Tako kot v drugih zahodnoevropskih državah je tudi na Nizozemskem, ki je bila do leta 1447 pod oblastjo Burgundije in nato Habsburžanov, nastanek renesančnega pogleda na svet povezan z razvojem proizvodnje in trgovine ter z rastjo mesta in nastanek meščanstva. Hkrati so bile fevdalne tradicije v državi še vedno močne, zato se je novo v nizozemski umetnosti uvajalo veliko počasneje kot v italijanski.

IN Nizozemsko slikarstvo dobe severne renesanse so dolgo obstajale značilnosti gotski stil. Vera je imela v življenju Nizozemcev veliko večjo vlogo kot Italijanov. Človek v delih nizozemskih mojstrov ni postal središče vesolja, kot je to veljalo za umetnike italijanske renesanse. V skoraj celotnem XV. ljudje v slikarstvu Nizozemske so bili prikazani v gotski svetlobi in eterično. Liki na nizozemskih slikah so vedno oblečeni, manjka jim čutnosti, ni pa tudi nič veličastnega in junaškega. Če so italijanski mojstri renesanse slikali monumentalne freske, je nizozemski gledalec raje občudoval majhne štafelajne slike. Avtorji teh del so zelo skrbno obdelali vsako, tudi najmanjšo podrobnost na svojih platnih, zaradi česar so bila ta dela zanimiva in zelo privlačna za občinstvo.

V XV stoletju. na Nizozemskem se je umetnost miniature še naprej razvijala, vendar že v zgodnjih 1420-ih. pojavile so se prve slike, katerih avtorja sta bila Jan van Eyck in njegov zgodaj preminuli brat Hubert van Eyck, ki sta postala ustanovitelja nizozemske umetniške šole.

Jan van Eyck

Natančno določite čas rojstva Jana van Eycka, enega najbolj vidni predstavniki nizozemska šola renesančnega slikarstva je propadla. Obstajajo samo domneve, da je bil van Eyck rojen med letoma 1390 in 1400. V obdobju od 1422 do 1428 mladi slikar izpolni naročilo nizozemskega grofa Janeza Bavarskega: poslika stene gradu v Haagu.

Od leta 1427 do 1429 je van Eyck potoval po Iberskem polotoku. Leta 1428, po smrti Janeza Bavarskega, umetnik vstopi v službo Filipa Dobrega, vojvode Burgundije. Slednji je znal ceniti ne le dar slikarskega mojstra, ampak tudi razkriti njegov diplomatski talent. Kmalu je Van Eyck v Španiji. Namen njegovega obiska je bilo naročilo burgundskega vojvode - urediti poroko in naslikati portret neveste. Umetnik, ki hkrati igra vlogo diplomata, se je briljantno spopadel z nalogami, ki so mu bile dodeljene, in izpolnil nalogo. Čez nekaj časa je bil portret neveste pripravljen. Žal se to delo slavnega slikarja ni ohranilo.

Od leta 1428 do 1429 je bil van Eyck na Portugalskem.

Najpomembnejše van Eyckovo delo je bila poslikava oltarja cerkve sv. Bava v Bruggeu, ki jo je opravil skupaj z bratom Hubertom. Njena stranka je bil bogataš iz Genta Jodocus Veidt. Kasneje poimenovan gentski oltar, ki ga je poslikal slavni mojster, ima težko usodo. Med verskimi vojnami so jo v 16. stoletju, da bi jo rešili pred uničenjem, razstavili in skrili. Ločene fragmente so celo odpeljali iz Nizozemske v druge države sveta. In šele v 20. stoletju so se vrnili v domovino, kjer so jih zbirali. Oltar je ponovno krasil cerkev sv. Bava. Niso pa bili ohranjeni vsi deli dela. Tako je bil eden od fragmentov originala, ukradenega leta 1934, zamenjan z dobro kopijo.

Celotno kompozicijo Gentskega oltarja sestavlja 25 slik, katerih junaki so več kot 250 likov. Na zunanji strani kril oltarja v njegovem spodnjem delu sta podobi naročnika Jodocusa Veidta in njegove žene Isabelle Borlut. Tu sta tudi figuri Janeza Krstnika in Janeza Evangelista. V srednji vrsti se odvija prizor na znano svetopisemsko zgodbo: nadangel Gabriel sveti devici Mariji oznani veselo novico o skorajšnjem Kristusovem rojstvu. Kompozicijo odlikuje enotnost barv, ki jih je uporabil avtor: vse slike so zasnovane v pastelnih sivkastih tonih.

Posebnost te slike je, da umetnik svetopisemske like obda z vsakdanjo realnostjo. Torej, iz okna Marijinih prostorov je vidno mesto, ki je popolnoma drugačno od Betlehema. To je Gent, na eni od ulic katerega so sodobniki slikarskega mojstra zlahka prepoznali hišo bogatega Veidta. Gospodinjski predmeti, ki obkrožajo Marijo, niso samo polni simbolni pomen(umivalnik in brisača se tu pojavljata kot simbola Marijine čistosti, tri krila okna so simbol večne Trojice), a so poklicani tudi k temu, da dogajanje približajo resničnosti.

Med verskimi prazniki se odprejo vrata oltarja in pred gledalcem se pojavi neverjetna slika, ki pripoveduje o strukturi sveta v razumevanju osebe 15. stoletja. Torej, v najvišjem nivoju so podobe Svete Trojice: Bog Oče, upodobljen v papeških oblačilih, vezenih z zlatom, ob njegovih nogah leži krona - simbol Jezusa Kristusa, v središču vrste je golob, ki simbolizira svetega duha. Proti njima sta obrnjena obraza Matere božje in Janeza Krstnika. Slavne pesmi Trojici pojejo angeli. Pri van Eycku jih redijo mladeniči, oblečeni v bogato okrašena oblačila. To serijo zaključujejo figure prednikov človeške rase - Adama in Eve.

Zgornja vrsta slike prikazuje širok zelen travnik, po katerem hodijo svetniki, preroki, apostoli, bojevniki, puščavniki in romarji k daritvenemu Jagnjetu. Nekateri liki predstavljajo resnične osebe. Med njimi lahko najdete umetnika samega, pa tudi njegovega brata Huberta in Filipa Dobrega, vojvodo Burgundije. Tudi tukajšnja pokrajina je zanimiva. Vsa drevesa in rastlinice mojster nariše z izjemno natančnostjo. Človek ima občutek, da se je umetnik odločil gledalcu pokazati svoje znanje botanike.

V ozadju kompozicije je upodobljeno nebeško mesto Jeruzalem, ki simbolizira krščanstvo. Vendar pa je za mojstra tukaj bolj pomembno prenesti podobnost arhitekturnih struktur pravljičnega mesta z resničnimi zgradbami, ki so obstajale v času van Eycka.

Splošna tema kompozicije zveni kot poveličevanje harmonije človeškega svetovnega reda. Strokovnjaki menijo, da je možen literarni vir za to delo slavni umetnik tam je bilo "Razodetje Janeza Zlatoustega" ali "Zlata legenda" Jacopa da Varagine.

Ne glede na temo van Eyckovih del je glavna stvar umetnika prikazati resnični svet čim bolj natančno in objektivno, kako ga prenesti na platno, hkrati pa prenesti vse njegove značilnosti. Prav to načelo se je izkazalo za vodilno pri oblikovanju nove tehnike likovnega upodabljanja. Še posebej jasno se je izkazalo v portretnih delih umetnika.

Leta 1431 je papeški legat, kardinal Niccolò Albergati, prispel v Burgundijo. Hkrati je Jan van Eyck naredil skico kardinalovega portreta. Med delom so bili narejeni popravki in dopolnitve risbe. Treba je opozoriti, da se mojster tu bolj ukvarja ne s prikazom človekovih notranjih izkušenj, temveč z morebitnim natančnejšim prenosom njegovega videza, posameznih potez in linij obraza, postave, drže in izrazov obraza.

Kasneje napisano oljne barve portretu kardinala Albergatija se poudarek na sliki premakne od detajlov videza človeka k njegovemu prikazu notranji mir. Oči lika, tisto ogledalo človeške duše, v katerem se zrcalijo čustva, doživetja, misli, zdaj postanejo dominantne za razkrivanje podobe.

Kako se je razvijala van Eyckova umetniška metoda, lahko vidimo, če primerjamo njegovo prejšnje delo z slavni portret"Timotej", napisan leta 1432. Pred gledalcem se pojavi premišljena oseba z nežnim značajem. Njegov pogled je uprt v praznino. Vendar pa je ta pogled tisti, ki označuje junaka van Eycka kot odprto, skromno, pobožno, iskreno in prijazno osebo.

Umetnikov talent ne more biti statičen. Mojster mora vedno iskati nove rešitve in načine izražanja in upodabljanja sveta, vključno z notranjim svetom osebe. Tak je bil van Eyck. Naslednjo stopnjo v razvoju njegovega dela je zaznamoval portret, imenovan "Mož v rdečem turbanu" (1433). Za razliko od lika na sliki "Timotej" je junak tega platna obdarjen z bolj izrazitim videzom. Njegove oči so obrnjene proti gledalcu. Zdi se, kot da nam neznanec pripoveduje svojo žalostno zgodbo. Njegov pogled izraža povsem specifične občutke: grenkobo in obžalovanje zaradi tega, kar se je zgodilo.

"Timotej" in "Človek v rdečem turbanu" se bistveno razlikujeta od del, ki jih je mojster ustvaril prej: predstavljata psihološki portret junaka. Vendar umetnika ne zanima toliko duhovni svet določena oseba, koliko je njen odnos do realnosti. Torej, Timotej gleda na svet zamišljeno, moški v turbanu pa ga dojema kot nekaj sovražnega. Vendar pa je to načelo upodabljanja osebe dolgo časa
čas ni mogel obstajati v okviru renesančne umetnosti, kjer je bila glavna ideja jasno prepoznati posamezne značilnosti podobe in prikazati njen notranji svet. Ta ideja postane prevladujoča v van Eyckovih nadaljnjih delih.

Jan van Eyck. Portret moškega v rdečem turbanu. 1433

Leta 1434 umetnik napiše enega svojih najbolj znana dela- "Portret para Arnolfini", ki po mnenju umetnostnih zgodovinarjev prikazuje trgovca iz Lucce, predstavnika hiše Medici v Brugesu Giovannija Arnolfinija z ženo Giovanno.

V ozadju kompozicije je majhno okroglo ogledalo, napis nad katerim pravi, da je bil ena od prič slovesnosti sam umetnik Jan van Eyck.

Slike, ki jih je ustvaril umetnik, so nenavadno ekspresivne. Njihov pomen poudarja dejstvo, da
da avtor svoje junake postavi v na prvi pogled najbolj običajno okolje. Bistvo in pomen podob je tukaj poudarjen skozi predmete, ki obdajajo like in so obdarjeni s skrivni pomen. Torej jabolka, raztresena po okenski polici in mizi, simbolizirajo nebeško blaženost, kristalni rožni venec na steni je utelešenje pobožnosti, krtača je simbol čistosti, dva para čevljev sta znak zakonske zvestobe, prižgana sveča v lepi lestenec je simbol božanstva, ki zasenči zakrament poroke. Misel na zvestobo in ljubezen nakazuje tudi psička, ki stoji ob nogah lastnikov. Vsi ti simboli zakonske zvestobe, sreče in dolgoživosti ustvarjajo občutek topline in intimnosti, ljubezni in nežnosti, ki združuje zakonca.

Posebej zanimiva je van Eyckova slika Madona kanclerja Rolena, ustvarjena leta 1435. Delo majhne velikosti (0,66 × 0,62 m) daje vtis velikosti prostora. Takšen občutek je na sliki ustvarjen zaradi dejstva, da skozi obokane oboke umetnik gledalcu prikaže pokrajino z mestnimi stavbami, reko in gorami, vidnimi v daljavi.

Kot vedno pri van Eycku igra okolje (v tem primeru pokrajina), ki obdaja like, pomembno vlogo pri razkrivanju njihovih značajev, čeprav liki, notranjost in pokrajina tu ne tvorijo celostne enote. Krajina s stanovanjskimi stavbami, postavljena nasproti figure kanclerja, je posvetni začetek, pokrajina s cerkvami, ki se nahajajo za Marijo, pa je simbol krščanske vere. Oba bregova široke reke povezuje most, po katerem hodijo pešci in mimo jezdeci. Poosebitev sprave duhovnega in posvetnega načela je dojenček Kristus, ki sedi v Marijinem naročju in blagoslavlja kanclerja.

Delo, ki je zaključilo obdobje nastajanja kreativna metoda van Eycka velja za oltarno kompozicijo "Madona kanonika van der Pale", ustvarjeno leta 1436. Posebnost slik je njihova monumentalnost. Liki junakov zdaj zapolnjujejo ves prostor slike in skoraj ne puščajo prostora za pokrajino ali notranjost. Poleg tega v Madoni Canon van der Pale glavni lik sploh ni Madona, ampak sam naročnik slike. Njemu sta Marija in sv. Donat s kazalno kretnjo predstavi sv. George.

Tu se spremeni tudi način upodabljanja glavnega junaka.

To ni več preprosto razmišljanje, ki izraža svoj odnos do sveta. Gledalec vidi osebo, ki se je umaknila vase, globoko razmišlja o nečem zelo pomembnem. Podobne slike bodo postale vodilne v nizozemski umetnosti poznejših časov.

V kasnejših delih van Eyck prikazuje podobe še konkretneje. Primer tega je slika "Portret Jan van Leeuwa" (1436). Oseba, upodobljena na portretu, je odprta za nas. Njegov pogled je uprt v gledalca, ki zlahka prepozna vsa občutja junaka. Samo pogledati je treba v njegove oči.

Vrhunec mojstrovega dela velja za zadnji, naslikan leta 1439, portret njegove žene Margarite van Eyck. Tu je za videzom junakinje, ki ga je umetnik subtilno naslikal, jasno viden njen značaj. Še nikoli prej Van Eyckova podoba ni bila tako objektivna. Tudi uporabljene barve so za umetnika nenavadne: rdeče-vijolična tkanina oblačil, dimljeno krzno roba, rožnata koža junakinje in njene blede ustnice.

Jan van Eyck je umrl 9. julija 1441 v Bruggeu. Njegovo delo, ki je vplivalo na številne poznejše mojstre, je postavilo temelje za nastanek in razvoj nizozemskega slikarstva.

Sodobnik bratov van Eyck je bil Robert Campin, avtor dekorativnih in slike, učitelj mnogih slikarjev, med njimi tudi slavnega slikarja Rogierja van der Weydna.

Campinove oltarne kompozicije in portrete odlikuje želja po pristnosti, mojster poskuša prikazati vse predmete tako, da izgledajo kot v resnici.

Največji nizozemski umetnik XV. je bil Rogier van der Weyden, ki je slikal dramatične oltarne prizore (»Snemanje s križa«, po 1435) in ekspresivne duhovne portrete (»Portret Francesca d'Esteja«, 1450; »Portret mlade ženske«, 1455). Rogier van der Weyden je odprl prvo večjo delavnico na Nizozemskem, kjer mnogi znani umetniki renesansa. Slikar je bil splošno znan ne le v domovini, ampak tudi v Italiji.

V drugi polovici XV. na Nizozemskem so delovali umetniki, kot so Jos van Wassenhove, ki je veliko naredil za razvoj nizozemskega slikarstva, nenavadno nadarjeni Hugo van der Goes, avtor znamenite Portinarijeve oltarne slike Jan Memling, v čigar delu so se pojavile značilnosti italijanske renesanse. pojavljajo se: girlande in putti, idealizacija podob, jasnost in jasnost kompozicijska konstrukcija("Madona in otrok, angel in donatorji").

Eden najsvetlejših mojstrov severne renesanse poznega XV. stoletja. je bil Hieronymus Bosch.

Hieronymus Bosch (Hieronymus van Aken)

Hieronymus van Aken, kasneje imenovan Bosch, je bil rojen med letoma 1450-1460. v Hertogenboschu. Njegov oče, dva strica in brat so bili umetniki. Postali so prvi učitelji slikarja začetnika.

Boschevo delo odlikujeta grotesknost in jedki sarkazem pri upodabljanju ljudi. Ti trendi so že vidni v zgodnja dela ah umetnik. Na primer, na sliki »Odstranitev kamna neumnosti«, ki prikazuje preprosto operacijo, ki jo izvaja zdravilec na kmečki glavi, slikar zasmehuje duhovščino, neiskrenost in pretvarjanje duhovščine. Pogled kmeta je usmerjen v gledalca in ga iz zunanjega opazovalca spremeni v sokrivca dogajanja.

Nekatera Boscheva dela so svojevrstne ilustracije za bajke in krščanske legende. To so njegova platna "Ladja norcev", "Skušnjava sv. Anthony", "Vrt zemeljskih užitkov", "Čaščenje magov", "Posmehovanje Kristusa". Zapleti teh del so značilni za umetnost Flandrije v 15.–16. stoletju. Vendar pa tukaj upodobljene groteskne figure ljudi in fantastičnih živali, nenavadne arhitekturne strukture, ki jih je predstavil slikar, razlikujejo Boscheve slike od del drugih mojstrov. Hkrati so v teh skladbah jasno zasledljive značilnosti realizma, ki je bil takratni nizozemski likovni umetnosti tuj. Z natančnimi potezami mojster prepriča gledalca v resničnost in pristnost dogajanja.

Na platnih, posvečenih verski tematiki, se Jezus skoraj vedno znajde obkrožen z zlobno in dvoumno nasmejanimi ljudmi. Iste podobe so predstavljene na sliki "Nošenje križa", katere barva je sestavljena iz bledih in hladnih odtenkov. Iz monotone množice ljudi izstopa lik Kristusa, naslikan v nekoliko toplejše barve. Vendar je to edina stvar, ki ga loči od drugih. Obrazi vseh likov imajo enak izraz. Tudi svetli obraz sv. Veronica skoraj ne razlikuje junakinje od drugih likov. Poleg tega kombinacija svetlih, strupenih modro-rumenih barv njenega pokrivala poveča občutek dvoumnosti.

Posebno zanimivo delo Boscha je oltarna kompozicija, imenovana "Kozolec". Pred gledalcem se odpre alegorična slika človeško življenje. Ljudje se vozijo na vozičku: ko so med angelom in hudičem, se pred vsemi poljubljajo, zabavajo, igrajo na glasbila, pojejo pesmi. Vozu sledita papež in cesar, ljudje iz ljudstva zapirajo kolono. Slednji, ki želijo postati udeleženci praznovanja življenja, tečejo naprej in se, ko so padli pod kolesa vozička, znajdejo neusmiljeno zmečkani, ne da bi imeli čas razumeti okus človeških radosti in užitkov. Celotno kompozicijo krona mali Jezus, ki sedi na oblaku in molitveno dviguje roke proti nebu. Vtis realizma dogajanja se ustvari s pomočjo pokrajine, ki jo odlikujeta konkretnost in zanesljivost.

Hieronim Bosch. Zasmehovanje Kristusa

Bosch v svoje slike vedno vnaša fantastične elemente. So glavni, razkrivajo umetnikovo namero. To so ptice, ki lebdijo v nebo z jadri namesto kril; ribe s konjskimi kopiti namesto plavuti; ljudje, rojeni iz drevesnih štorov; glave z repi in množico drugih fantazmagoričnih podob. In vsi so v Boschu nenavadno mobilni. Tudi najmanjše bitje je obdarjeno z energijo in nekam usmerjeno.

Ko gledamo Boscheve slike, dobimo vtis, da se je mojster odločil pokazati vse, kar je podlega, mračnega, sramotnega na tem svetu. Humor na teh platnih nima mesta. Nadomesti ga strupen posmeh, sarkazem, ki jasno poudarja vse pomanjkljivosti človeškega svetovnega reda.

V delih, ki pripadajo poznemu obdobju umetnikovega ustvarjanja, je dinamika nekoliko oslabljena. Ostaja pa ista neskončnost upodobljenega prostora in večfiguralnost slike. Tako lahko označite platno, imenovano "Janez na Patmosu." Posebej zanimivo je dejstvo, da je na njegovo hrbtno stran mojster postavil čudovito, osupljivo lepo pokrajino. Umetnik je presenetljivo natančno uspel tukaj prenesti preglednost zraka in ovinke bregov reke ter mehko modro barvo visokega neba. Vendar pa svetle barve in natančne linije kontur dajejo delu napet, skoraj tragičen značaj.

domov znak Boscheva ustvarjalnost je osredotočenost na človeka in njegov svet, želja po objektivnem izražanju življenja ljudi, njihovih občutkov, misli in želja. To se najbolj odraža v oltarni kompoziciji, imenovani "Vrt užitkov", kjer so človeški grehi prikazani brez olepševanja. Delo je izjemno dinamično. Pred gledalcem se gibljejo cele skupine ljudi, ki jih avtor za boljši pregled postavi v več nivojev. Postopoma se ustvarja vtis nenehno ponavljajočega se enosmernega gibanja figur, kar krepi tragičnost in gledalca spominja na sedem krogov pekla.

Boschev umetniški slog se je rodil iz spopada med realnostjo in ideali srednjeveške umetnosti. Številni umetniki tistega časa so zaradi povsem razumljive želje po olepšanju mračnega, nasprotij polnega življenja ustvarili idealno lepe podobe, ki so bile daleč od surove realnosti. Boschevo delo je bilo, nasprotno, usmerjeno v objektivno podobo okoliške resničnosti. Poleg tega je umetnik skušal obrniti svet ljudi navznoter in prikazati njegovo skrito plat ter s tem vrniti umetnosti njen globok filozofski in ideološki pomen.

Pokrajina igra eno glavnih vlog v The Adoration of the Magi. Glavni liki so tukaj prikazani kot del celote, nimajo samostojnega pomena. Za razkrivanje umetnikove namere je pomembnejše tisto, kar se nahaja za figurami likov – krajinske slike: konjeniki, drevesa, most, mesto, cesta. Pokrajina kljub razsežnosti daje vtis praznine, tišine in brezupnosti. Vendar je to edina stvar, ki še blešči življenje in vsebuje nek smisel. Človeške figure so tu statične in nepomembne, njihovo gibanje, fiksirano v določenem trenutku, je začasno ustavljeno. vodja igralec prav pokrajina je poduhovljena in zato še ostreje izpostavi praznino, brezciljnost in nesmiselnost človeškega življenja.

V sestavi " Izgubljeni sin» slike narave in glavna oseba tvorijo enotnost. Izrazno sredstvo tukaj
služi splošnosti barv, ki jih je avtor uporabil: pokrajina in človeška figura sta naslikana v odtenkih sive.

V poznejših Boschevih delih fantastičnim bitjem ni več namenjenega toliko prostora kot v prejšnjih delih. Samo ponekod se še vedno pojavljajo ločene čudne figure. Vendar to niso tiste energične polživali, ki švigajo vsepovsod. Njihova velikost in aktivnost sta znatno zmanjšani. Za slikarja je zdaj glavna stvar prikazati osamljenost človeka v tem svetu krutih, brezdušnih ljudi, kjer se vsak ukvarja samo s seboj.

Hieronymus Bosch je umrl leta 1516. Njegovo delo je vplivalo na oblikovanje umetniške metode številnih izjemnih mojstrov, med njimi Pietra Brueghela starejšega. Fantastične podobe Boschevih del so v veliki meri vnaprej določile videz slikarstva nadrealističnih umetnikov.

V začetku XVI. Mojstri iz 15. stoletja so še naprej živeli in delali na Nizozemskem. - Hieronymus Bosch in Gerard David, vendar so se že tedaj v nizozemskem slikarstvu pojavile značilnosti visoke renesanse (čeprav v manjši meri kot v italijanskem).

V tem obdobju nizozemsko gospodarstvo doživlja razcvet brez primere. Industrija se je hitro razvijala, cehovsko obrt je zamenjala manufaktura. Z odkritjem Amerike je Nizozemska postala glavno središče mednarodne trgovine. Samozavest ljudi je rasla, s tem pa so se krepile narodnoosvobodilne težnje, ki so v zadnji tretjini 15. stoletja pripeljale do revolucije.

Eden najpomembnejših mojstrov prve tretjine XVI. je bil Quentin Masseys. Avtor številnih oltarjev je postal morda prvi ustvarjalec žanrskega dela v nizozemskem slikarstvu, saj je napisal svojo znamenita slika"Menjalec z ženo" (1514). Masseys je naslikal čudovite portrete, v katerih
umetnik poskuša prenesti globino notranjega sveta človeka (portreti Etienna Gardinerja, Erazma Rotterdamskega, Petra Egidija).

Istočasno so z Masseysom na Nizozemskem delali s t.i. romanopiscev, ki so se obračali na delo italijanskih mojstrov. Romanopisci v svojih delih niso skušali odražati resničnosti, njihov glavni cilj je bil ustvariti monumentalno podobo osebe. Najpomembnejša predstavnika tega trenda sta bila Jan Gossart z vzdevkom Mabuse in Bernard van Orley.

V prvi tretjini XVI. delal znani mojster svoje dobe, eden od ustanoviteljev evropskega krajinskega slikarstva Joachim Patinir. Njegove slike širokih planjav, skalnatih vrhov in mirnih rek so vključevale verske prizore z majhnimi človeškimi figurami. Sčasoma svetopisemski motivi zavzemajo vse manj prostora v njegovih krajinah (»Krst«, »Pokrajina z begom v Egipt«). Patinirjeva slika je imela velik vpliv na umetnike naslednjih generacij.

Patinirjev sodobnik je bil največji mojster tega časa, Luka iz Leidena, ki je delal v tehniki graviranja. Njegova dela se odlikujejo po realizmu in kompozicijski celovitosti ter globoki čustvenosti (»Mohamed z umorjenim menihom«, 1508; »David in Savel«, 1509). Za številne njegove gravure so značilni elementi vsakdanjega žanra (»Igra šaha«, »Žena prinese Jožefova oblačila Potifarju«). Portretne podobe Luke iz Leidena so pristne in realistične (»Portret moškega«, ok. 1520).

Vsakdanji žanr se je razširil v slikarstvu druge tretjine 16. stoletja. V Antwerpnu so delovali umetniki, ki so nadaljevali Masseysovo tradicijo - Jan Sanders van Hemessen, ki je ustvaril številne različice The Changer, in Marinus van Roimerswale, avtor The Merry Society. S svojimi grotesknimi podobami je spreminjal in pljučna dekleta vedenja so ti mojstri tako rekoč izbrisali črto, ki ločuje vsakdanje in verske kompozicije.

Značilnosti vsakdanjega žanra so prodrle v portretno slikarstvo, katere največja predstavnika sta bila amsterdamska umetnika Dirk Jacobs in Cornelis Teynissen. Naravne poze in kretnje naredijo portretne slike živahne in prepričljive. Po zaslugi Jacobsa in Teinissena se je nizozemsko slikarstvo obogatilo z novo, izvirno zvrstjo, ki je postala skupinski portret.

V teh letih se je nadaljeval razvoj romanizma, katerega mojstra sta bila Peter Cook van Aelst in Jan Scorel, ki sta imela številne talente in sposobnosti. Ni bil le slikar, ampak tudi duhovnik, glasbenik, retorik, inženir in skrbnik umetniške zbirke papeža Adrijana VI.

Kriza renesančne drže, ki je zajela umetnost italijanske renesanse v drugi polovici 16. stoletja, je prizadela tudi Nizozemsko. V letih 1550-1560. v nizozemskem slikarstvu se še naprej razvija realistični trend, ki pridobiva značilnosti narodnosti. Ob tem se aktivira tudi romanizem, v katerem začnejo prevladovati prvine manirizma.

Manieristične poteze so prisotne v slikarstvu antwerpnskega umetnika Fransa Florisa. Njegove svetopisemske kompozicije presenečajo s pretirano dramatiko, zapletenimi koti in pretirano dinamiko (»Propad angelov«, 1554; » Zadnja sodba«, 1566).

Izjemen predstavnik realističnega slikarstva tega časa je bil antwerpenski mojster Peter Artsen, ki je slikal predvsem velikofiguralne žanrske prizore in tihožitja. Pogosto v svojih delih združuje obe zvrsti, a ena vedno prevlada nad drugo. Na sliki "Kmečka pojedina" (1550) igra tihožitje manjša vloga, v Mesnici (1551) pa so predmeti potisnili človeka v ozadje. Artsenova platna odlikuje velika pristnost, čeprav si umetnik prizadeva predstaviti podobe kmetov kot monumentalne in veličastne (Kmetje na trgu, 1550; Kmetje na ognjišču, 1556; Ples med jajci, 1557). V slikah "Kuharica" ​​(1559), "Kmet" (1561) z očitno idealizacijo podob se čuti avtorjeva iskrena naklonjenost navadnemu človeku.

Najpomembnejši mojster realistične nizozemščine slikarstvo XVI V. je bil Pieter Brueghel starejši.

Pieter Brueghel starejši

Pieter Brueghel (Bregel) z vzdevkom Starejši ali Kmet je bil rojen med letoma 1525 in 1530. V zgodnjih 50-ih. 16. stoletje živel je v Antwerpnu, kjer je študiral slikarstvo pri P. Cooku van Aelstu. V obdobju od 1552 do 1553 je umetnik deloval v Italiji, od 1563 pa v Bruslju. Na Nizozemskem se je slikar srečal z demokratičnimi in radikalnimi misleci te dežele. To poznanstvo je morda določilo tematsko usmeritev umetnikovega dela.

Brueghelova zgodnja dela zaznamujeta vpliv manieristične umetnosti in umetniške metode Hieronymusa Boscha. Večinoma so to krajine, ki utelešajo slikarjeve vtise s potovanja po Italiji in Alpah, pa tudi podobe narave Nizozemske, umetnikove domovine. V teh delih je opazna avtorjeva želja prikazati obsežno, grandiozno sliko na majhnem platnu. Takšno je njegovo "neapeljsko pristanišče", ki je postalo prva morska pokrajina v zgodovini slikarstva.

V svojih zgodnjih delih umetnik želi izraziti neskončnost prostora, v katerem se človek izgubi, postane manjši, postane nepomemben. Pozneje dobi pokrajina pri Brueghelu realnejše razsežnosti. Spreminja se tudi interpretacija osebe, ki živi na tem svetu. Podoba osebe je zdaj obdarjena s posebnim pomenom in ni figura, ki se je po naključju pojavila na platnu. Primer tega je slika, ustvarjena leta 1557 in imenovana "Sejalec".

V Ikarjevem padcu je glavni zaplet, ki izraža idejo, da smrt ene osebe ne bo ustavila vrtenja kolesa življenja, dopolnjen z več drugimi. Tako tukaj predstavljeni prizori oranja in obmorska pokrajina služijo kot simboli rednosti človeškega življenja in veličastnosti naravnega sveta. Čeprav je platno posvečeno starodavnemu mitu, skoraj nič ne spominja na Ikarjevo smrt. Samo če dobro pogledaš, vidiš nogo junaka, ki je padel v morje. Nihče ni bil pozoren na smrt Ikarja - niti pastir, ki je občudoval čudovit razgled, niti ribič, ki se je nahajal na obali, niti kmet, ki je oral svojo njivo, niti posadka jadrnice, ki se je odpravljala na odprto morje. Glavna stvar na sliki ni tragedija starodavnega značaja, ampak lepota osebe, obdane s čudovito naravo.

Vsa dela Brueghela imajo globoko pomensko vsebino. Potrjujejo idejo urejenosti in vzvišenosti svetovnega reda. Vendar bi bilo napačno reči, da so Brueghelova dela optimistična. Pesimistične note na slikah so izražene s posebnim stališčem avtorja. Zdi se, kot da je nekje zunaj sveta, življenje opazuje od zunaj in stran od podob, prenesenih na platno.

Novo fazo v umetnikovem delu je zaznamoval pojav leta 1559 slike "Bitka karnevala in posta". Kompozicija je temeljila na številnih množicah veseljakov, kockarjev, menihov in trgovcev. Prvič v Brueghelovem delu vsa pozornost ni osredotočena na krajinske slike, temveč na podobo premikajoče se množice.

Avtor je v tem delu izrazil poseben pogled na svet, značilen za mislece tistega časa, ko je bil svet narave počlovečen, animiran, svet ljudi pa je bil, nasprotno, primerjen na primer s skupnostjo žuželk. . Z Brueghelovega vidika je svet ljudi isto mravljišče, njegovi prebivalci pa tako nepomembni in nepomembni kot majhni. Enaki so njihovi občutki, misli, dejanja. Slika, ki prikazuje vesele ljudi, kljub temu vzbuja mračen in žalosten občutek.

Enako razpoloženje žalosti je zaznamovalo slike "Flamski pregovori" (1559) in "Otroške igre" (1560). Pri slednjem so v ospredju prikazani otroci. Vendar pa je perspektiva ulice, prikazane na sliki, neskončna. Prav ona ima glavni pomen v kompoziciji: dejavnosti ljudi so prav tako nesmiselne in nepomembne kot otroška zabava. Ta tema - vprašanje o mestu osebe v življenju - postane vodilna v delu Brueghela v poznih 1550-ih.

Od leta 1560. Realizem v slikah Brueghela nenadoma zamenja svetla in zlovešča fantazija, ki po moči izražanja presega celo Boscheva groteskna dela. Primeri takšnih del so lahko slike "Zmagoslavje smrti" (1561) in "Mad Greta" (1562).

V Zmagoslavju smrti so prikazani okostnjaki, ki poskušajo uničiti ljudi. Tisti pa poskušajo pobegniti v ogromni mišelovki. Slike-alegorije so napolnjene z globokim simboličnim pomenom in so zasnovane tako, da odražajo avtorjev pogled na svet in razumevanje sveta.

V Nori Greti ljudje ne upajo več, da bodo rešeni pred zlobnimi bitji, katerih število se povečuje. Ni znano, od kod se pojavlja veliko teh zloveščih bitij, ki poskušajo prevzeti mesto ljudi na zemlji. Slednji, razjarjeni, vzamejo umazanijo, ki jo je bruhala velikanska pošast, za zlato in, pozabijo na bližajočo se nevarnost in se zdrobijo v množici, poskušajo prevzeti "dragocene" ingote.

V tej kompoziciji je prvič prikazan umetnikov odnos do ljudi, ki jih je obsedel nebrzdani pohlep. Vendar se ta misel pri Brueghelu razvije v globoke razprave o usodi vsega človeštva. Prav tako je treba opozoriti, da so kljub vsej raznolikosti fantastičnih elementov Brueghelove slike vzbudile nenavadno oster občutek konkretnosti in resničnosti dogajanja. Bili so nekakšen odraz dogodkov, ki so se takrat odvijali na Nizozemskem - represije, ki so jih v državi izvajali španski osvajalci. Brueghel je bil prvi med umetniki, ki je na platnu reflektiral dogodke in konflikte svojega časa ter jih prevedel v likovni in slikovni jezik.

postopoma močna čustva in tragedijo zamenjata Brueghelova tiha in žalostna razmišljanja o usodi ljudi. Umetnik se spet obrača k resničnim podobam. Zdaj je glavno mesto v kompoziciji namenjeno obsežni pokrajini, ki sega daleč do obzorja. Avtorjevo sarkastično norčevanje, značilno za prejšnja dela, se tu spremeni v toplino, odpuščanje in razumevanje bistva človeške duše.

Hkrati se pojavljajo dela, ki jih zaznamuje razpoloženje osamljenosti, rahle žalosti in otožnosti. Med takimi platnimi posebno mesto zavzemata Opice (1562) in Babilonski stolp (1563). Na slednji, v nasprotju s prej napisano istoimensko sliko, glavno mesto zavzemajo figure graditeljev. Če je prej umetnika bolj zanimal svet čudovite in popolne narave, se zdaj semantični poudarek premika na podobo osebe.

V delih, kot so "Saulov samomor" (1562), "Pokrajina z begom v Egipt" (1563), "Nošenje križa" (1564), mojster premaga tragedijo nesmiselnosti človeških dejavnosti na zemlji. Tu se pojavi popolnoma nova ideja za Brueghela, inherentna vrednost človeškega življenja. V zvezi s tem je še posebej zanimiva kompozicija "Nosenje križa", kjer je znana religiozna in filozofska zgodba interpretirana kot množični prizor s številnimi figurami vojakov, kmetov, otrok - navadnih ljudi, ki z radovednostjo opazujejo dogajanje. .

Leta 1565 je nastal cikel slik, ki so postale prave mojstrovine svetovne umetnosti. Platna so posvečena letnim časom: »Turoben dan. Pomlad", "Žetev. Poletje", "Vrnitev čred. Jesen", "Lovci v snegu. Zima". Te kompozicije harmonično predstavljajo avtorjevo idejo, da izrazi veličastnost in hkrati vitalnost naravnega sveta.

Z vso pristnostjo uspe mojstru na platno ujeti žive slike narave. Občutek skoraj oprijemljive realnosti doseže umetnik z uporabo barv določenih tonov, ki so svojevrstni simboli tega ali onega letnega časa: rdečkasto rjavi odtenki zemlje v kombinaciji z zelenimi toni, ki tvorijo pokrajino v ozadju »Turobnega«. dan"; bogata rumena, ki se spremeni v rjavo v sestavi "Harvest"; prevlado rdeče in vseh odtenkov rjave na sliki "Vrnitev čred".

Brueghelov cikel je posvečen stanju narave v različnih letnih časih. Vendar bi bilo narobe reči, da tukaj glavno pozornost umetnika zavzema le krajina. Na vseh slikah so ljudje, ki jih umetnik predstavlja kot fizično močne, strastne do neke vrste poklica: žetve, lova. Posebna značilnost teh slik je njihova zlitost z naravnim svetom. Človeške figure niso v nasprotju s pokrajino, so harmonično vpisane v kompozicijo. Njihovo gibanje sovpada z dinamiko naravnih sil. Torej je začetek kmetijskih del povezan s prebujanjem narave ("Gloomy Day").

Kmalu postane realistično upodabljanje ljudi in dogodkov vodilna smer v Brueghelovi umetnosti. Platna »Popis v Betlehemu«, »Pokol nedolžnih«, »Pridiga Janeza Krstnika«, ki so se pojavila leta 1566, so zaznamovala novo stopnjo v razvoju ne le umetnikovega dela, temveč tudi umetnosti Nizozemske kot celota. Podobe, narisane na platnu (vključno s svetopisemskimi), so zdaj morale ne samo poosebljati univerzalne koncepte, temveč tudi simbolizirati določen družbeni svetovni red. Torej, na sliki "Pokol nedolžnih" evangelijski zaplet služi kot nekakšen zaslon za prikaz resničnega dejstva: napad ene od enot španske vojske na flamsko vas.

Pomembno delo zadnjega obdobja umetnikovega dela je bila slika "Kmečki ples", ki jo je Brueghel ustvaril leta 1567. Tema platna so plesni kmetje, ki jih je mojster upodobil v povečanem merilu. Za avtorja je pomembno, da ne le prenese vzdušje praznika, ampak tudi realistično prikaže plastičnost gibanja. človeška telesa. Umetnika zanima vse v človeku: njegove obrazne poteze, obrazna mimika, geste, drže, način gibanja. Vsako figuro mojster izpiše z veliko pozornostjo in natančnostjo. Slike, ki jih je ustvaril Brueghel, so monumentalne, pomembne in nosijo socialni patos. Kot rezultat se rodi slika, ki predstavlja ogromno, homogeno množico ljudi, ki simbolizira kmečko ljudstvo. Ta skladba bo postala temeljna pri razvoju ljudsko-gospodinjskega kmečkega žanra v Brueghelovi umetnosti.

Kakšen je izvor ljudska tema v umetnikovem delu? Umetnostni zgodovinarji menijo, da so takšna njegova dela nekakšen odziv na dogodke, ki so se takrat odvijali na Nizozemskem. Čas pisanja slike "Kmečki ples" sovpada s časom zatiranja ljudske vstaje, imenovane "ikonoklazem" (uporniki pod vodstvom kalvinistov so uničevali ikone in kipe v katoliških cerkvah). S tem gibanjem, ki se je razplamtelo leta 1566, se je začela revolucija na Nizozemskem. Dogodki so do dna pretresli vse sodobnike slavnega umetnika.

Z ikonoklazmom zgodovinarji in umetnostni zgodovinarji povezujejo tudi pojav drugega dela Brueghela - "Kmečka poroka". Tu ustvarjene podobe dobijo še večji obseg v primerjavi s figurami Kmečkega plesa. Vendar pa so kmetje v kompoziciji obdarjeni s pretirano močjo in močjo. Takšna idealizacija podobe ni bila značilna za umetnikova prej ustvarjena dela. Na isti sliki se je pokazala avtorjeva izjemna dobrohotnost do ljudi, ki jih je upodobil na platnu.

Veselo, življenjsko potrjujoče razpoloženje zgoraj omenjenih del kmalu nadomesti pesimizem in občutek neizpolnjenih upov, ki se odražajo v slikah "Misanthrope", "Cripples", "The Nest Thief", "The Blind". Omeniti velja, da so bile vse napisane leta 1568.

V "Slepoti" so v ospredju upodobljene figure invalidov. Njihovi obrazi so strašno grdi. Zdi se, da so duše teh ljudi enake. Te podobe so poosebitev vsega nizkega na zemlji: pohlepa, koristoljubja in zlobe. Njihove prazne očesne votline so simbol duhovne slepote ljudi. Platno pridobi izrazit tragični značaj. Pri Brueghelu problem duhovne praznine, človeške nepomembnosti preraste v univerzalne razsežnosti.

V kompoziciji je pomembna vloga krajine, ki jo avtor predstavlja kot opozicijo svetu ljudi.

Hribi, ki se dvigajo v daljavi, drevesa, cerkev - vse je napolnjeno s tišino, tišino in mirom. Zdi se, da tukaj ljudje in narava zamenjamo mesta. Prav pokrajina na sliki izraža idejo človečnosti, dobrote, duhovnosti. In človek sam se tukaj izkaže za duhovno mrtvega in brez življenja. Tragične note so okrepljene z avtorjevo uporabo svetlih hladnih barv. Torej, osnova barve so svetlo lila barve z jeklenim odtenkom, ki povečujejo občutek brezizhodnosti situacije, v kateri je oseba padla.

Zadnje delo Brueghela starejšega je bilo delo z naslovom "Ples pod vislicami" (1568). Na sliki so gledalcu prikazane figure ljudi, ki plešejo nedaleč od vislic. To platno je postalo izraz umetnikovega popolnega razočaranja nad sodobnim svetovnim redom in ljudmi, zveni razumevanje nezmožnosti vrnitve v nekdanjo harmonijo.

Pieter Brueghel je umrl 5. septembra 1569 v Bruslju. Velik slikar je postal utemeljitelj ljudskega, demokratičnega trenda v umetnosti Nizozemske v 16. stoletju.

Nizozemska. 17. stoletje Država doživlja blaginjo brez primere. Tako imenovana "zlata doba". Konec 16. stoletja je več provinc v državi doseglo neodvisnost od Španije.

Zdaj je protestantska Nizozemska šla svojo pot. In katoliška Flandrija (zdaj Belgija) pod okriljem Španije - svoje.

V neodvisni Nizozemski skoraj nihče ni potreboval verskega slikarstva. Protestantska cerkev ni odobravala razkošja okrasja. Toda ta okoliščina je "igrala v roke" posvetnemu slikarstvu.

Dobesedno vsak prebivalec nove države je prebudil ljubezen do te vrste umetnosti. Nizozemci so na slikah želeli videti svoje življenje. In umetniki so jim šli rade volje nasproti.

Še nikoli prej okoliška resničnost ni bila toliko prikazana. Navadni ljudje, navadne sobe in najbolj običajen zajtrk mestnega prebivalca.

Realizem je cvetel. Vse do 20. stoletja bo vreden tekmec akademizmu s svojimi nimfami in grške boginje.

Te umetnike imenujemo "mali" Nizozemci. Zakaj? Slike so bile majhne velikosti, saj so bile ustvarjene za majhne hiše. Tako skoraj vse slike Jana Vermeerja niso višje od pol metra.

Vendar mi je bolj všeč druga različica. Na Nizozemskem je v 17. stoletju živel in delal veliki mojster, »veliki« Nizozemec. In vsi drugi so bili v primerjavi z njim »majhni«.

Govorimo seveda o Rembrandtu. Začnimo z njim.

1. Rembrandt (1606-1669)

Rembrandt. Avtoportret pri 63 letih. 1669 Narodna galerija v Londonu

Rembrandt je imel v življenju priložnost izkusiti najširšo paleto čustev. Zato je v njegovih zgodnjih delih toliko zabave in bravure. In toliko zapletenih občutkov – v poznejših.

Tukaj je mlad in brezskrben na sliki "Izgubljeni sin v gostilni". Na kolenih je Saskiina ljubljena žena. Je priljubljen umetnik. Naročila kar dežujejo.

Rembrandt. Izgubljeni sin v gostilni. 1635 Galerija starih mojstrov, Dresden

A vse to bo čez kakih 10 let izginilo. Saskia bo umrla od uživanja. Priljubljenost bo izginila kot dim. Veliko hišo z unikatno zbirko bodo odvzeli za dolgove.

Toda pojavil se bo isti Rembrandt, ki bo ostal stoletja. Goli občutki likov. Njihove najbolj skrivne misli.

2. Frans Hals (1583-1666)

Frans Hals. Avtoportret. 1650 Metropolitanski muzej umetnosti, New York

Frans Hals je eden največjih portretistov vseh časov. Zato bi ga tudi uvrstil med »velike« Nizozemce.

Na Nizozemskem je bilo takrat običajno naročanje skupinskih portretov. Tako je bilo veliko podobnih del, ki prikazujejo ljudi, ki delajo skupaj: strelce istega ceha, zdravnike istega mesta, upravitelje doma za ostarele.

V tem žanru najbolj izstopa Hals. Navsezadnje je bila večina teh portretov videti kot komplet kart. Ljudje sedijo za mizo z enakim izrazom na obrazu in samo gledajo. Hals je bil drugačen.

Poglejte njegov skupinski portret "Puščice ceha sv. Jurij".

Frans Hals. Puščice Ceha sv. George. 1627 Muzej Fransa Halsa, Haarlem, Nizozemska

Tukaj ne boste našli niti ene ponovitve v drži ali izrazu obraza. Hkrati pa tukaj ni kaosa. Znakov je veliko, a noben se ne zdi odveč. Zahvaljujoč presenetljivo pravilni postavitvi figur.

Da, in v enem samem portretu je Hals presegel številne umetnike. Njegovi modeli so naravni. Ljudje iz visoke družbe na njegovih slikah so brez namišljene veličine, modeli z dna pa niso videti ponižani.

In njegovi liki so zelo čustveni: smehljajo se, smejijo, gestikulirajo. Kot na primer ta "Cigan" z zvitim pogledom.

Frans Hals. ciganka. 1625-1630

Hals je tako kot Rembrandt svoje življenje končal v revščini. Iz istega razloga. Njegov realizem je bil v nasprotju z okusi strank. Ki so želeli polepšati svoj videz. Hals se ni odločil za odkrito laskanje in se je tako podpisal pod svoj stavek - "Pozaba".

3. Gerard Terborch (1617-1681)

Gerard Terborch. Avtoportret. 1668 Kraljeva galerija Mauritshuis, Haag, Nizozemska

Terborch je bil mojster domačega žanra. Bogati in malo meščani se pogovarjajo počasi, dame berejo pisma, prokuristka opazuje dvorjenje. Dve ali tri tesno postavljene figure.

Prav ta mojster je razvil kanone domačega žanra. Ki si ga bodo potem izposodili Jan Vermeer, Pieter de Hooch in številni drugi »mali« Nizozemci.

Gerard Terborch. Kozarec limonade. 1660. Državni muzej Ermitaž, Sankt Peterburg

Kozarec limonade je eno Terborchovih znanih del. Prikazuje še eno prednost umetnika. Neverjetno realistična podoba tkanine obleke.

Terborch ima tudi nenavadna dela. Kar govori o njegovi želji po preseganju zahtev kupcev.

Njegov "Grinder" prikazuje življenje najrevnejših prebivalcev Nizozemske. Navajeni smo videti udobna dvorišča in čiste sobe na slikah "malih" Nizozemcev. Toda Terborch si je drznil pokazati neprivlačnega Hollanda.

Gerard Terborch. Mlinček. 1653-1655 Berlinski državni muzeji

Kot razumete, takšna dela niso bila v povpraševanju. In tudi v Terborchu so redek pojav.

4. Jan Vermeer (1632-1675)

Jan Vermeer. Umetniška delavnica. 1666-1667 Kunsthistorisches Museum, Dunaj

Kako je izgledal Jan Vermeer, ni zagotovo znano. Očitno je le, da je na sliki "Umetniška delavnica" upodobil samega sebe. Res od zadaj.

Zato je presenetljivo, da je nedavno postalo znano novo dejstvo iz življenja mojstra. Povezan je z njegovo mojstrovino "Street of Delft".

Jan Vermeer. Delftska ulica. 1657 Državni muzej v Amsterdamu

Izkazalo se je, da je Vermeer svoje otroštvo preživel na tej ulici. Hiša na sliki je pripadala njegovi teti. Tam je vzgojila svojih pet otrok. Morda sedi na pragu in šiva, medtem ko se njena otroka igrata na pločniku. Vermeer je živel v hiši nasproti.

Pogosteje pa je upodabljal notranjost teh hiš in njihove prebivalce. Zdi se, da so zapleti slik zelo preprosti. Tukaj je lepa dama, bogata meščanka, ki preverja delo svoje tehtnice.

Jan Vermeer. Ženska z utežmi. 1662-1663 Narodna galerija umetnosti, Washington

Kako je Vermeer izstopal med tisočimi drugimi "malimi" Nizozemci?

Bil je dovršen mojster Sveta. Na sliki "Ženska s tehtnico" svetloba nežno ovije obraz junakinje, tkanine in stene. Daje podobi neznano duhovnost.

In kompozicije Vermeerjevih slik so skrbno preverjene. Ne boste našli niti ene dodatne podrobnosti. Dovolj je, da odstranite enega od njih, slika se bo "sesula" in čarovnija bo izginila.

Vse to za Vermeerja ni bilo lahko. Tako neverjetna kakovost je zahtevala mukotrpno delo. Samo 2-3 slike na leto. Posledično nezmožnost prehrane družine. Vermeer je delal tudi kot trgovec z umetninami in prodajal dela drugih umetnikov.

5. Pieter de Hooch (1629-1684)

Peter de Hooch. Avtoportret. 1648-1649 Rijksmuseum, Amsterdam

Hocha pogosto primerjajo z Vermeerjem. Delala sta ob istem času, bilo je celo obdobje v istem mestu. In v enem žanru - gospodinjstvu. V Hochu vidimo tudi eno ali dve figuri na prijetnih nizozemskih dvoriščih ali sobah.

Odprta vrata in okna naredijo prostor njegovih slik večplasten in zabaven. In številke se zelo harmonično prilegajo temu prostoru. Kot na primer na njegovi sliki "Služabnik z dekletom na dvorišču."

Peter de Hooch. Služkinja z dekletom na dvorišču. 1658 London National Gallery

Do 20. stoletja je bil Hoch zelo cenjen. Toda malo ljudi je opazilo nekaj del njegovega konkurenta Vermeerja.

Toda v 20. stoletju se je vse spremenilo. Hochova slava je zbledela. Težko pa je ne prepoznati njegovih dosežkov v slikarstvu. Malokdo zna tako kompetentno združiti okolje in ljudi.

Peter de Hooch. Igralci kart v sončni sobi. 1658 Royal Art Collection, London

Upoštevajte, da je v skromni hiši na platnu "Igralci kart" slika v dragem okvirju.

To še enkrat govori o tem, kako priljubljeno je bilo slikarstvo med navadnimi Nizozemci. Slike so krasile vsako hišo: hišo premožnega meščana, skromnega meščana in celo kmeta.

6. Jan Steen (1626-1679)

Jan Stan. Avtoportret z lutnjo. 1670. leta Muzej Thyssen-Bornemisza, Madrid

Jan Steen je morda najbolj radoživ "mali" Nizozemec. Ampak ljubo moraliziranje. Pogosto je upodabljal krčme ali revne hiše, v katerih je bila razvada.

Njeni glavni junaki so veseljaki in dame lahkosti. Gledalca je želel zabavati, a implicitno posvariti pred začaranim življenjem.

Jan Stan. Kaos. 1663 Umetnostnozgodovinski muzej, Dunaj

Stan ima tudi tišja dela. Kot na primer "Jutranja toaleta". Toda tudi tukaj umetnik gledalca preseneti s preveč odkritimi podrobnostmi. Obstajajo sledi žvečilnih gumijev in ne prazen lonec. In nekako sploh ni tako, da pes leži kar na blazini.

Jan Stan. Jutranja toaleta. 1661-1665 Rijksmuseum, Amsterdam

A kljub vsej lahkomiselnosti so Stanove barvne sheme zelo profesionalne. V tem je prekosil marsikaterega »malega Nizozemca«. Oglejte si, kako se rdeče nogavice odlično ujemajo z modrim suknjičem in svetlo bež preprogo.

7. Jacobs Van Ruysdael (1629-1682)

Portret Ruisdaela. Litografija iz knjige iz 19. stoletja.

Gershenzon-Chegodaeva N. Nizozemski portret 15. stoletja. Njegov izvor in usoda. Serija: Iz zgodovine svetovne umetnosti. M. Umetnost 1972 198 str. bolan Založba s trdimi platnicami, enciklopedična oblika.
Gershenzon-Chegodaeva N.M. Nizozemski portret 15. stoletja. Njegov izvor in usoda.
Nizozemska renesansa je morda celo bolj markantna od italijanske – vsaj v slikarskem smislu. Van Eyck, Brueghel, Bosch, kasneje Rembrandt ... Imena so seveda pustila globok pečat v srcih ljudi, ki so videli njihove slike, ne glede na to, ali čutite občudovanje do njih, kot pred "Lovci v snegu", ali zavrnitev, kot prej "Vrt zemeljskih užitkov" Ostri, temni toni nizozemskih mojstrov se razlikujejo od stvaritev Giotta, Raphaela in Michelangela, napolnjenih s svetlobo in veseljem. Lahko samo ugibamo, kako se je oblikovala posebnost te šole, zakaj je prav tam, severno od cvetočih Flandrije in Brabanta, nastalo močno središče kulture. O tem - molčimo. Poglejmo specifike, kaj imamo. Naš vir so slike in oltarji slavnih ustvarjalcev severne renesanse, to gradivo pa zahteva poseben pristop. Načeloma bi to moralo biti storjeno na stičišču kulturologije, umetnostne kritike in zgodovine.
Podobno je poskušala Natalia Gershenzon-Chegodaeva (1907-1977), hči najslavnejšega literarnega kritika pri nas. Načeloma je precej znana oseba, v svojih krogih predvsem z odlično biografijo Pietra Brueghela (1983), njenemu peresu pripada tudi zgornje delo. Iskreno povedano, to je jasen poskus preseči meje klasične umetnostne kritike - ne le govoriti o umetniških slogih in estetikah, ampak - poskušati skozi njih slediti evoluciji človeške misli ...
Kakšne so značilnosti podob osebe v prejšnjem času? Posvetnih umetnikov je bilo malo, menihi še zdaleč niso bili vedno nadarjeni za umetnost risanja. Zato so podobe ljudi v miniaturah in slikah pogosto zelo konvencionalne. Slike in druge podobe je bilo treba slikati tako, kot je treba, v vsem po pravilih stoletja nastajajoče simbolike. Mimogrede, zato nagrobniki (tudi nekakšni portreti) niso vedno odražali resničnega videza človeka, temveč so mu kazali način, na katerega se je moral spominjati.
Nizozemska portretna umetnost prebija takšne kanone. O kom govorimo? Avtor obravnava dela mojstrov, kot so Robert Compin, Jan van Eyck, Rogier van der Weyden, Hugo van der Goes. Bili so pravi mojstri svoje obrti, živeli so s svojim talentom, opravljali delo po naročilu. Zelo pogosto je bila naročnik cerkev - v razmerah nepismenosti prebivalstva je slikarstvo veljalo za najpomembnejšo umetnost, meščani in kmetje, ki niso bili izučeni v teološki modrosti, so morali na prste razložiti najpreprostejše resnice, umetniški slika je zasedla to vlogo. Tako so nastale mojstrovine, kot je Gentski oltar Jana van Eycka.
Kupci so bili tudi bogati meščani - trgovci, bankirji, guldni, plemstvo. Pojavili so se portreti, posamični in skupinski. In potem - preboj za tisti čas - je bila odkrita zanimiva lastnost mojstrov in eden prvih, ki jo je opazil, je bil slavni agnostični filozof Nikolaj Kuzanski. Ne samo, da so umetniki pri ustvarjanju svojih podob človeka naslikali ne pogojno, temveč jim je uspelo prenesti tudi njegov notranji videz. Obrat glave, pogled, pričeska, oblačila, ukrivljenost ust, gesta - vse to je neverjetno in točno pokazal značaj osebe.
Seveda je bila inovacija, o tem ni dvoma. O tem je pisal tudi že omenjeni Nikola. Avtor povezuje slikarje z inovativnimi idejami filozofa - spoštovanjem človeka, spoznavanjem sveta, ki ga obdaja, možnostjo njegovega filozofskega spoznanja.
Toda tu se postavlja povsem razumno vprašanje - ali je mogoče delo umetnikov primerjati z mislijo posameznega filozofa? Kljub vsemu je Nikolaj Kuzanski tako ali tako ostal v nedrju srednjeveške filozofije, vsekakor pa se je opiral na izmišljotine istih sholastikov. Kaj pa mojstri umetniki? O njihovem intelektualnem življenju ne vemo tako rekoč nič, ali so imeli tako razvite povezave med seboj in s cerkvenimi voditelji? To je vprašanje. Brez dvoma so se nasledovali, a izvor te veščine ostaja skrivnost. Avtor se s filozofijo ne ukvarja specializirano, temveč fragmentarno pripoveduje o povezavi tradicij nizozemskega slikarstva in sholastike. Če je nizozemska umetnost izvirna in ni povezana z italijansko humanistiko, od kod izvirajo umetniške tradicije in njihove značilnosti? Nejasen sklic na " nacionalne tradicije"? kateri? To je vprašanje ...
Na splošno avtor odlično, kot se spodobi za umetnostnega kritika, pripoveduje o posebnostih dela vsakega umetnika in precej prepričljivo interpretira estetsko dojemanje posameznika. Toda kaj skrbi filozofski izvor, je mesto slikarstva v misli srednjega veka zelo konturno, avtor ni našel odgovora na vprašanje o izvoru.
Bistvo: knjiga vsebuje zelo dober izbor portretov in drugih del zgodnje nizozemske renesanse. Prav zanimivo je brati, kako se umetnostni zgodovinarji ukvarjajo s tako krhkim in dvoumnim materialom, kot je slikarstvo, kako ugotavljajo najmanjše poteze in posebnosti sloga, kako povezujejo estetiko slike s časom ... Vendar kontekst obdobja je viden tako rekoč zelo, zelo dolgoročno.
Osebno me je bolj zanimalo vprašanje izvora te specifične smeri, ideološke in umetniške. Tu avtorju ni uspelo prepričljivo odgovoriti na zastavljeno vprašanje. Umetnostni kritik je premagal zgodovinarja, pred nami je predvsem umetnostnozgodovinsko delo, torej za velike ljubitelje slikarstva.

Nizozemska je zgodovinska regija, ki zavzema del prostranega nižavja na severni evropski obali od Finskega zaliva do Rokavskega preliva. Trenutno se na tem ozemlju nahajajo države Nizozemska (Nizozemska), Belgija in Luksemburg.
Po razpadu rimskega cesarstva je Nizozemska postala pestra zbirka velikih in majhnih napol neodvisnih držav. Najpomembnejše med njimi so bile vojvodina Brabant, grofiji Flandrija in Nizozemska ter škofija Utrecht. Na severu države je bilo prebivalstvo večinoma nemško - Frizijci in Nizozemci, na jugu so prevladovali potomci Galcev in Rimljanov - Flamci in Valonci.
Nizozemci so s svojim posebnim talentom nesebično delali »brez dolgčasa, da bi počeli najbolj dolgočasne stvari«, kot je o teh ljudeh, nerazdeljeno vsakdanu predanih, dejal francoski zgodovinar Hippolyte Taine. Niso poznali visoke poezije, bolj spoštljivo pa so častili najpreprostejše stvari: čist, udoben dom, toplo ognjišče, skromno, a okusno hrano. Nizozemec je navajen gledati na svet kot na ogromno hišo, v kateri mora vzdrževati red in udobje.

Glavne značilnosti umetnosti nizozemske renesanse

Umetnosti renesanse v Italiji in v državah srednje Evrope je skupna težnja po realistični upodobitvi človeka in sveta okoli njega. Toda te naloge so bile rešene drugače zaradi razlike v naravi kultur.
Za italijanski umetniki Renesansa je bila pomembna za posploševanje in ustvarjanje idealne, z vidika humanizma, podobe osebe. Pri njih je imela znanost pomembno vlogo – umetniki so razvijali teorije perspektive in učenja o razmerjih.
Nizozemske mojstre je pritegnila raznolikost individualnega videza ljudi in bogastvo narave. Ne poskušajo ustvariti posplošene podobe, ampak posredujejo značilno in posebno. Umetniki se ne poslužujejo teorije perspektive in drugih, temveč skozi natančno opazovanje podajajo vtis globine in prostora, optičnih učinkov in kompleksnosti razmerij svetlobe in sence.
Zanje je značilna ljubezen do svoje zemlje in neverjetna pozornost do vseh malenkosti: do domače severne narave, do posebnosti življenja, do podrobnosti notranjosti, kostumov, do razlike v materialih in teksturah ...
Nizozemski umetniki z največjo skrbnostjo reproducirajo najmanjše podrobnosti in poustvarijo iskrivo bogastvo barv. Te nove slikovne naloge je bilo mogoče rešiti le s pomočjo nove tehnike oljnega slikanja.
Odkritje oljne slike pripisujejo Janu van Eycku. Od srede 15. stoletja je ta nova »flamska manira« tudi v Italiji izpodrinila staro tehniko tempere. Ni naključje, da je na nizozemskih oltarjih, ki so odsev celotnega vesolja, mogoče videti vse, kar le-to sestavlja – vsako travo in drevo v pokrajini, arhitekturne detajle katedral in mestnih hiš, šive izvezenih okraskov. na oblačilih svetnikov, pa tudi množico drugih, najmanjših, detajlov.

Umetnost 15. stoletja je zlata doba nizozemskega slikarstva.
Njegov najsvetlejši predstavnik Jan Van Eyck. V REDU. 1400-1441.
Največji mojster evropskega slikarstva:
je s svojim delom odprl novo dobo zgodnje renesanse v nizozemski umetnosti.
Bil je dvorni slikar burgundskega vojvode Filipa Dobrega.
Bil je eden prvih, ki je obvladal plastične in izrazne možnosti oljnega slikarstva, pri čemer je uporabljal tanke prosojne nanose barve, položene eno na drugo (t. i. flamska manira večplastnega prosojnega slikanja).

Van Eyckovo največje delo je bil Gentski oltar, ki ga je izvedel s svojim bratom.
Gentski oltar je velik večnadstropni poliptih. Njegova višina v osrednjem delu je 3,5 m, širina v odprtem stanju je 5 m.
Na zunanji strani oltarja (ko je zaprt) je upodobljen dnevni cikel:
- V spodnji vrsti so upodobljeni darovalci - meščan Jodok Veidt in njegova žena, ki molita pred kipoma svetih Janeza Krstnika in Janeza Teologa, zavetnikov cerkve in kapele.
- zgoraj je prizor Marijinega oznanjenja, figuri Matere Božje in nadangela Gabrijela pa ločuje podoba okna, v katerem se bore mestna pokrajina.

Na notranji strani oltarja je upodobljen praznični krog.
Ko se oltarna vrata odprejo, se pred očmi gledalca zgodi res osupljiva preobrazba:
- velikost poliptiha se podvoji,
- sliko vsakdanjega življenja v hipu zamenja spektakel zemeljskega raja.
- utesnjene in mračne omare izginejo in zdi se, da se svet odpre: prostorna pokrajina zasveti z vsemi barvami palete, svetle in sveže.
Slikarstvo prazničnega cikla je posvečeno redkemu v krščanskem likovna umetnost tema zmagoslavja spremenjenega sveta, ki naj bi prišlo po poslednji sodbi, ko bo zlo dokončno premagano in se bosta na zemlji vzpostavili resnica in harmonija.

Zgornja vrstica:
- v osrednjem delu oltarja je upodobljen Bog Oče, ki sedi na prestolu,
- Mati Božja in Janez Krstnik sedita levo in desno od prestola,
- naprej na obeh straneh so pojoči in igrajoči angeli,
- goli figuri Adama in Eve zaključujeta vrsto.
Spodnja vrsta slik prikazuje prizor čaščenja božjega Jagnjeta.
- sredi travnika se dviga oltar, na njem stoji belo Jagnje, iz prebodenih prsi mu teče kri v čašo
- bližje gledalcu je vodnjak, iz katerega teče živa voda.

Hieronim Bosch (1450 - 1516)
Povezava njegove umetnosti z ljudskim izročilom, folkloro.
V svojih delih je muhasto združeval značilnosti srednjeveške fantastike, folklore, filozofske parabole in satire.
Ustvaril je večfiguralne verske in alegorične kompozicije, slike na teme ljudski pregovori, izreki in prilike.
Boscheva dela so polna številnih prizorov in epizod, resničnih in bizarno fantastičnih podob in detajlov, polnih ironije in alegorij.

Boschevo delo je imelo velik vpliv na razvoj realističnih smeri v nizozemskem slikarstvu 16. stoletja.
Skladba "Skušnjava sv. Anthony" - eno najbolj znanih in skrivnostnih del umetnika. Mojstrovina mojstra je bil triptih "Vrt užitkov", zapletena alegorija, ki je prejela veliko različnih interpretacij. V istem obdobju so nastali triptihi "Poslednja sodba", "Čaščenje magov", skladbe "Sv. Janez na Patmosu, Janez Krstnik v puščavi.
Pozno obdobje Boschevega ustvarjanja vključuje triptih "Nebesa in pekel", skladbe "Potepuh", "Nosenje križa".

Večina Boschevih slik zrelega in poznega obdobja so bizarne groteske z globokimi filozofskimi prizvoki.

Veliki triptih "Kočija s senom", ki ga je zelo cenil španski Filip II., sodi v zrelo obdobje umetnikovega ustvarjanja. Oltarna kompozicija verjetno temelji na starem nizozemskem pregovoru: "Svet je kup sena in vsak se trudi iz njega pograbiti čim več."

Skušnjava sv. Anthony. Triptih. Osrednji del Les, olje. 131,5 x 119 cm (sredina), 131,5 x 53 cm (listi) Narodni muzej starodavne umetnosti, Lizbona
Vrt užitkov. Triptih. Okoli 1485. Osrednji del
Les, olje. 220 x 195 cm (sredina), 220 x 97 cm (vrata) Muzej Prado, Madrid

Nizozemska umetnost 16. stoletja. zaznamujeta pojav zanimanja za antiko in dejavnosti mojstrov italijanske renesanse. V začetku stoletja se je oblikovalo gibanje, ki je temeljilo na posnemanju italijanskih vzorov, imenovano "romanizem" (iz Roma, latinsko ime za Rim).
Vrhunec nizozemskega slikarstva v drugi polovici stoletja je bilo delo v Pieter Brueghel starejši. 1525/30-1569. Z vzdevkom Muzhitsky.
Ustvaril je globoko nacionalno umetnost, ki temelji na nizozemski tradiciji in lokalni folklori.
Imel je veliko vlogo pri oblikovanju kmečkega žanra in nacionalne krajine.V Brueghelovem delu so se prepletali grobi ljudski humor, liričnost in tragedija, realistične podrobnosti in fantastična groteska, zanimanje za podrobno pripoved in želja po širokem posploševanju.

V delih Brueghel - bližina moralizirajočih predstav srednjeveškega ljudskega gledališča.
Klovnovski dvoboj med maslenico in pustom je pogost prizor sejemskih predstav, ki jih na Nizozemskem prirejajo ob dnevih pospremanja zime.
Povsod je življenje v polnem teku: plešejo, tukaj pomivajo okna, nekateri igrajo kocke, drugi trgujejo, nekdo prosi za miloščino, nekoga odpeljejo v pokop ...

Pregovori. 1559. Slika je nekakšna enciklopedija nizozemskega folklora.
Brueghelovi liki se vodijo za nos, sedijo med dvema stoloma, udarjajo z glavo ob steno, visijo med nebom in zemljo ... Nizozemski pregovor "In na strehi so razpoke" je po pomenu blizu ruskemu " In stene imajo ušesa." Nizozemec "vreči denar v vodo" pomeni enako kot ruski "zapravljati denar", "zapravljati denar". Celotna slika je posvečena zapravljanju denarja, moči, vsega življenja - tukaj pokrivajo streho s palačinkami, streljajo puščice v prazno, strižejo prašiče, se grejejo s plameni goreče hiše in se spovedujejo hudiču.

Vsa zemlja je imela en jezik in eno narečje. Ko so se premikali z vzhoda, so našli ravnino v deželi Šinar in se tam naselili. In rekli so drug drugemu: "Naredimo opeke in jih zažgemo z ognjem." In postali so opeke namesto kamnov in lončeni katran namesto apna. In rekli so: »Zgradimo si mesto in stolp, visok do nebes, in si naredimo ime, preden se razkropimo po površju zemlje. In Gospod je prišel dol, da bi videl mesto in stolp, ki so ga gradili človeški sinovi. In Gospod je rekel: »To je eno ljudstvo in vsi imajo en jezik, in to so začeli delati in ne bodo zaostajali za tem, kar so načrtovali. Pojdimo dol in tam zmešajmo njihov jezik, tako da eden ne bo razumel govora drugega.« In Gospod jih je razkropil od tam po vsej zemlji; in nehali so graditi mesto in stolp. Zato mu je bilo dano ime: Babilon, kajti tam je Gospod zmešal jezik vse zemlje in od tam jih je Gospod razkropil po vsej zemlji (Geneza, pogl. 11). Za razliko od pestrega vrveža Brueghelovih zgodnjih del ta slika gledalca preseneti s svojo umirjenostjo. Stolp, prikazan na sliki, spominja na rimski amfiteater Kolosej, ki ga je umetnik videl v Italiji, in hkrati - mravljišče. V vseh nadstropjih ogromne zgradbe je neumorno delo v polnem teku: bloki se vrtijo, lestve se mečejo, figure delavcev drvijo naokrog. Opaziti je, da se je povezava med graditelji že izgubila, verjetno zaradi začetega »mešanja jezikov«: nekje je gradnja v polnem teku, nekje se je stolp že spremenil v ruševine.

Ko je bil Jezus izročen na križanje, so mu vojaki nadeli težak križ in ga peljali do mesta lobanje, imenovanega Golgota. Med potjo so prijeli Simona iz Cirene, ki se je vračal domov s polja, in ga prisilili, da je Jezusu nesel križ. Za Jezusom je šlo veliko ljudi, med njimi so bile ženske, ki so jokale in jokale za njim. »Nosenje križa« je nabožna, krščanska slika, ni pa več cerkvena slika. Brueghel povezoval resnice Sveto pismo z osebno izkušnjo, premišljeval svetopisemska besedila, jim podal svojo razlago, t.j. odkrito kršil takrat veljavni cesarski odlok iz leta 1550, ki je pod grožnjo smrti prepovedoval samostojno preučevanje Svetega pisma.

Brueghel ustvarja serijo pokrajin "Meseci". "Lovci v snegu" je december-januar.
Vsaka sezona za mojstra je najprej edinstveno stanje zemlje in neba.

Množica kmetov, zajeta v hitrem ritmu plesa.

VI - Nizozemska 15. stol

Petrus Kristus

Petrus Kristus. Kristusovo rojstvo (1452). Berlinski muzej.

Dela Nizozemcev v 15. stoletju še zdaleč niso izčrpana z razstavljenimi deli in na splošno z vzorci, ki so prišli do nas, nekoč pa je bilo to delo naravnost čudovito v smislu produktivnosti in visoke spretnosti. Vendar pa je v tistem materialu sekundarne kategorije (pa vendar kako kakovostnega!), ki nam je na voljo in je pogosto le oslabljen odsev umetnosti glavnih mojstrov, zanimivih le malo del. na zgodovino krajine; ostali brez osebnega občutka ponavljajo iste vzorce. Med temi slikami izstopa več del Petrusa Christusa (rojen okrog 1420, umrl v Bruggeu 1472), ki je do nedavnega veljal za učenca Jana van Eycka in ga je res posnemal bolj kot kdorkoli drug. S Christusom se bomo srečali kasneje - pri študiju zgodovine gospodinjsko slikanje v katerem igra pomembnejšo vlogo; a tudi v pokrajini si zasluži določeno pozornost, čeprav ima vse, kar je naredil, nekoliko medlen, brezživljenjski odtenek. Popolnoma lepa pokrajina se razprostira le za figurami bruseljskih »Žalosti nad Gospodovim telesom«: tipičen flamski pogled z mehkimi linijami hribov, na katerih stojijo gradovi, z vrstami dreves, posajenih v dolinah ali vzpenjajočih se v tankih silhuetah vzdolž pobočje razmejenih gričev; prav tam - jezerce, cesta, ki se vije med polji, mesto s cerkvijo v kotanji - vse to pod jasnim jutranjim nebom. Toda na žalost je pripis te slike Kristusu zelo dvomljiv.

Hugo van der Goes. Pokrajina na desnem krilu oltarne slike Portinari (okoli 1470) Galerija Uffizi v Firencah

Vendar je treba opozoriti, da so na avtentičnih slikah mojstra v berlinskem muzeju morda najboljši del prav pokrajine. Posebno privlačna je kulisa v "Čaščenju otroka". Senčni okvir je tu bedna streha, pripeta na skalnate balvane, kot bi bila povsem odpisana iz narave. Za tem »zakulisjem« in temno oblečenimi figurami Matere Božje, Jožefa in babice Sibile se vijejo pobočja dveh gričev, med katerima se je v majhni zeleni dolini ugnezdil gozdiček mladih dreves. Na robu gozda pastirji poslušajo angela, ki leti nad njimi. Mimo njih vodi cesta do mestnega obzidja, njen krak pa se priplazi na levi hrib, kjer je pod vrsto vrb videti kmeta, ki z vrečami preganja osle. Vse diha čudovit svet; vendar je treba priznati, da v bistvu ni povezave z upodobljenim trenutkom. Pred nami je dan, pomlad, - v ničemer ni poskusa, da bi pomenili "božično razpoloženje". V "Flemalu" vidimo v celotni kompoziciji vsaj nekaj slovesnega in željo po prikazovanju decembrskega nizozemskega jutra. V Kristusu vse diha s pastoralno milino in čuti se popolna nesposobnost umetnika, da bi se poglobil v temo. Enake poteze bomo srečali v krajinah vseh drugih manjših mojstrov sredine 15. stoletja: Dare, Meire in desetine brezimnih.

Gertchen St Jans. "Sežig posmrtnih ostankov Janeza Krstnika". Muzej na Dunaju.

Zato je najbolj briljantna slika Huga van der Goesa, Portinarijev oltar (v Firencah v Uffitzu), izjemna, ker je v njej umetnik-pesnik prvi na Nizozemskem, ki poskuša na odločen in dosleden način vzpostaviti povezavo med razpoloženje samega dramskega dogajanja in pokrajinsko ozadje. Nekaj ​​podobnega smo videli na sliki v Dijonu "Flemal", a kako daleč pred to izkušnjo je šel Hugo van der Goes, ki je delal na sliki, ki jo je naročil bogati bankir Portinari (predstavnik trgovinskih zadev Medičejcev v Bruggeu) in je bila namenjena pošiljanje v Firence. Možno je, da je Hus sam pri Portinariju videl slike Medičejskih umetnikov, ki jih je ljubil: Beato Angelico, Filippo Lippi, Baldovinetti. Mogoče je tudi, da je v njem spregovorila plemenita ambicija, da Firencam pokaže premoč domače umetnosti. Na žalost o Gusu ne vemo ničesar, razen precej podrobne (a tudi ne razjasnjujoče bistva) zgodbe o njegovi norosti in smrti. Od kod je prišel, kdo je bil njegov učitelj, tudi kaj je poleg Portinarijevega oltarja napisal, potem vse to ostaja pod okriljem skrivnosti. Samo eno je jasno, tudi iz študije njegovega slikarstva v Firencah, - to je izjemna strast do Nizozemca, duhovnost, vitalnost njegovega dela. V Gooseu sta bila Rogerjeva dramatična plastičnost in globok čut za naravo van Eycksov združena v eno neločljivo celoto. K temu je bila dodana njegova osebnostna posebnost: nekakšna lepa patetična nota, nekakšen nežen, a nikakor ne sproščen sentimentalizem.

V zgodovini slikarstva je malo slik, ki bi bile polne takega treme, v katerih bi tako zasijala duša umetnice, vsa čudovita kompleksnost njenih doživetij. Tudi če ne bi vedeli, da je Hus odšel v samostan iz sveta, da je tam vodil nekakšno čudno poldružabno življenje, da je gostil častne goste in se z njimi gostil, da se ga je potem polastila tema norosti, »Portinarijev oltar« bi nam pripovedoval o bolni duši avtorice, o njeni privlačnosti do mistične ekstaze, o prepletu najrazličnejših izkušenj v njej. Modrikast, hladen ton triptiha, ki je edini v celotni nizozemski šoli, zveni kot čudovita in globoko žalostna glasba.