1. Zgodovinski proces razvoja nizozemskega slikarstva v 17. stoletju

Mirno lahko trdimo, da v nobeni drugi državi ni slikarstvo doživelo tako hitrega in močnega vzpona, tako izjemne razširjenosti, tako neverjetne priljubljenosti, ni tako globoko vstopilo v življenje najširših slojev družbe. V kratkem času, v samo pol stoletja, se pojavi nešteto število slikarjev; izjemnih umetnikov je na desetine. Poklic slikopleskarja izgublja svojo ekskluzivnost in postaja eden najpogostejših. Slike pridobivajo najširši sloji prebivalstva - ne le plemiči in predstavniki velike buržoazije, ampak tudi revni meščani, obrtniki, celo premožni kmetje. Hiše meščanov so bile polne slik, malo znani ljudje so imeli v lasti najdragocenejše zbirke. Tako široko razširjenost slik je omogočila njihova neverjetna številčnost in posledično izjemna cenenost. Slike so prodajali ne le prek številnih preprodajalcev, ampak tudi na posebnih dražbah, na vaških sejmih; umetniki sami so svoja dela zelo pogosto uporabljali kot plačilno sredstvo v denarnih obračunih.

Vendar je treba upoštevati, da številčnost in široka razširjenost slik nista posledica splošnega gospodarskega in kulturnega vzpona države ter naravne želje predstavnikov premožnih slojev, da svoje domove okrasijo z umetninami. V hitro razvijajoči se kapitalistični družbi se vzpostavlja nov odnos do umetnosti. Slike so cenjene ne le kot edinstvene, neponovljive umetniška dela, temveč tudi kot materialne vrednote, kot blago; uporabljajo se za vlaganje denarja, za špekulacije. Umetnik na Nizozemskem ni bil več v tolikšni meri kot v drugih državah odvisen od ukazov kraljevega dvora, plemiških fevdalcev, cerkve ali nazadnje od bogatih mecenov. Nizozemski slikar dela predvsem za trg; je tako prodajalec svojega blaga kot trgovec ali rokodelec. Formalno je nizozemski umetnik svoboden v svoji umetnosti, vendar je tržno povpraševanje, ki odraža okuse vladajočega razreda, vnaprej določilo umetnikovo odvisnost od buržoazne družbe. Zgodovina nizozemske umetnosti je večkrat pokazala, kako je bil mojster, ki je nasprotoval prevladujočim okusom, obsojen na revščino in smrt.

Nizozemski umetniki so navadno sinovi obrtnikov, trgovcev, uradnikov; pogosto so poklic slikarja dojemali tudi po dedovanju po očetih in dedkih. Zaradi konkurence, padanja cen, pomanjkanja povpraševanja jih tečaji slikanja niso mogli vedno nahraniti in umetniki so morali dodatni vir zaslužka iskati v drugem poklicu. Tako je bil na primer Jacob van Ruysdael zdravnik, Sten gostilničar, Hobbema trošarinski uradnik, Vermeer se je proti koncu življenja ukvarjal s prodajo slik.

V nizozemski umetnosti je bilo veliko različnih umetniške smeri običajno povezana z določenimi umetniškimi centri. Nastanek umetniških šol v različnih nizozemskih mestih je bil posledica različnih razlogov, predvsem posebnosti razvoja posameznih kulturnih središč. Tako je v katoliškem Utrechtu na slikarje močno vplivala italijanska umetnost, medtem ko so v mestih, za katere je bil značilen hiter razvoj kapitalizma in meščanske kulture, zmagovale nove smeri. nacionalni značaj. Velik pomen pri oblikovanju umetniških šol so imeli največji nizozemski slikarji, ki so okrog sebe združevali veliko število učencev in privržencev; tako je nastala šola Fransa Halsa v Harlemu, šola Rembrandta v Amsterdamu in tako so se njihovi privrženci v Delftu združili okrog Fabriciusa in Vermeerja. Končno so imele določen pomen tudi umetniške tradicije, zakoreninjene v posameznih središčih. Vendar z izolacijo teh umetniških šol ne gre pretiravati; na Nizozemskem, kjer se številna mesta nahajajo na kratki razdalji drug od drugega in so slikarji pogosto spreminjali svoje prebivališče, je obstajal tesen odnos med umetniki različnih šol.

Zgodovinski proces razvoja nizozemskega slikarstva 17. stoletja lahko razdelimo na tri glavne faze: obdobje oblikovanja (1609-1640), obdobje razcveta (1640-1670), obdobje zatona (po 1670).

Obdobje nastajanja nizozemskega slikarstva zaznamujejo različna likovna gibanja, ki se razvijajo vzporedno ali pa se med seboj prepletajo in vojskujejo. Nove napredne težnje so si že v svojem izvoru prisiljene utirati pot v trmast boj proti konservativnim tokovom, ki so se oblikovali že ob koncu 16. stoletja - predvsem proti akademizmu in manirizmu.

Prva četrtina 17. stoletja je bila za nizozemsko slikarstvo prehodno obdobje, ko zgoraj navedene značilnosti še niso bile povsem razvite in je postopoma nastajala nacionalna šola. vizualna umetnost. Tematsko sta bili glavni vrsti nizozemskega slikarstva - pokrajina in vsakdanji žanr - še vedno malo razločeni. Žanrski in pokrajinski elementi na slikah tistega časa so pogosto enakovredni. V podobi narave je veliko pogojnega, tako v splošni konstrukciji krajine kot v barvanju.

Glavne značilnosti nizozemske šole se dosledno in jasno kažejo v pokrajini, ki je v tej šoli nenavadno razvita. Umetniki so opustili tradicionalno shemo panoramske pokrajine z visoko linijo obzorja, zaobjeli so raznolike motive in se usmerili k preprostim, nezahtevnim pogledom na domačo naravo. Po drugi strani pa so ustvarili krajino v pravem pomenu besede in jo ločili od dotedanjih krajinsko-žanrskih kompozicij.

Nizozemska pokrajina dozori okrog leta 1630. Za približno dvajset naslednjih let je značilna izredna preprostost splošnega koncepta in odsotnost kakršnega koli dekorativnega učinka. Za običajnega nizozemskega umetnika tega časa ni spektakularnih ali nespektakularnih motivov narave. Z ljubeznijo in resnico ujame najobičajnejše in hkrati značilno za svojo domovino: puščavske sipine, skromne vasi, kanale s tiho drsečimi čolni ribičev ali iste kanale pozimi, ki jih animirajo drsalci.

Ploskovitost Hollandove narave je določila tudi običajno pokrajino njenega slikarstva, ki z robov ni omejena z ničemer, ima zelo nizek horizont in več kot dve tretjini slikarske površine preusmerja v nebo. Modro-sivo, megleno ali oblačno to nebo daje vtis neskončnega prostora in druge dele kompozicije združuje v enotno celoto. Organizacijo te enotnosti olajša tudi izjemna sposobnost nizozemskih mojstrov, da prenesejo osvetlitev, vlažen zrak, mehčajo vso ostrino obrisov predmetov. Pozornost do atmosferskih pojavov končno navadi Nizozemce, da se izogibajo cvetličnim barvam. S podrejanjem splošnemu, nekoliko nevtralnemu tonu dosežejo dokončno zlitost vseh elementov krajine in slikovito celovitost v prikazu narave.

Ob koncu 17. stoletja je nizozemska umetnost v krizi, realistične težnje slabijo. Vse večjo vlogo imajo tuji vplivi, zlasti francoski in italijanski. Le malo slikarjev ostaja na nekdanjih položajih, vendar njihova umetnost ne dosega ravni mojstrov iz obdobja razcveta.

Dekorativni panel za stensko poslikavo

V pokrajini, kot v vsakem umetniškem delu, so se odražali ideali in ideje ljudi. Podoba narave je bila za različne umetnike vsebnik različnih vsebin. Določila ga je doba, ki je povzročila to ali ono umetniško smer ...

Zlata doba španskega slikarstva. Delo Diega Velasqueza

Zgodovinski kostum Nizozemske 17. stoletja

V zgodovini evropske tradicije modeliranja se jasno loči več pomembnih virov za izposojo in interpretacijo pri oblikovanju novih oblik modnega kostuma ...

Kubanska pokrajina

Prevedeno iz francoščine beseda "krajina" (paysage) pomeni "narava". Tako se v likovni umetnosti imenuje žanr, katerega glavna naloga je reprodukcija naravne ali s človekom spremenjene narave. Poleg...

mladinska subkultura

Gomty (angl. Goths, iz angleškega gothic kar pomeni barbarski, nesramen) je subkultura, ki je nastala v poznih 70. letih 20. stoletja v Veliki Britaniji na podlagi punk gibanja. Gotska subkultura je precej raznolika in heterogena...

Podoba Nevskega prospekta v ruskih slikah in risbah umetniki 19 stoletja

Ikonografija Sankt Peterburga je bogata. Zgodovina celotne Rusije in njena kultura se pojavi v povezavi s Sankt Peterburgom v zelo nenavadni perspektivi, pozornost do mesta, njegove arhitekture in življenja ...

Optimalne metode konserviranja in restavriranja štafelajnih oljnih slik

Pisana paleta prejšnjih stoletij se je v 19. stoletju skoraj povsem spremenila. stoletja hitrega razvoja kemične industrije. Toda enak izbor umetniških materialov se proizvaja tudi v naslednjem, 20. stoletju ...

Značilnosti portretiranja v delu K.A. Korovin na primeru dveh del "Dama s svetilko" in "Dve dami na terasi"

Pokrajina

Začetki oljnega slikarstva pravzaprav niso znani, pripisujejo pa ga nizozemskima slikarjema, bratoma Van Eyck (1366-1440); v vsakem primeru so bili transformatorji svoje sodobne slikarske tehnike ...

Prvi slikarji Baškortostana

Slikarstvo Baškortostana lahko upravičeno zahteva posebno mesto v sistemu umetnosti: veliko prej ...

Postopek nastajanja knjižne ilustracije

Zgodovina ilustracije sega daleč v globino stoletij. Tudi v Starodavni Egipt uroke in hvalnice, zapisane na papirusih, so spremljale ilustracije. Nastali so za vizualizacijo vsebine besedil. Starodavni vzorci so preživeli do danes ...

Razvoj slikarstva v Rusiji ob koncu 19. - začetku 20. stoletja

S krizo populističnega gibanja, v 90. letih, »analitična metoda realizma devetnajstega stoletja«. Lapshina N. "Svet umetnosti". Eseji o zgodovini in ustvarjalni praksi. M., 1977.- P.86., kot se imenuje v domači znanosti, postaja zastarela ...

Razvoj umetniških spretnosti učencev otroških likovnih šol s pomočjo krajinskega slikarstva

Za razvoj likovnih sposobnosti učencev umetniških šol pri pouku krajinskega slikarstva je nemajhnega pomena uvajanje metode primerjanja pri pregledovanju slik in spodbujanje k vrednotenju teh del ...

Značilnosti ruskega slikarstva druge polovice XIX

Druga polovica 19. stoletja je zaznamoval razcvet ruske likovne umetnosti. Postala je res velika umetnost, prežeta s patosom osvobodilnega boja ljudstva, ki se odziva na zahteve življenja in aktivno posega v življenje ...

Čutne povezave v vsakdanjem žanru nizozemskega slikarstva 17. stoletja

Nizozemski slikarski vsakdanji žanr Državni Ermitaž ima eno največjih zbirk nizozemskega slikarstva na svetu. Njegovi prvi eksponati so se pojavili na bregovih Neve leta 1716, dolgo preden je bil muzej ustanovljen ...

Nizozemska. 17. stoletje Država doživlja blaginjo brez primere. Tako imenovana "zlata doba". Konec 16. stoletja je več provinc v državi doseglo neodvisnost od Španije.

Zdaj je protestantska Nizozemska šla svojo pot. In katoliška Flandrija (zdaj Belgija) pod okriljem Španije - svoje.

V neodvisni Nizozemski skoraj nihče ni potreboval verskega slikarstva. Protestantska cerkev ni odobravala razkošja okrasja. Toda ta okoliščina je "igrala v roke" posvetnemu slikarstvu.

Dobesedno vsak prebivalec nove države je prebudil ljubezen do te vrste umetnosti. Nizozemci so na slikah želeli videti svoje življenje. In umetniki so jim šli rade volje nasproti.

Še nikoli prej okoliška resničnost ni bila toliko prikazana. Navadni ljudje, navadne sobe in najbolj običajen zajtrk mestnega prebivalca.

Realizem je cvetel. Vse do 20. stoletja bo vreden tekmec akademizmu s svojimi nimfami in grške boginje.

Te umetnike imenujemo "mali" Nizozemci. Zakaj? Slike so bile majhne velikosti, saj so bile ustvarjene za majhne hiše. Tako skoraj vse slike Jana Vermeerja niso višje od pol metra.

Vendar mi je bolj všeč druga različica. Na Nizozemskem je v 17. stoletju živel in delal veliki mojster, »veliki« Nizozemec. In vsi drugi so bili v primerjavi z njim »majhni«.

Govorimo seveda o Rembrandtu. Začnimo z njim.

1. Rembrandt (1606-1669)

Rembrandt. Avtoportret pri 63 letih. 1669 Narodna galerija v Londonu

Rembrandt je imel v življenju priložnost izkusiti najširšo paleto čustev. Zato je v njegovem zgodnja dela toliko zabave in bravure. In toliko zapletenih občutkov – v poznejših.

Tukaj je mlad in brezskrben na sliki " Izgubljeni sin v gostilni." Na kolenih je Saskiina ljubljena žena. Je priljubljen umetnik. Naročila kar dežujejo.

Rembrandt. Izgubljeni sin v gostilni. 1635 Galerija starih mojstrov, Dresden

A vse to bo čez kakih 10 let izginilo. Saskia bo umrla od uživanja. Priljubljenost bo izginila kot dim. Veliko hišo z unikatno zbirko bodo odvzeli za dolgove.

Toda pojavil se bo isti Rembrandt, ki bo ostal stoletja. Goli občutki likov. Njihove najbolj skrivne misli.

2. Frans Hals (1583-1666)

Frans Hals. Avtoportret. 1650 Metropolitanski muzej umetnosti, New York

Frans Hals je eden največjih portretistov vseh časov. Zato bi ga tudi uvrstil med »velike« Nizozemce.

Na Nizozemskem je bilo takrat običajno naročanje skupinskih portretov. Tako je bilo veliko podobnih del, ki prikazujejo ljudi, ki delajo skupaj: strelce istega ceha, zdravnike istega mesta, upravitelje doma za ostarele.

V tem žanru najbolj izstopa Hals. Navsezadnje je bila večina teh portretov videti kot komplet kart. Ljudje sedijo za mizo z enakim izrazom na obrazu in samo gledajo. Hals je bil drugačen.

Poglejte njegov skupinski portret "Puščice ceha sv. Jurij".

Frans Hals. Puščice Ceha sv. George. 1627 Muzej Fransa Halsa, Haarlem, Nizozemska

Tukaj ne boste našli niti ene ponovitve v drži ali izrazu obraza. Hkrati pa tukaj ni kaosa. Znakov je veliko, a noben se ne zdi odveč. Zahvaljujoč presenetljivo pravilni postavitvi figur.

Da, in v enem samem portretu je Hals presegel številne umetnike. Njegovi modeli so naravni. Ljudje iz visoke družbe na njegovih slikah so brez namišljene veličine, modeli z dna pa niso videti ponižani.

In njegovi liki so zelo čustveni: smehljajo se, smejijo, gestikulirajo. Kot na primer ta "Cigan" z zvitim pogledom.

Frans Hals. ciganka. 1625-1630

Hals je tako kot Rembrandt svoje življenje končal v revščini. Iz istega razloga. Njegov realizem je bil v nasprotju z okusi strank. Ki so želeli polepšati svoj videz. Hals se ni odločil za odkrito laskanje in se je tako podpisal pod svoj stavek - "Pozaba".

3. Gerard Terborch (1617-1681)

Gerard Terborch. Avtoportret. 1668 Kraljeva galerija Mauritshuis, Haag, Nizozemska

Terborch je bil mojster domačega žanra. Bogati in malo meščani se pogovarjajo počasi, dame berejo pisma, prokuristka opazuje dvorjenje. Dve ali tri tesno postavljene figure.

Prav ta mojster je razvil kanone domačega žanra. Ki si ga bodo potem izposodili Jan Vermeer, Pieter de Hooch in številni drugi »mali« Nizozemci.

Gerard Terborch. Kozarec limonade. 1660. Državni muzej Ermitaž, Sankt Peterburg

"Kozarec limonade" je eden od znana dela Terborch. Prikazuje še eno prednost umetnika. Neverjetno realistična podoba tkanine obleke.

Terborch ima tudi nenavadna dela. Kar govori o njegovi želji po preseganju zahtev kupcev.

Njegov "Grinder" prikazuje življenje najrevnejših prebivalcev Nizozemske. Navajeni smo videti udobna dvorišča in čiste sobe na slikah "malih" Nizozemcev. Toda Terborch si je drznil pokazati neprivlačnega Hollanda.

Gerard Terborch. Mlinček. 1653-1655 Berlinski državni muzeji

Kot razumete, takšna dela niso bila v povpraševanju. In tudi v Terborchu so redek pojav.

4. Jan Vermeer (1632-1675)

Jan Vermeer. Umetniška delavnica. 1666-1667 Kunsthistorisches Museum, Dunaj

Kako je izgledal Jan Vermeer, ni zagotovo znano. Očitno je le, da je na sliki "Umetniška delavnica" upodobil samega sebe. Res od zadaj.

Zato je presenetljivo, da je nedavno postalo znano novo dejstvo iz življenja mojstra. Povezan je z njegovo mojstrovino "Street of Delft".

Jan Vermeer. Delftska ulica. 1657 Rijksmuseum v Amsterdamu

Izkazalo se je, da je Vermeer svoje otroštvo preživel na tej ulici. Hiša na sliki je pripadala njegovi teti. Tam je vzgojila svojih pet otrok. Morda sedi na pragu in šiva, medtem ko se njena otroka igrata na pločniku. Vermeer je živel v hiši nasproti.

Pogosteje pa je upodabljal notranjost teh hiš in njihove prebivalce. Zdi se, da so zapleti slik zelo preprosti. Tukaj je lepa dama, bogata meščanka, ki preverja delo svoje tehtnice.

Jan Vermeer. Ženska z utežmi. 1662-1663 Narodna galerija umetnosti, Washington

Kako je Vermeer izstopal med tisočimi drugimi "malimi" Nizozemci?

Bil je dovršen mojster Sveta. Na sliki "Ženska s tehtnico" svetloba nežno ovije obraz junakinje, tkanine in stene. Daje podobi neznano duhovnost.

In kompozicije Vermeerjevih slik so skrbno preverjene. Ne boste našli niti ene dodatne podrobnosti. Dovolj je, da odstranite enega od njih, slika se bo "sesula" in čarovnija bo izginila.

Vse to za Vermeerja ni bilo lahko. Tako neverjetna kakovost je zahtevala mukotrpno delo. Samo 2-3 slike na leto. Posledično nezmožnost prehrane družine. Vermeer je delal tudi kot trgovec z umetninami in prodajal dela drugih umetnikov.

5. Pieter de Hooch (1629-1684)

Peter de Hooch. Avtoportret. 1648-1649 Rijksmuseum, Amsterdam

Hocha pogosto primerjajo z Vermeerjem. Delala sta ob istem času, bilo je celo obdobje v istem mestu. In v enem žanru - gospodinjstvu. V Hochu vidimo tudi eno ali dve figuri na prijetnih nizozemskih dvoriščih ali sobah.

Odprta vrata in okna naredijo prostor njegovih slik večplasten in zabaven. In številke se zelo harmonično prilegajo temu prostoru. Kot na primer na njegovi sliki "Služabnik z dekletom na dvorišču."

Peter de Hooch. Služkinja z dekletom na dvorišču. 1658 London National Gallery

Do 20. stoletja je bil Hoch zelo cenjen. Toda malo ljudi je opazilo nekaj del njegovega konkurenta Vermeerja.

Toda v 20. stoletju se je vse spremenilo. Hochova slava je zbledela. Težko pa je ne prepoznati njegovih dosežkov v slikarstvu. Malokdo zna tako kompetentno združiti okolje in ljudi.

Peter de Hooch. Igralci kart v sončni sobi. 1658 Royal Art Collection, London

Upoštevajte, da je v skromni hiši na platnu "Igralci kart" slika v dragem okvirju.

To še enkrat govori o tem, kako priljubljeno je bilo slikarstvo med navadnimi Nizozemci. Slike so krasile vsako hišo: hišo premožnega meščana, skromnega meščana in celo kmeta.

6. Jan Steen (1626-1679)

Jan Stan. Avtoportret z lutnjo. 1670. leta Muzej Thyssen-Bornemisza, Madrid

Jan Steen je morda najbolj radoživ "mali" Nizozemec. Ampak ljubo moraliziranje. Pogosto je upodabljal krčme ali revne hiše, v katerih je bila razvada.

Njeni glavni junaki so veseljaki in dame lahkosti. Gledalca je želel zabavati, a implicitno posvariti pred začaranim življenjem.

Jan Stan. Kaos. 1663 Umetnostnozgodovinski muzej, Dunaj

Stan ima tudi tišja dela. Kot na primer "Jutranja toaleta". Toda tudi tukaj umetnik gledalca preseneti s preveč odkritimi podrobnostmi. Obstajajo sledi žvečilnih gumijev in ne prazen lonec. In nekako sploh ni tako, da pes leži kar na blazini.

Jan Stan. Jutranja toaleta. 1661-1665 Rijksmuseum, Amsterdam

A kljub vsej lahkomiselnosti so Stanove barvne sheme zelo profesionalne. V tem je prekosil marsikaterega »malega Nizozemca«. Oglejte si, kako se rdeče nogavice odlično ujemajo z modrim suknjičem in svetlo bež preprogo.

7. Jacobs Van Ruysdael (1629-1682)

Portret Ruisdaela. Litografija iz knjige iz 19. stoletja.

"Burger" barok v nizozemskem slikarstvuXVII V. - podoba vsakdanjega življenja (P. de Hoch, Vermeer). "Luksuzno" tihožitje Kalf. Skupinski portret in njegove značilnosti pri Halsu in Rembrandtu. Rembrandtova interpretacija mitoloških in svetopisemskih motivov.

Nizozemska umetnost 17. stoletja

V 17. stoletju Nizozemska je postala vzorčna kapitalistična država. Izvajala je obsežno kolonialno trgovino, imela je močno floto, ladjedelništvo je bilo ena vodilnih panog. Protestantizem (kalvinizem kot njegova najhujša oblika), ki je popolnoma nadomestil vpliv katoliške cerkve, je privedel do tega, da duhovščina na Nizozemskem ni imela takšnega vpliva na umetnost kot v Flandriji, še bolj pa v Španiji ali Italiji. Na Nizozemskem cerkev ni igrala vloge naročnika umetniških del: templji niso bili okrašeni z oltarji, kajti kalvinizem je zavračal vsak kanček razkošja; Protestantske cerkve so bile preproste v arhitekturi in v notranjosti niso bile nič okrašene.

Glavni dosežek nizozemske umetnosti XVIII. - v štafelajnem slikarstvu. Človek in narava sta bila predmet opazovanja in upodabljanja nizozemskih umetnikov. gospodinjsko slikanje postane eden vodilnih žanrov, katerega ustvarjalci so v zgodovini prejeli ime "mali nizozemci". Zastopane so tudi slike na evangelijske in svetopisemske prizore, vendar ne v tolikšni meri kot v drugih državah. Nizozemska nikoli ni imela povezav z Italijo in klasična umetnost ni imela enake vloge kot v Flandriji.

Obvladovanje realističnih teženj, oblikovanje določenega obsega tem, diferenciacija žanrov kot en sam proces so se zaključili do 20. let 17. stoletja. Zgodovina nizozemskega slikarstva 17. stoletja. odlično prikazuje razvoj dela enega največjih nizozemskih portretistov, Fransa Halsa (okoli 1580-1666). V 10-30 letih je Hals veliko delal v žanru skupinskih portretov. S platen teh let gledajo veseli, energični, podjetni ljudje, prepričani v svoje sposobnosti in v prihodnost ("Strelski ceh sv. Adrijana", 1627 in 1633;

Strelski ceh sv. Jurij", 1627).

Posamezne portrete Khalov raziskovalci včasih imenujejo žanrski portreti zaradi posebne specifičnosti podobe. Hulsejev nedorečen slog, njegovo drzno pisanje, ko poteza čopiča izkleše obliko in volumen ter prenese barvo.

V portretih Khalov poznega obdobja (50-60) izginejo brezskrbna hrabrost, energija in pritisk v likih upodobljenih oseb. Toda prav v poznem obdobju ustvarjalnosti doseže Hals vrhunec mojstrstva in ustvari najgloblja dela. Barva njegovih slik postane skoraj enobarvna. Dve leti pred smrtjo, leta 1664, se je Hals ponovno vrnil k skupinskemu portretu. Naslika dva portreta - regenta in regenta doma za ostarele, v enem od katerih je ob koncu življenja našel zavetje tudi sam. V portretu regentov ni tovarištva prejšnjih kompozicij, modeli so razklani, nemočni, oči motne, na obrazih je zapisano razdejanje.

Halsova umetnost je bila za svoj čas velikega pomena, vplivala je na razvoj ne le portreta, ampak tudi žanra vsakdanjega življenja, pokrajine, tihožitja.

Posebno zanimiv je krajinski žanr Nizozemske v 17. stoletju. Hollanda upodabljata Jan van Goyen (1596-1656) in Salomon van Ruisdael (1600/1603-1670).

Razcvet krajinskega slikarstva v nizozemski šoli sega v sredino 17. stoletja. Največji mojster realistične pokrajine je bil Jacob van Ruysdael (1628/29-1682).Njegova dela so navadno polna globoke dramatike, pa najsi upodablja gozdne goščave (»Gozdno močvirje«),

pokrajine s slapovi (»Slap«) ali romantične pokrajine s pokopališčem (»Judovsko pokopališče«).

Narava v Ruisdaelu se kaže v dinamiki, v večnem obnavljanju.

V tesni povezavi z nizozemsko pokrajino je živalski žanr. Najljubši motiv Alberta Cuypa so krave na napajališču ("Sončni zahod na reki", "Krave na bregu potoka").

V 20-30-ih letih XVII. Nizozemci so ustvarili posebno vrsto malega, malofiguralnega slikarstva. 40-60 - razcvet slikarstva, ki poveličuje umirjeno meščansko življenje Nizozemske, izmerjen vsakdanji obstoj.

Adrian van Ostade (1610-1685) prikazuje sprva senčne plati kmečkega življenja ("Boj").

Od štiridesetih let prejšnjega stoletja v njegovem delu satirične note vse bolj nadomeščajo humorne (»V vaški krčmi«, 1660).

Včasih so te majhne slike obarvane z velikim liričnim občutkom. Za Ostadejevo slikarsko mojstrovino po pravici velja njegov "Slikar v ateljeju" (1663), v katerem umetnik poveličuje ustvarjalno delo.

Ampak glavna tema»Mala Nizozemka« še vedno ni kmečko, ampak meščansko življenje. Običajno so to slike brez fascinantnega zapleta. Najbolj zabaven pripovedovalec v slikah te vrste je bil Jan Stan (1626-1679) ("Veseljaki", "Igra backgammon"). Še večjo spretnost je pri tem dosegel Gerard Terborch (1617-1681).

Notranjost postane med "majhnimi Nizozemci" še posebej poetična. Pravi pevec te teme je bil Pieter de Hooch (1629-1689). Njegove sobe z napol odprtim oknom, nenamerno odvrženimi čevlji ali odpuščeno metlo so pogosto upodobljene brez človeške figure.

"Kavalir in dama pri Spinetu",

»Oficir in smejoča se deklica« itd. so polni duhovne jasnosti, miru in tišine.

Glavne prednosti Vermeerja kot umetnika so v prenosu svetlobe in zraka. Raztapljanje predmetov v svetlobno-zračnem okolju, zmožnost ustvarjanja te iluzije, je najprej določilo prepoznavnost in slavo Vermeerja ravno v 19. stoletju.

Wermeerju je uspelo tisto, česar v 17. stoletju še nihče: slikal je pokrajine iz narave (»Ulica«, »Pogled na Delft«).

Lahko jih imenujemo prvi primeri plenerističnega slikarstva.

Vrhunec nizozemskega realizma, rezultat slikarskih dosežkov nizozemske kulture 17. stoletja, je delo Rembrandta. Harmensz van Rijn Rembrandt (1606-1669) se je rodil v Leidnu. Leta 1632 je Rembrandt odšel v Amsterdam, središče umetniške kulture Nizozemske, kar je seveda pritegnilo mladega umetnika. Trideseta leta so čas največje slave, pot do katere je slikarju odprla velika naročena slika iz leta 1632 - skupinski portret, znan tudi kot "Anatomija dr. Tulpa" ali "Lekcija anatomije".

Leta 1634 se Rembrandt poroči z dekletom iz bogate družine - Saskio van Uylenborch. Začne se najsrečnejše obdobje njegovega življenja. Postane znan in moden umetnik.

To celotno obdobje je prekrito z romantiko. Rembrandtovo držo teh let najbolj jasno izraža znameniti "Avtoportret s Saskijo na kolenih" (okoli 1636). Celotno platno je prežeto z odkritim veseljem do življenja, veseljem.

Baročni jezik je najbližji izrazu visokega duha. In Rembrandt v tem obdobju je v veliki meri pod vplivom italijanskega baroka.

V zapletenih okvirih se pred nami pojavijo liki slike iz leta 1635 "Abrahamova žrtev". Kompozicija je izjemno dinamična, grajena po vseh pravilih baroka.

V istih tridesetih letih se je Rembrandt prvič začel resno ukvarjati z grafiko, zlasti z jedkanico. Rembrandtove jedkanice so večinoma svetopisemske in evangelijske tematike, v risbi pa se kot pravi nizozemski umetnik pogosto nanaša tudi na žanr. Na prelomu zgodnjega obdobja umetnikovega ustvarjanja in njegove ustvarjalne zrelosti se nam predstavlja ena njegovih najbolj znanih slik, znana kot Nočna straža (1642), skupinski portret strelske čete stotnika Banninga Cocka.

Razširil je obseg žanra in uvedel več zgodovinska slika: Na znak alarma se četa Banning Cocka poda na pohod. Nekateri so umirjeni, samozavestni, drugi navdušeni v pričakovanju prihajajočega, vsem pa je izraz skupne energije, domoljubnega zanosa, zmagoslavja državljanskega duha.

Skupinski portret pod čopičem Rembrandta je prerasel v junaška podoba obdobij in družb.

Slika je že tako potemnela, da so jo imeli za podobo nočnega prizora, od tod tudi njeno napačno ime. Senca, ki leži od figure kapitana na svetlih oblačilih poročnika, dokazuje, da to ni noč, ampak dan.

S smrtjo Saskije istega leta 1642 se zgodi Rembrandtov naravni prelom z njemu tujimi patricijskimi krogi.

40-50-a so čas ustvarjalne zrelosti. V tem obdobju se pogosto obrača na stara dela, da bi jih predelal na nov način. Tako je bilo na primer z Danajo, ki jo je naslikal leta 1636. Ko se je v 40. letih obrnil k slikarstvu, se je umetnik okrepil čustveno stanje.

Preoblikoval je osrednji del z junakinjo in služkinjo. Z novo potezo dvignjene roke Danae ji je povedal veliko navdušenje, izraz veselja, upanja, poziv.

Zadnjih 16 let je najbolj tragičnih let Rembrandtovega življenja; brez denarja je, nima ukazov. Toda ta leta so polna neverjetne ustvarjalne dejavnosti, zaradi katere nastajajo slikovite podobe, izjemne v smislu monumentalnosti likov in duhovnosti, globoko filozofska dela. Celo majhna dela Rembrandta teh let ustvarjajo vtis izjemne veličine in prave monumentalnosti. Barva pridobi zvočnost in intenzivnost. Zdi se, kot da njegove barve izžarevajo svetlobo. Portreti poznega Rembrandta se zelo razlikujejo od portretov iz 30. in celo 40. let. Gre za skrajno preproste (polčasovne ali generacijske) podobe ljudi, ki so umetniku blizu po svoji notranji strukturi. Največjo subtilnost značilnosti je Rembrandt dosegel v avtoportretih, ki jih je do nas prišlo približno sto. Zadnja v zgodovini skupinskega portreta je bila Rembrandtova upodobitev starešin suknarske delavnice – tako imenovane »Sindiki« (1662), kjer je Rembrandt s skopimi sredstvi ustvaril žive in hkrati drugačne človeške tipe, a najbolj kar je pomembno, uspelo mu je prenesti občutek duhovne enotnosti, medsebojnega razumevanja in odnosov med ljudmi.

V letih zrelosti (predvsem v 50. letih) je Rembrandt ustvaril svoje najboljše jedkanice. Kot jedkalec mu v svetovni umetnosti ni para. Pri vseh imajo slike globoko filozofski pomen; pripovedujejo o skrivnostih bivanja, o tragiki človeškega življenja.

Veliko riše. Rembrandt je zapustil 2000 risb. To so skice iz narave, skice za slike in priprave za jedkanice.

V zadnji četrtini XVII. začne se zaton nizozemske slikarske šole, izguba nacionalne identitete in z začetkom 18. stoletja se začne konec velike dobe nizozemskega realizma.

V 17. stoletju Nizozemska je postala vzorčna kapitalistična država. Izvajala je obsežno kolonialno trgovino, imela je močno floto, ladjedelništvo je bilo ena vodilnih panog. Tudi angleški ladjarji so pogosto naročali nizozemskim ladjedelnicam. Pridni kmetje, Nizozemci so uspeli na razmeroma majhnih delih zemlje ustvariti tako mlečno farmo, da so zasloveli na vseevropskem trgu. Konec XVII - začetek XVIII stoletja. z vstopom Anglije in Francije v mednarodno trgovinsko areno Nizozemska izgubi svoj gospodarski in politični pomen, vendar je bila skozi 17. stoletje vodilna gospodarska sila v Evropi.

Hkrati je bila Nizozemska v tem obdobju tudi najpomembnejše središče evropske kulture. Boj za nacionalno neodvisnost, zmaga meščanov je določila značaj nizozemske kulture v 17. stoletju. Protestantizem (kalvinizem kot njegova najhujša oblika), ki je popolnoma nadomestil vpliv katoliške cerkve, je privedel do tega, da duhovščina na Nizozemskem ni imela takšnega vpliva na umetnost kot v Flandriji, še bolj pa v Španiji ali Italiji. Univerza v Leidnu je bila središče svobodomiselnosti. Duhovno ozračje je bilo naklonjeno razvoju filozofije, naravoslovja in matematike. Odsotnost bogatega patricija in katoliške duhovščine je imela ogromne posledice za razvoj nizozemske umetnosti. Nizozemski umetniki so imeli še eno stranko: meščane, nizozemske sodnike, ki niso krasili palač in vil, temveč skromna bivališča ali javne zgradbe - zato slike tega časa na Nizozemskem nimajo enakih dimenzij kot platna Rubensa ali Jordana. , in se odloča predvsem za štafelajne, a nemonumentalno-dekorativne naloge. Na Nizozemskem cerkev ni igrala vloge naročnika umetniških del: templji niso bili okrašeni z oltarji, kajti kalvinizem je zavračal vsak kanček razkošja; Protestantske cerkve so bile preproste v arhitekturi in v notranjosti niso bile nič okrašene.

Glavni dosežek Nizozemcev umetnost XVIII stoletja - v štafelajnem slikarstvu. Človek in narava sta bila predmet opazovanja in upodabljanja nizozemskih umetnikov. Pridnost, marljivost, ljubezen do reda in čistoče se odražajo na slikah, ki prikazujejo nizozemski način življenja. Vsakdanje slikarstvo postane eden vodilnih žanrov, katerega ustvarjalci so v zgodovini prejeli ime "mali Nizozemci", bodisi zaradi nezahtevnosti ploskev bodisi zaradi majhnosti slik ali morda obojega. Nizozemci so želeli na slikah videti ves raznolik svet. Od tod širok razpon slikarstva tega stoletja, "ozka specializacija" v določenih vrstah tem: portret in pokrajina, tihožitje in živalski žanr. Znotraj žanra je obstajala celo specializacija: večerne in nočne pokrajine (Art van der Neer), »nočni ognji« (Ekbert van der Poel), zimske pokrajine (Averkamp), ladje na rivi (J. Porcellis), ravninska pokrajina ( F. Konink); tihožitja - "zajtrki" (P. Klas in V. Heda) ali podobe rož in sadja (B. van der Ast, J. van Huysum), cerkvena notranjost (A. de Lorm) itd. Slike na evangeličanskem in svetopisemskem Predmeti so tudi predstavljeni, vendar ne v takšnem obsegu kot v drugih državah, kot tudi starodavna mitologija. Nizozemska nikoli ni imela povezav z Italijo in klasična umetnost ni imela enake vloge kot v Flandriji. Obvladovanje realističnih teženj, oblikovanje določenega obsega tem, diferenciacija žanrov kot en sam proces so se zaključili do 20. let 17. stoletja. A v kateri koli zvrsti nizozemski mojstri delujejo, povsod najdejo poetično lepoto običajnega, znajo poduhovliti in povzdigniti svet materialnih stvari.

Zgodovina nizozemskega slikarstva 17. stoletja. odlično prikazuje razvoj dela enega največjih nizozemskih portretistov, Fransa Halsa (okoli 1580-1666). V 10-30 letih je Hals veliko delal v žanru skupinskih portretov. To je v bistvu upodobitev puškarskih cehov – združb častnikov za obrambo in zaščito mest. Meščani so želeli biti ovekovečeni na platnu, dali so določen prispevek za pravico do upodobitve, umetnik pa se je moral spomniti na enako pozornost do vsakega modela. Toda v teh Halsovih delih nas ne očara portretna podobnost. Izražajo ideale mlade republike, občutek svobode, enakosti in tovarištva. S platen teh let gledajo veseli, energični, podjetni ljudje, prepričani v svoje sposobnosti in v prihodnost ("Strelski ceh sv. Adrijana", 1627 in 1633; "Strelski ceh sv. Jurija", 1627). Khale jih običajno prikazuje na tovariški pojedini, na veseli pojedini. Velikost vodoravno podolgovate kompozicije, široka samozavestna pisava, intenzivne, nasičene barve (rumena, rdeča, modra itd.) ustvarjajo monumentalno podobo. Umetnik nastopa kot zgodovinopisec cele dobe.

Posamezne portrete Khalov raziskovalci včasih imenujejo žanrski portreti zaradi posebne specifičnosti podobe, določene metode karakterizacije. V Heithuizenovi majavi drži je nekaj nestabilnega, njegov izraz, kot da se bo kmalu spremenil. Portret pijane starke, »harlemske čarovnice«, lastnice gostilne Malle Babbe (zgodnja 30. leta), s sovo na rami in vrčkom piva v roki, nosi značilnosti žanrskega slikarstva. Hulsejev nedorečen slog, njegovo drzno pisanje, ko poteza čopiča oblikuje obliko in volumen ter prenaša barvo; poteza s čopičem, ki je zdaj drzna, pastozna, gosto pokriva platno, zdaj vam omogoča sledenje tonu tal, poudarjanje ene podrobnosti in podcenjevanje druge, notranja dinamika, sposobnost določitve celote z enim namigom - to so značilne lastnosti Halsov rokopis.

F. Hals. Strelski ceh sv. George. Drobec. Haarlem, Halsov muzej

F Hulse Portret Willema van Heytheizena. Bruselj, Muzej lepih umetnosti

G. Terborch. Koncert. Berlin, muzej

V portretih Khalov poznega obdobja (50-60) izginejo brezskrbna hrabrost, energija in pritisk v likih upodobljenih oseb. V moškem portretu Ermitaža je kljub vsej impresivnosti figure mogoče zaslediti celo nekaj bahanja, utrujenosti in žalosti. Te lastnosti so še poudarjene v briljantno naslikanem portretu moškega s širokokrajnim klobukom iz muzeja v Kasslu (60. leta). Hale v teh letih preneha biti priljubljen, saj nikoli ne laska in se izkaže za tujega prerojenim okusom premožnih kupcev, ki so izgubili svoj demokratični duh. A prav v poznem obdobju svojega ustvarjanja Halé doseže vrhunec mojstrstva in ustvari najgloblja dela. Barva njegovih slik postane skoraj enobarvna. Običajno je temna, črna obleka, z belim ovratnikom in manšetami ter temno olivno barvo ozadja. Lakonična slikovna paleta pa je zgrajena na najfinejših stopnjah.

Dve leti pred smrtjo, leta 1664, se je Halé vrnil k skupinskemu portretu. Naslika dva portreta - regenta in regenta doma za ostarele, v enem od katerih je ob koncu življenja našel zavetje tudi sam. V portretu regentov ni tovarištva prejšnjih kompozicij, modeli so razklani, nemočni, oči motne, na obrazih je zapisano razdejanje. Mračno barvitost (črna, siva in bela) še posebej poudari rožnato rdeča lisa blaga na kolenu enega od regentov. Tako v devetem desetletju bolan, osamljen in obubožan umetnik ustvarja svoja najbolj dramatična in najbolj izvrstna umetniška dela.

V. Kheda. Zajtrk z robidovo pito. Dresden, galerija

Halsova umetnost je bila za svoj čas velikega pomena, vplivala je na razvoj ne le portreta, ampak tudi žanra vsakdanjega življenja, pokrajine, tihožitja.

Posebno zanimiv je krajinski žanr Nizozemske v 17. stoletju. To sploh ni narava, nekateri celotno sliko vesolja, temveč nacionalna, namreč nizozemska pokrajina, ki jo prepoznamo tudi v sodobni Nizozemski: slavni mlini na veter, puščavske sipine, kanali, po katerih poleti drsijo čolni, pozimi pa drsalci. Zrak je nasičen z vlago. Sivo nebo zavzema veliko mesto v kompozicijah. Tako Nizozemsko upodabljata Jan van Goyen (1596-1656) in Salomon van Ruisdael (1600/1603-1670).

Razcvet krajinskega slikarstva v nizozemski šoli sega v sredino 17. stoletja. Največji mojster realistične krajine je bil Jacob van Ruysdael (1628/29-1682), umetnik neusahljive domišljije. Njegova dela so navadno polna globoke dramatike, pa naj gre za gozdne goščave (»Gozdno močvirje«), krajine s slapovi (»Slap«) ali romantično pokrajino s pokopališčem (»Judovsko pokopališče«). Narava v Ruisdaelu se kaže v dinamiki, v večnem obnavljanju. Tudi najpreprostejši motivi narave dobijo pod umetnikovim čopičem monumentalen značaj. Ruisdael se nagiba k kombiniranju skrbnega pisanja z veliko vitalnostjo, s sintetično podobo.

P. de Hach. Dvorišče. London, Narodna galerija

Samo Jan Porcellis (okoli 1584-1632) se je ukvarjal z morsko sceno (marina). Poleg realistične, čisto nizozemske pokrajine je v tistem času obstajala druga smer: pokrajine italijanskega značaja, ki so jih oživljali mitološki liki, liki ljudi in živali.

V tesni povezavi z nizozemsko pokrajino je živalski žanr. Najljubši motiv Alberta Cuypa so krave na napajališču ("Sončni zahod na reki", "Krave na bregu potoka"). Paul Potter poleg splošnih načrtov rad upodablja eno ali več živali. Zapri na ozadju pokrajine (»Pes na verigi«).

Briljanten razvoj doseže tihožitje. Nizozemsko tihožitje je v nasprotju s flamskim skromno po velikosti in motivih za slike intimne narave. Pieter Claesz (okoli 1597-1661), Billem Head (1594-1680/82) sta najpogosteje upodabljala tako imenovane zajtrke: jedi s šunko ali pito na razmeroma skromno postreženi mizi. Predmeti so v spretni ureditvi prikazani tako, da se tako rekoč čuti notranje življenje stvari (Nizozemci so tihožitje imenovali "stilliven" - "tiho življenje" in ne " nature morte" - "mrtva narava". Res je, kot je pravilno ugotovil I. V. Linnik, "tiho življenje" je poznejši pesniški prevod (v jeziku 17. stoletja je pomenilo "nepremični model", kar je bolj v skladu s praktično bistrostjo in poslovni pristop Nizozemcev tistega časa). Barvanje je zadržano in rafinirano (Heda. "Zajtrk z jastogom", 1648; razred. "Tihožitje s svečo", 1627).

Wermeer iz Delfta. Dekliška glava. Drobec. Haag, Mauritshuis

S spremembo življenja nizozemske družbe v drugi polovici 17. stoletja, s postopnim naraščanjem želje meščanstva po aristokratizaciji in izgubo nekdanje demokratičnosti se spreminja tudi narava tihožitij. Khedini "zajtrki" se umaknejo Kalfovim razkošnim "sladicam". Preproste pripomočke nadomeščajo marmorne mize, preproge, srebrni čaši, biserne školjke in kristalni kozarci. Kalf dosega neverjetno virtuoznost pri podajanju teksture breskev, grozdja in kristalnih površin. Enotni ton tihožitij prejšnjega obdobja je nadomeščen z bogato gradacijo najizvrstnejših pisanih odtenkov.

Nizozemsko tihožitje - ena izmed najbolj umetniških realizacij pomembna tema Nizozemska umetnost - teme zasebnost navadna oseba. Ta tema je v celoti utelešena v žanrski sliki. V 20-30-ih letih XVII. Nizozemci so ustvarili posebno vrsto malega, malofiguralnega slikarstva. 40-60 - razcvet slikarstva, ki poveličuje umirjeno meščansko življenje Nizozemske, izmerjen vsakdanji obstoj. Toda tudi v krogu Fransa Halsa, kjer se je razvijal tudi flamski slikar Adrian Brouwer, se je oblikovalo izrazito zanimanje za teme iz kmečkega življenja. Adrian van Ostade (1610-1685) prikazuje sprva senčne plati kmečkega življenja ("Boj"). Od štiridesetih let prejšnjega stoletja v njegovem delu satirične note vse bolj nadomeščajo humorne (»V vaški krčmi«, 1660). Včasih so te majhne slike obarvane z velikim liričnim občutkom. Za Ostadejevo slikarsko mojstrovino po pravici velja njegov "Slikar v ateljeju" (1663), v katerem umetnik poveličuje ustvarjalno delo, ne da bi se zatekel k deklaraciji ali patosu.

Toda glavna tema "malih Nizozemcev" še vedno ni kmečko, temveč meščansko življenje. Običajno so to slike brez fascinantnega zapleta. Na slikah tega žanra, kot da se nič ne zgodi. Ženska bere pismo, gospod in gospa igrata glasbo. Ali pa sta se šele srečala in se med njima porodi prvo čustvo, ki pa je le začrtano, gledalcu je dana pravica do ugibanja.

Najbolj zabaven pripovedovalec v slikah te vrste je bil Jan Stan (1626-1679) ("Veseljaki", "Igra backgammon"). Gabriel Metsu (1629-1667, "Zajtrk", "Bolnik in zdravnik") odlično prenaša počasen življenjski ritem, rednost dnevne rutine, določeno monotonijo obstoja.

Še večjo spretnost je pri tem dosegel Gerard Terborch (1617-1681). Začel je z najbolj demokratičnimi zapleti (Mlinec), s spremembo okusa nizozemskih meščanov pa je prešel na bolj aristokratske modele in tu dosegel velik uspeh.

Notranjost postane med "majhnimi Nizozemci" še posebej poetična. Življenje Nizozemcev je potekalo predvsem v hiši.Pieter de Hooch (1629-1689) je postal pravi pevec te teme. Njegove sobe z na pol odprtim oknom, z nehote odvrženimi čevlji ali zapuščeno metlo so pogosto upodobljene brez človeške figure, a človek je tu nevidno prisoten, vedno je prisotna povezava med notranjostjo in ljudmi. Ko upodablja ljudi, namerno poudarja nek zamrznjen ritem, življenje prikazuje kot zamrznjeno, nepremično kot stvari same (»Gospodarica in hlapec«, »Dvorišče«).

Rembrandt. Anatomija dr. Tulpa. Haag, Mauritshuis

Nova stopnja žanrskega slikarstva se začne v 50. letih in je povezana s tako imenovano delftsko šolo, z imeni umetnikov, kot so Karel Fabritius, Emmanuel de Witte in Jan Vermeer, v umetnostni zgodovini znan kot Vermeer iz Delfta (1632-1675). ). Vermeer je bil eden tistih umetnikov, ki je vnaprej določil številne koloristike iskanje XIX stoletja je v marsičem tlakoval pot impresionistom, čeprav se zdi, da Vermeerjeve slike nikakor niso izvirne. To so iste podobe zamrznjenega meščanskega življenja: branje pisma, gospod in gospa, ki se pogovarjata, služkinje v preprostem gospodinjstvu, pogledi na Amsterdam ali Delft. Vermeerjeva zgodnja slika "Pri vžigalici" (1656) je nenavadno (za "majhne Nizozemce") velika, monumentalna oblika, resonančna v barvi velikih lokalnih lis: rdeča oblačila kavalirja, rumena obleka in dekliški beli šal.

Pozneje je Vermeer opustil velike velikosti in slikal enaka majhna platna, ki so bila sprejeta v žanrskem slikarstvu tistega časa. Toda te slike, preproste v delovanju: "Dekle, ki bere pismo", "Kavalir in dama pri spinetu", "Oficir in smejoče se dekle" itd., so polne duhovne jasnosti, miru in tišine. Glavne prednosti Vermeerja kot umetnika so v prenosu svetlobe in zraka. Kombinira širok čopič z majhnim potegom, ki usklajuje svetlobo in barvo. Raztapljanje predmetov v svetlobno-zračnem okolju, zmožnost ustvarjanja te iluzije, je najprej določilo prepoznavnost in slavo Vermeerja ravno v 19. stoletju. Kasneje je Vermeerjevo pisanje postalo bolj zlito, gladko, zgrajeno na nežnih kombinacijah modre, rumene, modre, združene z neverjetno biserno, celo biserno sivo ("Dekliška glava").

Wermeerju je uspelo tisto, česar v 17. stoletju še nihče: slikal je pokrajine iz narave (»Ulica«, »Pogled na Delft«). Lahko jih imenujemo prvi primeri plenerističnega slikarstva. Zrela, klasična v svoji preprostosti je bila Vermeerjeva umetnost velikega pomena za prihodnja obdobja.

Vrhunec nizozemskega realizma, rezultat slikarskih dosežkov nizozemske kulture 17. stoletja, je delo Rembrandta. Toda pomen Rembrandta, kot vsak briljanten umetnik, presega le nizozemsko umetnost in nizozemsko šolo.

Harmensz van Rijn Rembrandt (1606-1669) je bil rojen v Leidnu kot sin precej uspešnega lastnika mlina in je po latinski šoli kratek čas študiral na Univerzi v Leidnu, a ga je pustil, da bi študiral slikarstvo, najprej z malo znanega domačega mojstra, nato pa z amsterdamskim umetnikom Pietrom Lastmanom.

Obdobje študija je bilo kratko in kmalu je Rembrandt odšel domače mesto slikati sami v lastnem studiu. Zato se leta 1625-1632 običajno imenuje leidensko obdobje njegovega dela. To je čas umetnikovega oblikovanja, njegove največje strasti do Caravaggia, mojstrova manira v tem obdobju je bila še precej suhoparna, interpretacija zapletov pa pogosto melodramatična. To je obdobje, ko se prvič posveti jedkanici.

Leta 1632 je Rembrandt odšel v Amsterdam, središče umetniška kultura Nizozemska, kar je mladega umetnika seveda pritegnilo. Trideseta leta so bila čas največje slave, pot do katere je slikarju odprla velika naročena slika iz leta 1632 - skupinski portret, znan tudi kot "Anatomija dr. Tulpa" ali "Lekcija anatomije". Na Rembrandtovem platnu ljudi združuje dejanje, vsi so predstavljeni v naravnih pozah, njihovo pozornost pritegne glavni lik dr. Tulp, ki demonstrira strukturo mišic v "zlomljenem" truplu. Kot pravi Nizozemec se Rembrandt ne boji realističnih podrobnosti, kot velik umetnik se zna izogibati naturalizmu. Leta 1634 se Rembrandt poroči z dekletom iz bogate družine - Saskio van Uylenborch - in od takrat spada v patricijske kroge. Začne se najsrečnejše obdobje njegovega življenja. Postane znan in moden umetnik. Njegova hiša privablja najboljše predstavnike aristokracije duha in bogate stranke, ima veliko delavnico, kjer uspešno delajo njegovi številni učenci. Precejšnja zapuščina Saskije in njegova lastna dela dajejo materialno svobodo.

To celotno obdobje je prekrito z romantiko. Slikar tako rekoč skuša v svojem delu posebej pobegniti od dolgočasnega meščanskega vsakdana in slika sebe in Saskijo v razkošnih oblekah, v fantastičnih oblačilih in pokrivalih, ustvarja spektakularne kompozicije, ki v zapletenih obratih, pozah, gibih izražajo različna stanja. v katerem prevladuje skupno – veselje. To razpoloženje je izraženo v enem avtoportretu zbirke Louvre iz leta 1634 in v portretu Saskije iz muzeja v Kasslu (istega leta), pa tudi v podobi Saskije kot Flore v Ermitažu. Morda pa je Rembrandtov odnos teh let najbolj jasno predstavljen s slavnim "Avtoportretom s Saskio na kolenih" (okoli 1636). Celotno platno je prežeto z odkritim veseljem do življenja, veseljem. Te občutke izraža domiseln izraz sijočega obraza samega umetnika, ki se zdi, da je dosegel vse zemeljske blagoslove; celotno spremstvo, od bogatih oblačil do slovesno dvignjenega kristalnega kozarca v roki; ritem plastičnih mas, bogastvo barvnih odtenkov, svetlobna in senčna modelacija, ki bo postala glavno izrazno sredstvo Rembrandtovega slikarstva. očarljivo, pravljični svet... Baročni jezik je najbližji izrazu visokega razpoloženja. In Rembrandt v tem obdobju je v veliki meri pod vplivom italijanskega baroka.

V zapletenih okvirih se pred nami pojavijo liki slike iz leta 1635 "Abrahamova žrtev". Od Izakovega telesa, ki leži v ospredju in izraža popolno nemoč žrtve, se pogled gledalca obrne v globino - do figure starejšega Abrahama in božjega glasnika, angela, ki se prebije iz oblakov. Kompozicija je izjemno dinamična, grajena po vseh pravilih baroka. Toda v sliki je nekaj, kar v njej odlikuje ravno rembrandtovsko naravo ustvarjalnosti: prodorno sledenje stanje duha Abraham, ki ob nenadnem pojavu angela ni imel časa občutiti niti veselja osvoboditve strašne žrtve niti hvaležnosti, ampak do zdaj čuti le utrujenost in zmedenost. Na tej sliki so očitne najbogatejše možnosti Rembrandta kot psihologa.

V istih tridesetih letih se je Rembrandt prvič začel resno ukvarjati z grafiko, zlasti z jedkanico. Nič manj kot slika ni pomembna zapuščina grafika Rembrandta, ki je zapustil tako gravure kot unikatne risbe. Rembrandtove jedkanice so večinoma svetopisemske in evangelijske tematike, v risbi pa se kot pravi nizozemski umetnik pogosto nanaša tudi na žanr. Res je, Rembrandtov talent je takšen, da ga kateri koli žanrsko delo pod njegovo roko začne zveneti kot filozofska posplošitev.

Na prelomu zgodnjega obdobja umetnikovega ustvarjanja in njegove ustvarjalne zrelosti, eden njegovih najbolj znanih slike, znan kot Nočna straža (1642) - skupinski portret strelske čete stotnika Banninga Cocka.

Toda skupinski portret je le formalni naslov dela, ki izhaja iz želje naročnika. Rembrandt se je oddaljil od običajne kompozicije skupinskega portreta - podobe praznika, med katero je vsak od portretov "predstavljen". Razširil je obseg žanra in predstavil precej zgodovinsko sliko: na znak alarma se odred Banning Cocka odpravi na pohod. Nekateri so umirjeni, samozavestni, drugi navdušeni v pričakovanju prihajajočega, vsem pa je izraz skupne energije, domoljubnega zanosa, zmagoslavja državljanskega duha.

Podoba ljudi, ki prihajajo izpod nekakšnega oboka v svetlo sončno svetlobo, je polna odmevov heroične dobe nizozemske revolucije, časa zmagoslavja republikanske Nizozemske. Skupinski portret pod čopičem Rembrandta je prerasel v junaško podobo dobe in družbe.

Toda to razpoloženje je bilo meščanski Nizozemski sredi stoletja tuje, ni ustrezalo okusom kupcev, tehnike slikanja pa so bile v nasprotju s splošno sprejetimi. Spektakularna, nedvomno nekoliko teatralna, nadvse svobodna kompozicija, kot že omenjeno, ni imela za cilj predstaviti vsakega od naročnikov. Številni obrazi so preprosto slabo »prebrani« v tem ostrem svetlobnem svetlu, v teh kontrastih gostih senc in močne sončne svetlobe, v katero vstopi odmaknjenost (v 19. stoletju je slika že tako potemnela, da je veljala za podobo nočnega prizora , od tod tudi njegovo napačno ime. Senca, ki se spušča s figure kapitana na svetla oblačila poročnika, dokazuje, da ni noč, ampak dan).

Gledalcu se je zdelo nerazumljivo in absurdno, da se v tem prizoru pojavijo tujci, predvsem deklica v zlato rumeni obleki, ki se je vrinila v množico bojevitih moških. Vse tukaj je povzročilo začudenje in razdraženost javnosti in lahko rečemo, da se s to sliko začne in poglablja konflikt med umetnikom in družbo. S smrtjo Saskije istega leta 1642 se zgodi Rembrandtov naravni prelom z njemu tujimi patricijskimi krogi.

40-50-a so čas ustvarjalne zrelosti. Spremenilo se ni le Rembrandtovo zunanje življenje, ampak se je spremenil predvsem on sam. To je čas oblikovanja njegovega ustvarjalnega sistema, iz katerega bo marsikaj postalo preteklost in v katerem bodo pridobljene druge, neprecenljive kvalitete. V tem obdobju se pogosto obrača na stara dela, da bi jih predelal na nov način. Tako je bilo na primer z Danajo, ki jo je napisal že leta 1636. Že takrat je bilo v tej podobi izraženo glavno: čutno načelo, pogansko, do neke mere »tiziansko«, je bilo v njej le del splošno v izražanju kompleksnih čustvenih doživetij, en sam duhovni impulz. Klasičen, lep, a v svoji lepoti tudi abstrakten ideal je nadomestil izraz življenjske resnice, svetla individualnost fizičnega skladišča. To grdo telo je bilo posredovano izjemno realistično. Toda Rembrandt ni bil zadovoljen z zunanjo resnico. Ob obračanju na sliko v 40. letih je umetnik okrepil čustveno stanje. Preoblikoval je osrednji del z junakinjo in služkinjo. Z novo potezo dvignjene roke Danae ji je povedal veliko navdušenje, izraz veselja, upanja, poziv. Spremenil se je tudi slog pisanja. V nedotaknjenih delih je slika v hladnih tonih, forma je skrbno obdelana; v prepisanih prevladuje topla, zlatorjava, krepka, prosta pisava. Svetloba ima veliko vlogo: svetlobni tok tako rekoč ovije figuro Danae, vsa žari od ljubezni in sreče, to svetlobo dojemamo kot izraz človeških čustev.

V štiridesetih in petdesetih letih 20. stoletja je Rembrandtovo obrtniško znanje vztrajno raslo. Za interpretacijo izbira najbolj lirične, poetične vidike človeškega bivanja, tistega človeškega, ki je večno, univerzalno: materinska ljubezen, sočutje. Največ gradiva mu daje Sveto pismo, iz njega pa prizori iz življenja svete družine, prizori iz Tobijevega življenja. V delih tega obdobja ni zunanjih učinkov. Rembrandt prikazuje preprosto življenje, navadne ljudi, kot na platnu "Sveta družina": le angeli, ki se spuščajo v somrak revnega stanovanja, nas spominjajo, da to ni navadna družina. Kretnja materine roke, vrzanje baldahina, da bi pogledali spečega otroka, koncentracija v figuri Jožefa - vse je globoko premišljeno. Enostavnost življenja in videz ljudi ne utemeljita teme. Rembrandt zna v vsakdanjem življenju videti ne malenkostno in običajno, temveč globoko in trajno. Iz tega platna veje mirna tišina delovnega življenja, svetost materinstva. Ogromno vlogo v Rembrandtovem slikarstvu igra chiaroscuro - osnova njegove umetniške strukture. V koloritu prevladujejo tonska razmerja, v katera Rembrandt rad vnaša močne zaplate čiste barve. V Sveti družini služi rdeča odeja na zibelki kot taka povezovalna točka.

Veliko mesto v delu Rembrandta zavzema pokrajina, tako slikovita kot grafična (jedkanica in risba). Podobi pravih kotičkov države zmore enako kot v tematska slika, dvigniti se nad vsakdanje ("Pokrajina z mlinom na veter").

Zadnjih 16 let je najbolj tragičnih let Rembrandtovega življenja; propadel je, nima ukazov, nima svoje hiše, izgubil je vse svoje sorodnike, bližnje in celo učenci ga izdajo. Toda ta leta so polna neverjetne ustvarjalne dejavnosti, zaradi katere nastajajo slikovite podobe, izjemne po monumentalnosti likov in duhovnosti, globoko filozofska in visoko etična dela. V teh slikah Rembrandta je vse očiščeno minljivega, naključnega. Podrobnosti so čim manjše, geste, drže, nagibi glave so skrbno premišljeni in razumljeni. Figure so povečane, blizu sprednje ravnine platna. Celo majhna dela Rembrandta teh let ustvarjajo vtis izjemne veličine in prave monumentalnosti. Glavna izrazna sredstva niso črte in mase, temveč svetloba in barva. Kompozicija je v veliki meri zgrajena na ravnovesju barvnih zvokov. V barvah prevladujejo odtenki rdeče in rjave, kot bi goreli od znotraj.

Barva pridobi zvočnost in intenzivnost. O poznem Rembrandtu bi bilo pravilneje reči, da je njegova barva »žarna«, saj sta na njegovih platnih svetloba in barva eno, njegove barve kot da izžarevajo svetlobo. Ta kompleksna interakcija barve in svetlobe ni sama sebi namen, ustvarja določeno čustveno okolje in psihološke značilnosti slike.

Portreti poznega Rembrandta se zelo razlikujejo od portretov iz 30. in celo 40. let. Te skrajno preproste (polovične ali generacijske) podobe ljudi, ki so po svoji notranji strukturi blizu umetniku, so vedno figurativni izraz večplastne človeške osebnosti, presenetljive z mojstrovo sposobnostjo podajanja nestalnih, izmuzljivih duhovnih gibov.

Rembrandt je znal ustvariti portret-biografijo; s poudarjanjem le obraza in rok je izrazil celotno zgodbo življenja ("Portret starca v rdečem", okoli 1654). Toda največjo subtilnost značilnosti je Rembrandt dosegel v avtoportretih, od katerih jih je približno sto prišlo do nas in na katerih je odlično zaslediti neskončno raznolikost psiholoških vidikov, raznolikost Rembrandtovih značilnosti. Po prazničnih portretih iz tridesetih let 20. stoletja se pred nami pojavi še ena interpretacija podobe; poln visokega dostojanstva in izredne preprostosti, moški v cvetu življenja na portretu iz dunajska skupščina 1652; te lastnosti bodo sčasoma postale prevladujoče, prav tako izraz trdnosti in ustvarjalne moči (portret 1660).

Zadnja v zgodovini skupinskega portreta je bila Rembrandtova upodobitev starešin suknarske delavnice - tako imenovanih »Sindikov« (1662), kjer je Rembrandt s skopimi sredstvi ustvaril žive in hkrati različne človeške tipe, a najbolj pomembno pa je, da mu je uspelo prenesti občutek duhovne enotnosti, medsebojnega razumevanja in povezanosti ljudi, združenih v eno dejanje in naloge, ki jih ni uspelo niti Halsu.

V letih zrelosti (predvsem v 50. letih) je Rembrandt ustvaril svoje najboljše jedkanice. Kot jedkalec mu v svetovni umetnosti ni para. Njegova tehnika jedkanice je izredno zapletena in obogatena. Jedkanici dodaja tehniko »suhe igle«, na različne načine nanaša barvo pri tisku, včasih po prejetih odtisih naredi spremembe na plošči, zato poznamo številne jedkanice v več državah. Toda v vseh imajo podobe globok filozofski pomen; pripovedujejo o skrivnostih življenja, o tragediji človeško življenje. In še ena značilnost Rembrandtovih jedkanic tega obdobja: izražajo sočutje do trpečih, revnih, neuničljiv občutek samega umetnika za pravičnost in dobroto.

V Rembrandtovih grafikah se je v polni meri pokazal demokratizem njegovega pogleda na svet (Slepi Tobit, Snemanje s križa, Pokopavanje, Češčenje pastirjev, Trije križi, 1653 in 1660).

Veliko riše. Rembrandt je zapustil 2000 risb. To so skice iz narave, skice za slike in priprave za jedkanice. Rembrandtove tehnično briljantne, brezhibne risbe prikazujejo njegovo običajno evolucijo: od izdelave v podrobnostih in kompleksnosti kompozicije do osupljive jedrnatosti in klasično jasne veličastne preprostosti.

Epilog Rembrandtovega dela se lahko šteje za njegovo znamenito sliko "Izgubljeni sin" (okoli 1668-1669), v kateri sta se etična višina in slikarska spretnost umetnika najbolj izkazala. Zgodba svetopisemske prispodobe o razuzdanem sinu, ki se je po mnogih potepanjih vrnil v očetovo hišo, je že prej pritegnila Rembrandta, o čemer priča ena njegovih zgodnjih jedkanic in več risb. V tej skupini – v liku razcapanega mladeniča, ki je padel na kolena, starca pa je položil roke na njegovo obrito glavo – največja napetost čustev, čustvena pretresenost, sreča vrnitve in najdbe, brezdna starševska ljubezen, a tudi grenkobo razočaranj, izgub, ponižanj, sramu in kesanja. Ta nehumanost naredi prizor razumljiv različni ljudje vseh časov in ji daje nesmrtnost. Koloristična enotnost tukaj je še posebej presenetljiva. Iz oranžno-rdečih tonov ozadja - vse to je en sam slikovni tok, zaznan kot izraz enega samega občutka.

Rembrandt je imel velik vpliv na umetnost. Na Nizozemskem ni bilo slikarja, ki ne bi doživel vpliva velikega umetnika. Imel je veliko učencev. Prevzeli so sistem Rembrandtovega chiaroscura, seveda pa niso mogli prevzeti Rembrandtovega razumevanja človeške osebnosti. Zato nekateri med njimi niso šli dlje od zunanjega posnemanja učitelja, večina pa ga je spremenila in prešla na položaj akademizma in posnemanja takrat modnih Flamcev, nato pa Francozov.

V zadnji četrtini XVII. začne se zaton nizozemske slikarske šole, izguba nacionalne identitete in z začetkom 18. stoletja se začne konec velike dobe nizozemskega realizma.

V 17. stoletju je nizozemska slikarska šola postala ena vodilnih v Evropi. Tu se je prvič v zgodovini svetovne umetnosti izkazalo, da so predmeti okoliške resničnosti vir ustvarjalnega navdiha in umetniški namen. V nizozemski umetnosti tega časa je bilo dokončano oblikovanje celotnega sistema žanrov, ki se je začelo v renesansi. V portretih, vsakdanjih slikah, krajinah in tihožitjih so umetniki z redko spretnostjo in toplino prenašali svoje vtise okoliške narave in nezahtevnega življenja. Odsevali so kolektivno podobo Nizozemske - mlade republike, ki je branila svojo neodvisnost v vojni s Španijo.

"Jutro mlade dame" 1660 Frans Miris starejši. Les, olje. Državni puščavnik

Slike umetnikov na vsakdanje teme (ali žanrske slike), ki prikazujejo osebo v znanem, vsakdanjem okolju, so odražale ustaljene oblike življenja, vedenja in komunikacije ljudi, ki pripadajo različnim razredom nizozemske družbe. Slike nizozemskih umetnikov so bile majhne velikosti, zasnovane za okrasitev notranjosti hiš trgovcev, obrtnikov ali bogatih kmetov. Umetniki so zaslužili s prodajo slik, ki so bile naslikane z možnostjo podrobnega ogleda od blizu. To pa je botrovalo posebno skrbnemu, rahločutnemu načinu pisanja.

Društvo Terasa. 1620 Esais Van De Velde. Les, olje. Državni puščavnik

V 17. stoletju je nizozemsko žanrsko slikarstvo doživelo pomemben razvoj. V obdobju njegovega nastajanja, v začetku stoletja, so bili pogosti zapleti na temo rekreacije, zabave mladih bogatih Nizozemcev ali prizorov iz življenja častnikov. Takšne slike so imenovali "banketi", "društva", "koncerti". Njihovo slikarstvo je odlikovala pestra barva, povišan radosten ton. Slika "Družba na terasi" Esaiasa van de Veldeja sodi med tovrstna dela.

Do začetka tridesetih let 20. stoletja je bilo dokončano oblikovanje nizozemskega žanrskega slikarstva. Množične »družbe« so se umaknile malofiguralnim kompozicijam. Podoba okolja, ki človeka obdaja, je začela igrati pomembno vlogo. Prišlo je do delitve žanrskega slikarstva po socialni liniji: zapleti na teme iz življenja meščanov, prizori iz življenja kmetov in mestnih revežev. Tako te kot druge slike so bile namenjene okrasitvi notranjosti.

"Boj". 1637 Adrian van Ostade. Les, olje. Državni puščavnik

Eden najbolj znanih umetnikov, ki je delal v "kmečkem žanru", je bil Adrian van Ostade. V zgodnjem obdobju ustvarjalnosti je podobo kmetov na njegovih slikah odlikovala poudarjena komičnost, ki je včasih dosegla karikaturo. Tako se na sliki »Boj«, osvetljeni z ostro svetlobo, zdi, da borci niso živi ljudje, ampak lutke, katerih obrazi so kot maske, izkrivljene z grimasami zlobe. Kontrastno hladno in tople barve, ostri kontrasti svetlobe in sence še povečajo vtis grotesknega prizora.

Vaški muzikanti. 1635 Adrian Van De Ostade 1635 olje na lesu. Državni puščavnik

V petdesetih letih 16. stoletja je prišlo do spremembe v slikarstvu Adriana Ostadeja. Umetnik se je obrnil k bolj umirjenim motivom, upodablja človeka med običajnimi opravili, največkrat v trenutkih počitka. Takšna je na primer notranja slika "Vaški muzikanti". Ostade spretno prenaša koncentracijo »glasbenikov«, ki jih zanima njihov poklic, prikazuje otroke, ki jih gledajo skozi okno s komaj opaznim humorjem. Raznolikost in mehkoba igre svetlobe in sence, zelenkasto-rjava barvna shema združuje ljudi in njihovo okolje v eno celoto.

"Zimski pogled". 1640 Isaac Van Ostade. Les, olje. Državni puščavnik

Adrianov brat Isaac van Ostade, ki je zgodaj umrl, je prav tako delal v "kmečkem žanru". Upodabljal je življenje podeželske Nizozemske, v naravi katere se je človek počutil kot doma. Slika "Zimski pogled" predstavlja tipično nizozemsko pokrajino s sivim nebom, ki močno visi nad zemljo, zmrznjeno reko, na bregovih katere se nahaja vas.

"Bolnik in zdravnik." 1660 Jan Steen. Les, olje. Državni puščavnik

Žanrsko temo umetnosti bratov Ostade je nadaljeval Jan Steen, nadarjen mojster, ki je s smislom za humor opazil značilne podrobnosti vsakdanjega življenja in odnosov. igralci v svojih slikah. Na sliki "Revelers" umetnik sam veselo in zvito gleda na gledalca, sedeč poleg svoje žene, ki je zaspala po zabavni pojedini. Jan Steen v filmu "Pacient in zdravnik" skozi mimiko in kretnje likov spretno razkriva zaplet namišljene bolezni.

"Soba v nizozemski hiši". Peter Janssens. Platno, olje. Državni puščavnik

V petdesetih in šestdesetih letih 17. stoletja se je tematika žanrskega slikarstva postopoma zožila. Figurativna zgradba slik se spreminja. Postanejo mirnejši, bolj intimni, v njih se pojavi bolj lirična kontemplacija, tiha misel. To stopnjo predstavljajo dela umetnikov, kot so: Pieter de Hooch, Gerard Terborch, Gabriel Metsu, Pieter Janssens. Njihova dela so utelešala poetično in nekoliko idealizirano podobo vsakdanjega življenja nizozemskega meščanstva, ki se je nekoč borilo za svoje pravice in neodvisnost, danes pa je doseglo trajnostno blaginjo. Tako je na notranji sliki "Soba v nizozemski hiši" Petra Janssensa upodobljena prijetna soba, preplavljena s sončno svetlobo, s sončnimi žarki, ki se igrajo na tleh in stenah, na sliki "Stara gospa ob kaminu" Jacoba Wrehl, upodobljena je soba s kaminom, potopljena v mehak mrak. Izbira kompozicije v delih obeh umetnikov poudarja enotnost človeka in njegovega okolja.

"Kozarec limonade." 1664 Gerard Terborch. Hostija (prevod iz lesa), olje. Državni puščavnik

V teh letih so nizozemski žanrski slikarji v svojih delih prvič poskušali odsevati globino človekovega notranjega življenja. V vsakdanjih življenjskih situacijah sta našla priložnost za refleksijo raznolikega sveta najtanjših doživetij. Toda to lahko vidite le s skrbnim in skrbnim pregledom slike. Tako na sliki Gerarda Terborcha "Kozarec limonade" subtilen jezik gest, dotikov rok in očesnega stika razkrije celo paleto občutkov in odnosov med liki.

"Zajtrk". 1660 Gabriel Metsu. Les, olje. Državni puščavnik

Predmetni svet začne igrati veliko vlogo v žanrskih slikah tega obdobja. Ne označuje le materialnega in čustvenega okolja človekovega življenja, temveč izraža tudi raznolikost odnosa osebe z zunanjim svetom. Nabor predmetov, njihova razporeditev, zapleten sistem simbolov, pa tudi poteze likov - vse igra vlogo pri ustvarjanju figurativne strukture slike.

"Veseljaki". 1660 Jan Steen. Les, olje. Državni puščavnik

Nizozemsko žanrsko slikarstvo se ni odlikovalo s široko paleto tem. Umetniki so se omejili na upodabljanje le določenega kroga likov in njihovih poklicev. Toda z njihovo pomočjo je nizozemsko žanrsko slikarstvo uspelo prenesti zanesljivo podobo običajev, običajev in idej o življenju osebe v 17. stoletju.

Pri pripravi publikacije so bila uporabljena gradiva iz odprtih virov.