno življenj na tisoče Francozov. Italija je Napoleona videla kot svojega osvoboditelja. Poljaki so si veliko obetali od njega.

Napoleon je deloval kot osvajalec, ki je deloval v interesu francoske buržoazije. Za evropske monarhe ni bil le vojaški nasprotnik, ampak tudi predstavnik tujega sveta buržoazije. Sovražili so ga. Na začetku napoleonskih vojn je bilo v njegovi »veliki vojski« veliko neposrednih udeležencev revolucije.

Fenomenalna je bila tudi osebnost samega Napoleona. Mladenič Lermontov se je odzval na 10. obletnico Napoleonove smrti:

Svetu je tujec. Vse o njem je bilo skrivnost.

Dan vzvišenosti - in padca ure!

Ta skrivnost je še posebej pritegnila pozornost romantikov.

V povezavi z napoleonskimi vojnami in zorenjem narodne samozavesti je za to obdobje značilen razmah narodnoosvobodilnega gibanja. Nemčija, Avstrija, Španija so se borile proti napoleonski okupaciji, Italija - proti avstrijskemu jarmu, Grčija - proti Turčiji, na Poljskem so se borile proti ruskemu carizmu, Irska - proti Britancem.

Pred očmi ene generacije so se zgodile osupljive spremembe.

V Franciji je najbolj zavrelo: burna peta obletnica francoske revolucije, vzpon in padec Robespierra, Napoleonovi pohodi, Napoleonova prva abdikacija, njegova vrnitev z otoka Elba (»sto dni«) in zadnji

poraz pri Waterlooju, mračna 15. obletnica režima obnove, julijska revolucija 1860, februarska revolucija 1848 v Parizu, ki je povzročila revolucionarni val v drugih državah.

V Angliji je zaradi industrijske revolucije v drugi polovici XIX. vzpostavili so se strojna proizvodnja in kapitalistični odnosi. Parlamentarna reforma leta 1832 je buržoaziji odprla pot do državne oblasti.

V nemških in avstrijskih deželah so oblast obdržali fevdalni vladarji. Po padcu Napoleona so ostro obračunali z opozicijo. Toda tudi na nemških tleh je parna lokomotiva, leta 1831 pripeljana iz Anglije, postala dejavnik meščanskega napredka.

Industrijske revolucije, politične revolucije so spremenile podobo Evrope. »Buržoazija je v manj kot sto letih svoje razredne nadvlade ustvarila več številčnih in grandioznih proizvodnih sil kot vse prejšnje generacije skupaj,« sta leta 1848 zapisala nemška učenjaka Marx in Engels.

Velika francoska revolucija (1789-1794) je torej pomenila poseben mejnik, ki ločuje novo dobo od dobe razsvetljenstva. Spremenile so se ne le oblike države, družbena struktura družbe, razporeditev razredov. Zamajal se je celoten sistem idej, ki so ga osvetljevali stoletja. Razsvetljenci so ideološko pripravljali revolucijo. Niso pa mogli predvideti vseh njenih posledic. »Kraljestvo razuma« se ni zgodilo. Revolucija, ki je razglasila svobodo posameznika, je porodila buržoazni red, duh pridobitništva in sebičnosti. Takšna je bila zgodovinska osnova za razvoj umetniške kulture, ki je postavila novo smer - romantiko.

3. GLAVNE ZNAČILNOSTI ROMANTIKE

Romantika kot metoda in smer v umetniška kultura je bil kompleksen in sporen pojav. V vsaki državi je imel svetel narodni izraz. V literaturi, glasbi, slikarstvu in gledališču ni lahko najti značilnosti, ki združujejo Chateaubrianda in Delacroixa, Mickiewicza in Chopina, Lermontova in Kiprenskega.

Romantiki so zasedli različne javne in politične položaje v družbi. Vsi so se uprli izidu buržoazna revolucija, upirali pa so se na različne načine, saj je imel vsak svoj ideal. Toda ob vseh številnih obrazih in raznolikosti ima romantika stabilne lastnosti.

Razočaranje v sodobnem času je povzročilo posebno zanimanje za preteklost: do predmeščanskih družbenih formacij, do patriarhalne antike. Za mnoge romantike je bila značilna misel, da je slikovita eksotika južnih in vzhodnih držav - Italije, Španije, Grčije, Turčije - poetično nasprotje dolgočasnemu meščanskemu vsakdanu. V teh državah, takrat še malo prizadetih od civilizacije, so romantiki iskali svetle, močni značaji, izviren, barvit življenjski slog. Zanimanje za nacionalno preteklost je povzročilo množico zgodovinskih del.

V želji, da bi se nekako dvignili nad prozo bivanja, da bi osvobodili raznolike zmožnosti posameznika, da bi se navsezadnje samouresničil v ustvarjalnosti, so romantiki nasprotovali formalizaciji umetnosti ter za klasicizem značilnemu premočrtnemu in preudarnemu pristopu k njej. Vsi so prišli iz zanikanje razsvetljenstva in racionalističnih kanonov klasicizma, ki je oklevala ustvarjalno pobudo umetnika.In če klasicizem vse deli po ravni črti, na dobro in slabo, na črno in belo, potem romantika ničesar ne deli po ravni črti. Klasicizem je sistem, romantika pa ne. Romantika je popeljala napredek sodobnega časa od klasicizma do sentimentalizma, ki prikazuje notranje življenje človeka v sozvočju z ogromnim svetom. In romantika nasproti notranji svet harmonija. Z romantiko se začne pojavljati pravi psihologizem.

Glavna naloga romantike je bila podoba notranjega sveta , duševno življenje, in to bi lahko storili na materialu zgodb, mistike itd. Treba je bilo pokazati paradoksalnost tega notranjega življenja, njegovo iracionalnost.

Romantiki so v svoji domišljiji preoblikovali neprivlačno realnost ali se podali v svet svojih izkušenj. Razkorak med sanjami in resničnostjo, nasprotje lepe fikcije objektivni resničnosti je bil v središču celotnega romantičnega gibanja.

Romantika prvič postavlja problem umetniškega jezika. »Umetnost je jezik zelo drugačne vrste kot narava; vendar vsebuje tudi isto čudežno moč, ki prav tako prikrito in nerazumljivo vpliva na človeško dušo «(Wackenroder in Tieck). Umetnik je razlagalec govorice narave, posrednik med svetom duha in ljudmi. »Zahvaljujoč umetnikom se človeštvo pojavi kot celovita individualnost. Umetniki skozi sodobnost združujejo svet preteklosti s svetom prihodnosti. So najvišji duhovni organ, v katerem se srečajo življenjske sile njihove zunanje človeškosti in kjer se najprej manifestira notranja človečnost« (F. Schlegel).

Vendar pa romantika ni bila homogena smer: njen ideološki razvoj je šel v različne smeri. Med romantiki so bili reakcionarni pisci, privrženci starega režima, ki so opevali fevdalno monarhijo in krščanstvo. Po drugi strani pa so romantiki z naprednim pogledom izrazili demokratični protest proti fevdalnemu in vsem vrstam zatiranja, utelešali revolucionarni impulz ljudi za boljšo prihodnost.

Romantika je v svetovni umetniški kulturi pustila celo dobo, njeni predstavniki so bili: v literaturi V. Scott, J. Byron, Shelley, V. Hugo, A. Mickiewicz in drugi; v likovni umetnosti E. Delacroix, T. Gericault, F. Runge, J. Constable, W. Turner, O. Kiprensky in drugi; v glasbi F. Schuberta, R. Wagnerja, G. Berlioza, N. Paganinija, F. Liszta, F. Chopina idr.. Odkrivali in razvijali so nove žanre, posvečali veliko pozornosti usodi človekove osebnosti, razkrivali dialektika dobrega in zla, mojstrsko razkrite človeške strasti itd.

Umetniške oblike so se bolj ali manj izenačile v pomenu in ustvarile veličastne umetnine, čeprav so romantiki na lestvici umetnosti dajali glasbi prednost.

4. ROMANTIČNI JUNAK

Kdo je romantični junak in kakšen je?

To je individualist. Superčlovek, ki je preživel dve stopnji: pred trkom z realnostjo živi v 'rožnatem' stanju, obseda ga želja po dosežkih, spreminjanju sveta; po trku z realnostjo se mu ta svet še naprej zdi vulgaren in dolgočasen, vendar ne postane skeptik, pesimist. Z jasnim razumevanjem, da se ničesar ne da spremeniti, se želja po podvigu sprevrže v željo po nevarnosti.

Romantiki bi lahko dali večno trajna vrednost vsaka malenkost, vsako konkretno dejstvo, vse posamezno. Joseph de Maistre jo imenuje "poti Providence", Germaine de Stael - "rodovitno naročje nesmrtnega vesolja." Chateaubriand v »Geniju krščanstva« v knjigi, posvečeni zgodovini, neposredno pokaže na Boga kot začetek zgodovinskega časa. Družba se kaže kot neomajna vez, »nit življenja, ki nas povezuje z našimi predniki in ki jo moramo razširiti na naše potomce«. Samo srce človeka, ne njegov razum, lahko razume in sliši glas Stvarnika skozi lepoto narave, skozi globoka čustva. Narava je božanska, je vir harmonije in ustvarjalnih sil, njene metafore romantiki pogosto prenašajo v politični leksikon. Za romantike drevo postane simbol prijaznosti, spontanega razvoja, zaznavanja sokov. domovina, simbol narodne enotnosti. Bolj kot je človek nedolžna in občutljiva, lažje sliši Božji glas. Otrok, ženska, plemenita mladost pogosteje kot drugi vidijo nesmrtnost duše in vrednost večnega življenja. Žeja romantikov po blaženosti ni omejena na idealistično željo po Božjem kraljestvu po smrti.

Človek poleg mistične ljubezni do Boga potrebuje pravo, zemeljsko ljubezen. Ker ni mogel posedovati predmeta svoje strasti, je romantični junak postal večni mučenik, obsojen na čakanje na srečanje z ljubljeno v onostranstvu, "kajti velika ljubezen je vredna nesmrtnosti, ko je človeka stala življenja."

Posebno mesto v delu romantikov zavzema problem razvoja in izobraževanja posameznika. Otroštvo je brez zakonov, njegovi trenutni vzgibi kršijo javno moralo in se držijo lastnih pravil otroške igre. Pri odraslem podobne reakcije vodijo v smrt, v obsodbo duše. V iskanju nebeškega kraljestva mora človek razumeti zakone dolžnosti in morale, šele potem lahko upa na večno življenje. Ker romantikom dolžnost narekuje želja po večnem življenju, daje izpolnitev dolžnosti osebno srečo v njeni najgloblji in najmočnejši manifestaciji. Moralni dolžnosti je dodana dolžnost globokih čustev in vzvišenih interesov. Ne da bi mešali zasluge različnih spolov, romantiki zagovarjajo enakost duhovnega razvoja moških in žensk. Na enak način ljubezen do Boga in njegovih ustanov narekuje državljansko dolžnost. Osebno prizadevanje najde svojo dopolnitev v skupni stvari, v prizadevanju vsega naroda, vsega človeštva, vsega sveta.

Vsaka kultura ima svojega romantičnega junaka, a Byron je v svojem delu Charld Harold podal tipično predstavitev romantičnega junaka. Nadel si je masko svojega junaka (pravi, da med junakom in avtorjem ni razdalje) in uspel slediti romantičnemu kanonu.

Za vsa romantična dela so značilne značilnosti:

Prvič, v vsakem romantičnem delu med junakom in avtorjem ni razdalje.

Drugič, avtor junaka ne sodi, ampak tudi če se o njem reče kaj slabega, je zaplet zgrajen tako, da junak ni kriv. Zaplet v romantičnem delu je običajno romantičen. Romantiki tudi do narave gradijo poseben odnos, radi imajo nevihte, nevihte, kataklizme.

5. ROMANTIKA V RUSIJI.

Romantika v Rusiji se je od zahodnoevropske razlikovala po drugačnem zgodovinskem okolju in drugačni kulturni tradiciji. Francoske revolucije ne moremo šteti med vzroke za njen nastanek, zelo ozek krog ljudi je upal na spremembe v njenem poteku. In rezultati revolucije so bili popolnoma razočarani. Vprašanje kapitalizma v Rusiji na začetku 19. stoletja. ni stal. Zato tega razloga ni bilo. Pravi razlog je bila domovinska vojna leta 1812, v kateri se je pokazala vsa moč ljudske iniciative. Po vojni pa ljudje niso dobili volje. Najboljše plemstvo, nezadovoljno z realnostjo, je decembra 1825 odšlo na Senatni trg. To dejanje je pustilo pečat tudi na ustvarjalni inteligenci. Burna povojna leta so postala okolje, v katerem se je oblikovala ruska romantika.

Romantika, še več, naša, ruska, se je razvila in oblikovala v naše prvotne oblike, romantika ni bila preprost literarni, ampak življenjski pojav, celo obdobje moralnega razvoja, obdobje, ki je imelo svojo posebno barvo, izvajalo posebno pogled v življenje ... Naj romantična smer prihaja od zunaj, iz zahodnega življenja in zahodne literature, je v ruski naravi našla tla, pripravljena za njeno dojemanje, in se je zato odrazila v povsem izvirnih pojavih, kot je pesnik in kritik Apollon Grigoriev ocenil - gre za edinstven kulturni pojav, njegova karakterizacija pa kaže na bistveno kompleksnost romantike, iz katere nedra je izšel mladi Gogolj in s katero je bil povezan ne le na začetku svoje pisateljske kariere, ampak vse življenje.

Apollon Grigoriev je natančno določil naravo vpliva romantične šole na literaturo in življenje, vključno s prozo tistega časa: ne preprost vpliv ali izposoja, temveč značilen in močan življenjski in literarni trend, ki je dal povsem izvirne pojave v mladi ruski literaturi.

a) Literatura

Rusko romantiko običajno delimo na več obdobij: začetno (1801-1815), zrelo (1815-1825) in obdobje podecembrističnega razvoja. Vendar pa je v primerjavi z začetnim obdobjem konvencionalnost te sheme presenetljiva. Začetek ruske romantike je namreč povezan z imeni Žukovskega in Batjuškova, pesnikov, katerih delo in pogled na svet je težko postaviti ob bok in primerjati v istem obdobju, tako različni so njuni cilji, stremljenja in temperamenti. V pesmih obeh pesnikov je še vedno čutiti oblastni vpliv preteklosti, dobe sentimentalizma, a če je Žukovski še vedno globoko zakoreninjen v njem, potem je Batjuškov veliko bližje novim trendom.

Belinsky je upravičeno opazil, da je za delo Žukovskega značilna "pritožba o nepopolnih upanjih, ki nimajo imena, žalost za izgubljeno srečo, ki bog ve, iz česa je bila sestavljena." Dejansko je v osebi Žukovskega romantika še delala svoje prve sramežljive korake, dajala davek sentimentalnemu in melanholičnemu hrepenenju, nejasnemu, komaj opaznemu hrepenenju srca, z eno besedo, tistemu kompleksnemu nizu občutkov, ki so bili v ruski kritiki imenovan "srednjeveška romantika".

V poeziji Batjuškova vlada popolnoma drugačno vzdušje: veselje do bivanja, odkrita čutnost, hvalnica užitku.

Žukovski upravičeno velja za vidnega predstavnika ruskega estetskega humanizma. Tuj do močnih strasti, samozadovoljen in krotek Žukovski je bil pod opaznim vplivom idej Rousseauja in nemških romantikov. Po njih je dal velik pomen estetska plat v veri, morali, družbenih odnosih. Umetnost je od Žukovskega dobila religiozni pomen, v umetnosti je skušal videti »razodetje« višjih resnic, zanj je bila »sveta«. Za nemške romantike je značilno istovetenje poezije in vere. Enako najdemo pri Žukovskem, ki je zapisal: »Poezija je Bog v svetih sanjah zemlje«. V nemški romantiki mu je bila še posebej blizu privlačnost do vsega onstranskega, do »nočne strani duše«, do »neizrekljivega« v naravi in ​​človeku. Narava v poeziji Žukovskega je obdana s skrivnostjo, njegove pokrajine so duhovite in skoraj neresnične, kot odsevi v vodi:

Kako se kadilo zliva s hladom rastlin!

Kako sladko je v tišini ob obali brizganja curkov!

Kako tih je veter marshmallows na vodah

In gibka vrba plapola!

Zdi se, da občutljiva, nežna in sanjava duša Žukovskega sladko zamrzne na pragu "te skrivnostne svetlobe". pesnik, avtor primeren izraz Belinski, »ljubi in golobi svoje trpljenje«, vendar to trpljenje ne zabode njegovega srca s hudimi ranami, kajti tudi v tesnobi in žalosti je njegovo notranje življenje tiho in spokojno. Zato, ko v sporočilu Batjuškovu, »sinu blaženosti in zabave«, imenuje epikurejskega pesnika »sorodnika muze«, je težko verjeti v to razmerje. Prej verjamemo vrlemu Žukovskemu, ki pevcu zemeljskih užitkov prijazno svetuje: »Zavrni poželjivost, sanje so usodne!«

Batjuškov je v vsem nasprotje Žukovskega. Bil je človek močnih strasti, njegovo ustvarjalno življenje pa se je prekinilo 35 let prej kot njegov fizični obstoj: kot zelo mlad se je potopil v brezno norosti. Z enako močjo in strastjo se je posvečal tako veselju kot žalosti: tako v življenju kot v njegovem pesniškem razumevanju mu je bila - za razliko od Žukovskega - tuja "zlata sredina". Čeprav je za njegovo poezijo značilna tudi hvalnica čistemu prijateljstvu, veselju »skromnega kota«, pa njegova idila nikakor ni skromna in tiha, saj si je Batjuškov ne more predstavljati brez medle blaženosti strastnih užitkov in opitosti z življenjem. Včasih pesnika tako prevzamejo čutne radosti, da je pripravljen nepremišljeno zavrniti zatiralno modrost znanosti:

Ali je v resnicah žalostno

Mračni stoiki in dolgočasni modreci,

Sedi v pogrebnih oblekah,

Med ruševinami in krstami

Bomo našli sladkost svojega življenja?

Iz njih vidim veselje

Leti kot metulj iz trnovega grmovja.

Za njih ni čara v čarih narave,

Dekleta jim ne pojejo, prepletajo se v okroglih plesih;

Za njih, kot za slepe,

Pomlad brez veselja in poletje brez rož.

V njegovih pesmih redko zveni prava tragedija. Šele ob koncu njegovega ustvarjalnega življenja, ko je začel kazati znake duševne bolezni, je bila po nareku posneta ena njegovih zadnjih pesmi, v kateri jasno zvenijo motivi nesmiselnosti zemeljskega bivanja:

Se spomniš, kaj si rekel

Se poslavljaš od življenja, sivolasi Melkizedek?

Človek se je rodil kot suženj

Bom ležal kot suženj v grobu,

In smrt mu bo težko povedala

Zakaj je hodil skozi dolino čudovitih solz,

Trpel, jokal, trpel,

V Rusiji se je romantika kot literarni trend razvila v dvajsetih letih devetnajstega stoletja. Njegov izvor so bili pesniki, prozaisti, pisatelji in ustvarili so rusko romantiko, ki se je od "zahodnoevropske" razlikovala po svojem nacionalnem, izvirnem značaju. Rusko romantiko so razvili pesniki prve polovice devetnajstega stoletja in vsak pesnik je prinesel nekaj novega. Ruska romantika je bila široko razvita, pridobila je značilne lastnosti in postala samostojna smer v literaturi. V "Ruslan in Lyudmila" A.S. Puškina so vrstice: "Tam je ruski duh, tam diši po Rusiji." Enako lahko rečemo o ruski romantiki. Junaki romantičnih del so pesniške duše, ki stremijo k »visokemu« in lepemu. Toda obstaja sovražni svet, ki vam ne dovoli občutiti svobode, zaradi česar so te duše nerazumljive. Ta svet je tako grob pesniška duša teče k drugemu, kjer je ideal, stremi k »večnemu«. Na tem konfliktu temelji romantika. Toda pesniki so se na to situacijo odzvali različno. Žukovski, Puškin, Lermontov, izhajajoč iz ene stvari, na različne načine gradijo odnos svojih junakov in sveta okoli njih, zato so njihovi junaki imeli različne poti do ideala.

Resničnost je strašna, nesramna, predrzna in sebična, v njej ni prostora za občutke, sanje in želje pesnika, njegovih junakov. »Pravi« in večni – na onem svetu. Od tod koncept dveh svetov, pesnik stremi k enemu od teh svetov v iskanju ideala.

Položaj Žukovskega ni bil položaj osebe, ki je stopila v boj z zunanjim svetom, ki ga je izzival. Bila je pot skozi enost z naravo, pot harmonije z naravo, v večen in lep svet. Žukovski, po mnenju mnogih raziskovalcev (vključno z Yu.V. Mannom), izraža svoje razumevanje tega procesa enotnosti v Neizrekljivem. Enotnost je letenje duše. Lepota, ki te obdaja, napolni tvojo dušo, je v tebi in ti si v njej, duša leti, ne obstaja ne čas ne prostor, ampak obstajaš v naravi in ​​v tem trenutku živiš, hočeš peti o tej lepoti , vendar ni besed, ki bi izrazile vaše stanje, obstaja le občutek harmonije. Ne motijo ​​vas ljudje okoli vas, prozaične duše, več vam je odprto, svobodni ste.

Puškin in Lermontov sta se tega problema romantike lotila drugače. Nobenega dvoma ni, da se vpliv Žukovskega na Puškina ni mogel odraziti v delu slednjega. Za zgodnja ustvarjalnost Za Puškina je značilna »civilna« romantika. Pod vplivom "Pevca v taboru ruskih bojevnikov" Žukovskega in del Gribojedova Puškin napiše odo "Svobodi", "Čadajevu". V slednjem kliče:

"Prijatelj moj! Posvetimo svoje duše domovini s čudovitimi vzgibi ...". To je ista želja po idealu, kot jo je imel Žukovski, samo Puškin ideal razume na svoj način, zato je pot do ideala za pesnika drugačna. K idealu noče in ne more težiti sam, pesnik ga kliče. Puškin je na realnost in ideal gledal drugače. Temu ne morete reči upor, to je refleksija uporniških elementov. To se je odražalo v odi "Morje". To je moč in moč morja, morje je svobodno, doseglo je svoj ideal. Tudi človek mora postati svoboden, njegov duh mora biti svoboden.

Iskanje ideala je glavna značilnost romantike. To se je pokazalo v delu Žukovskega, Puškina in Lermontova. Vsi trije pesniki so iskali svobodo, a so jo iskali na različne načine, razumeli so jo različno. Žukovski je iskal svobodo, ki jo je poslal "stvarnik". Ko človek najde harmonijo, postane svoboden. Za Puškina je bila pomembna svoboda duha, ki bi se morala manifestirati v človeku. Za Lermontova je svoboden samo uporniški junak. Upor za svobodo, kaj je lahko lepšega? Ta odnos do ideala se je ohranil v ljubezenskih besedilih pesnikov. Po mojem mnenju je to razmerje posledica časa. Čeprav so vsi delovali skoraj v istem obdobju, je bil čas njihovega delovanja različen, dogodki so se razvijali z izjemno hitrostjo. Na njun odnos so močno vplivali tudi liki pesnikov. Umirjeni Žukovski in uporniški Lermontov sta si popolnoma nasprotna. Toda ruska romantika se je razvila prav zato, ker so bile narave teh pesnikov drugačne. Predstavili so nove koncepte, nove like, nove ideale, dali popolno sliko o tem, kaj je svoboda, kaj je pravo življenje. Vsak od njih predstavlja svojo pot do ideala, to je pravica izbire vsakega posameznika.

Že sam pojav romantike je bil zelo moteč. Človeška individualnost je zdaj stala v središču vsega sveta. Človeški "jaz" se je začel razlagati kot osnova in smisel vsega obstoja. Na človeško življenje so začeli gledati kot umetnina, umetnost. Romantika je bila v 19. stoletju zelo razširjena. Toda vsi pesniki, ki so se imenovali romantiki, niso prenesli bistva tega trenda.

Zdaj, ob koncu 20. stoletja, lahko romantike prejšnjega stoletja na tej podlagi že razvrstimo v dve skupini. Ena in verjetno najobsežnejša skupina je tista, ki je združevala »formalne« romantike. Težko jih je sumiti neiskrenosti, nasprotno, zelo natančno izražajo svoja čustva. Med njimi sta Dmitrij Venevitinov (1805-1827) in Aleksander Poležajev (1804-1838). Ti pesniki so uporabljali romantično obliko, saj so jo imeli za najprimernejšo za dosego svojega umetniškega cilja. Torej, D. Venevitinov piše:

Čutim, da gori v meni

Sveti plamen navdiha

Toda duh se dviga proti temnemu cilju ...

Ali bom našel zanesljivo pečino,

Kje lahko spočijem svojo trdno nogo?

To je tipična romantična pesem. Uporablja tradicionalno romantično besedišče - to je tako "plamen navdiha" kot "visoč duh". Tako pesnik opisuje svoje občutke. Ampak nič več. Pesnik je vezan na okvir romantike, njen »besedni videz«. Vse je poenostavljeno na nekaj štampiljk.

Predstavniki druge skupine romantikov 19. stoletja so bili seveda A. S. Puškin in M. Lermontov. Ti pesniki so, nasprotno, romantično obliko napolnili s svojo vsebino. Romantično obdobje v življenju A. Puškina je bilo kratko, zato ima malo romantičnih del. "Kavkaški ujetnik" (1820-1821) je ena najzgodnejših romantičnih pesmi A.S. Puškin. Pred nami je klasična različica romantičnega dela. Avtor nam ne poda portreta svojega junaka, ne izvemo niti njegovega imena. In to ni presenetljivo - vsi romantični junaki so si podobni. Mlade so, lepe ... in nesrečne. Zaplet dela je tudi klasično romantičen. Ruski ujetnik pri Čerkezih, mlada Čerkezijka se zaljubi vanj in mu pomaga pobegniti. Drugega pa brezupno ljubi ... Pesem se konča tragično - Čerkezinja se vrže v vodo in umre, Rus, osvobojen "telesne" ujetosti, pade v drugo, bolj bolečo ujetost - ujetost duše. Kaj vemo o junakovi preteklosti?

V Rusijo vodi dolga pot...

.....................................

Kjer je sprejel strašno trpljenje,

Kjer je burno življenje uničeno

Upanje, veselje in želja.

Je prišel v stepo iskat svobodo, poskušal pobegniti iz svojega prejšnje življenje. In zdaj, ko se je sreča zdela tako blizu, je spet moral teči. Ampak kje? Nazaj v svet, kjer je »sprejel strašno trpljenje«.

Odpadnik svetlobe, prijatelj narave,

Zapustil je domovino

In odletel v daljno deželo

Z veselim duhom svobode.

Toda »duh svobode« je ostal le duh. Za vedno bo preganjal romantičnega junaka. Druga romantična pesem je "Cigani". V njem avtor bralcu spet ne poda portreta junaka, poznamo le njegovo ime - Aleko. Prišel je v taborišče, da bi spoznal pravi užitek, pravo svobodo. Zaradi nje je zapustil vse, kar ga je obdajalo. Je bil svoboden in srečen? Zdi se, da Aleko ljubi, toda s tem občutkom mu prideta le nesreča in prezir. Aleko, ki je tako hrepenel po svobodi, ni mogel prepoznati volje v drugem človeku. V tej pesmi se je pokazala še ena izjemno značilna lastnost pogleda na svet romantičnega junaka - sebičnost in popolna nezdružljivost z zunanjim svetom. Aleko ni kaznovan s smrtjo, ampak še huje - z osamljenostjo in debato. Bil je sam v svetu, iz katerega je bežal, a v drugem, tako zaželenem, je spet ostal sam.

Preden je napisal Kavkaškega ujetnika, je Puškin nekoč rekel: »Nisem primeren za junaka romantične pesmi«; vendar je istočasno, leta 1820, Puškin napisal svojo pesem "Lut dneva je ugasnila ...". V njem lahko najdete vse besedišče, ki je značilno za romantiko. To je "oddaljena obala", "mračen ocean" in "navdušenje in hrepenenje", ki mučijo avtorja. Refren teče skozi celotno pesem:

Valuj pod menoj, mračni ocean.

Prisoten je ne le v opisu narave, ampak tudi v opisu občutkov junaka.

... Toda nekdanje srčne rane,

Globoke rane ljubezni, nič zaceljene ...

Hrup, hrup, poslušno jadro,

Skrbi pod menoj, mračni ocean ...

To pomeni, da narava postane drug lik, še en lirični junak pesmi. Kasneje, leta 1824, je Puškin napisal pesem "K morju". Romantični junak v njem, tako kot v "Luč dneva je ugasnila ...", je spet postal avtor sam. Tukaj Puškin omenja morje kot tradicionalni simbol svobode. Morje je element, ki pomeni svobodo in srečo. Vendar Puškin to pesem zgradi nepričakovano:

Čakal si, klical si ... Bil sem priklenjen;

Tu se mi je raztrgala duša:

Očaran z mogočno strastjo,

ostal sem na obali...

Lahko rečemo, da ta pesem zaključuje romantično obdobje Puškinovega življenja. Piše jo človek, ki ve, da romantični junak po doseženi tako imenovani "fizični" svobodi ne postane srečen.

V gozdovih, v puščavah je tišina

Prenesla bom, polna tebe,

Vaše skale, vaši zalivi...

V tem času Puškin pride do zaključka, da resnična svoboda lahko obstaja le v človeku in le ta ga lahko resnično osreči.

Različico Byronove romantike je živel in čutil v svojem delu prvi v ruski kulturi Puškin, nato Lermontov. Puškin je imel dar, da je bil pozoren na ljudi, vendar je najbolj romantična izmed romantičnih pesmi v delu velikega pesnika in prozaista nedvomno Bakhchisarai Fountain.

Pesem "Vodnjak Bakhchisaray" še vedno samo nadaljuje Puškinovo iskanje v žanru romantične pesmi. In gotovo je, da je smrt velikega ruskega pisatelja to preprečila.

Romantična tema v Puškinovem delu je dobila dve različni možnosti: obstaja junaški romantični junak ("ujetnik", "ropar", "begunec"), ki ga odlikuje močna volja, ki je šel skozi kruto preizkušnjo silovitih strasti, in trpeči junak, v katerem so subtilna čustvena doživetja nezdružljiva s surovostjo zunanjega sveta (»izgnanec«, »jetnik«). Pasivni začetek v romantičnem značaju je zdaj dobil pri Puškinu žensko preobleko. Bahčisarajski vodnjak razvija natanko ta vidik romantičnega junaka.

V "Kavkaškem ujetniku" je bila vsa pozornost namenjena "ujetniku" in zelo malo "Čerkezu", zdaj pa ravno nasprotno - Khan Girey ni nič drugega kot nedramatičen lik in res je glavni lik ženska, celo dve - Zarema in Maria. Rešitev dvojnosti junaka, ki jo najdemo v prejšnjih pesmih (skozi podobo vklenjenih bratov), ​​Puškin uporablja tudi tukaj: pasivni začetek je prikazan v soočenju dveh likov - ljubosumnega, strastno zaljubljenega Zareme in žalostnega , izgubil upanje in ljubezen Marijo. Oba sta dve nasprotujoči si strasti. romantična narava: razočaranje, malodušje, brezup in hkrati duhovni žar, intenzivnost občutkov; protislovje se v pesmi razreši tragično - tudi Zaremi Marijina smrt ni prinesla sreče, saj ju povezujejo skrivnostne vezi. Tako je v The Robber Brothers smrt enega od bratov za vedno zasenčila življenje drugega.

Vendar je B. V. Tomashevsky pravilno ugotovil, da je »lirična izolacija pesmi določila tudi nekaj pomanjkljivosti vsebine ... Moralna zmaga nad Zaremo ne vodi do nadaljnjih zaključkov in razmišljanj ... »Kavkaški ujetnik« ima jasno nadaljevanje v Puškinovo delo: tako Aleko kot Evgenij Onjegin dopuščata ... vprašanja, zastavljena v prvi južni pesmi. "Vodnjak Bakhchisarai" nima takega nadaljevanja ... "

Puškin je otipal in identificiral najbolj ranljivo mesto v človekovem romantičnem položaju: vse hoče samo zase.

Lermontova pesem "Mtsyri" tudi ne odraža v celoti značilnosti romantika.

Ta pesem ima dva romantični junak, torej, če je to romantična pesem, potem je zelo svojevrstna: prvič, drugega junaka avtor posreduje skozi epigraf; drugič, avtor se ne povezuje z Mtsyrijem, junak rešuje problem samovolje na svoj način, Lermontov pa skozi pesem samo razmišlja o rešitvi tega problema. Svojega junaka ne obsoja, a ga tudi ne opravičuje, ampak zavzame določeno stališče – ​​razumevanje. Izkazalo se je, da se romantika v ruski kulturi spreminja v refleksijo. Izkazalo se je, da je romantika v smislu realizma.

Lahko rečemo, da Puškinu in Lermontovu ni uspelo postati romantika (čeprav je Lermontov nekoč uspel upoštevati romantične zakone - v drami "Maškarada"). Pesniki so s svojimi poskusi pokazali, da je v Angliji položaj individualista lahko ploden, v Rusiji pa ne. Čeprav Puškin in Lermontov nista postala romantika, sta tlakovala pot razvoju realizma. Leta 1825 je bilo objavljeno prvo realistično delo: "Boris Godunov", nato "Kapitanova hči", "Evgenij Onjegin", "Junak našega časa" in mnoga druga.

b) Slikanje

V likovni umetnosti se je romantika najjasneje pokazala v slikarstvu in grafiki, manj izrazito v kiparstvu in arhitekturi. Izjemni predstavniki romantika v upodabljajočih umetnostih so bili ruski romantični slikarji. V svojih platnih so izražali duh ljubezni do svobode, aktivno delovanje, strastno in temperamentno nagovarjali k manifestaciji humanizma. Vsakdanja platna ruskih slikarjev odlikujejo relevantnost in psihologizem, izraz brez primere. Produhovljene, melanholične pokrajine so spet isti poskus romantikov, da prodrejo v človeški svet, da pokažejo, kako človek živi in ​​sanja v sublunarnem svetu. Rusko romantično slikarstvo se je razlikovalo od tujega. To so določile zgodovinske razmere in tradicija.

Značilnosti ruskega romantičnega slikarstva:

Razsvetljenska ideologija je oslabela, ni pa propadla kot v Evropi. Zato romantika ni bila izrazita.

Romantika se je razvijala vzporedno s klasicizmom in se z njim pogosto prepletala.

Akademsko slikarstvo v Rusiji še ni izčrpano.

Romantika v Rusiji ni bila stabilen pojav, romantike je vlekel akademizem. Do sredine XIX stoletja. romantična tradicija je skoraj zamrla.

Dela, povezana z romantiko, so se v Rusiji začela pojavljati že v 1790-ih (dela Feodosija Janenka "Popotniki, ujeti v nevihti" (1796), "Avtoportret v čeladi" (1792). V njih je očiten prototip - Salvator Rosa, zelo priljubljena na prelomu 18. in 19. stoletja. Kasneje bo vpliv tega protoromantičnega umetnika opazen v delu Aleksandra Orlovskega. Roparji, prizori ob ognju, bitke so spremljali celotno njegovo delo. kreativen način. Tako kot v drugih državah so umetniki ruske romantike vnesli povsem novo čustveno razpoloženje v klasične žanre portreta, krajine in žanrskih prizorov.

V Rusiji se je romantika začela manifestirati najprej v portretno slikarstvo . V prvi tretjini 19. stoletja je večinoma izgubila stik z visoko aristokracijo. Pomembno mesto so začeli zavzemati portreti pesnikov, umetnikov, mecenov umetnosti, podobe navadnih kmetov. Ta trend je bil še posebej izrazit v delu O.A. Kiprenski (1782 - 1836) in V.A. Tropinin (1776 - 1857).

Vasilij Andrejevič Tropinin si je prizadeval za živahno, sproščeno karakterizacijo osebe, izraženo skozi njen portret. Portret sina (1818), "Portret A. S. Puškina" (1827), "Avtoportret" (1846) presenetijo ne s portretno podobnostjo z izvirniki, temveč z nenavadno subtilnim prodorom v notranji svet osebe.

Portret sina- Arsenia Tropinina je eden najboljših v mojstrskem delu. Izjemne, mehke zlate barve, ki spominjajo na valersko slikarstvo XVIII. Toda v primerjavi s tipičnim otroškim portretom v romantiki XVIII. tukaj je osupljiv nepristranski dizajn - ta otrok pozira v zelo majhni meri. Arsenijev pogled drsi mimo gledalca, oblečen je ležerno, vrata so kot po nesreči odprta. Pomanjkanje reprezentativnosti je v izjemni razdrobljenosti kompozicije: glava zapolnjuje skoraj celotno površino platna, podoba je odrezana do samih ključnic, s čimer se dečkov obraz samodejno premakne proti gledalcu.

Nenavadno zanimiva zgodovina nastanka "Puškinov portret". Kot običajno je Tropinin za prvo seznanitev s Puškinom prišel v hišo Sobolevskega na pasjem igrišču, kjer je takrat živel pesnik. Umetnik ga je našel v svoji pisarni, ko se je poigraval s kužki. Hkrati je bilo očitno napisano po prvem vtisu, ki ga je Tropinin tako cenil, majhna skica. Dolgo časa je ostal izven vidnega polja svojih zasledovalcev. Šele skoraj sto let pozneje, do leta 1914, ga je izdal P.M. Shchekotov, ki je zapisal, da od vseh portretov Aleksandra Sergejeviča »najbolj prenaša njegove poteze ... pesnikove modre oči so tukaj napolnjene s posebnim sijajem, obračanje glave je hitro, poteze obraza pa izrazite in mobilne . Nedvomno so tukaj ujete resnične poteze Puškinovega obraza, ki jih posamezno srečamo na enem ali drugem portretu, ki je prišel do nas. Ostaja uganka,« dodaja Ščekotov, »zakaj ta očarljiva skica ni prejela ustrezne pozornosti založnikov in poznavalcev pesnika.« To pojasnjujejo same lastnosti majhne skice: v njej ni bilo niti sijaja barv, niti lepote poteze, niti mojstrsko napisanih "krožišč". In Puškin tukaj ni priljubljena "vitija", ne "genij", ampak predvsem človek. In komajda je mogoče analizirati, zakaj je tako velika človeška vsebina vsebovana v enobarvni sivkastozeleni, olivni lestvici, v naglih, kot da naključnih potezah čopiča skoraj neopisljive etude. Če preberemo v spominu vse Puškinove življenjske in poznejše portrete, se ta študija po moči človeštva lahko postavi le poleg Puškinove figure, ki jo je izklesal sovjetski kipar A. Matveev. Toda to ni bila naloga, ki si jo je zadal Tropinin, to ni bil Puškin, kakršnega je želel videti njegov prijatelj, čeprav je naročil, naj pesnika upodabljajo v preprosti, domači obliki.

Po umetnikovi oceni je bil Puškin "car-pesnik". Bil pa je tudi ljudski pesnik, bil je svoj in vsem blizu. »Podobnost portreta z originalom je osupljiva,« je zapisal Polevoj na koncu, čeprav je opazil pomanjkanje »hitrega pogleda« in »živahnega izraza obraza«, ki Puškina spreminja in oživlja z vsakim novim vtisom. .

V portretu je vse premišljeno in preverjeno do najmanjših podrobnosti, hkrati pa ni ničesar namernega, ničesar, kar bi umetnik uvedel. Tudi prstani, ki krasijo pesnikove prste, so poudarjeni do te mere, da jim je sam Puškin pripisal pomen v življenju. Med slikovitimi razodetji Tropinina Puškinov portret preseneča z zvočnostjo svojega obsega.

Tropininova romantika ima izrazito sentimentalistični izvor. Tropinin je bil začetnik žanra, nekoliko idealiziranega portreta človeka iz ljudstva ("Kipkarica" ​​(1823)). "Tako poznavalci kot nepoznavalci," piše o Svininu "Čipkarica" ​​-- občudovati ob pogledu na to sliko, ki resnično povezuje vse lepote likovne umetnosti: prijetnost čopiča, prava, srečna osvetlitev, barva je čista, naravna, poleg tega ta portret razkriva dušo lepotice in tisto premeten pogled radovednosti, ki ga vrže nekomu, ki je v tistem trenutku vstopil. Njene roke, razgaljene v komolcih, so se ustavile s pogledom, delo je zastalo, vzdih je odletel iz deviških prsi, pokritih z muslinskim šalom - in vse to je upodobljeno s tako resnico in preprostostjo, da je to sliko mogoče zelo zlahka zmotiti. za najuspešnejše delo veličastnih sanj. Sekundarni predmeti, kot sta čipkasta blazina in brisača, so zelo umetniško aranžirani in dokončno izdelani ...”

V začetku 19. stoletja je bil Tver pomembno kulturno središče Rusije. Vsi ugledni ljudje Moskve so bili tukaj na literarnih večerih. Tu se je mladi Orest Kiprenski srečal z A. S. Puškinom, čigar portret, naslikan pozneje, je postal biser svetovne portretne umetnosti, in A. S. Puškin mu bo posvetil pesmi, v katerih ga bo imenoval »ljubinec lahkotne mode«. Portret Puškinačopiči O. Kiprenskega so živa poosebitev pesniškega genija. V odločnem obračanju glave, v živahno prekrižanih rokah na prsih, ves pesnikov videz razkriva občutek neodvisnosti in svobode. Puškin je o njem rekel: "Vidim se kot v ogledalu, a to ogledalo mi laska." Pri delu na portretu Puškina se Tropinin in Kiprenski zadnjič srečata, čeprav se to srečanje ne zgodi osebno, ampak mnogo let kasneje v zgodovini umetnosti, kjer sta praviloma dva portreta največjega ruskega pesnika. se primerjajo, ustvarjeni sočasno, vendar na različnih mestih - eden v Moskvi. Še ena v Sankt Peterburgu. Zdaj je to srečanje mojstrov, ki so enako veliki po pomenu za rusko umetnost. Čeprav ljubitelji Kiprenskega trdijo, da so umetniške prednosti na strani njegovega romantičnega portreta, kjer je pesnik predstavljen zatopljen v svoje misli, sam z muzo, sta narodnost in demokratičnost podobe vsekakor na strani Puškina Tropininskega.

Tako sta oba portreta odražala dve področji ruske umetnosti, skoncentrirani v dveh prestolnicah. In pozneje bodo kritiki zapisali, da je bil Tropinin za Moskvo to, kar je bil Kiprenski za Sankt Peterburg.

Posebnost portretov Kiprenskega je, da prikazujejo duhovni čar in notranjo plemenitost osebe. Portret junaka, pogumnega in močno čutečega, naj bi utelešal patos svobodoljubnega in domoljubnega razpoloženja napredne ruske osebe.

pred "Portret E.V. Davidova"(1809) prikazuje lik častnika, ki je neposredno izražal tisti kult močne in pogumne osebnosti, ki je bil tako značilen za romantiko tistih let. Fragmentarno prikazana pokrajina, kjer se žarek svetlobe bori s temo, namiguje na junakove duševne tesnobe, a na njegovem obrazu je odsev sanjave občutljivosti. Kiprenski je v človeku iskal »človeško« in ideal mu ni zakril osebnih potez manekenskega značaja.

Portreti Kiprenskega, če jih pogledate z umom, kažejo duhovno in naravno bogastvo človeka, njegovo intelektualno moč. Da, imel je ideal harmonične osebnosti, kot so govorili njegovi sodobniki, vendar Kiprenski tega ideala ni želel dobesedno projecirati na umetniško podobo. V stavbi umetniška podoba hodil je iz narave, kakor bi meril, kako daleč ali blizu je ona takemu idealu. Pravzaprav so mnogi od tistih, ki jih je upodobil, na pragu ideala, usmerjeni k njemu, sam ideal pa je po idejah romantične estetike komaj dosegljiv in vsa romantična umetnost je le pot do njega.

Opažanje nasprotij v duši svojih junakov, ki jih prikazuje v tesnobnih trenutkih življenja, ko se usoda spreminja, stare ideje zlomijo, mladost odhaja itd., Zdi se, da Kiprensky doživlja skupaj s svojimi modeli. Od tod posebna angažiranost portretista v interpretaciji likovnih podob, ki daje portretu intimen pridih.

V zgodnjem obdobju ustvarjalnosti pri Kiprenskem ne boste videli obrazov, okuženih s skepticizmom, analizo, ki razjeda dušo. To bo prišlo pozneje, ko bo romantični čas preživel svojo jesen in se umaknil drugim razpoloženjem in občutkom, ko se bo upanje na zmagoslavje ideala harmonične osebnosti zrušilo. V vseh portretih iz 19. stoletja in portretih, narejenih v Tverju, Kiprensky kaže drzen čopič, ki zlahka in svobodno gradi obliko. Kompleksnost tehnik, narava figure se je spreminjala od dela do dela.

Omembe vredno je, da na obrazih njegovih junakov ne boste videli junaške vznesenosti, nasprotno, večina obrazov je precej žalostnih, prepuščajo se razmišljanjem. Zdi se, da te ljudi skrbi usoda Rusije, bolj razmišljajo o prihodnosti kot o sedanjosti. V ženskih podobah, ki predstavljajo žene, sestre udeležencev pomembnih dogodkov, Kiprensky tudi ni težil k namernemu junaškemu navdušenju. Prevladuje občutek lahkotnosti, naravnosti. Hkrati pa je v vseh portretih toliko prave plemenitosti duše. Ženske podobe pritegnejo s svojim skromnim dostojanstvom, celovitostjo narave; na obrazih ljudi je mogoče uganiti radovedno misel, pripravljenost na asketizem. Te podobe so sovpadale z dozorevajočimi etičnimi in estetskimi idejami decembristov. Njihova razmišljanja in stremljenja so takrat delili mnogi (nastanek tajnih združb z določenimi družbenimi in političnimi programi sodi v obdobje 1816-1821), umetnik je zanje vedel, zato lahko rečemo, da so njegovi portreti udeležencev dogodkov v 1812-1814, podobe kmetov, ustvarjene v istih letih - nekakšna umetniška vzporednica nastajajočim konceptom decembizma.

Zaznamovan je svetel pečat romantičnega ideala "Portret V.A. Žukovskega"(1816). Umetnik, ki je ustvaril portret po naročilu S. S. Uvarova, se je odločil, da bo svojim sodobnikom prikazal ne le podobo pesnika, ki je bil dobro znan v literarnih krogih, temveč tudi pokazati določeno razumevanje osebnosti romantičnega pesnika. Pred nami je tip pesnika, ki je izražal filozofsko in zasanjano smer ruske romantike. Kiprenski je Žukovskega predstavil v trenutku ustvarjalnega navdiha. Veter je pesniku razmršil lase, drevesa v noči moteče pljuskajo svoje veje, ruševine starodavnih zgradb so komaj vidne. Tako bi moral izgledati ustvarjalec romantičnih balad. Temne barve poslabšajo vzdušje skrivnostnosti. Po nasvetu Uvarova Kiprenski ne dokonča slikanja posameznih fragmentov portreta, tako da "pretirana popolnost" ne ugasne duha, temperamenta in čustvenosti.

Veliko portretov je Kiprenski naslikal v Tverju. Še več, ko je slikal Ivana Petroviča Vulfa, veleposestnika iz Tverja, je ganjeno gledal deklico, ki je stala pred njim, svojo vnukinjo, bodočo Ano Petrovno Kern, ki ji je bilo posvečeno eno najbolj očarljivih lirskih del - A. S. Puškina. pesem »Spominjam se čudovitega trenutka ... Takšna združenja pesnikov, umetnikov, glasbenikov so postala manifestacija novega trenda v umetnosti - romantike.

"Mladi vrtnar" (1817) Kiprenskega, "Italijansko poldne" (1827) Bryullova, "Kosci" ali "Kosec" (1820) Venetsianova so dela iste tipološke serije. Osredotočena so na naravo in so bila napisana jasno z uporabo Toda naloga vsakega od umetnikov - utelešenje estetske dovršenosti preproste narave - je privedla do določene idealizacije videzov, oblačil, situacij za namen ustvarjanja podobe-metafore. Umetnik je ob opazovanju življenja, narave premislil , poetiziranje vidnega.V tej kakovostno novi kombinaciji narave in domišljije z izkušnjami antičnih in renesančnih mojstrov nastajajo podobe, ki jih umetnost prej ni poznala, in je ena od značilnosti romantike prve polovice 19. stoletja. Metaforičnost, ki je na splošno značilna za ta dela Venetsianova in Bryullova, je bila ena najpomembnejših značilnosti romantike, ko so bili ruski umetniki še slabo seznanjeni z zahodnoevropskim romantičnim portretom. "Portret očeta (A. K. Schwalbe)"(1804) je zapisal Orest Kiprensky o umetnosti in zlasti o portretnem žanru.

Najpomembnejši dosežki ruske romantike so dela v žanru portreta. Najsvetlejši in najboljši primeri romantike so iz zgodnjega obdobja. Dolgo pred svojim potovanjem v Italijo, leta 1816, je Kiprenski, notranje pripravljen na romantično inkarnacijo, z novimi očmi videl slike starih mojstrov. Temne barve, figure, poudarjene s svetlobo, goreče barve, intenzivna dramaturgija so nanj močno vplivale. "Portret očeta" je nedvomno ustvarjen pod vtisom Rembrandta. Toda ruski umetnik je od velikega Nizozemca prevzel le zunanje tehnike. "Portret očeta" je popolnoma samostojno delo, ki ima svojo notranjo energijo in moč umetniškega izražanja. Posebnost krajinskih portretov je živahnost njihove izvedbe. Tu ni nobene slikovitosti - trenutni prenos videnega na papir ustvari svojevrstno svežino grafičnega izraza. Zato se nam ljudje, upodobljeni na risbah, zdijo blizu in razumljivi.

Tujci so Kiprenskega imenovali ruski Van Dyck, njegovi portreti so v številnih muzejih po svetu. Naslednik dela Levitskega in Borovikovskega, predhodnik L. Ivanova in K. Bryullova, Kiprenski je s svojim delom dal ruski umetniški šoli evropsko slavo. Po besedah ​​Aleksandra Ivanova je "prvi prinesel rusko ime v Evropo ...".

Povečano zanimanje za osebnost osebe, značilno za romantiko, je vnaprej določilo razcvet portretnega žanra v prvi polovici 19. stoletja, kjer je avtoportret postal prevladujoča značilnost. Ustvarjanje avtoportreta praviloma ni bila naključna epizoda. Umetniki so večkrat pisali in risali sami sebe in ta dela so postala nekakšen dnevnik, ki je odražal različna duševna stanja in življenjska obdobja, hkrati pa so bila manifest, namenjen sodobnikom. Avtoportret ni bil običajni žanr, je umetnik pisal zase in tu je kot še nikoli prej postal svoboden v samoizražanju. V 18. stoletju so ruski umetniki redko slikali izvirne podobe, le romantika je s svojim kultom posameznika, izjemnega prispevala k vzponu tega žanra. Raznolikost vrst avtoportretov odraža umetnikovo dojemanje sebe kot bogate in večplastne osebnosti. Pojavijo se bodisi v običajni in naravni vlogi ustvarjalca (»Avtoportret v žametni baretki« A. G. Varneka, 1810), nato pa se potopijo v preteklost, kot da bi jo preizkusili na sebi (»Avtoportret v čeladi in oklep« F. I. Yanenka , 1792), ali pa se najpogosteje pojavi brez kakršnih koli poklicnih atributov, uveljavlja pomen in lastno vrednost vsakega človeka, osvobojenega in odprtega svetu, išče in drvi naokrog, kot na primer F. A. Bruni in O. A. Orlovsky na avtoportretih 1810. Pripravljenost na dialog in odprtost, značilna za figurativno rešitev del 1810-1820, se postopoma nadomestita z utrujenostjo in razočaranjem, potopitvijo, umikom vase ("Avtoportret" M. I. Terebeneva). Ta trend se je odražal v razvoju portretnega žanra kot celote.

Pojavili so se avtoportreti Kiprenskega, kar velja omeniti, v kritičnih trenutkih življenja so pričali o vzponu ali padcu duševne moči. Skozi svojo umetnost je umetnik gledal samega sebe. Vendar pa ni uporabljal, kot večina slikarjev, ogledala; slikal se je predvsem po svoji zamisli, želel je izraziti svojega duha, ne pa videza.

"Avtoportret s čopiči za ušesom" zgrajena na zavračanju, in to izrazito demonstrativnem, v zunanjem poveličevanju podobe, njeni klasični normativnosti in idealni konstrukciji. Obrazne poteze so na splošno začrtane približno. Stranska svetloba pade na obraz in poudari le stranske poteze. Ločeni odsevi svetlobe padajo na lik umetnika, ugasnejo na komaj vidni draperiji, ki predstavlja ozadje portreta. Tu je vse podrejeno izražanju življenja, občutkov, razpoloženja. To je pogled na romantično umetnost skozi umetnost avtoportreta. Umetnikova vpletenost v skrivnosti ustvarjalnosti se izraža v skrivnostnem romantičnem "sfumatu 19. stoletja". Ustvari poseben zelenkast ton posebno vzdušje umetniški svet, v središču katere je umetnik sam.

Skoraj sočasno s tem avtoportretom in napisano “Avtoportret v rožnati ovratni ruti”, kjer je utelešena druga podoba. Brez neposredne navedbe poklica slikarja. Poustvarjena je podoba mladeniča, ki se počuti lahkotno, naravno, svobodno. Slikovna površina platna je fino izdelana. Umetnikov čopič samozavestno nanaša barvo. Zapuščanje velikih in majhnih potez. Barva je odlično razvita, barve niso svetle, harmonično se kombinirajo med seboj, osvetlitev je umirjena: svetloba se nežno preliva na obraz mladeniča, orisuje njegove poteze, brez nepotrebnega izraza in deformacije.

Drugi izjemen slikar je bil Venetsianov. Leta 1811 je prejel naziv akademika Akademije, imenovan za "Avtoportret" in "Portret K. I. Golovačevskega s tremi učenci Akademije umetnosti". To so izjemna dela.

Venetsianov se je razglasil za pravega mojstra v "Avtoportret" 1811. Pisano je bilo drugače, kot so se slikali drugi umetniki tistega časa - A. Orlovski, O. Kiprenski, E. Varnek in celo podložnik V. Tropinin. Vsem je bilo običajno, da so si predstavljali sebe v romantičnem haloju, njihovi avtoportreti so bili nekakšen poetični obračun z okoljem. Ekskluzivnost umetniške narave se je kazala v postavi, gestah, v izjemnosti posebej zasnovanega kostuma. V "Avtoportretu" Venetsianova raziskovalci najprej opazijo strog in intenziven izraz zaposlene osebe ... Pravilna učinkovitost, ki se razlikuje od tiste navidezne "umetniške malomarnosti", ki jo nakazujejo halje ali koketno. zamenjali klobuke drugih umetnikov. Venicianov se trezno ozre. Umetnost zanj ni navdihnjen impulz, ampak predvsem zadeva, ki zahteva koncentracijo in pozornost. Majhna, skoraj enobarvna v barvi olivnih odtenkov, izjemno natančno napisana, je enostavna in kompleksna hkrati. Ne pritegne z zunanjo stranjo slike, ustavi se s pogledom. Idealno tanke obrobe tankega zlatega okvirja očal ne skrijejo, temveč poudarijo ostro ostrino oči, ki ni toliko usmerjena v naravo (umetnik je upodobil samega sebe s paleto in čopičem v rokah), ampak v globine lastnih misli. Veliko široko čelo, desna stran obraza, osvetljena z neposredno svetlobo, in bela srajca tvorijo svetel trikotnik, ki najprej pritegne pogled gledalca, ki v naslednjem trenutku, sledi gibanju desnice roka, ki drži tanek čopič, zdrsne navzdol do palete. Valoviti prameni las, sijoči okvirji, ohlapna kravata okrog ovratnika, mehka linija ramen in na koncu širok polkrog palete tvorijo gibljiv sistem gladkih, tekočih linij, znotraj katerih so tri glavne točke. : droben odsev zenic in oster konec sprednjega dela srajce, ki se skoraj zapira s paleto in čopičem. Takšen skoraj matematični izračun pri konstrukciji kompozicije portreta daje podobi delno notranjo umirjenost in daje razlog za domnevo, da ima avtor analitičen um, nagnjen k znanstvenemu razmišljanju. V "Avtoportretu" ni sledu nobene romantike, ki je bila takrat tako pogosta v upodabljanju samih umetnikov. To je avtoportret umetnika-raziskovalca, umetnika-misleca in delavca.

Drugo delo - portret Golovačevskega- zasnovan kot nekakšen kompozicija parcele: starejša generacija magistrov Akademije v osebi starega inšpektorja daje navodila rastočim talentom: slikar (z mapo risb. Arhitekt in kipar. Toda Venetsianov ni dopuščal niti sence kakršnekoli izumetničenosti oz. didaktizem v tej sliki: dobri starec Golovačevski prijazno interpretira najstnikom neko branje na knjižni strani Iskrenost izraza najde oporo v slikoviti strukturi slike: njeni umirjeni, subtilno in lepo usklajeni barvni toni ustvarjajo vtis miru in Resnost. Obrazi so lepo naslikani, polni notranjega pomena. Portret je bil eden najvišjih dosežkov ruskega portreta.

In v delu Orlovskega iz 1800-ih se pojavljajo portretna dela, večinoma v obliki risb. Do leta 1809 je tako čustveno bogat portretni list kot "Avtoportret". "Avtoportret" Orlovskega, izveden s sočno svobodno potezo sanguine in oglja (s poudarkom s kredo), privlači s svojo umetniško celovitostjo, karakterizacijo podobe in umetnostjo izvedbe. Hkrati pa omogoča razbrati nekatere posebne vidike umetnosti Orlovskega. "Avtoportret" Orlovskega seveda ne želi natančno reproducirati tipičnega videza umetnika tistih let. Pred nami - v mnogih pogledih namerno. Pretiran videz "umetnika", ki nasprotuje svojemu "jaz" okoliški resničnosti, ga ne skrbi "spodobnost" njegovega videza: glavnik in krtača se nista dotaknila njegovih bujnih las, na ramenih je rob karirasti dežni plašč kar čez domačo srajco z odprtim ovratnikom. Oster zavoj glave z "mračnim" pogledom izpod premaknjenih obrvi, tesen rez portreta, na katerem je upodobljen obraz Zapri, kontrasti svetlobe - vse to je namenjeno doseganju glavnega učinka nasprotovanja upodobljene osebe okolju (in s tem gledalcu).

Patos uveljavljanja individualnosti - ena najnaprednejših značilnosti v umetnosti tistega časa - tvori glavni ideološki in čustveni ton portreta, vendar se pojavlja v svojevrstnem vidiku, ki ga skoraj nikoli ne najdemo v ruski umetnosti tistega obdobja. Afirmacija osebnosti ne gre toliko z razkrivanjem bogastva njenega notranjega sveta, temveč z bolj zunanjim načinom zavračanja vsega, kar je okoli nje. Slika ob istem času seveda izgleda osiromašena, omejena.

Takšne rešitve je težko najti v ruski portretni umetnosti tistega časa, kjer so že sredi 18. stoletja močno zazveneli državljanski in humanistični motivi, človekova osebnost pa ni pretrgala močne vezi z okoljem. V sanjah o boljši, demokratični družbeni ureditvi najboljši ljudje tiste dobe v Rusiji nikakor niso bili ločeni od realnosti, zavestno so zavračali individualistični kult »osebne svobode«, ki je cvetel na tleh zahodne Evrope, razrahljanih z buržoazno revolucijo. . To se je jasno pokazalo kot odraz resničnih dejavnikov v ruski portretni umetnosti. Primerjati je treba samo "Avtoportret" Orlovskega s sočasnim "Avtoportret" Kiprenskega (npr. 1809), tako da takoj pade v oči resna notranja razlika med obema portretistoma.

Tudi Kiprenski "junači" človekovo osebnost, vendar pokaže njene prave notranje vrednote. V obrazu umetnika gledalec razlikuje lastnosti močnega uma, značaja, moralne čistosti.

Celoten videz Kiprenskega je prekrit z neverjetno plemenitostjo in človečnostjo. Sposoben je razlikovati med "dobrim" in "zlim" v okoliškem svetu in zavrača drugo, ljubi in ceni prvo, ljubi in ceni enako misleče ljudi. Hkrati pa imamo pred seboj nedvomno močno individualnost, ponosno na zavest o vrednosti svojih osebnih lastnosti. Popolnoma enak koncept portretne podobe je osnova dobro znanega junaškega portreta D. Davydova Kiprenskega.

Orlovsky je v primerjavi s Kiprenskim, pa tudi z nekaterimi drugimi ruskimi portretisti tistega časa bolj omejen, bolj preprost in navzven razrešuje podobo " močna osebnost«, pri čemer se jasno osredotoča na umetnost meščanske Francije. Ko pogledate njegov "Avtoportret", nehote pridejo na misel portreti A. Groja, Gericaulta. Profilni »Avtoportret« Orlovskega iz leta 1810 pa je s svojim kultom individualistične »notranje moči« že brez ostre »skicirne« forme »Avtoportreta« iz leta 1809 oz. "Duportov portret". V slednjem Orlovsky, tako kot v Avtoportretu, uporablja spektakularno, "junaško" pozo z ostrim, skoraj navzkrižnim gibanjem glave in ramen. Poudari nepravilno strukturo Duportovega obraza, njegove razmršene lase, da bi ustvaril portretno podobo, ki je samozadostna v svojem edinstvenem, naključnem značaju.

"Pokrajina bi morala biti portret," je zapisal K. N. Batyushkov. Večina umetnikov, ki so se obrnili na žanr, se je v svojem delu držala te nastavitve. pokrajina. Med očitnimi izjemami, ki gravitirajo proti fantastični pokrajini, so bili A. O. Orlovsky ("Pogled na morje", 1809); A. G. Varnek ("Pogled v okolici Rima", 1809); P. V. Basin ("Nebo ob sončnem zahodu na obrobju Rima", "Večerna pokrajina", oboje - 1820). Pri ustvarjanju specifičnih zvrsti so ohranili neposrednost občutja, čustveno bogastvo, s kompozicijskimi prijemi dosegli monumentalno zvenečnost.

Mladi Orlrovsky je v naravi videl le titanske sile, ki niso podvržene volji človeka in so sposobne povzročiti katastrofo, nesrečo. Boj človeka z besnim morskim elementom je ena izmed najljubših tem umetnika njegovega "uporniškega" romantičnega obdobja. Postala je vsebina njegovih risb, akvarelov in oljnih slik v letih 1809-1810. tragični prizor je prikazan na sliki "Brodolom"(1809(?)). V trdi temi, ki je padla na tla, med divjimi valovi utapljajoči se ribiči mrzlično plezajo po obalnih skalah, na katere je treščila njihova ladja. Vzdržana v strogih rdečih tonih, barva poveča občutek tesnobe. Grozni so napadi mogočnih valov, ki napovedujejo nevihto, in na drugi sliki - "Ob morju"(1809). Veliko čustveno vlogo igra tudi v nevihtnem nebu, ki zavzema večino kompozicije. Čeprav Orlovsky ni obvladal umetnosti zračne perspektive, so postopni prehodi načrtov tukaj rešeni bolj harmonično in mehko. Barva je postala svetlejša. Lepo se igrajo na rdečkasto rjavem ozadju rdeče lise na oblačilih ribičev. Nemiren in zaskrbljen morski element v akvarelu "jadrnica"(okoli 1812). In tudi ko veter ne trese jadra in ne valovi gladine vode, kot pri akvarelu "Morska pokrajina z ladjami"(ok. 1810) gledalec ne zapusti slutnje, da bo zatišju sledila nevihta.

Z vso dramatičnostjo in čustvenostjo občutkov morske pokrajine Orlovskega niso toliko plod njegovih opazovanj atmosferskih pojavov, temveč rezultat neposrednega posnemanja klasike umetnosti. Zlasti J. Vernet.

Krajine S. F. Ščedrina so imele drugačen značaj. Napolnjeni so s harmonijo sobivanja človeka in narave (»Terasa na obali. Kapučini pri Sorrentu«, 1827). Številni pogledi na Neapelj in okolico njegovega čopiča so uživali izjemen uspeh in priljubljenost.

Ustvarjanje romantične podobe Sankt Peterburga v ruskem slikarstvu je povezano z delom M. N. Vorobjova. Na njegovih platnih se je mesto pojavilo zavito v skrivnostne peterburške megle, mehko meglico belih noči in ozračje, prepojeno z morsko vlago, kjer so obrisi stavb izbrisani, mesečina pa dopolnjuje zakrament. Isti lirični začetek razlikuje poglede okolice Sankt Peterburga, ki jih izvaja ("Sončni zahod na obrobju Sankt Peterburga", 1832). Toda severno prestolnico so umetniki videli tudi drugače, dramatično, kot areno za trčenje in boj naravnih elementov (V. E. Raev, Aleksandrov steber med nevihto, 1834).

Briljantne slike I. K. Aivazovskega so živo utelešale romantične ideale zastrupitve z bojem in močjo naravnih sil, vzdržljivost človeškega duha in sposobnost boja do konca. Kljub temu veliko mesto v mojstrovi dediščini zavzemajo nočne morske krajine, posvečene posebnim krajem, kjer se nevihta umakne čarobnosti noči, času, ki je po pogledih romantikov napolnjen s skrivnostnim notranjim življenjem, in kjer je umetnikovo slikarsko iskanje usmerjeno v pridobivanje izjemnih svetlobnih učinkov (»Pogled na Odeso v mesečini«, »Pogled na Carigrad v mesečini«, oboje – 1846).

Temo naravnih elementov in presenečenega človeka, priljubljeno temo romantične umetnosti, so umetniki 1800-1850 različno interpretirali. Dela so temeljila na resničnih dogodkih, vendar pomen podob ni v njihovi objektivni pripovedi. Tipičen primer je slika Petra Basina "Potres v Rocca di Papa blizu Rima"(1830). Posvečen ni toliko opisu določenega dogodka kot prikazu strahu in groze človeka, ki se sooča z manifestacijo elementov.

Svetila ruskega slikarstva te dobe sta bila K. P. Bryullov (1799-1852) in A. A. Ivanov (1806 - 1858). Ruski slikar in risar K.P. Bryullov, medtem ko je bil še študent Akademije za umetnost, je obvladal neprimerljivo veščino risanja. Bryullovo delo je običajno razdeljeno na pred "Zadnji dan Pompejev" in po. Kaj je nastalo pred ....?!

»Italijansko jutro« (1823), »Ermilia s pastirji« (1824) po pesmi Torquatta Tassa »Osvoboditev Jeruzalema«, »Italijansko poldne« (»Italijanka na trgatvi«, 1827), »Konjenica« ( 1830), "Bathsheba" (1832) - vse te slike so prežete s svetlo, neprikrito radostjo življenja. Takšna dela so bila v skladu z zgodnjimi epikurejskimi pesmimi Puškina, Batjuškova, Vjazemskega, Delviga. Stara manira, ki temelji na posnemanju velikih mojstrov, Bryullova ni zadovoljila, zato je na prostem napisal "Italijansko jutro", "Italijansko poldne", "Bathsheba".

Med delom na portretu je Bryullov naslikal samo glavo iz življenja. Vse ostalo mu je velikokrat narekovala domišljija. Plod takšne svobodne ustvarjalne improvizacije je "Jezdec". Glavna stvar v portretu je kontrast razgrete, vzpenjajoče se živali z napihnjenimi nosnicami in iskrivimi očmi ter graciozne jahače, ki mirno zadržuje podivjano energijo konja (ukrotitev živali je priljubljena tema klasičnih kiparjev, Bryullov jo je rešil v slikarstvu) .

IN "Batšeba" umetnik uporabi svetopisemsko zgodbo kot pretvezo za prikaz golega telesa na prostem ter prenaša igro svetlobe in reflekse na svetlo kožo. V "Bathshebi" je ustvaril podobo mlade ženske, polne veselja in sreče. Golo telo žari in sije obkroženo z oljčnim zelenjem, češnjevimi oblačili, prozornim rezervoarjem. Mehke elastične oblike telesa se čudovito kombinirajo z belilno tkanino in čokoladno barvo Arabke, ki streže Batšebo. Tekoče linije teles, ribnika in tkanin dajejo kompoziciji slike gladek ritem.

Slikarstvo je postalo nova beseda v slikarstvu "Zadnji dan Pompejev"(1827-1833). Ime umetnika je naredila nesmrtno in zelo slavnega že v času njegovega življenja.

Njegov zaplet je bil očitno izbran pod vplivom njegovega brata Aleksandra, ki je intenzivno preučeval pompejske ruševine. Toda razlogi za pisanje slike so globlji. Gogol je to opazil in Herzen je neposredno rekel, da so v Zadnji dan Pompejev našli svoje mesto, morda nezavedni odsev umetnikovih misli in občutkov, ki jih je povzročil poraz dekabrističnega upora v Rusiji. Ne brez razloga je Bryullov med žrtve divjanja elementov v umirajočih Pompejih postavil svoj avtoportret in drugim likom na sliki dal poteze svojih ruskih znancev.

Italijansko spremstvo Bryullova je imelo tudi vlogo, ki bi mu lahko povedala o revolucionarnih viharjih, ki so v prejšnjih letih preplavili italijansko deželo, o žalostni usodi karbonarjev v letih reakcije.

Veličastna slika smrti Pompejev je prežeta z duhom historizma, prikazuje menjavo ene zgodovinske dobe v drugo, zatiranje starodavnega poganstva in nastop nove krščanske vere.

Umetnik dramatično dojema tok zgodovine, menjavo obdobij kot šok za človeštvo. V središču kompozicije je ženska, ki je padla s kočije in se razbila do smrti, očitno poosebljala smrt starodavnega sveta. Toda poleg telesa matere je umetnik postavil živega otroka. Z upodabljanjem otrok in staršev, mladeniča in stare matere, sinov in onemoglega očeta je umetnik prikazal stare generacije, ki odhajajo v zgodovino, in nove, ki prihajajo na njihovo mesto. Rojstvo novo obdobje na ruševinah starega, razpadajočega sveta, to je prava tema Bryullovljevega slikarstva. Ne glede na spremembe, ki jih prinese zgodovina, se obstoj človeštva ne ustavi in ​​njegova želja po življenju ostaja nezmanjšana. To je glavna ideja zadnjega dne Pompejev. Ta slika je hvalnica lepoti človeštva, ki ostaja nesmrtna v vseh ciklih zgodovine.

Platno, ki je bilo leta 1833 razstavljeno na milanski umetniški razstavi, je povzročilo val navdušenih odzivov. Preperela Italija je bila osvojena. Bryullov učenec G. G. Gagarin priča: »To veliko delo je vzbudilo brezmejno navdušenje v Italiji. Mesta, kjer je bila slika razstavljena, so umetniku prirejala slovesne sprejeme, posvečali so mu pesmi, nosili so ga po ulicah z glasbo, cvetjem in baklami ... Povsod so ga sprejeli častno kot znanega, zmagoslavnega genija, vsem razumljivo in cenjeno.

Angleški pisatelj Walter Scott (predstavnik romantične literature, znan po svojih zgodovinski romani) je preživel celo uro v Bryullovem studiu, o katerem je rekel, da to ni slika, ampak cela pesem. Akademije umetnosti v Milanu, Firencah, Bologni in Parmi so ruskega slikarja izvolile za svojega častnega člana.

Bryullovljevo platno je vzbudilo navdušene odzive Puškina in Gogolja.

Vesuvius zev se je odprl - dim se je bruhal v klubskem plamenu

Široko razvit kot bojni prapor.

Zemlja je zaskrbljena - od opotekajočih se stolpcev

Idoli padajo!..

Puškin je zapisal pod vtisom slike.

Od Bryullova so prelomnice v zgodovini postale glavna tema ruščine zgodovinsko slikarstvo, kjer so bili prikazani grandiozni ljudski prizori, kjer je vsak udeleženec zgodovinske drame, kjer ni glavnega in stranskega.

"Pompeji" na splošno spadajo v klasicizem. Umetnik je na platnu spretno razkril plastičnost človeškega telesa. Vsa duhovna gibanja ljudi je Bryullov prenašal predvsem v jeziku plastike. Ločene figure, podane v nevihtnem gibanju, so zbrane v uravnoteženih, zamrznjenih skupinah. Svetlobni utrinki poudarijo oblike teles in ne ustvarjajo močnih slikovnih učinkov. Toda kompozicijo slike, ki ima močan preboj v središču v globino, ki prikazuje izjemen dogodek v življenju Pompejev, je navdihnila romantika.

Romantika kot svetovni nazor je v Rusiji obstajala v svojem prvem valu od konca 18. stoletja do 50. let 19. stoletja. Linija romantike v ruski umetnosti se v petdesetih letih 19. stoletja ni ustavila. Temo stanja bivanja, ki so jo za umetnost odkrili romantiki, so kasneje razvili umetniki Modre vrtnice. Neposredni dediči romantike so bili nedvomno simbolisti. Romantične teme, motivi, izrazne tehnike so vstopile v umetnost različnih stilov, smeri, ustvarjalna združenja. Romantični pogled na svet ali pogled na svet se je izkazal za enega najbolj živahnih, vztrajnih, plodnih.

Romantika kot splošna drža, značilna predvsem za mlade, kot želja po idealu in ustvarjalni svobodi še vedno nenehno živi v svetovni umetnosti.

c) Glasba

Romantika v najčistejši obliki je fenomen zahodnoevropske umetnosti. Ruska glasba 19. stoletja. od Glinke do Čajkovskega so se značilnosti klasicizma združile z značilnostmi romantike, vodilni element je bilo svetlo, izvirno nacionalno načelo. Romantika v Rusiji je povzročila nepričakovan vzpon, ko se je zdelo, da je ta trend preteklost. Dva skladatelja 20. stoletja, Skrjabin in Rahmaninov, sta obudila značilnosti romantike, kot sta nebrzdani polet fantazije in duševnost besedil. Zato je 19. stol imenovana doba klasične glasbe.

Čas (1812, decembristična vstaja, reakcija, ki je sledila) je pustil pečat v glasbi. Ne glede na žanr - romanco, opero, balet, komorno glasbo - povsod so ruski skladatelji povedali svojo novo besedo.

Glasba Rusije z vso svojo salonsko eleganco in strogim spoštovanjem tradicije profesionalnega instrumentalnega pisanja, vključno s sonatno-simfoničnim pisanjem, temelji na edinstveni modalni barvi in ​​ritmični strukturi ruske folklore. Nekateri se v veliki meri naslanjajo na vsakdanje pesmi, drugi na izvirne oblike muziciranja, tretji na starodavno modalnost starodavnih ruskih kmečkih navad.

Začetek 19. stoletja - to so leta prvega in svetlega razcveta romantičnega žanra. Skromna iskrena besedila še vedno zvenijo in navdušujejo poslušalce. Aleksander Aleksandrovič Aljabjev (1787-1851). Napisal je romance na verze mnogih pesnikov, a nesmrtni so "slavček" na Delvigove verze, "Zimska cesta", "Ljubim te" na Puškinove pesmi.

Aleksander Jegorovič Varlamov (1801-1848) pisal glasbo za dramske predstave, poznamo pa ga bolj po slavnih romancah "Rdeča obleka", "Ne zbujaj me ob zori", "Samotno jadro postane belo".

Aleksander Lvovič Gurilev (1803-1858)- skladatelj, pianist, violinist in učitelj, ima takšne romance kot "Zvon zvoni monotono", "Ob zori meglene mladosti" in itd.

Najvidnejše mesto tukaj zavzemajo Glinkine romance. Nihče drug še ni dosegel tako naravnega zlitja glasbe s poezijo Puškina, Žukovskega.

Mihail Ivanovič Glinka (1804-1857)- Puškinov sodobnik (5 let mlajši od Aleksandra Sergejevič), klasik ruske literature, je postal utemeljitelj glasbene klasike. Njegovo delo je eden od vrhov ruske in svetovne glasbene kulture. Harmonično združuje bogastvo ljudske glasbe in najvišje dosežke skladateljske veščine. Glinkino globoko ljudsko realistično delo je odražalo močan razcvet ruske kulture v prvi polovici 19. stoletja, povezanega z domovinsko vojno leta 1812 in dekabrističnim gibanjem. Lahek, življenjsko potrjujoč značaj, harmonija oblik, lepota ekspresivnih in melodičnih melodij, raznolikost, sijaj in subtilnost harmonij so najdragocenejše lastnosti Glinkine glasbe. V znameniti operi "Ivan Susanin"(1836) je ideja dobila sijajen izraz ljudsko domoljubje; Moralna veličina ruskega ljudstva je poveličana tudi v pravljični operi " Ruslan in Ljudmila". Orkestralna dela Glinke: "Fantazijski valček", "Noč v Madridu" in predvsem "Kamarinskaya", so osnova ruskega klasičnega simfonizma. Izjemen po moči dramskega izraza in svetlosti značilnosti glasbe za tragedijo "Princ Kholmski". Glinkina vokalna besedila (romance "Spominjam se čudovitega trenutka", "Dvom") je neprekosljivo utelešenje ruske poezije v glasbi.

6. ZAHODNOEVROPSKA ROMANTIKA

slika

Če je bila Francija prednica klasicizma, potem bi »da bi našli korenine ... romantične šole«, je zapisal eden od njegovih sodobnikov, »morali iti v Nemčijo. Tam se je rodila in tam so si oblikovali okus sodobni italijanski in francoski romantiki.

razdrobljeno Nemčija ni poznal revolucionarnega vzpona. Mnogim nemškim romantikom je bil tuj patos naprednih družbenih idej. Idealizirali so srednji vek. Predajali so se nerazumljivim duhovnim vzgibom, govorili o zapuščanju človeškega življenja. Umetnost mnogih izmed njih je bila pasivna in kontemplativna. Svoja najboljša dela so ustvarili na področju portretnega in krajinskega slikarstva.

Izjemen portretist je bil Otto Runge (1777-1810). Portreti tega mojstra z zunanjo umirjenostjo presenečajo z intenzivnim in intenzivnim notranjim življenjem.

Podobo romantičnega pesnika Runge vidi v "Avtoportret". Pozorno se pregleda in zagleda temnolasega, temnookega, resnega, polnega energije, zamišljenega, vase zagledanega in odločnega mladeniča. Romantični umetnik hoče spoznati samega sebe. Način izvedbe portreta je hiter in razmašen, kot da bi se duhovna energija ustvarjalca morala posredovati že v teksturi dela; v temni barvni paleti se pojavijo kontrasti svetlega in temnega. Kontrast je značilna slikarska tehnika romantičnih mojstrov.

Umetnik romantičnega skladišča bo vedno poskušal ujeti spremenljivo igro človekovih razpoloženj, pogledati v njegovo dušo. In v tem pogledu mu bodo otroški portreti služili kot plodno gradivo. IN portret otrok Hülsenbeck(1805) Runge ne prenaša samo živahnosti in neposrednosti otroškega značaja, temveč najde poseben sprejem za svetlo razpoloženje, ki navdušuje plenerne odprtine 2. nadstropja. 19. stoletje Ozadje na sliki je pokrajina, ki priča ne le o umetnikovem kolorističnem daru, občudujočem odnosu do narave, temveč tudi o nastajanju novih problemov v mojstrskem poustvarjanju prostorskih razmerij, svetlih odtenkih predmetov na prostem. Mojstrski romantik, ki želi zliti svoj "jaz" z širjavami vesolja, stremi k ujeti čutno oprijemljivo pojavnost narave. Toda s to čutnostjo podobe raje vidi simbol velikega sveta, "idejo umetnika."

Runge, eden prvih romantičnih umetnikov, si je zadal nalogo sintetizirati umetnosti: slikarstvo, kiparstvo, arhitekturo, glasbo. Ansambelski zvok umetnosti naj bi izražal enotnost božanskih sil sveta, katerih vsak delček simbolizira kozmos kot celoto. Umetnik fantazira in svoj filozofski koncept podkrepi z idejami slavnega nemškega misleca 1. nadstropja. 17. stoletje Jakob Boehme. Svet je nekakšna mistična celota, katere vsak delček izraža celoto. Ta ideja je povezana z romantiki celotne evropske celine. V poetični obliki je angleški pesnik in slikar William Blake to izrazil takole:

Videti večnost v enem trenutku

Ogromen svet - v ogledalu peska,

V eni sami prgišči - neskončnost

In nebo je v skodelici rože.

Rungejev cikel ali, kot ga je sam imenoval, "fantastična glasbena pesem" "Uri dneva"- jutro, opoldne, zvečer - izraz tega pojma. V poeziji in prozi je pustil razlago svojega konceptualnega modela sveta. Podoba človeka, pokrajina, svetloba in barva so simboli nenehno spreminjajočega se cikla naravnega in človeškega življenja.

Še en izjemen nemški romantični slikar, Caspar David Friedrich (1774-1840), je dal prednost krajini pred vsemi drugimi žanri in je v svojem sedemdesetletnem življenju slikal samo podobe narave. Glavni motiv Friedrichovega dela je ideja o enotnosti človeka in narave.

»Prisluhnite glasu narave, ki govori v nas,« umetnik naroča svojim učencem. Človekov notranji svet pooseblja neskončnost vesolja, zato lahko človek, ko se sliši, dojame duhovne globine sveta.

Položaj poslušanja določa glavno obliko "komunikacije" osebe z naravo in njeno podobo. To je veličina, skrivnost ali razsvetljenje narave in zavestnega stanja opazovalca. Res je, Friedrich pogosto ne dovoli, da bi figura "vstopila" v krajinski prostor njegovih slik, toda v subtilnem prodiranju figurativne strukture širnih prostranstev se čuti prisotnost občutka, človekove izkušnje. Subjektivizem v upodabljanju krajine pride v umetnost šele z delom romantikov, ki nakazujejo lirično razkrivanje narave mojstrov 2. nadstropja. 19. stoletje Raziskovalci v delih Friedricha opažajo "razširitev repertoarja" krajinskih motivov. Avtorja zanimajo morje, gore, gozdovi in ​​različni odtenki stanja narave v različnih obdobjih leta in dneva.

1811-1812 zaznamuje ustvarjanje niza gorskih krajin kot rezultat umetnikovega potovanja v gore. “Jutro v gorah” slikovito predstavlja novo naravno realnost, ki se je rodila v žarkih vzhajajočega sonca. Rožnato-vijolični toni jih ovijejo in jim odvzamejo volumen in materialno težo. Leta bitke z Napoleonom (1812-1813) obrnejo Friedricha k domoljubnim temam. Ilustrira, navdahnjena s Kleistovo dramo, piše "Grobnica Arminija"- pokrajina z grobovi starodavnih germanskih junakov.

Friedrich je bil subtilen mojster morskih prizorov: »Dobe«, »Vzhod lune nad morjem«, »Smrt »Nadežde« v ledu«.

Zadnja dela umetnika - "Počitek na terenu", "Veliko močvirje" in "Spomini na velikane", "Velikanke" - niz gorskih verig in kamnov v ospredju je zatemnjen. To je očitno vrnitev k izkušenemu občutku človekove zmage nad samim seboj, veselje vzpona na "vrh sveta", želja po svetlih neosvojenih višinah. Občutki umetnika na poseben način sestavljajo te gorske gmote in znova se bere gibanje iz teme prvih korakov v bodočo svetlobo. Gorski vrh v ozadju je poudarjen kot središče mojstrovih duhovnih teženj. Slika je zelo asociativna, kot vsako delo romantikov, in vključuje različne ravni branja in interpretacije.

Friedrich je risarsko zelo natančen, glasbeno harmoničen v ritmični gradnji svojih slik, v katerih skuša spregovoriti skozi čustva barvnih in svetlobnih učinkov. »Mnogim je dano malo, redkim veliko. Vsak odpira dušo narave na drugačen način. Zato si nihče ne upa prenesti svojih izkušenj in svojih pravil na drugega kot obvezujoč brezpogojen zakon. Nihče ni merilo za vse. Vsakdo nosi v sebi mero samo zase in za sebi bolj ali manj sorodne narave,« to mojstrovo razmišljanje dokazuje neverjetno celovitost njegovega notranjega življenja in ustvarjalnosti. Edinstvenost umetnika je otipljiva le v svobodi njegovega dela - na tem stoji romantični Friedrich.

Bolj formalna se zdi ločitev od umetnikov - "klasikov" - predstavnikov klasicizma druge veje romantičnega slikarstva v Nemčiji - nazarečanov. "Zveza svetega Luke", ustanovljena na Dunaju in nastanjena v Rimu (1809-1810), je združila mojstre z idejo o oživitvi monumentalne umetnosti verskih vprašanj. Srednji vek je bil priljubljeno obdobje romantike. Toda v svojem umetniškem iskanju so se Nazarečani obrnili na tradicijo zgodnjerenesančnega slikarstva v Italiji in Nemčiji. Overbeck in Geforr sta bila pobudnika nove zveze, ki so se ji kasneje pridružili še Cornelius, J. Schnoff von Karolsfeld, Veit Fürich.

To gibanje Nazarečanov je ustrezalo njihovim lastnim oblikam nasprotovanja klasicističnim akademikom v Franciji, Italiji in Angliji. Tako so na primer v Franciji iz Davidove delavnice izšli tako imenovani »primitivni« umetniki, v Angliji pa prerafaeliti. V duhu romantične tradicije so imeli umetnost za »izraz časa«, »duh ljudstva«, vendar so se njihove tematske ali formalne preference, ki so sprva zvenele kot slogan združevanja, čez nekaj časa obrnile. v ista doktrinarna načela kot tista Akademije, ki so jih zanikali.

Umetnost romantike v Franciji razviti na posebne načine. Prvo, kar ga je razlikovalo od podobnih gibanj v drugih državah, je bil njegov aktivni ofenzivni (»revolucionarni«) značaj. Pesniki, pisatelji, glasbeniki, umetniki so svoje položaje branili ne le z ustvarjanjem novih del, temveč tudi s sodelovanjem v revijalnih in časopisnih polemikah, ki jih raziskovalci označujejo kot »romantično bitko«. Slavni V. Hugo, Stendhal, George Sand, Berlioz in mnogi drugi francoski pisatelji, skladatelji in novinarji so »brusili perje« v romantični polemiki.

Romantično slikarstvo v Franciji nastane kot nasprotje klasicistični Davidovi šoli, akademski umetnosti, imenovani "šola" na splošno. Toda to je treba razumeti v širšem smislu: šlo je za nasprotovanje uradni ideologiji reakcionarne epohe, za protest proti njeni malomeščanski omejenosti. Od tod patetičnost romantičnih del, njihova živčna vznemirjenost, privlačnost do eksotičnih motivov, do zgodovinskih in literarnih zapletov, do vsega, kar lahko vodi stran od »medlega vsakdanjega življenja«, od tod ta igra domišljije in včasih, nasprotno, sanjarjenje in popolno pomanjkanje aktivnosti.

Predstavniki »šole«, akademiki, so se uprli predvsem jeziku romantikov: njihovemu vznemirljivemu vročemu koloritu, njihovemu modeliranju oblike, ne tistemu, ki ga poznajo »klasiki«, kiparsko-plastični, temveč zgrajeni na močnih kontrastih. barvnih madežev; njihov ekspresivni dizajn, ki namerno zavrača natančnost in klasičnost; njihova drzna, včasih kaotična kompozicija, brez veličastnosti in neomajne umirjenosti. Ingres, neizprosni sovražnik romantikov, je do konca življenja govoril, da Delacroix »piše z noro metlo«, Delacroix pa je Ingresu in vsem umetnikom »šole« očital hladnost, racionalnost, pomanjkanje gibanja, da so ne pišejo, ampak "slikajo" svoje slike. A to ni bil preprost spopad dveh svetlih, popolnoma različnih osebnosti, bil je boj dveh različnih umetniških pogledov na svet.

Ta boj je trajal skoraj pol stoletja, romantika v umetnosti ni zmagala zlahka in ne takoj, prvi umetnik te smeri pa je bil Theodore Gericault (1791-1824) - mojster junaških monumentalnih oblik, ki je v svojem delu združeval klasicistične poteze in poteze same romantike in končno močan realistični začetek, ki je močno vplival na umetnost realizma sredi 19. stoletja. Toda v času njegovega življenja ga je cenilo le nekaj tesnih prijateljev.

Ime Theodore Zhariko je povezano s prvimi briljantnimi uspehi romantike. Že v njegovem zgodnjem slikarstvu (portreti vojske, podobe konj) so se starodavni ideali umaknili neposrednemu dojemanju življenja.

V salonu leta 1812 Géricault pokaže sliko "Uradnik cesarskih nadzornikov konj med napadom." To je bilo leto apogeja Napoleonove slave in vojaške moči Francije.

Kompozicija slike predstavlja jezdeca v nenavadni perspektivi »nenadnega« trenutka, ko se je konj dvignil in se jezdec, ko drži konja v skoraj navpičnem položaju, obrnil proti gledalcu. Podoba takšnega trenutka nestabilnosti, nezmožnosti drže krepi učinek gibanja. Konj ima eno oporno točko, mora pasti na tla, se zaviti v boj, ki ga je pripeljal do takega stanja. V tem delu se je veliko združilo: Gericaultova brezpogojna vera v možnost, da ima oseba lastne moči, strastna ljubezen do upodabljanja konj in pogum mojstra začetnika pri prikazovanju tega, kar sta prej lahko posredovala le glasba ali jezik poezije - navdušenje nad bitka, začetek napada, skrajni napor živega bitja. Mladi avtor je svojo podobo gradil na prenosu dinamike giba, pri čemer mu je bilo pomembno, da gledalca pripravi na »razmišljanje«, slikanje z »notranjim vidom« in občutkom, kaj želi prikazati.

Francija tako rekoč ni imela tradicije takšne dinamike slikovne pripovedi romantike, razen morda v reliefih gotskih templjev, saj je bil Gericault, ko je prvič prišel v Italijo, osupel nad skrito močjo Michelangelovih kompozicij. "Tresel sem," piše, "dvomil sem vase in dolgo si nisem mogel opomoči od te izkušnje." Toda Stendhal je že prej v svojih polemičnih člankih izpostavil Michelangela kot predhodnika nove slogovne smeri v umetnosti.

Gericaultovo slikarstvo ni napovedalo le rojstva novega umetniškega talenta, ampak je tudi poklonilo avtorjevi strasti in razočaranju nad idejami Napoleona. Obstaja več drugih del, povezanih s to temo: Karabinjerski častnik", "Kirasirski častnik pred napadom", "Portret karabinjerjev", "Ranjeni kirasir".

V razpravi »Razmišljanje o stanju slikarstva v Franciji« piše, da sta »razkošje in umetnost postala ... nuja in tako rekoč hrana za domišljijo, ki je drugo življenje civiliziranega človeka. .. Umetnosti ne gre za nujnost in se pojavijo šele, ko so bistvene potrebe izpolnjene in ko pride obilje. Človek, osvobojen vsakdanjih skrbi, je začel iskati užitke, da bi se znebil dolgčasa, ki ga je neizogibno prevzel sredi zadovoljstva.

Takšno razumevanje izobraževalne in humanistične vloge umetnosti je pokazal Gericault po vrnitvi iz Italije leta 1818 - začne se ukvarjati z litografijo, pri čemer replicira različne teme, vključno s porazom Napoleona ( "Vrnitev iz Rusije").

Obenem se umetnik obrača k upodobitvi potopitve fregate Meduza ob obali Afrike, ki je vznemirila takratno družbo. Nesreča se je zgodila po krivdi neizkušenega kapitana, imenovanega na mesto pod pokroviteljstvom. O nesreči sta podrobno spregovorila preživela potnika ladje, kirurg Savigny in inženir Correar.

Umirajočo ladjo je uspelo vreči splav, na katerega je prišla peščica rešenih ljudi. Dvanajst dni so jih nosili po besnečem morju, dokler niso srečali odrešitve - ladje "Argus".

Gericaulta je zanimala situacija skrajne napetosti človekove duhovne in telesne moči. Na sliki je bilo upodobljenih 15 preživelih potnikov na splavu, ko so na obzorju zagledali Argus. "Splav Meduze" je bil rezultat dolgotrajnega umetnikovega pripravljalnega dela. Naredil je veliko skic divjega morja, portretov rešenih ljudi v bolnišnici. Sprva je Gericault želel prikazati medsebojni boj ljudi na splavu, nato pa se je ustavil pri junaškem obnašanju zmagovalcev morskega elementa in državne malomarnosti. Ljudje so pogumno prenašali nesrečo in upanje na rešitev jih ni zapustilo: vsaka skupina na splavu ima svoje značilnosti. Pri gradnji kompozicije Gericault izbere zorni kot od zgoraj, kar mu je omogočilo združiti panoramsko zajemanje prostora (vidne so morske daljave) in upodobitev, tako da vse prebivalce splava zelo približa ospredju. Gibanje je zgrajeno na kontrastu figur, ki nemočno ležijo v ospredju, in nenadnih v skupini, ki daje znake mimoidoči ladji. Jasnost ritma rasti dinamike od skupine do skupine, lepota golih teles, temna barva slike daje določeno noto konvencionalnosti slike. A to ni bistvo za dojemljivega gledalca, ki mu konvencionalnost jezika celo pomaga razumeti in občutiti glavno: sposobnost človeka, da se bori in zmaga. Ocean buči. Jadro stoka. Vrvi zvonijo. Splav prasketa. Veter poganja valove in razdira črne oblake.

Ali ni sama Francija, ki jo žene vihar zgodovine? je pomislil Eugene Delacroix, stoječ ob sliki. »Splav Meduze je šokiral Delacroixa, zajokal je in kot nor skočil iz Gericaultove delavnice, ki jo je pogosto obiskoval.

Take strasti niso poznale Davidove umetnosti.

Toda Gericaultovo življenje se je končalo tragično zgodaj (po padcu s konja je bil neozdravljivo bolan) in številni njegovi načrti so ostali nedokončani.

Inovacija Géricaulta je odprla nove možnosti za prenos gibanja, ki je skrbelo romantike, temeljnih občutkov osebe, barvne teksturne ekspresivnosti slike.

Géricaultov dedič v njegovem iskanju je bil Eugene Delacroix. Res je, Delacroixu je bilo dovoljeno dvakrat dlje od njegove življenjske dobe in uspelo mu je ne le dokazati pravilnost romantike, ampak tudi blagosloviti novo smer v slikarstvu 2. nadstropja. 19. stoletje - impresionizem.

Preden je začel samostojno pisati, je Eugene študiral na šoli Lerain: slikal je iz življenja, v Louvru kopiral velike Rubensa, Rembrandta, Veroneseja, Tiziana ... Mladi umetnik je delal 10-12 ur na dan. Spomnil se je besed velikega Michelangela: »Slika je ljubosumna ljubica, zahteva celega človeka ...«

Delacroix se je po demonstracijskih predstavah Géricaulta dobro zavedal, da je v umetnosti nastopil čas močnih čustvenih pretresov. Najprej poskuša razumeti zanj novo dobo skozi znane literarne zaplete. Njegovo slikarstvo "Dante in Virgil", predstavljen v salonu 1822, je poskus skozi zgodovinske asociativne podobe dveh pesnikov: antike - Vergilija in renesanse - Danteja - pogledati v vreli kotel, "pekel" moderne dobe. Nekoč je Dante v svoji "Božanski komediji" vzel Virgilijevo deželo za spremstvo na vseh področjih (nebesa, pekel, vice). V Dantejevem delu je z doživljanjem spomina na antiko v srednjem veku nastal nov renesančni svet. Simbol romantike kot sinteze antike, renesanse in srednjega veka je nastal v »grozi« vizij Danteja in Vergilija. Toda zapletena filozofska alegorija se je izkazala za dobro čustveno ilustracijo predrenesančne dobe in nesmrtno literarno mojstrovino.

Delacroix bo skozi lastno srčno bolečino poskušal najti neposreden odziv v srcih svojih sodobnikov. Takratna mladina, ki gori od svobode in sovraštva do zatiralcev, sočustvuje z osvobodilno vojno Grčije. Romantični angleški bard Byron se odpravlja tja borit. Delacroix vidi pomen novo obdobje na sliki je že bolj specifična zgodovinski dogodek- boj in trpljenje svobodoljubne Grčije. Zadržuje se na zapletu smrti prebivalstva grškega otoka Chios, ki so ga zajeli Turki. Na Salonu leta 1824 Delacroix pokaže sliko "Masaker na otoku Chios". v ozadju neskončnega hribovitega terena. Ki še vedno kriči od dima požarov in nenehne bitke, umetnik prikazuje več skupin ranjenih, izčrpanih žensk in otrok. Imeli so zadnje minute svobode pred pristopom sovražnikov. Zdi se, da Turek na vzpenjajočem se konju na desni visi nad vsem ospredjem in množico tamkajšnjih trpečih. Lepa telesa, obrazi očaranih ljudi. Mimogrede, Delacroix bo to kasneje napisal Grška skulptura so umetniki spremenili v hieroglife, ki so skrivali pravo grško lepoto obraza in postave. Toda, ko razkrije »lepoto duše« v obrazih poraženih Grkov, slikar tako dramatizira dogodke, da gre za ohranitev enotnega dinamičnega tempa napetosti do deformacije kotov figure. Te »napake« je »razrešilo« že Gericaultovo delo, a Delacroix znova pokaže romantično vero, da slika ni »resnica situacije, ampak resnica občutka«.

Leta 1824 je Delacroix izgubil prijatelja in učitelja Géricaulta. In postal je vodja nove slike.

Leta so minevala. Ena za drugo so se pojavile slike: "Grčija na ruševinah Missalunge", "Sardanapalova smrt" in drugi Umetnik je postal izobčenec v uradnih slikarskih krogih. Toda julijska revolucija leta 1830 je spremenila položaj. Umetnika vžge z romantiko zmag in dosežkov. Naslika sliko "Svoboda na barikadah".

Leta 1831 so Francozi na pariškem salonu prvič videli sliko Eugena Delacroixa "Svoboda na barikadah", posvečeno "trem slavnim dnevom" julijske revolucije leta 1830. Platno je na sodobnike naredilo osupljiv vtis z močjo, demokratičnostjo in pogumom umetniške odločitve. Po legendi je en ugleden buržuj vzkliknil: »Pravite - vodja šole? Povej mi bolje - vodja upora! Po zaprtju Salona je vlada, prestrašena zaradi grozeče in navdihujoče privlačnosti, ki je izhajala iz slike, pohitela vrniti avtorju. Med revolucijo leta 1848 je bil ponovno javno razstavljen v luksemburški palači. In se spet vrnil k umetniku. Šele ko je bilo platno leta 1855 razstavljeno na svetovni razstavi v Parizu, je pristalo v Louvru. To je ena najboljših stvaritev francoske romantike, navdahnjeno pričevanje očividca in večni spomenik boj ljudi za svojo svobodo.

Kakšno umetniško govorico je našel mladi francoski romantik, da bi združil ti dve na videz nasprotni načeli - široko, vseobsegajočo posplošitev in konkretno, v svoji goloti kruto resničnost?

Pariz slavnih julijskih dni 1830. Zrak nasičen s sivim dimom in prahom. Čudovito in veličastno mesto, ki izginja v meglici prahu. V daljavi komaj opazni, a ponosno se dvigajo stolpi katedrale Notre Dame v Parizu- simbol zgodovine, kulture, duha francoskega ljudstva. Od tam, iz zakajenega mesta, čez ruševine barikad, čez trupla mrtvih tovarišev, trmasto in odločno stopajo vstajniki naprej. Vsak od njih lahko umre, a korak upornikov je neomajen - navdihuje jih volja do zmage, do svobode.

Ta navdihujoča sila je utelešena v podobi lepe mlade ženske, ki v strastnem izbruhu kliče po sebi. Z neizčrpno energijo, svobodno in mladostno hitrostjo gibanja je kot grška boginja

Nick zmaga. Njena močna postava je oblečena v hitonsko obleko, njen obraz s popolnimi potezami, z gorečimi očmi, je obrnjen proti upornikom. V eni roki drži francosko trobojnico, v drugi pa pištolo. Na glavi je frigijska kapa - starodavni simbol osvoboditve iz suženjstva. Njen korak je hiter in lahkoten – tako stopajo boginje. Hkrati je podoba ženske resnična - je hči francoskega ljudstva. Ona je vodilna sila za gibanjem skupine na barikadah. Iz nje, kot iz vira svetlobe v središču energije, sevajo žarki, ki polnijo z žejo in voljo do zmage. Tisti, ki so v njeni neposredni bližini, vsak na svoj način izražajo svojo vpetost v ta navdihujoči in navdihujoči klic.

Na desni je deček, pariški gamen, ki vihti pištole. Najbližje je Svobodi in tako rekoč podžgan z njenim navdušenjem in veseljem svobodnega impulza. V hitrem, fantovsko nepotrpežljivem gibu je celo malo pred svojim navdihom. To je predhodnik legendarnega Gavrocheja, ki ga je dvajset let kasneje upodobil Victor Hugo v Nesrečnikih: »Gavroche, poln navdiha, sijoč, je prevzel nalogo, da celotno stvar spravi v gibanje. Drvel je sem in tja, šel gor, šel dol

dol, spet vstal, zašumel, iskril se od veselja. Zdi se, da je prišel sem, da bi razveselil vse. Je imel za to kakšen motiv? Ja, seveda, njegova revščina. Je imel krila? Ja, seveda, njegova veselost. Bil je nekakšen vihar. Zdelo se je, da napolni zrak s seboj, prisoten povsod hkrati ... Ogromne barikade so ga čutile na svoji hrbtenici.

Gavroche v Delacroixovi sliki je poosebljenje mladosti, "lep impulz", veselo sprejemanje svetle ideje svobode. Zdi se, da se dve podobi - Gavroche in Liberty - dopolnjujeta: ena je ogenj, druga je bakla, ki jo prižge. Heinrich Heine je povedal, kako živahen odziv je med Parižani vzbudil lik Gavrocheja. "Prekleto! je vzkliknil trgovec z živili. "Ti fantje so se borili kot velikani!"

Na levi je študent s pištolo. Prej je veljal za umetnikov avtoportret. Ta upornik ni tako hiter kot Gavroche. Njegovo gibanje je bolj zadržano, bolj koncentrirano, smiselno. Roke samozavestno stiskajo cev pištole, obraz izraža pogum, trdno odločenost vztrajati do konca. To je globoko tragična podoba. Študent se zaveda neizogibnosti izgub, ki jih bodo utrpeli uporniki, vendar ga žrtve ne prestrašijo - volja po svobodi je močnejša. Za njim stoji prav tako pogumen in odločen delavec s sabljo. Ranjen pred nogami svobode. Težko se dvigne, da bi se spet ozrl na Svobodo, da bi videl in z vsem srcem začutil tisto lepoto, za katero umira. Ta figura prinaša akutno dramatičen začetek zvoka Delacroixovega platna. Če podobe Gavrocheja, svobode, študenta, delavca - skoraj simboli, utelešenje neizprosne volje borcev za svobodo - navdihujejo in kličejo gledalca, potem ranjenec kliče k sočutju. Človek se poslavlja od svobode, poslavlja se od življenja. On je še vedno impulz, gibanje, a že bledeč impulz.

Njegova postava je prehodna. Gledalčev pogled, še vedno očaran in ponesen nad revolucionarno odločnostjo upornikov, se spusti do vznožja barikade, prekrite s trupli slavnih mrtvih vojakov. Smrt umetnik predstavlja v vsej goloti in dokazovanju dejstev. Vidimo modre obraze mrtvih, njihova gola telesa: boj je neusmiljen, smrt pa prav tako neizogibna spremljevalka upornikov kot prelepa navdihujoča Svoboda.

Ampak ne popolnoma enako! Od strašnega prizora na spodnjem robu slike spet dvignemo oči in zagledamo lepo mlado postavo – ne! življenje zmaga! Ideja svobode, utelešena tako vidno in oprijemljivo, je tako usmerjena v prihodnost, da smrt v njenem imenu ni strašna.

Umetnik upodablja le majhno skupino upornikov, živih in mrtvih. Toda branilci barikade se zdijo nenavadno številni. Kompozicija je zgrajena tako, da skupina borcev ni omejena, ni zaprta vase. Je le del neskončnega plazu ljudi. Umetnik daje tako rekoč delček skupine: okvir slike odreže figure z leve, desne in spodnje strani.

Običajno barva v delih Delacroixa pridobi čustven zvok, igra prevladujočo vlogo pri ustvarjanju dramatičnega učinka. Barve, včasih divje, včasih bledeče, zamolkle, ustvarjajo napeto vzdušje. V Svobodi na barikadah Delacroix odstopa od tega načela. Umetnik zelo natančno, nedvoumno izbere barvo in jo nanese s širokimi potezami, prenaša vzdušje bitke.

Toda paleta barv je omejena. Delacroix se osredotoča na reliefno modelacijo forme. To je zahtevala figurativna rešitev slike. Navsezadnje je umetnik z upodabljanjem določenega včerajšnjega dogodka ustvaril tudi spomenik temu dogodku. Zato so figure skoraj kiparske. Zato je vsak lik, ki je del enotne celote slike, tudi nekaj zaprtega samega sebe, predstavlja simbol, ki je vlit v zaključeno obliko. Zato barva ne le čustveno vpliva na občutke gledalca, ampak nosi simbolno obremenitev. Tu in tam se v rjavo-sivem prostoru utripa slovesna triada rdeče, modre, bele - barve prapora francoske revolucije leta 1789. Večkratno ponavljanje teh barv podpira močan akord trobojnice, ki plapola nad barikadami.

Delacroixova slika "Svoboda na barikadah" je po svojem obsegu kompleksno, veličastno delo. Tu sta združeni pristnost neposredno videnega dejstva in simbolika podob; realizem, doseganje brutalnega naturalizma in idealne lepote; grobo, strašno in vzvišeno, čisto.

Slika "Svoboda na barikadah" je utrdila zmago romantike v francoskem slikarstvu. V 30. letih še dve zgodovinski sliki: "Bitka pri Poitiersu" in "Atentat na lieškega škofa".

Leta 1822 je umetnik obiskal Severno Afriko, Maroko, Alžirijo. Potovanje je nanj naredilo neizbrisen vtis. V 50. letih so se v njegovem delu pojavile slike, ki so jih navdihnili spomini na to potovanje: "Lov na leve", "Maroško osedlanje konja" in drugi Svetle kontrastne barve ustvarjajo romantičen zvok teh slik. V njih se pojavi tehnika široke poteze.

Delacroix kot romantik ni zapisoval stanja svoje duše le v jeziku slikovnih podob, temveč tudi v literarni obliki svojih misli. Dobro je opisal postopek. ustvarjalno delo romantični umetnik, njegovi barvni eksperimenti, razmišljanja o razmerju med glasbo in drugimi oblikami umetnosti. Njegovi dnevniki so postali priljubljeno branje umetnikov naslednjih generacij.

Francoska romantična šola je močno napredovala na področju kiparstva (Rud in njegov relief Marseljeze), krajinskega slikarstva (Camille Corot s svetlobnimi podobami francoske narave).

Zahvaljujoč romantiki se osebna subjektivna vizija umetnika oblikuje v obliki zakona. Impresionizem bo popolnoma uničil oviro med umetnikom in naravo, umetnost pa razglasil za impresijo. Romantiki govorijo o umetnikovi fantaziji, "glasu njegovih občutkov", ki mu omogoča, da preneha z delom, ko mojster meni, da je to potrebno, in ne kot zahtevajo akademski standardi popolnosti.

Če so se Gericaultove fantazije osredotočale na prenos gibanja, Delacroix na magično moč barve, Nemci pa so temu dodali določen »duh slikarstva«, potem španski Romantiki v osebi Francisca Goye (1746-1828) so pokazali folklorni izvor sloga, njegovo fantazmagoričnost in grotesknost. Sam Goya in njegovo delo sta videti daleč od kakršnega koli slogovnega okvira, še posebej, ker je moral umetnik zelo pogosto slediti zakonitostim uprizoritvenega materiala (ko je na primer izdeloval slike za tkane rešetkaste preproge) ali zahtevam naročnika.

Njegove fantazmagorije so prišle na dan v serijah jedkanic “Caprichos” (1797-1799),"Katastrofe vojne" (1810-1820),»Disparantes (»norije«)(1815-1820), poslikave "Hiše gluhih" in cerkve San Antonio de la Florida v Madridu (1798). Huda bolezen leta 1792. privedla do popolne gluhote umetnika. Umetnost mojstra po fizični in duhovni travmi postane bolj koncentrirana, premišljena, notranje dinamična. Zunanji svet, zaprt zaradi gluhote, je aktiviral Goyino notranje duhovno življenje.

V jedkanicah “Caprichos” Goya doseže izjemno moč v prenosu hipnih reakcij, impulzivnih občutkov. Črno-bela izvedba, zahvaljujoč drzni kombinaciji velike lise, odsotnost linearnosti, značilne za grafiko, pridobi vse lastnosti slike.

Stenske poslikave cerkve svetega Antona v Madridu Goya ustvarja, kot se zdi, v enem dihu. Temperament poteze, lakonizem kompozicije, izraznost značilnosti likov, katerih tip Goya vzame neposredno iz množice, so neverjetni. Umetnik upodablja čudež Antona Floridskega, ki je umorjenega obudil in spregovoril, ki je poimenoval morilca in s tem nedolžno obsojenega rešil usmrtitve. Dinamičnost živahno odzivne množice prenaša Goya tako v gestah kot v mimiki upodobljenih obrazov. V kompozicijski shemi razporeditve slik v prostoru cerkve slikar sledi Tiepolu, vendar odziv, ki ga ta vzbuja v gledalcu, ni baročni, temveč čisto romantičen, vpliva na čutenje vsakega gledalca in ga kliče, naj se obrne k sebe.

Najbolj je ta cilj dosežen v sliki Conto del Sordo (»Hiša gluhih«), v kateri je Goya živel od leta 1819. Stene sob so prekrite s petnajstimi kompozicijami fantastične in alegorične narave. Njihovo dojemanje zahteva globoko empatijo. Slike nastajajo kot nekakšne vizije mest, žensk, moških itd. Barva, ki utripa, izvleče eno figuro, nato drugo. Slika kot celota je temna, prevladujejo bele, rumene, rožnato rdeče lise, prebliski motečih občutkov. Jedkanice serije "Disparantes" .

Goya je zadnja 4 leta preživel v Franciji. Malo verjetno je, da je vedel, da se Delacroix ni ločil od svojih "Caprichos". In ni mogel predvideti, kako bodo Hugo in Baudelaire prevzeli te jedkanice, kakšen velik vpliv bo imelo njegovo slikarstvo na Maneta in kako v 80. letih XIX. V. Stasov bo povabil ruske umetnike k študiju njegovih "vojnih katastrof"

A glede na to vemo, kakšen velik vpliv je imela ta »brez sloga« umetnost drznega realista in navdahnjenega romantika na umetnostno kulturo 19. in 20. stoletja.

Fantastični svet sanj uresničuje v svojih delih tudi angleški romantični umetnik William Blake (1757-1827). Anglija je bila klasična dežela romantične literature. Byron. Shelley je postal zastava tega gibanja daleč onkraj "meglenega Albiona". V Franciji so v revijalni kritiki časa »romantičnih bitk« romantike imenovali »Shakespearejanci«. Glavna značilnost angleškega slikarstva je bilo vedno zanimanje za človeško osebnost, kar je omogočilo ploden razvoj portretnega žanra. Romantika v slikarstvu je zelo tesno povezana s sentimentalizmom. Romantično zanimanje za srednji vek je sprožilo obsežno zgodovinsko literaturo. Priznani mojster je V. Scott. V slikarstvu je tema srednjega veka določila pojav tako imenovanih perafaelitov.

William Blake je neverjeten tip romantika na angleški kulturni sceni. Piše poezijo, ilustrira svoje in druge knjige. Njegov talent je skušal zaobjeti in izraziti svet v celoviti enotnosti. Njegova najbolj znana dela so ilustracije za svetopisemsko "Jobovo knjigo", "Božansko komedijo" Danteja, "Izgubljeni raj" Miltona. Svoje kompozicije naseli s titanskimi figurami junakov, ki ustrezajo svoji okolici neresničnega razsvetljenega ali fantazmagoričnega sveta. Njegove ilustracije preplavlja občutek uporniškega ponosa ali harmonije, ki jo je težko ustvariti iz disonanc.

Pokrajinske gravure za "Pastorale" rimskega pesnika Vergilija se zdijo nekoliko drugačne - so bolj idilično romantične kot njihova prejšnja dela.

Blakova romantika skuša najti lastno umetniško formulo in obliko obstoja sveta.

William Blake, ki je živel življenje v skrajni revščini in mračnosti, je bil po smrti uvrščen med množico klasikov angleške umetnosti.

V delu angleških krajinskih slikarjev zgodnjega XIX. romantični hobiji so združeni z bolj objektivnim in treznim pogledom na naravo.

Romantično dvignjene pokrajine ustvarja William Turner (1775-1851). Rad je upodabljal nevihte, nalive, nevihte na morju, svetle, ognjene sončne zahode. Turner je pogosto pretiraval z učinki osvetlitve in stopnjeval zvok barve, tudi ko je slikal umirjeno stanje narave. Za večji učinek je uporabil akvarelno tehniko in superponiranje oljna barva zelo tanek sloj in pisal neposredno na tla, s čimer je dosegel mavrične prelive. Primer je slika "Dež, sopara in hitrost"(1844). Toda tudi znani kritik tistega časa Thackeray ni mogel pravilno razumeti morda najbolj inovativne slike tako v oblikovanju kot v izvedbi. »Dež nakazujejo madeži umazanega kita,« je zapisal, »poškropljenega na platno s paletnim nožem, sončna svetloba z dolgočasnim lesketanjem se prebija skozi zelo debele kepe umazano rumenega kroma. Sence prenašajo hladni odtenki škrlatnega kraplaka in lise cinobarja utišanih tonov. In čeprav se zdi, da je ogenj v peči lokomotive rdeč, si ne upam trditi, da ni pobarvan s kabaltovo ali grahovo barvo. Drugi kritik je v Turnerjevem barvanju našel barvo "umešanih jajc in špinače". Barve pokojnega Turnerja so se sodobnikom na splošno zdele popolnoma nepredstavljive in fantastične. Trajalo je več kot stoletje, da smo v njih videli zrno resničnih opazovanj. Toda kot v drugih primerih je bilo tudi tukaj. Ohranilo se je zanimivo poročilo očividca, bolje rečeno, priče rojstva »Dežja, sopare in hitrosti«. Neka gospa Simone se je peljala v kupeju Western Expressa, nasproti nje pa je sedel starejši gospod. Prosil je za dovoljenje, da odpre okno, pomolil glavo ven v dež in ostal v tem položaju kar nekaj časa. Ko je končno zaprl okno. Voda je v potokih kapljala z njega, on pa je blaženo zaprl oči in se naslonil nazaj ter očitno užival v tem, kar je pravkar videl. Radovedna mladenka se je odločila, da bo sama izkusila njegove občutke - tudi pomolila je glavo skozi okno. Tudi zmočil. Dobil pa sem nepozaben vtis. Predstavljajte si njeno presenečenje, ko je leto kasneje na razstavi v Londonu videla Dež, para in hitrost. Nekdo za njo je kritično pripomnil: »Izjemno tipično za Turnerja, kajne. Nihče še ni videl takšne mešanice absurdov.” In ona, ki se ni mogla zadržati, je rekla: "Videla sem."

Morda je to prva podoba vlaka v slikarstvu. zorni kot je vzet nekje od zgoraj, kar je omogočilo široko panoramsko pokritost. Western Express leti čez most s hitrostjo, ki je bila za tisti čas naravnost izjemna (več kot 150 km na uro). Poleg tega je to verjetno prvi poskus upodabljanja svetlobe skozi dež.

Angleška umetnost sredine 19. stoletja. razvila v povsem drugo smer kot Turnerjevo slikarstvo. Čeprav je bila njegova spretnost splošno priznana, mu nihče od mladih ni sledil.

Turner je dolgo veljal za predhodnika impresionizma. Zdi se, da bi morali francoski umetniki nadalje razvijati njegovo iskanje barve iz svetlobe. Ampak temu sploh ni tako. V bistvu Turnerjev vpliv na impresioniste sega v delo Paula Signaca Od Delacroixa do neoimpresionizma, objavljeno leta 1899, kjer je opisal, kako sta "leta 1871 med svojim dolgim ​​bivanjem v Londonu Claude Manet in Camille Pissarro odkrila Turnerja. Čudili so se nad samozavestno in čarobno kakovostjo njegovih barv, proučevali so njegovo delo, analizirali njegovo tehniko. Sprva so bili presenečeni nad njegovo upodobitvijo snega in ledu, šokirani nad načinom, kako je uspel prenesti občutek beline snega, ki ga sami niso mogli, z velikimi srebrno belimi lisami, položenimi s širokimi potezami čopiča. . Videli so, da tega vtisa ni mogoče doseči samo z beljenjem. In množica večbarvnih potez. Nanesli enega ob drugega, kar je ustvarilo tak vtis, če jih pogledate od daleč.

V teh letih je Signac povsod iskal potrditev svoje teorije pointilizma. Toda na nobeni od Turnerjevih slik, ki so jih francoski umetniki lahko videli v Narodni galeriji leta 1871, ni tehnike pointilizma, ki jo je opisal Signac, niti ni "širokih madežev beline".V resnici Turnerjev vpliv na Francoze ni bil močnejši v 1870 -e, in v 1890-ih.

Turnerja je najbolj natančno preučeval Paul Signac - ne le kot predhodnik impresionizma, o katerem je pisal v svoji knjigi, ampak tudi kot velik inovativni umetnik. O Turnerjevih poznih slikah "Dež, para in hitrost", "Izgnanstvo", "Jutro" in "Večer poplave" je Signac pisal svojemu prijatelju Angrandu: čudovit pomen besede."

Signacova navdušena ocena je pomenila začetek sodobnega razumevanja Turnerjevega slikarskega iskanja. Ampak za Zadnja leta včasih se zgodi, da ne upoštevajo podteksta in kompleksnosti smeri njegovega iskanja, enostransko izbirajo primere iz res nedokončanih Turnerjevih »podslikav«, skušajo v njem odkriti predhodnika impresionizma.

Od najnovejših umetnikov vse seveda kaže na primerjavo z Monetom, ki je sam prepoznal Turnerjev vpliv nanj. Obstaja celo ena ploskev, ki je v obeh popolnoma podobna - in sicer zahodni portal katedrale v Rouenu. Toda če nam Monet poda študijo sončne osvetlitve stavbe, nam ne poda gotike, ampak nekakšen goli model, pri Turnerju razumete, zakaj se je umetnik, popolnoma zatopljen v naravo, začel zanimati za to temo - v svojem podoba je ravno kombinacija izjemne veličine celote in neskončnega, ki vzbuja raznovrstne detajle, tisto, kar stvaritve gotske umetnosti približa delom narave.

Posebnost angleške kulture in romantične umetnosti je odprla možnost za nastanek prvega plenerista, ki je v 19. stoletju postavil temelje svetlobni podobi narave, Johna Constabla (1776-1837). Anglež Constable si za glavni žanr svojega slikarstva izbere pokrajino: »Svet je velik; niti dva dneva si nista enaka, tudi dve uri ne; Od nastanka sveta ni bilo dveh enakih listov na enem drevesu in vse pristne umetnine se tako kot stvaritve narave razlikujejo med seboj,« je dejal.

Stražar je s tenkočutnim opazovanjem različnih stanj narave naslikal velike oljne skice na pleterih, v katerih je znal podati kompleksnost notranjega življenja narave in njenega vsakdana. (»Pogled na Highgate s Hempstead Hillsa«, V REDU. 1834; "voz s senom" 1821; “Detham Valley”, okoli 1828) je to dosegel s pomočjo tehnik pisanja. Slikal je z gibljivimi potezami, včasih debelimi in grobimi, včasih bolj gladkimi in prozornejšimi. Impresionisti bodo do tega prišli šele ob koncu stoletja. Constableovo inovativno slikarstvo je vplivalo na Delacroixova dela, pa tudi na celoten razvoj francoske krajine.

Constableova umetnost, pa tudi številni vidiki Gericaultovega dela, so zaznamovali nastanek realističnega trenda v evropski umetnosti 19. stoletja, ki se je sprva razvijal vzporedno z romantiko. Kasneje so se njune poti razšle.

Romantiki odpirajo svet človeška duša, individualen, za razliko od drugih, vendar iskren in zato blizu vsem čutnim videnjem sveta. Trenutnost podobe v slikarstvu, kot je dejal Gelacroix, in ne njena konsistentnost v literarni uprizoritvi, je določala osredotočenost umetnikov na najkompleksnejši prenos giba, zavoljo katerega so bile najdene nove formalne in koloristične rešitve. Romantika je pustila dediščino druge polovice XIX. vseh teh problemov in umetniške individualnosti, osvobojene pravil akademizma. Simbol, ki naj bi pri romantikih izražal bistven spoj ideje in življenja, je v umetnosti druge polovice 19. st. se raztopi v polifoniji umetniške podobe, zajema raznolikost idej in okoliškega sveta.

b) Glasba

Ideja umetniške sinteze je našla izraz v ideologiji in praksi romantike. Romantika v glasbi se je oblikovala v dvajsetih letih 19. stoletja pod vplivom literature romantike in se razvijala v tesni povezavi z njo, z literaturo nasploh (obračanje k sintetičnim žanrom, predvsem operi, pesmi, instrumentalnim miniaturam in glasbenim programom). Poziv k notranjemu svetu osebe, značilen za romantiko, se je izrazil v kultu subjektivnega, hrepenenju po čustveno intenzivnem, kar je določilo primat glasbe in besedil v romantiki.

Glasba 1. polovice 19. stoletja. hitro razvijal. Nastal je nov glasbeni jezik; v instrumentalni in komorno-vokalni glasbi je miniatura dobila posebno mesto; orkester je zvenel s pestrim spektrom barv; na nov način so se razkrile možnosti klavirja in violine; glasba romantikov je bila zelo virtuozna.

Glasbena romantika se je manifestirala v številnih različnih vejah, povezanih z različnimi nacionalnimi kulturami in z različnimi družbenimi gibanji. Tako se na primer intimni, lirični slog nemških romantikov in "oratorijski" civilni patos, značilen za delo francoskih skladateljev, bistveno razlikujeta. Po drugi strani pa predstavniki novih nacionalnih šol, ki so nastale na podlagi širokega narodnoosvobodilnega gibanja (Chopin, Moniuszko, Dvorak, Smetana, Grieg), pa tudi predstavniki italijanske operne šole, tesno povezane z gibanjem Risorgimento (Verdi, Bellini), se v marsičem razlikuje od sodobnikov v Nemčiji, Avstriji ali Franciji, zlasti v težnji po ohranjanju klasičnih tradicij.

Vsem pa je skupno nekaj skupnega umetniška načela, ki nam omogočajo govoriti o eni sami romantični strukturi mišljenja.

Zaradi posebne sposobnosti glasbe, da globoko in prodorno razkrije bogat svet človeških izkušenj, jo je romantična estetika postavila na prvo mesto med drugimi umetnostmi. Številni romantiki so poudarjali intuitivni začetek glasbe in ji pripisovali lastnost izražanja »nespoznavnega«. Delo izjemnih romantičnih skladateljev je imelo močno realistično podlago. Zanimanje za življenje navadnih ljudi, polnost življenja in resničnost občutkov, zanašanje na glasbo vsakdanjega življenja je določilo realizem dela najboljših predstavnikov glasbene romantike. Reakcionarne težnje (misticizem, beg od resničnosti) so lastne le relativno majhnemu številu del romantikov. Deloma so se pojavili v Webrovi operi Euryanta (1823), v nekaterih Wagnerjevih glasbenih dramah, Lisztovem oratoriju Kristus (1862) itd.

TO začetku XIX stoletja se pojavljajo temeljne študije folklore, zgodovine, starodavne književnosti, obujajo se srednjeveške legende, gotska umetnost, renesančna kultura, pozabljena. Prav v tem času so se v evropskem skladateljskem delu razvile številne nacionalne šole posebnega tipa, ki jim je bilo usojeno bistveno razširiti meje skupne evropske kulture. Ruski, ki je kmalu zasedel, če ne prvo, pa eno prvih mest na svetu kulturna ustvarjalnost(Glinka, Dargomyzhsky, "Kučkisti", Čajkovski), poljščina (Chopin, Moniuszko), češčina (Smetana, Dvorak), madžarščina (Seznam), nato norveščina (Grig), španščina (Pedrel), finščina (Sibelius), angleščina (Elgar) ) - vsi, ki so se zlili v splošni tok skladateljeve ustvarjalnosti v Evropi, nikakor niso nasprotovali ustaljenim starodavnim tradicijam. Nastal je nov krog podob, ki izražajo edinstvene nacionalne značilnosti nacionalne kulture, ki ji je skladatelj pripadal. Intonacijska struktura dela vam omogoča, da na uho takoj prepoznate pripadnost določeni nacionalni šoli.

Skladatelji v skupni evropski glasbeni jezik vpletajo intonacijske obrate stare, predvsem kmečke folklore svojih držav. Ti so tako rekoč očistili rusko ljudsko pesem iz lakirane opere, v kozmopolitski intonacijski sistem 18. stoletja so vnesli pesemske obrate ljudsko-vsakdanjih žanrov. Najbolj presenetljiv pojav v glasbi romantike, ki je še posebej živo zaznaven v primerjavi s figurativno sfero klasicizma, je prevlada lirično-psihološkega principa. Seveda je posebnost glasbene umetnosti na splošno lomljenje katerega koli pojava skozi sfero čustev. Glasba vseh obdobij je podvržena temu vzorcu. Toda romantiki so presegli vse svoje predhodnike po vrednosti liričnega začetka v svoji glasbi, po moči in popolnosti pri prenašanju globin človekovega notranjega sveta, najsitnejših odtenkov razpoloženja.

Tema ljubezni v njem zavzema prevladujoče mesto, saj to stanje duha najbolj celovito in v celoti odraža vse globine in nianse človeške psihe. Zelo značilno pa je, da se ta tematika ne omejuje le na motive ljubezni v dobesednem pomenu besede, ampak se istoveti z najširšo paleto pojavov. Čisto lirična doživetja likov se razkrivajo v ozadju široke zgodovinske panorame. Človekova ljubezen do svojega doma, do svoje domovine, do svojega ljudstva teče kot nit skozi delo vseh romantičnih skladateljev.

V glasbenih delih majhnih in velikih oblik je veliko mesto namenjeno podobi narave, ki je tesno in neločljivo prepletena s temo lirične izpovedi. Tako kot podobe ljubezni tudi podoba narave pooseblja junakovo duševno stanje, tako pogosto obarvano z občutkom neskladja z resničnostjo.

Fantastična tema pogosto tekmuje s podobami narave, kar je verjetno generirano iz želje po pobegu iz ujetništva resničnega življenja. Za romantike je bilo značilno iskanje čudovitega, bleščečega z bogastvom barv sveta, nasprotnega sivemu vsakdanu. V teh letih je bila literatura obogatena s pravljicami, baladami ruskih pisateljev. Med skladatelji romantične šole čudovite, fantastične podobe pridobijo nacionalno edinstveno barvo. Balade se zgledujejo po ruskih pisateljih in zahvaljujoč temu nastajajo dela fantastičnega grotesknega načrta, ki simbolizirajo tako rekoč napačno stran vere, ki si prizadeva obrniti ideje strahu pred silami zla.

Mnogi romantični skladatelji so delovali tudi kot glasbeni pisci in kritiki (Weber, Berlioz, Wagner, Liszt itd.). Teoretično delo predstavnikov progresivne romantike je zelo pomembno prispevalo k razvoju najpomembnejših vprašanj glasbene umetnosti. Romantika se je izrazila tudi v odrski umetnosti (violinist Paganini, pevec A. Nurri idr.).

Progresivni pomen romantike v tem obdobju je predvsem v dejavnosti Franz Liszt. Lisztovo delo je bilo kljub protislovnemu svetovnemu nazoru v osnovi napredno, realistično. Eden od začetnikov in klasikov madžarske glasbe, izjemen narodni umetnik.

Madžarske nacionalne teme se široko odražajo v številnih Lisztovih delih. Lisztove romantične, virtuozne skladbe so razširile tehnične in izrazne možnosti klavirske igre (koncerti, sonate). Pomembne so bile Lisztove povezave s predstavniki ruske glasbe, katerih dela je aktivno promoviral.

Hkrati je imel Liszt veliko vlogo pri razvoju svetovne glasbene umetnosti. Po Lisztu je »za klavir postalo vse mogoče«. Značajske lastnosti njegova glasba - improvizacija, romantična vznesenost čustev, ekspresivna melodija. Liszt je cenjen kot skladatelj, izvajalec, glasbenik. Glavna dela skladatelja: opera " Don Sancho ali grad ljubezni”(1825), 13 simfoničnih pesnitev” Tasso ”, ” Prometej ”, “Hamlet” in drugi, dela za orkester, 2 koncerta za klavir in orkester, 75 romanc, zborov in druga enako znana dela.

Ena prvih manifestacij romantike v glasbi je bila ustvarjalnost Franz Schubert(1797-1828). Schubert se je vpisal v zgodovino glasbe kot največji izmed utemeljiteljev glasbene romantike in ustvarjalec številnih novih žanrov: romantične simfonije, klavirske miniature, lirično-romantične pesmi (romance). Najvišja vrednost pri svojem delu ima pesem, v kateri je pokazal zlasti veliko inovativnih teženj. V Schubertovih pesmih je najgloblje razkrit notranji svet osebe, najbolj opazna je njegova značilna povezanost z ljudsko glasbo, najbolj očitna je ena najpomembnejših lastnosti njegovega talenta - neverjetna raznolikost, lepota, čar melodij. Najboljše pesmi zgodnjega obdobja so " Margarita pri kolovratu ”(1814) , “gozdni kralj". Obe pesmi sta napisani na besede Goetheja. V prvem od njih se zapuščeno dekle spominja svojega ljubljenega. Je osamljena in globoko trpeča, njena pesem je žalostna. Preprosto in iskreno melodijo odmeva le monotono brenčanje vetriča. "Gozdni kralj" je kompleksno delo. To ni pesem, temveč dramski prizor, kjer se pred nami pojavijo trije liki: oče, ki jezdi konja skozi gozd, bolan otrok, ki ga nosi s seboj, in mogočni gozdni kralj, ki se prikaže dečku v vročini. delirij. Vsak od njih ima svoj melodični jezik. Schubertove pesmi "Postrv", "Barcarolle", "Jutranja serenada" niso nič manj znane in ljubljene. Te pesmi, ki so bile napisane v poznejših letih, so izjemne zaradi svoje presenetljivo preproste in ekspresivne melodije ter svežih barv.

Schubert je napisal tudi dva cikla pesmi - “ lepa mlinarka"(1823) in" zimska pot”(1872) - po besedah ​​nemškega pesnika Wilhelma Müllerja. V vsaki od njih so pesmi združene z enim zapletom. Pesmi cikla Lepa mlinarica pripovedujejo o mladem fantu. Po toku potoka se odpravi na pot iskat svojo srečo. Večina pesmi tega cikla je lahkotnega značaja. Razpoloženje cikla Zimska pot je popolnoma drugačno. Revnega mladeniča zavrne bogata nevesta. V obupu zapusti rodno mesto in se odpravi na potepanje po svetu. Njegovi spremljevalci so veter, snežni metež, zlovešče kavkanje vrane.

Nekaj ​​tukaj navedenih primerov nam omogoča govoriti o značilnostih Schubertovega pisanja pesmi.

Schubert je rad pisal klavirska glasba. Za ta instrument je napisal ogromno del. Tako kot pesmi so bila tudi njegova klavirska dela blizu vsakdanji glasbi ter prav tako preprosta in razumljiva. Najljubši žanri njegove skladbe so bile plesi, koračnice, v zadnjih letih življenja pa improvizirane.

Valčki in drugi plesi so se običajno pojavljali na Schubertovih balih, na podeželskih sprehodih. Tam jih je improviziral, doma pa posnel.

Če primerjamo Schubertove klavirske skladbe z njegovimi pesmimi, lahko najdemo veliko podobnosti. Najprej je to velika melodična izraznost, gracioznost, barvita sopostavljenost dura in mola.

Eden največjih francosko skladateljev druge polovice 19. stol Georges Bizet, ustvarjalec nesmrtne stvaritve za glasbeno gledališče - opere “Karmen"in čudovita glasba za dramo Alphonsa Daudeta" arlezijski ”.

Za Bizetovo delo je značilna natančnost in jasnost misli, novost in svežina izraznih sredstev, popolnost in eleganca oblike. Bizet je oster psihološka analiza v razumevanju človeških občutkov in dejanj, značilnih za delo velikih rojakov skladatelja - pisateljev Balzaca, Flauberta, Maupassanta. Osrednje mesto v žanrsko raznolikem delu Bizeta pripada operi. Skladateljeva operna umetnost je vzniknila na nacionalnih tleh in se gojila na tradicijah francoske operne hiše. Bizet je za prvo nalogo svojega dela menil, da je premagal žanrske omejitve, ki obstajajo v francoski operi, ki ovirajo njen razvoj. »Velika« opera se mu zdi mrtev žanr, lirična opera draži s svojo solzljivostjo in malomeščansko ozkosrčnostjo, komična si zasluži pozornost bolj kot druge. V Bizetovi operi se prvič pojavijo sočni in živahni domači in množični prizori, ki napovedujejo življenje in žive prizore.

Bizetova glasba za dramo Alphonsa Daudeta »Arlezijski” je znana predvsem po dveh koncertnih suitah, sestavljenih iz njenih najboljših skladb. Bizet je uporabil nekaj pristnih provansalskih melodij : “Pohod treh kraljev” in "Ples živahnih konj".

Bizetova opera Karmen” je glasbena drama, ki pred občinstvom s prepričljivo resnicoljubnostjo in z očarljivo umetniško močjo razgrinja zgodbo o ljubezni in smrti svojih junakov: vojaka Joseja in ciganke Carmen. Opera Carmen je nastala na podlagi tradicije francoskega glasbenega gledališča, hkrati pa je prinesla tudi marsikaj novega. Na podlagi najboljših dosežkov nacionalne opere in reformiranja njenih najpomembnejših prvin je Bizet ustvaril nov žanr - realistično glasbeno dramo.

V zgodovini operne hiše 19. stoletja opera Carmen zavzema eno prvih mest. Od leta 1876 se je začela njena zmagoslavna povorka na odrih opernih hiš Dunaja, Bruslja in Londona.

Manifestacijo osebnega odnosa do okolja so pesniki in glasbeniki izražali predvsem v neposrednosti, čustveni »odprtosti« in strasti izražanja, v želji, da bi poslušalca prepričali s pomočjo nenehne intenzivnosti tona priznanje ali izpoved.

Ti novi trendi v umetnosti so odločilno vplivali na nastanek lirična opera. Nastala je kot antiteza "velike" in komične opere, ni pa mogla mimo njunih osvajanj in dosežkov na področju operne dramaturgije in glasbenih izraznih sredstev.

Posebna značilnost novega opernega žanra je bila lirična interpretacija katerega koli literarni zaplet- na zgodovinske, filozofske oz moderna tema. Junaki lirične opere so obdarjeni z značilnostmi običajnih ljudi, brez ekskluzivnosti in nekaj hiperbolizacije, značilne za romantično opero. Najpomembnejši umetnik na področju lirične opere je bil Charles Gounod.

Med precej številno operno dediščino Gounoda je opera " Faust" zavzema posebno in, lahko bi rekli, izjemno mesto. Njena svetovna slava in popularnost nista primerljivi z drugimi Gounodovimi operami. Zgodovinski pomen opere Faust je še posebej velik, ker je bila ne le najboljša, ampak v bistvu prva med operami nove smeri, o kateri je Čajkovski zapisal: »Nemogoče je zanikati, da je bil Faust napisan, če ne z genij, potem z izjemno spretnostjo in brez pomembne identitete.« V podobi Fausta se zgladi ostra nedoslednost in "razcepljenost" njegove zavesti, večno nezadovoljstvo, ki ga povzroča želja po spoznavanju sveta. Gounod ni mogel prenesti vsestranskosti in kompleksnosti podobe Goethejevega Mefista, ki je utelešal duh militantne kritike tiste dobe.

Eden glavnih razlogov za priljubljenost "Fausta" je bil v tem, da je zbral najboljše in bistveno nove lastnosti mladega žanra lirične opere: čustveno neposreden in živo individualen prenos notranjega sveta opernih likov. Globoko filozofski pomen"Fausta" Goetheja, ki je skušal razkriti zgodovinsko in družbeno usodo vsega človeštva na primeru konflikta glavnih likov, je Gounod utelesil v obliki humane lirične drame Margerite in Fausta.

Francoski skladatelj, dirigent, glasbeni kritik Hector Berlioz se je v zgodovino glasbe zapisal kot največji romantični skladatelj, ustvarjalec programske simfonije, inovator na področju glasbene forme, harmonije in predvsem instrumentarija. V njegovem delu so našli živo utelešenje značilnosti revolucionarnega patosa in junaštva. Berlioz je poznal M. Glinko, čigar glasbo je zelo cenil. Bil je v prijateljskih odnosih z voditelji »mogočne peščice«, ki so z navdušenjem sprejeli njegove spise in ustvarjalna načela.

Ustvaril je 5 glasbenoscenskih del, med njimi opero » Benvenuto Cillini ”(1838), “ Trojanci ”,”Beatrice in Benedikt(po Shakespearovi komediji Veliko hrupa za nič, 1862); 23 vokalnih in simfoničnih del, 31 romanc, zborov, napisal je knjige »Velika razprava o moderni instrumentaciji in orkestraciji« (1844), »Večeri v orkestru« (1853), »Skozi pesmi« (1862), »Glasbene zanimivosti« ( 1859), »Spomini« (1870), članki, ocene.

nemški skladatelj, dirigent, dramatik, publicist Richard Wagner se je zapisal v zgodovino svetovne glasbene kulture kot eden največjih glasbenih ustvarjalcev in velikih reformatorjev operne umetnosti. Cilj njegovih reform je bil ustvariti monumentalno programsko vokalno in simfonično delo v dramski obliki, ki naj bi nadomestilo vse vrste opere in simfonična glasba. Takšno delo je bila glasbena drama, v kateri glasba teče v neprekinjenem toku in združuje vse dramske vezi. Wagner je zavrnil dokončano petje in jih nadomestil z nekakšnim čustveno bogatim recitativom. Veliko mesto v Wagnerjevih operah zavzemajo samostojne orkestralne epizode, ki so dragocen prispevek k svetovni simfonični glasbi.

Wagnerjeva roka pripada 13 operam:“ Leteči Nizozemec" (1843), "Tannhäuser" (1845), "Tristan in Izolda" (1865), "Rensko zlato" (1869) in itd.; zbori, klavirske skladbe, romance.

Še en izjemen nemški skladatelj, dirigent, pianist, učitelj in glasbenik je bil Felix Mendelssohn-Bartholdy. Od 9. leta je začel nastopati kot pianist, pri 17. letih je ustvaril eno od mojstrovin - uverturo v komedijo. C on je v poletni noči" Shakespeare. Leta 1843 je v Leipzigu ustanovil prvi konservatorij v Nemčiji. V delu Mendelssohna, "klasika med romantiki", so romantične poteze združene s klasičnim sistemom mišljenja. Za njegovo glasbo so značilni svetla melodičnost, demokratizem izraza, zmernost občutkov, umirjenost misli, prevlada svetlih čustev, lirična razpoloženja, ne brez rahlega pridiha sentimentalnosti, brezhibne oblike, briljantno obrtniško znanje. R. Schumann ga je imenoval "Mozart 19. stoletja", G. Heine - "glasbeni čudež".

Avtor krajinskih romantičnih simfonij (»Škotska«, »Italijanska«), programskih koncertnih uvertur, priljubljenega violinskega koncerta, ciklov skladb za klavir »Pesem brez besed«; opere Camachova ženitev Napisal je glasbo za dramsko igro Antigona (1841), Sofoklejev Ojdip v kolonu (1845), Racinovo Atalio (1845), Shakespearov Sen kresne noči (1843) in druge; oratoriji »Pavel« (1836), »Elija« (1846); 2 koncerta za klavir in 2 za violino.

IN italijanščina glasbena kultura posebno mesto pripada Giuseppeju Verdiju - izjemnemu skladatelju, dirigentu, organistu. Glavno področje Verdijevega dela je opera. Deloval je predvsem kot glasnik junaško-domoljubnih čustev in narodnoosvobodilnih idej italijanskega ljudstva. V naslednjih letih je pozornost posvečal dramatičnim konfliktom, ki so jih generirali družbena neenakost, nasilje, zatiranje, in v svojih operah obsojal zlo. Značilnosti Verdijevega dela: ljudska glasba, dramatičen temperament, melodična svetlost, razumevanje zakonov scene.

Napisal je 26 oper: Nabucco”, “Macbeth”, “Trubadur”, “Traviata”, “Othello”, “Aida”" in itd . , 20 romanc, vokalne zasedbe .

mlada norveški skladatelj Edvard Grieg (1843-1907) težil k razvoju narodne glasbe. To se ni izražalo samo v njegovem delu, ampak tudi v promociji norveške glasbe.

V letih v Kopenhagnu je Grieg napisal veliko glasbe: " Pesniške slike” in "Humoreska", sonata za klavir in sonata za prvo violino, spev. Z vsakim novim delom se jasneje izrisuje podoba Griega kot norveškega skladatelja. V tenkočutnih liričnih »Pesniških slikah« (1863) še plaho prebijajo narodne poteze. Ritmično figuro pogosto najdemo v norveški ljudski glasbi; postalo je značilno za številne Griegove melodije.

Griegovo delo je obsežno in večplastno. Grieg je pisal dela različnih žanrov. Klavirski koncert in balade, tri sonate za violino in klavir ter sonata za violončelo in klavir, kvartet priča o Griegovem nenehnem hrepenenju po veliki formi. Ob tem je ostalo nespremenjeno skladateljevo zanimanje za instrumentalne miniature. V enaki meri kot klavir je skladatelja pritegnila komorna vokalna miniatura - romanca, pesem. Ne bodite glavni z Griegom, polje simfonične ustvarjalnosti zaznamujejo takšne mojstrovine, kot so suite " Per Gounod ”, “Iz časov Holberga". Ena od značilnih zvrsti Griegovega dela je obdelava ljudskih pesmi in plesov: v obliki preprostih klavirskih skladb, štiriročnega cikla suite za klavir.

Griegov glasbeni jezik je izrazito izviren. Individualnost skladateljevega sloga najbolj določa njegova globoka povezanost z norveško ljudsko glasbo. Grieg široko uporablja žanrske značilnosti, intonacijsko strukturo, ritmične formule ljudskih pesmi in plesnih melodij.

Griegovo izjemno obvladovanje variacijskega in variantnega razvoja melodije izvira iz ljudske tradicije večkratno ponavljanje melodije z njenimi spremembami. "Posnel sem ljudsko glasbo svoje države." Za temi besedami se skriva Griegov spoštljiv odnos do ljudske umetnosti in priznanje njene odločilne vloge za lastno ustvarjalnost.

7. ZAKLJUČEK

Na podlagi zgoraj navedenega je mogoče sklepati naslednje:

Na nastanek romantike so vplivali trije glavni dogodki: francoska revolucija, napoleonske vojne, vzpon narodnoosvobodilnega gibanja v Evropi.

Romantika kot metoda in smer v umetniški kulturi je bila kompleksen in kontroverzen pojav. V vsaki državi je imel svetel narodni izraz. Romantiki so zasedali različne družbene in politične položaje v družbi. Vsi so se uprli posledicam buržoazne revolucije, vendar so se uprli na različne načine, saj je imel vsak svoj ideal. Toda ob vseh številnih obrazih in raznolikosti ima romantika stabilne lastnosti:

Vsi so izhajali iz zanikanja razsvetljenstva in racionalističnih kanonov klasicizma, ki so omejevali ustvarjalno iniciativo umetnika.

Odkrili so princip historizma (razsvetljenci so preteklost presojali protizgodovinsko, zanje obstaja »razumno« in »nerazumno«). Videli smo človeške značaje v preteklosti, ki jih je oblikoval njihov čas. Zanimanje za nacionalno preteklost je povzročilo množico zgodovinskih del.

Zanimanje za močno osebnost, ki se nasprotuje vsemu svetu okoli sebe in se zanaša samo nase.

Pozornost na notranji svet človeka.

Romantika je bila zelo razvita tako v državah zahodne Evrope kot v Rusiji. Vendar se je romantika v Rusiji od zahodnoevropske razlikovala po drugačnem zgodovinskem okolju in drugačni kulturni tradiciji. Pravi razlog za nastanek romantike v Rusiji je bila domovinska vojna leta 1812, v kateri se je pokazala vsa moč ljudske iniciative.

Značilnosti ruske romantike:

Romantika ni nasprotovala razsvetljenstvu. Razsvetljenska ideologija je oslabela, ni pa propadla kot v Evropi. Ideal razsvetljenega monarha se ni izčrpal.

Romantika se je razvijala vzporedno s klasicizmom in se z njim pogosto prepletala.

Romantika v Rusiji se je v različnih vrstah umetnosti manifestirala na različne načine. V arhitekturi se sploh ni bralo. V slikarstvu je usahnila do sredine 19. stoletja. V glasbi se je pokazal le delno. Morda se je romantika dosledno manifestirala le v literaturi.

V likovni umetnosti se je romantika najjasneje pokazala v slikarstvu in grafiki, manj izrazito v kiparstvu in arhitekturi.

Romantiki odpirajo svet človeške duše, individualne, za razliko od nikogar drugega, a iskrene in zato blizu vsakemu čutnemu pogledu na svet. Trenutnost podobe v slikarstvu, kot je rekel Delacroix, in ne njena konsistentnost v literarni uprizoritvi, je določala osredotočenost umetnikov na najkompleksnejši prenos gibanja, zavoljo katerega so bile najdene nove formalne in koloristične rešitve. Romantika je pustila dediščino druge polovice XIX. vseh teh problemov in umetniške individualnosti, osvobojene pravil akademizma. Simbol, ki naj bi pri romantikih izražal bistven spoj ideje in življenja, je v umetnosti druge polovice 19. st. se raztopi v polifoniji umetniške podobe, zajema raznolikost idej in okoliškega sveta. Romantika v slikarstvu je tesno povezana s sentimentalizmom.

Zahvaljujoč romantiki se osebna subjektivna vizija umetnika oblikuje v obliki zakona. Impresionizem bo popolnoma uničil oviro med umetnikom in naravo, umetnost pa razglasil za impresijo. Romantiki govorijo o umetnikovi fantaziji, "glasu njegovih občutkov", ki mu omogoča, da preneha z delom, ko mojster meni, da je to potrebno, in ne kot zahtevajo akademski standardi popolnosti.

Romantika je v svetovni umetniški kulturi pustila celo dobo, njeni predstavniki so bili: v ruski literaturi Žukovski, A. Puškin, M. Lermontov in drugi; v likovni umetnosti E. Delacroix, T. Gericault, F. Runge, J. Constable, W. Turner, O. Kiprensky, A. Venetsianov, A. Orlorsky, V. Tropinin in drugi; v glasbi F. Schuberta, R. Wagnerja, G. Berlioza, N. Paganinija, F. Liszta, F. Chopina idr.. Odkrivali in razvijali so nove žanre, posvečali veliko pozornosti usodi človekove osebnosti, razkrivali dialektika dobrega in zla, mojstrsko razkrite človeške strasti itd.

Umetniške oblike so se bolj ali manj izenačile v pomenu in ustvarile veličastne umetnine, čeprav so romantiki na lestvici umetnosti dajali glasbi prednost.

Romantika kot svetovni nazor je v Rusiji obstajala v svojem prvem valu od konca 18. stoletja do 50. let 19. stoletja. Linija romantike v ruski umetnosti se v petdesetih letih 19. stoletja ni ustavila. Temo stanja bivanja, ki so jo za umetnost odkrili romantiki, so kasneje razvili umetniki Modre vrtnice. Neposredni dediči romantike so bili nedvomno simbolisti. Romantične teme, motivi, izrazna sredstva so vstopili v umetnost različnih stilov, smeri, ustvarjalnih asociacij. Romantični pogled na svet ali pogled na svet se je izkazal za enega najbolj živahnih, vztrajnih, plodnih.

Romantika kot splošna drža, značilna predvsem za mlade, kot želja po idealu in ustvarjalni svobodi še vedno nenehno živi v svetovni umetnosti.

8. REFERENCE

1. Amminskaya A.M. Aleksej Gavrilovič Vnecianov. -- M: Znanje, 1980

2. Atsarkina E.N. Aleksander Osipovič Orlovski. -- M: Umetnost, 1971.

3. Belinski V.G. dela. A. Puškin. - M: 1976.

4. Velika sovjetska enciklopedija (Glavni urednik Prokhorov A.M.).– M: Sovjetska enciklopedija, 1977.

5. Vainkop Yu., Gusin I. Kratek biografski slovar skladateljev. - L: Glasba, 1983.

6. Vasilij Andrejevič Tropin (pod urednikovanjem M.M. Rakovskaya). -- M: Likovna umetnost, 1982.

7. Vorotnikov A.A., Gorškovoz O.D., Yorkina O.A. Umetnostna zgodovina. - Mn: Literatura, 1997.

8. Zimenko V. Aleksander Osipovič Orlovski. -- M: Državna založba za likovno umetnost, 1951.

9. Ivanov S.V. M.Yu.Lermontov. Življenje in umetnost. - M: 1989.

10. Glasbena literatura tuje države (pod uredništvom B. Levika).- M: Glasba, 1984.

11. Nekrasova E.A. Turner. -- M: Likovna umetnost, 1976.

12. Ozhegov S.I. Slovar ruskega jezika. - M: Državna založba tujih in ruskih slovarjev, 1953.

13. Orlova M. J. Constable. -- M: Umetnost, 1946.

14. Ruski umetniki. A.G. Venecianov. - M: Državna založba za likovno umetnost, 1963.

15. Sokolov A.N. Zgodovina ruske književnosti 19. stoletja (1. polovica). - M: Višja šola, 1976.

16. Turčin V.S. Orest Kiprenski. -- M: Znanje, 1982.

17. Turčin V.S. Theodore Géricault. -- M: Likovna umetnost, 1982.

18. Filimonova S.V. Zgodovina svetovne umetnostne kulture.-- Mozyr: Beli veter, 1997.