Ca și în alte state din Europa de Vest, apariția unei viziuni renascentiste asupra lumii în Țările de Jos, care a fost sub stăpânirea Burgundiei până în 1447, și apoi a Habsburgilor, este asociată cu dezvoltarea producției și comerțului, precum și cu creșterea orașe și formarea burghezilor. În același timp, tradițiile feudale erau încă puternice în țară, astfel încât noul în arta olandeză a fost introdus mult mai lent decât în ​​italiană.

ÎN Pictura olandeză era a Renașterii de Nord pentru o lungă perioadă de timp au existat caracteristici stil gotic. Religia a jucat un rol mult mai mare în viața olandezilor decât a italienilor. Omul din operele maeștrilor olandezi nu a devenit centrul universului, așa cum a fost cazul artiștilor Renașterii italiene. Pe parcursul aproape întregului secol al XV-lea. oamenii din pictura din Țările de Jos au fost înfățișați într-o lumină gotică și eterică. Personajele din tablourile olandeze sunt mereu îmbrăcate, le lipsește senzualitatea, dar nu există nici maiestuos și eroic. Dacă maeștrii italieni ai Renașterii au pictat fresce monumentale, privitorul olandez a preferat să admire mici picturi de șevalet. Autorii acestor lucrări au lucrat cu mare atenție la fiecare, chiar și cel mai mic detaliu al pânzelor lor, ceea ce a făcut aceste lucrări interesante și foarte atractive pentru public.

În secolul XV. în Țările de Jos, arta miniaturii a continuat să se dezvolte, dar deja la începutul anilor 1420. au apărut primele picturi, ai căror autori au fost Jan van Eyck și fratele său decedat timpuriu Hubert van Eyck, care au devenit fondatorii școlii de artă olandeză.

Jan van Eyck

Stabiliți cu exactitate ora nașterii lui Jan van Eyck, una dintre cele mai multe Reprezentanți proeminențișcoala olandeză de pictură renascentist a eșuat. Există doar sugestii că van Eyck s-a născut între 1390 și 1400. În perioada 1422-1428, tânărul pictor îndeplinește ordinul contelui Ioan de Bavaria al Olandei: pictează pereții castelului de la Haga.

Din 1427 până în 1429, van Eyck a călătorit în jurul Peninsulei Iberice. În 1428, după moartea lui Ioan de Bavaria, artistul intră în slujba lui Filip cel Bun, duce de Burgundia. Acesta din urmă a putut să aprecieze nu numai darul maestrului pictor, ci și să-și dezvăluie talentul diplomatic. În curând Van Eyck este în Spania. Scopul vizitei sale a fost însărcinarea dată de Ducele de Burgundia - să aranjeze o nuntă și să picteze un portret al miresei. Artistul, care joacă simultan rolul unui diplomat, a făcut față cu brio sarcinilor care i-au fost atribuite și și-a îndeplinit misiunea. Un timp mai târziu, portretul miresei era gata. Din păcate, această lucrare a celebrului pictor nu s-a păstrat.

Din 1428 până în 1429, van Eyck a fost în Portugalia.

Cea mai semnificativă lucrare a lui van Eyck a fost pictura altarului bisericii Sf. Bavo din Bruges, realizată împreună cu fratele Hubert. Clientul său era un om bogat din Gent, Jodocus Veidt. Numit mai târziu Gent, altarul, pictat de celebrul maestru, are o soartă grea. În timpul războaielor religioase, în secolul al XVI-lea, pentru a o salva de la distrugere, a fost demontată și ascunsă. Fragmente separate au fost chiar scoase din Țările de Jos în alte țări ale lumii. Și abia în secolul al XX-lea s-au întors în patria lor, unde au fost adunați. Altarul a decorat din nou biserica Sf. Bavo. Cu toate acestea, nu toate părțile lucrării au fost salvate. Deci, unul dintre fragmentele originalului furat în 1934 a fost înlocuit cu o copie bună.

Compoziția generală a Retarului din Gent este alcătuită din 25 de tablouri, ai căror eroi sunt mai mult de 250 de caractere. Pe partea exterioară a aripilor altarului din partea inferioară sunt imagini ale clientului, Jodocus Veidt și soției sale, Isabella Borlut. Aici sunt plasate și figurile lui Ioan Botezătorul și Ioan Evanghelistul. În rândul din mijloc, se desfășoară o scenă pe o cunoscută poveste biblică: arhanghelul Gavriil aduce vestea bună a nașterii iminente a lui Hristos sfintei Fecioare Maria. Compoziția se remarcă prin unitatea culorilor folosite de autor: toate tablourile sunt concepute în tonuri cenușii pastelate.

O trăsătură distinctivă a acestui tablou este că artistul înconjoară personajele biblice cu realități de zi cu zi. Deci, de la fereastra camerelor Mariei se vede un oraș care este complet diferit de Betleem. Aceasta este Gentul, pe una dintre străzile căreia contemporanii maestrului pictor puteau recunoaște cu ușurință casa bogatului Veidt. Obiectele de uz casnic din jurul Mariei nu sunt doar pline sens simbolic(lavoarul și prosopul apar aici ca simboluri ale purității Mariei, cele trei cerceve ale ferestrei sunt un simbol al Treimii veșnice), dar sunt chemate și să aducă ceea ce se întâmplă mai aproape de realitate.

În timpul sărbătorilor religioase, ușile altarului sunt deschise și o imagine uimitoare apare în fața privitorului, care povestește despre structura lumii în înțelegerea unei persoane din secolul al XV-lea. Deci, în nivelul cel mai de sus există imagini ale Sfintei Treimi: Dumnezeu Tatăl, înfățișat în haine papale brodate cu aur, la picioarele sale se află o coroană - un simbol al lui Isus Hristos, în centrul rândului este un porumbel, simbolizând Sfantul Duh. Fețele Maicii Domnului și ale lui Ioan Botezătorul sunt întoarse spre ei. Cântece de laudă pentru Treime sunt cântate de îngeri. La van Eyck, ei sunt crescuți de tineri îmbrăcați în robe bogat decorate. Această serie este închisă de figurile progenitorilor rasei umane - Adam și Eva.

Rândul de sus al imaginii înfățișează o pajiște largă și verde, de-a lungul căreia sfinți, profeți, apostoli, războinici, pustnici și pelerini mărșăluiesc către Mielul de jertfă. Unele personaje reprezintă oameni reali. Printre aceștia îl găsiți pe artist însuși, precum și pe fratele său Hubert și pe Filip cel Bun, duce de Burgundia. Peisajul de aici este de asemenea interesant. Toți copacii și plantele mici sunt desenați de maestru cu o acuratețe extraordinară. Se simte că artistul a decis să-și arate spectatorului cunoștințele sale de botanică.

Pe fundalul compoziției este înfățișat orașul ceresc Ierusalim, simbolizând creștinismul. Cu toate acestea, pentru maestru, este mai important aici să transmită asemănarea structurilor arhitecturale ale orașului de basm cu clădirile reale care existau pe vremea lui van Eyck.

Tema generală a compoziției sună ca o glorificare a armoniei ordinii mondiale umane. Savanții sugerează că o posibilă sursă literară pentru această operă artist faimos a existat fie „Revelația lui Ioan Gură de Aur”, fie „Legenda de aur” de Jacopo da Varagina.

Oricare ar fi tema lucrărilor lui van Eyck, principalul lucru pentru artist este să înfățișeze lumea reală cât mai precis și obiectiv posibil, cum să o transfere pe pânză, transmițând în același timp toate trăsăturile sale. Acest principiu s-a dovedit a fi cel mai important în formarea unei noi tehnici de reprezentare artistică. S-a manifestat deosebit de strălucitor în lucrările portretistice ale artistului.

În 1431, legatul papal, cardinalul Niccolò Albergati, a sosit în Burgundia. În același timp, Jan van Eyck a realizat o schiță a portretului cardinalului. În cursul lucrărilor, s-au făcut corecții și completări la desen. Trebuie remarcat faptul că maestrul a fost mai preocupat aici nu de afișarea experiențelor interioare ale unei persoane, ci de o transmitere posibil mai precisă a aspectului său, a trăsăturilor individuale și a liniilor faciale, a siluetei, a posturii și a expresiilor faciale.

Mai târziu scris vopsele de ulei portretul cardinalului Albergati, accentul din imagine trece de la detalierea aspectului unei persoane la afișarea lui pace interioara. Ochii personajului, acea oglindă a sufletului uman, în care se reflectă sentimentele, experiențele, gândurile, devin acum dominante pentru dezvăluirea imaginii.

Cum se dezvoltă metoda artistică a lui van Eyck poate fi văzut comparând munca sa anterioară cu portret celebru„Timotei”, scris în 1432. O persoană gânditoare, cu un caracter blând apare în fața privitorului. Privirea lui este fixată în vid. Cu toate acestea, această viziune este cea care îl caracterizează pe eroul van Eyck ca fiind o persoană deschisă, modestă, evlavioasă, sinceră și bună.

Talentul unui artist nu poate fi static. Maestrul trebuie să fie mereu în căutarea unor noi soluții și modalități de exprimare și reprezentare a lumii, inclusiv a lumii interioare a unei persoane. Așa a fost van Eyck. Următoarea etapă în dezvoltarea operei sale a fost marcată de o lucrare de portret, numită „Omul cu turban roșu” (1433). Spre deosebire de personajul din tabloul „Timotei”, eroul acestei pânze este înzestrat cu un aspect mai expresiv. Ochii lui sunt îndreptați spre privitor. Străinul pare să ne spună povestea lui tristă. Privirea lui exprimă sentimente destul de specifice: amărăciune și regret pentru ceea ce s-a întâmplat.

„Timothy” și „Omul cu turban roșu” diferă semnificativ de lucrările create de maestru mai devreme: prezintă un portret psihologic al eroului. Cu toate acestea, artistul nu este atât de interesat lumea spirituală o anumită persoană, cât de mult este atitudinea sa față de realitate. Așadar, Timotei privește lumea gânditor, iar bărbatul în turban o percepe ca pe ceva ostil. Cu toate acestea, acest principiu de a descrie o persoană pentru o lungă perioadă de timp
timpul nu putea exista în cadrul artei renascentiste, unde ideea principală a fost de a identifica clar trăsăturile individuale ale imaginii și de a arăta lumea ei interioară. Această idee devine dominantă în lucrările ulterioare ale lui van Eyck.

Jan van Eyck. Portretul unui bărbat într-un turban roșu. 1433

În 1434, artistul scrie unul dintre cele mai multe ale sale lucrări celebre- „Portretul cuplului Arnolfini”, care, potrivit istoricilor de artă, înfățișează un negustor din Lucca, reprezentant al casei Medici din Bruges Giovanni Arnolfini împreună cu soția sa Giovanna.

Pe fundalul compoziției se află o mică oglindă rotundă, inscripția de deasupra căreia spune că unul dintre martorii ceremoniei a fost însuși artistul, Jan van Eyck.

Imaginile create de artist sunt neobișnuit de expresive. Semnificația lor este evidențiată de faptul că
că autorul își plasează personajele în cel mai obișnuit, la prima vedere, mediu. Esența și sensul imaginilor este subliniată aici prin obiectele care înconjoară personajele și dotate cu sens secret. Deci, merele împrăștiate pe pervazul ferestrei și pe masă simbolizează fericirea cerească, un rozariu de cristal pe perete este întruchiparea evlaviei, o perie este un simbol al purității, două perechi de pantofi sunt un semn al fidelității conjugale, o lumânare aprinsă într-un frumos candelabru este un simbol al unei zeități care umbrește sacramentul ceremoniei căsătoriei. Gândul la fidelitate și iubire este sugerat și de un câine mic care stă la picioarele stăpânilor. Toate aceste simboluri ale fidelității conjugale, fericirii și longevității creează un sentiment de căldură și intimitate, dragoste și tandrețe care unește soții.

De un interes deosebit este pictura lui van Eyck Madonna of Chancellor Rolen, creată în 1435. De dimensiuni mici (0,66 × 0,62 m), lucrarea dă impresia dimensiunii spațiului. Un astfel de sentiment se creează în imagine datorită faptului că prin bolțile arcuite artistul arată privitorului un peisaj cu clădiri de oraș, un râu și munți vizibili în depărtare.

Ca întotdeauna în cazul lui van Eyck, mediul (în acest caz, peisajul) care înconjoară personajele joacă un rol important în dezvăluirea caracterelor lor, chiar dacă personajele, interiorul și peisajul nu constituie aici o unitate holistică. Asezat vizavi de figura cancelarului, peisajul cu cladiri de locuit este un inceput secular, iar peisajul cu biserici, situat in spatele Mariei, este un simbol al religiei crestine. Cele două maluri ale unui râu lat sunt legate printr-un pod, de-a lungul căruia merg pietonii și trec călăreții. Personificarea reconcilierii principiilor spirituale și seculare este pruncul Hristos așezat în poala Mariei, binecuvântând cancelarul.

Lucrarea care a încheiat perioada de formare metoda creativa van Eyck este considerată a fi compoziția de altar „Madonna of Canon van der Pale”, creată în 1436. O trăsătură distinctivă a imaginilor este monumentalitatea lor. Figurile de eroi umplu acum întregul spațiu al imaginii, fără a lăsa aproape loc pentru peisaj sau interior. În plus, în Madona lui Canon van der Pale, personajul principal nu este deloc Madona, ci clientul tabloului însuși. Pentru el Maria și Sf. Donatus, cu un gest cu arătarea, îl prezintă pe Sf. George.

Metoda de a descrie personajul principal se schimbă și aici.

Acesta nu mai este un simplu contemplativ, care își exprimă atitudinea față de lume. Privitorul vede o persoană care s-a retras în sine, gândindu-se profund la ceva foarte important. Imagini similare vor deveni lider în arta olandeză din vremurile următoare.

În lucrările ulterioare, van Eyck afișează imagini și mai concrete. Un exemplu în acest sens este pictura „Portretul lui Jan van Leeuw” (1436). Persoana înfățișată în portret ne este deschisă. Privirea lui este fixată asupra privitorului, care poate recunoaște cu ușurință toate sentimentele eroului. Trebuie doar să te uiți în ochii lui.

Punctul culminant al operei maestrului este considerat a fi ultimul, pictat în 1439, al soției sale, Margarita van Eyck. Aici, în spatele înfățișării eroinei, pictată subtil de artistă, se vede clar personajul ei. Niciodată imaginea lui Van Eyck nu a fost atât de obiectivă. Vopselele folosite sunt și ele neobișnuite pentru artistă: țesătura roșu-violet a hainelor, blana fumurie a marginii, pielea roz a eroinei și buzele ei palide.

Jan van Eyck a murit la 9 iulie 1441 la Bruges. Opera sa, care a influențat mulți maeștri ulterioare, a pus bazele formării și dezvoltării picturii olandeze.

Un contemporan al fraților van Eyck a fost Robert Campin, autorul lucrărilor decorative și tablouri, profesor al multor pictori, printre care celebrul pictor Rogier van der Weyden.

Compozițiile de altar și portretele lui Campin se remarcă prin dorința lor de autenticitate, maestrul încearcă să înfățișeze toate obiectele astfel încât să arate ca în realitate.

Cel mai mare artist olandez al secolului al XV-lea. a fost Rogier van der Weyden, care a pictat scene dramatice de altar („Coborârea de pe cruce”, după 1435) și portrete expresive, spirituale („Portretul lui Francesco d’Este”, 1450; „Portretul unei tinere femei”, 1455). Rogier van der Weyden a deschis primul atelier major din Olanda, unde mulți artiști celebri renasterea. Pictorul a fost larg cunoscut nu numai în patria sa, ci și în Italia.

În a doua jumătate a secolului al XV-lea. astfel de artiști au lucrat în Țările de Jos ca Jos van Wassenhove, care a făcut multe pentru dezvoltarea picturii olandeze, talentatul neobișnuit Hugo van der Goes, autorul celebrului retablo Portinari, Jan Memling, în a cărui operă trăsăturile Renașterii italiene apar: ghirlande și putti, idealizarea imaginilor, claritate și claritate construcție compozițională(„Madona și copilul, îngerul și donatorii”).

Unul dintre cei mai străluciți maeștri ai Renașterii de Nord de la sfârșitul secolului al XV-lea. era Hieronymus Bosch.

Hieronymus Bosch (Hieronymus van Aken)

Hieronymus van Aken, poreclit mai târziu Bosch, s-a născut între 1450-1460. în Hertogenbosch. Tatăl său, doi unchi și un frate erau artiști. Au devenit primii profesori ai pictorului debutant.

Opera lui Bosch se distinge prin grotesc și sarcasm caustic în reprezentarea oamenilor. Aceste tendințe sunt deja vizibile în munca timpurie ah artist. De exemplu, în tabloul „Înlăturarea pietrei prostiei”, înfățișând o operațiune simplă efectuată de un vindecător pe capul unui țăran, pictorul ridiculizează clerul, nesinceritatea și pretenția clerului. Privirea țăranului este îndreptată spre privitor, transformându-l dintr-un observator din exterior într-un complice al ceea ce se întâmplă.

Unele dintre lucrările lui Bosch sunt ilustrații deosebite pentru povesti din folclorși legende creștine. Acestea sunt pânzele sale „Corabia proștilor”, „Ispita Sf. Antonie”, „Grădina desfătărilor pământești”, „Adorarea magilor”, „Bata de joc a lui Hristos”. Ploturile acestor lucrări sunt caracteristice artei din Flandra din secolele XV-XVI. Cu toate acestea, figurile grotești ale oamenilor și animalelor fantastice descrise aici, structurile arhitecturale neobișnuite prezentate de pictor, disting picturile lui Bosch de lucrările altor maeștri. În același timp, trăsăturile realismului sunt clar urmărite în aceste compoziții, care era străină de artele plastice din Țările de Jos la acea vreme. Cu lovituri precise, maestrul face privitorul să creadă în realitatea și autenticitatea a ceea ce se întâmplă.

În pânzele dedicate temelor religioase, Isus se trezește aproape întotdeauna înconjurat de oameni care zâmbesc rău și ambiguu. Aceleași imagini sunt prezentate și în tabloul „Carry the Cross”, a cărui culoare este compusă din nuanțe palide și reci. Din masa monotonă de oameni iese în evidență figura lui Hristos, pictată în culori ceva mai calde. Cu toate acestea, acesta este singurul lucru care îl deosebește de ceilalți. Fețele tuturor personajelor au aceeași expresie. Chiar și chipul strălucitor al lui St. Veronica aproape că nu distinge eroina de alte personaje. În plus, combinația de culori strălucitoare, otrăvitoare, albastru și galben, ale coafurei ei sporește sentimentul de ambiguitate.

Un interes deosebit în opera lui Bosch este compoziția altarului numită „Fân”. Un tablou alegoric se desfășoară în fața privitorului viata umana. Oamenii merg pe căruță: fiind între înger și diavol, în fața tuturor se sărută, se distrează, cântă la instrumente muzicale, cântă cântece. Căruța este urmată de papă și de împărat, oamenii de rând închid coloana. Aceștia din urmă, dorind să devină participanți la celebrarea vieții, aleargă înainte și, căzuți sub roțile unui cărucior, se trezesc zdrobiți fără milă, fără să aibă timp să înțeleagă gustul bucuriilor și plăcerilor omenești. Compoziția de ansamblu este încununată de micul Iisus așezat pe un nor și ridicând cu rugăciune mâinile la cer. Impresia de realism a ceea ce se întâmplă este creată cu ajutorul unui peisaj care se distinge prin concretețe și fiabilitate.

Hieronymus Bosch. Ridicul lui Hristos

Bosch introduce întotdeauna elemente fantastice în picturile sale. Ele sunt principalele, dezvăluie intenția artistului. Acestea sunt păsări care se înalță pe cer cu pânze în loc de aripi; pește cu copite de cal în loc de aripioare; oameni născuți din cioturile de copaci; capete cu cozi și o mulțime de alte imagini fantasmagorice. Și toate sunt neobișnuit de mobile în Bosch. Chiar și cea mai mică creatură este înzestrată cu energie și îndreptată undeva.

Privind picturile lui Bosch, ai impresia că maestrul a decis să arate tot ce este josnic, sumbru, rușinos în această lume. Umorul nu-și are locul în aceste pânze. Este înlocuit de batjocură otrăvitoare, sarcasm, evidențiind cu strălucire toate deficiențele ordinii mondiale umane.

În lucrările aparținând perioadei târzii a operei artistului, dinamica este oarecum slăbită. Cu toate acestea, rămâne aceeași infinitate a spațiului reprezentat și natura multi-figură a tabloului. Acesta este modul în care puteți caracteriza pânza, numită „John on Patmos”. Deosebit de interesant este faptul că pe reversul acestuia, maestrul a plasat un peisaj minunat, izbitor de frumos. Artistul a reușit surprinzător de precis să transmită aici transparența aerului și curbele malurilor râului și culoarea albastră moale a cerului înalt. Culorile strălucitoare și liniile precise ale contururilor conferă însă lucrării un caracter tensionat, aproape tragic.

Acasă semn distinctiv Creativitatea lui Bosch este concentrarea asupra omului și a lumii sale, dorința de a exprima în mod obiectiv viața oamenilor, sentimentele, gândurile și dorințele lor. Acest lucru se reflectă cel mai pe deplin în compoziția altarului numită „Grădina Desfătărilor”, unde păcatele umane sunt arătate fără înfrumusețare. Lucrarea este extrem de dinamică. În fața spectatorului trec grupuri întregi de oameni, pe care autorul îl plasează pe mai multe niveluri pentru o vizualizare mai bună. Treptat, se creează impresia unei mișcări unidirecționale, care se repetă continuu, a figurilor, care sporește sentimentul tragic și amintește privitorului de cele șapte cercuri ale iadului.

Stilul artistic al lui Bosch s-a născut dintr-un conflict între realitate și idealurile artei medievale. Mulți artiști de atunci, datorită dorinței pe deplin de înțeles de a înfrumuseța o viață mohorâtă, plină de contradicții, au creat imagini ideal de frumoase, departe de realitatea dură. Lucrarea lui Bosch, dimpotrivă, a vizat o imagine obiectivă a realității înconjurătoare. Mai mult, artistul a căutat să răstoarne lumea oamenilor și să-și arate latura ascunsă, redând astfel artei semnificația ei profundă filosofică și ideologică.

Peisajul joacă unul dintre rolurile principale din Adorarea Magilor. Personajele principale sunt prezentate aici ca parte a întregului, nu au un sens independent. Ceea ce este mai important pentru dezvăluirea intenției artistului este ceea ce se află în spatele figurilor personajelor - picturi peisagistice: călăreți, copaci, un pod, un oraș, un drum. În ciuda amplorii, peisajul dă impresia de gol, liniște și deznădejde. Cu toate acestea, acesta este singurul lucru care încă sclipește de viață și conține o anumită semnificație. Figurile umane de aici sunt statice și nesemnificative, mișcările lor, fixate la un moment dat, sunt suspendate. şef actor tocmai peisajul este spiritualizat și, prin urmare, declanșează și mai puternic golul, lipsa de scop și inutilitatea vieții umane.

În compoziție" Fiu risipitor» poze cu natura si personaj principal formează o unitate. Mijloacele de exprimare aici
generalitatea vopselelor folosite de autor servește: peisajul și figura umană sunt pictate în nuanțe de gri.

În lucrările ulterioare ale lui Bosch, creaturilor fantastice nu li se mai acordă la fel de mult spațiu ca în lucrările anterioare. Numai în unele locuri mai apar figuri ciudate separate. Cu toate acestea, acestea nu sunt acele jumătăți de animale energice care se grăbesc peste tot. Dimensiunea și activitatea lor sunt semnificativ reduse. Principalul lucru acum pentru pictor este să arate singurătatea unei persoane în această lume a oamenilor cruzi, fără suflet, în care toată lumea este ocupată doar cu sine.

Hieronymus Bosch a murit în 1516. Opera sa a influențat formarea metodei artistice a multor maeștri remarcabili, printre care Pieter Brueghel cel Bătrân. Imaginile fantastice ale operelor lui Bosch au predeterminat în mare măsură aspectul picturii artiștilor suprarealişti.

La începutul secolului al XVI-lea. Maeștrii din secolul al XV-lea au continuat să trăiască și să lucreze în Țările de Jos. - Hieronymus Bosch și Gerard David, dar deja în acel moment, trăsăturile Înaltei Renașteri au apărut în pictura olandeză (deși într-o măsură mai mică decât în ​​italiană).

În această perioadă, economia Olandei se confruntă cu o înflorire fără precedent. Industria s-a dezvoltat rapid, meșteșugul breslei a fost înlocuit de manufactură. Descoperirea Americii a făcut din Olanda un centru major al comerțului internațional. Conștiința de sine a poporului a crescut și odată cu aceasta s-au intensificat și tendințele de eliberare națională, care în ultima treime a secolului al XV-lea au dus la o revoluție.

Unul dintre cei mai importanți maeștri ai primei treimi a secolului al XVI-lea. era Quentin Masseys. Autor a numeroase retaule, a devenit, probabil, primul creator al unei opere de gen în pictura olandeză, scriindu-și tablou faimos„Schimbător cu soția sa” (1514). Masseys a pictat portrete minunate în care
artistul face o încercare de a transmite profunzimea lumii interioare a unei persoane (portrete ale lui Etienne Gardiner, Erasmus din Rotterdam, Peter Egidius).

În același timp, cu Masseys în Olanda, au lucrat cu așa-zisa. romancieri care s-au orientat către opera maeștrilor italieni. În lucrările lor, romancierii nu au căutat să reflecte realitatea; scopul lor principal a fost să creeze o imagine monumentală a unei persoane. Cei mai semnificativi reprezentanți ai acestei tendințe au fost Jan Gossart, poreclit Mabuse, și Bernard van Orley.

În prima treime a secolului al XVI-lea. a lucrat cunoscut maestru al epocii sale, unul dintre fondatorii picturii peisagistice europene Joachim Patinir. Picturile sale de câmpii largi, vârfuri stâncoase și râuri calme includ scene religioase cu mici figuri umane. Treptat, motivele biblice ocupă tot mai puțin spațiu în peisajele sale („Botez”, „Peisaj cu fuga în Egipt”). Pictura lui Patinir a avut o mare influență asupra artiștilor din generațiile următoare.

Un contemporan al lui Patinir a fost cel mai mare maestru al acestui timp, Luca de Leiden, care a lucrat în tehnica gravurii. Lucrările sale se remarcă prin realismul și integritatea compozițională, precum și prin emoționalitatea profundă („Mahomed cu un călugăr ucis”, 1508; „David și Saul”, 1509). Multe dintre gravurile sale sunt caracterizate de elemente ale genului cotidian („Un joc de șah”, „Soția îi aduce lui Potifar hainele lui Iosif”). Imaginile portret ale lui Luca de Leiden sunt autentice și realiste („Portret de bărbat”, ca. 1520).

Genul cotidian a devenit larg răspândit în pictura din a doua treime a secolului al XVI-lea. Artiști care au continuat tradițiile lui Massey au lucrat la Anvers - Jan Sanders van Hemessen, care a creat multe versiuni ale lui The Changer, și Marinus van Roimerswale, autorul cărții The Merry Society. Cu imaginile sale groteşti s-a schimbat şi fetele pulmonare comportament, acești maeștri au șters practic linia de separare a compozițiilor cotidiene de cele religioase.

Caracteristicile genului de zi cu zi au pătruns în pictură portret, cei mai mari reprezentanți ai cărora au fost artiștii din Amsterdam Dirk Jacobs și Cornelis Teynissen. Pozele și gesturile naturale fac imaginile portret vii și convingătoare. Datorită lui Jacobs și Teinissen, pictura olandeză a fost îmbogățită cu un gen nou, original, care a devenit un portret de grup.

În acești ani, romanismul a continuat să se dezvolte, ai cărui maeștri au fost Peter Cook van Aelst și Jan Scorel, care aveau numeroase talente și abilități. Nu a fost doar pictor, ci și cleric, muzician, retor, inginer și păstrător al colecției de artă a Papei Adrian al VI-lea.

Criza atitudinii Renașterii, care a cuprins arta Renașterii italiene în a doua jumătate a secolului al XVI-lea, a afectat și Țările de Jos. În anii 1550-1560. în pictura olandeză, tendința realistă continuă să se dezvolte, dobândind trăsăturile unei naționalități. În același timp, se activează și romanismul, în care încep să predomine elemente de manierism.

Trăsăturile manieristice sunt prezente în pictura artistului anversoan Frans Floris. Compozițiile sale biblice uimesc prin dramatism excesiv, unghiuri complexe și dinamică exagerată („Caderea îngerilor”, 1554; „ Judecata de Apoi", 1566).

Un reprezentant remarcabil al picturii realiste din acest timp a fost maestrul de la Anvers Peter Artsen, care a pictat în principal scene de gen cu figuri mari și naturi moarte. Adesea el combină ambele genuri în lucrările sale, dar unul dintre ele prevalează întotdeauna asupra celuilalt. În tabloul „Sărbătoarea țărănească” (1550), joacă o natură moartă rol minor, iar în The Butcher's Shop (1551), obiectele au împins persoana în fundal. Pânzele lui Artsen se remarcă printr-o mare autenticitate, deși artistul se străduiește să prezinte imaginile țăranilor ca fiind monumentale și maiestuoase (Țărani în piață, anii 1550; Țărani la vatră, 1556; Dansul printre ouă, 1557). În tablourile „Bucătarul” (1559), „Țăranul” (1561), cu idealizarea lor evidentă a imaginilor, se simte simpatia sinceră a autorului pentru omul de rând.

Cel mai important maestru al olandezei realiste pictura XVI V. era Pieter Brueghel cel Bătrân.

Pieter Brueghel cel Bătrân

Pieter Brueghel (Bregel), supranumit Bătrânul sau Țăranul, s-a născut între 1525 și 1530. La începutul anilor 50. al 16-lea secol a locuit la Anvers, unde a studiat pictura cu P. Cook van Aelst. În perioada 1552-1553 artistul a lucrat în Italia, iar din 1563 la Bruxelles. În timp ce se afla în Olanda, pictorul a întâlnit gânditori democrați și radicali ai țării. Această cunoștință a determinat, probabil, focalizarea tematică a operei artistului.

Primele lucrări ale lui Brueghel sunt marcate de influența artei manieriste și a metodei artistice a lui Hieronymus Bosch. În cea mai mare parte, sunt peisaje care întruchipează impresiile pictorului despre o călătorie în Italia și Alpi, precum și imagini ale naturii Olandei, patria artistului. În aceste lucrări, se remarcă dorința autorului de a arăta o imagine la scară largă, grandioasă pe o pânză mică. Așa este „portul lui napolitan”, care a devenit primul peisaj marin din istoria picturii.

În lucrările sale timpurii, artistul caută să exprime infinitul spațiului în care o persoană se pierde, devine mai mică, devine nesemnificativă. Mai târziu, peisajul de la Brueghel capătă dimensiuni mai reale. Se schimbă și interpretarea unei persoane care trăiește în această lume. Imaginea unei persoane este acum înzestrată cu o semnificație specială și nu este o figură care a apărut accidental pe pânză. Un exemplu în acest sens este o pictură creată în 1557 și numită „Semănătorul”.

În Căderea lui Icarus, intriga principală, care exprimă ideea că moartea unei persoane nu va opri rotația roții vieții, este completată de mai multe. Astfel, scenele de arat și peisajul de coastă prezentate aici servesc drept simboluri ale regularității vieții umane și ale măreției lumii naturale. Deși pânza este dedicată unui mit străvechi, aproape nimic nu amintește de moartea lui Icar. Doar dacă te uiți cu atenție, poți vedea piciorul eroului care a căzut în mare. Nimeni nu a băgat în seamă moartea lui Icar – nici ciobanul, admirând priveliștea frumoasă, nici pescarul, situat pe mal, nici țăranul care-și ară câmpul, nici echipajul velierului care se îndrepta spre larg. Principalul lucru din imagine nu este tragedia unui personaj antic, ci frumusețea unei persoane înconjurate de natură frumoasă.

Toate lucrările lui Brueghel au un conținut semantic profund. Ei afirmă ideea de ordine și înălțime a ordinii mondiale. Cu toate acestea, ar fi greșit să spunem că lucrările lui Brueghel sunt optimiste. Notele pesimiste din tablouri sunt exprimate printr-o poziție specială luată de autor. Pare să fie undeva în afara lumii, urmărind viața din exterior și îndepărtat de imaginile transferate pe pânză.

O nouă etapă în opera artistului a fost marcată de apariția în 1559 a picturii „Bătălia de la Carnaval și Postul Mare”. Compoziția sa bazat pe numeroase mulțimi de petreci, mummeri, călugări și negustori. Pentru prima dată în opera lui Brueghel, toată atenția se concentrează nu asupra picturilor de peisaj, ci asupra imaginii unei mulțimi în mișcare.

În această lucrare, autorul a exprimat o viziune deosebită asupra lumii, caracteristică gânditorilor de atunci, când lumea naturii era umanizată, animată, iar lumea oamenilor, dimpotrivă, era asemănată, de exemplu, cu o comunitate de insecte. . Din punctul de vedere al lui Brueghel, lumea oamenilor este același furnicar, iar locuitorii săi sunt pe cât de nesemnificativi și de neînsemnati, pe atât de mici. Aceleași sunt sentimentele, gândurile, acțiunile lor. Poza, care înfățișează oameni veseli, evocă totuși un sentiment sumbru și trist.

Aceeași stare de tristețe a marcat picturile „Proverbe flamande” (1559) și „Jocuri ale copiilor” (1560). În aceasta din urmă, copiii sunt arătați în prim-plan. Cu toate acestea, perspectiva străzii prezentată în imagine este nesfârșită. Ea este cea care are semnificația principală în compoziție: activitățile oamenilor sunt la fel de lipsite de sens și de nesemnificative ca și distracția copiilor. Această temă - problema locului unei persoane în viață - devine principala în opera lui Brueghel la sfârșitul anilor 1550.

Din anii 1560. realismul din picturile lui Brueghel este brusc înlocuit de o fantezie strălucitoare și sinistră, din punct de vedere al puterii de exprimare depășind chiar și lucrările grotești ale lui Bosch. Exemple de astfel de lucrări pot fi picturile „Triumful morții” (1561) și „Mad Greta” (1562).

În Triumful morții, scheletele sunt arătate încercând să distrugă oamenii. Aceștia, la rândul lor, încearcă să scape într-o capcană uriașă pentru șoareci. Imaginile-alegorii sunt pline de semnificații simbolice profunde și sunt concepute pentru a reflecta viziunea autorului asupra lumii și înțelegerea lumii.

În Crazy Greta, oamenii nu mai speră să fie salvați de creaturile malefice, al căror număr crește. Nu se știe de unde apar multe dintre aceste creaturi sinistre, încercând să ia locul oamenilor de pe pământ. Aceștia din urmă, înnebuniți, iau mizeria vărsată de monstrul uriaș pentru aur și, uitând de pericolul iminent și zdrobindu-se unul pe altul în mulțime, încearcă să pună stăpânire pe „prețioasele” lingouri.

În această compoziție se arată, pentru prima dată, atitudinea artistului față de oamenii care erau stăpâniți de lăcomia nestăpânită. Cu toate acestea, acest gând se dezvoltă în Brueghel în discuții profunde despre soarta întregii omeniri. De asemenea, trebuie remarcat faptul că, în ciuda întregii varietăți a elementelor fantastice, picturile lui Brueghel au evocat un sentiment neobișnuit de acut al concretității și realității a ceea ce se întâmpla. Erau un fel de reflectare a evenimentelor petrecute la acea vreme în Olanda – represiunile săvârșite de cuceritorii spanioli în țară. Brueghel a fost primul dintre artiștii care a reflectat pe pânză evenimentele și conflictele timpului său, transpunându-le într-un limbaj artistic și pictural.

Treptat emoții puternice iar tragedia sunt înlocuite de reflecţiile liniştite şi triste ale lui Brueghel asupra soartei oamenilor. Artistul apelează din nou la imagini reale. Acum, locul principal în compoziție este acordat unui peisaj la scară largă, care merge departe până la orizont. Batjocura sarcastică a autorului, caracteristică lucrărilor anterioare, se transformă aici în căldură, iertare și înțelegere a esenței sufletului uman.

În același timp, apar lucrări marcate de o stare de singurătate, ușoară tristețe și tristețe. Printre astfel de pânze, Maimuțele (1562) și Turnul Babel (1563) ocupă un loc aparte. În aceasta din urmă, spre deosebire de pictura cu același nume scrisă mai devreme, locul principal este ocupat de figurile constructorilor. Dacă mai devreme artistul era mai interesat de lumea naturii frumoase și perfecte, acum accentul semantic se mută către imaginea unei persoane.

În lucrări precum „Sinuciderea lui Saul” (1562), „Peisaj cu fuga în Egipt” (1563), „Cararea crucii” (1564), maestrul depășește tragedia lipsei de sens a activităților oamenilor pe pământ. Aici apare o idee complet nouă pentru Brueghel, valoarea inerentă a vieții umane. În acest sens, prezintă un interes deosebit compoziția „Purtarea crucii”, unde binecunoscutul complot religios și filozofic este interpretat ca o scenă de masă cu numeroase figuri de soldați, țărani, copii - oameni de rând, care urmăresc cu curiozitate ce se întâmplă. .

În 1565, a fost creat un ciclu de picturi care au devenit adevărate capodopere ale artei mondiale. Pânzele sunt dedicate anotimpurilor: „O zi mohorâtă. Primăvara”, „Recolta. Vara”, „Întoarcerea turmelor. Toamna”, „Vânători în zăpadă. Iarnă". Aceste compoziții reprezintă armonios ideea autorului de a exprima măreția și în același timp realitatea vitală a lumii naturale.

Cu toată autenticitatea, maestrul reușește să surprindă imagini vii ale naturii pe pânză. Sentimentul de realitate aproape tangibilă este obținut prin utilizarea de către artist a vopselelor de anumite tonuri, care sunt simboluri deosebite ale acestui sau aceluia sezon: nuanțe maro-roșiatice ale pământului, combinate cu tonuri verzi, formând un peisaj în fundalul „Gloomy”. Zi"; galben bogat, transformându-se în maro în compoziția „Harvest”; predominanța roșului și a tuturor nuanțelor de maro în tabloul „Întoarcerea turmelor”.

Ciclul Brueghel este dedicat stărilor naturii din diferite perioade ale anului. Totuși, ar fi greșit să spunem că aici doar peisajul ocupă atenția principală a artistului. În toate tablourile sunt oameni care sunt reprezentați de artist ca fiind puternici din punct de vedere fizic, pasionați de un fel de ocupație: recoltat, vânătoare. O caracteristică distinctivă a acestor imagini este fuziunea lor cu lumea naturală. Figurile umane nu se opune peisajului, ele sunt înscrise armonios în compoziție. Mișcarea lor coincide cu dinamica forțelor naturale. Deci, începutul muncii agricole este asociat cu trezirea naturii („Ziua mohorâtă”).

Foarte curând, o reprezentare realistă a oamenilor și a evenimentelor devine direcția principală în arta lui Brueghel. Pânzele „Recensământul din Betleem”, „Masacrul inocenților”, „Predica lui Ioan Botezătorul”, apărute în 1566, au marcat o nouă etapă în dezvoltarea nu numai a operei artistului, ci și a artei Olandei ca un întreg. Imaginile desenate pe pânză (inclusiv cele biblice) erau acum chemate nu doar să personifice concepte universale, ci și să simbolizeze o anumită ordine socială mondială. Așadar, în tabloul „Masacrul inocenților” complotul evanghelic servește ca un fel de ecran pentru înfățișarea unui fapt real: un atac al uneia dintre unitățile armatei spaniole asupra unui sat flamand.

O lucrare semnificativă a ultimei perioade a operei artistului a fost pictura „Dansul țărănesc”, creată de Brueghel în 1567. Subiectul pânzei este țăranii care dansează, înfățișați de maestru la scară mărită. Este important ca autorul nu numai să transmită atmosfera sărbătorii, ci și să arate în mod realist plasticitatea mișcării. corpuri umane. Totul într-o persoană îl interesează pe artist: trăsăturile feței, expresiile faciale, gesturile, posturile, modul de mișcare. Fiecare figură este scrisă de maestru cu mare atenție și precizie. Imaginile create de Brueghel sunt monumentale, semnificative și poartă patos social. Ca urmare, se naște un tablou, reprezentând o masă uriașă, omogenă de oameni, simbolizând țărănimea. Această compoziție va deveni fundamentală în dezvoltarea genului țărănesc popular-casnic în arta Brueghel.

Care este originea temă popularăîn opera artistului? Istoricii de artă sugerează că astfel de lucrări ale sale sunt un fel de răspuns la evenimentele care au loc atunci în Țările de Jos. Momentul scrierii picturii „Dansul țărănesc” coincide cu momentul înăbușirii răscoalei populare, numită „iconoclasm” (răzvrătiții, în frunte cu calviniști, au distrus icoane și sculpturi în bisericile catolice). Odată cu această mișcare, care a izbucnit în 1566, a început revoluția din Țările de Jos. Evenimentele i-au zguduit până la capăt pe toți contemporanii celebrului artist.

Cu iconoclasmul, istoricii și istoricii de artă asociază și apariția unei alte lucrări a lui Brueghel - „Nunta țărănească”. Imaginile create aici iau o scară și mai mare în comparație cu figurile Dansului Țărănesc. Cu toate acestea, țăranii sunt înzestrați cu forță și putere exagerate în compoziție. O astfel de idealizare a imaginii nu era tipică pentru lucrările artistului create anterior. În aceeași poză s-a manifestat extraordinara bunăvoință a autorului față de oamenii înfățișați de el pe pânză.

Starea de bucurie, de afirmare a vieții, a lucrărilor menționate mai sus este înlocuită curând de pesimism și de un sentiment de speranțe neîmplinite, care se reflectă în picturile „Mizantrop”, „Schiopi”, „Hoțul de cuib”, „Orbul”. Este de remarcat faptul că toate au fost scrise în 1568.

În „Orbire” figuri de schilodi sunt înfățișate în prim plan. Fețele lor sunt teribil de urâte. Sufletele acestor oameni par să fie aceleași. Aceste imagini sunt personificarea a tot ceea ce este baza pe pământ: lăcomie, interes personal și răutate. Orbitele lor goale sunt un simbol al orbirii spirituale a oamenilor. Pânza capătă un pronunțat caracter tragic. La Brueghel, problema vidului spiritual, nesemnificația umană crește la proporții universale.

Semnificativ în compoziție este rolul peisajului, care este prezentat de autor ca o opoziție cu lumea oamenilor.

Dealurile care se ridică în depărtare, copacii, biserica - totul este plin de liniște, liniște și pace. Oamenii și natura par să schimbe locurile aici. Este peisajul din imagine care exprimă ideea de umanitate, bunătate, spiritualitate. Și persoana însuși se dovedește a fi aici moartă spiritual și lipsită de viață. Notele tragice sunt sporite de utilizarea de către autor a culorilor deschise și reci. Deci, baza culorii este culorile liliac deschise cu o nuanță de oțel, care sporesc sentimentul de deznădejde al situației în care persoana a căzut.

Ultima lucrare a lui Brueghel cel Bătrân a fost o lucrare numită „Dansul sub spânzurătoare” (1568). În imagine, privitorului i se arată figuri de oameni care dansează nu departe de spânzurătoare. Această pânză a devenit o expresie a dezamăgirii totale a artistului față de ordinea mondială și de oameni contemporani, sună o înțelegere a imposibilității de a reveni la armonia anterioară.

Pieter Brueghel a murit la 5 septembrie 1569 la Bruxelles. Mare pictor a devenit fondatorul tendinței populare și democratice în arta olandei în secolul al XVI-lea.

Olanda. secolul al 17-lea Țara se confruntă cu o prosperitate fără precedent. Așa-numita „Epoca de Aur”. La sfârșitul secolului al XVI-lea, mai multe provincii ale țării și-au obținut independența față de Spania.

Acum, Țările de Jos protestante au urmat propriul lor drum. Și Flandra catolică (acum Belgia) sub aripa Spaniei - propria sa.

În Olanda independentă, aproape nimeni nu avea nevoie de pictură religioasă. Biserica protestantă nu a aprobat luxul decorațiunii. Dar această împrejurare „a jucat în mâinile” picturii seculare.

Literal, fiecare locuitor al noii țări și-a trezit dragostea pentru acest tip de artă. Olandezii au vrut să-și vadă propria viață în imagini. Iar artiștii au mers de bunăvoie să-i cunoască.

Niciodată până acum realitatea înconjurătoare nu a fost descrisă atât de mult. Oameni obișnuiți, camere obișnuite și cel mai obișnuit mic dejun al unui oraș.

Realismul a înflorit. Până în secolul al XX-lea, el va fi un demn concurent al academismului cu nimfele și zeițe grecești.

Acești artiști sunt numiți „mici” olandezi. De ce? Picturile erau de dimensiuni mici, deoarece erau create pentru case mici. Așadar, aproape toate picturile lui Jan Vermeer nu au mai mult de jumătate de metru înălțime.

Dar cealaltă versiune îmi place mai mult. În Țările de Jos, în secolul al XVII-lea, a trăit și a lucrat un mare maestru, un „mare” olandez. Și toți ceilalți erau „mici” în comparație cu el.

Vorbim, desigur, despre Rembrandt. Să începem cu el.

1. Rembrandt (1606-1669)

Rembrandt. Autoportret la 63 de ani. 1669 Galeria Națională din Londra

Rembrandt a avut șansa de a experimenta cea mai largă gamă de emoții în timpul vieții sale. Prin urmare, în lucrările sale timpurii există atât de multă distracție și bravada. Și atât de multe sentimente complexe - în cele de mai târziu.

Iată-l tânăr și lipsit de griji în tabloul „Fiul risipitor în cârciumă”. În genunchi este iubita soție a Saskiei. Este un artist popular. Comenzile curg.

Rembrandt. Fiul risipitor în cârciumă. 1635 Galeria Vechilor Maeștri, Dresda

Dar toate acestea vor dispărea în vreo 10 ani. Saskia va muri de consum. Popularitatea va dispărea ca fumul. O casă mare cu o colecție unică va fi luată pentru datorii.

Dar va apărea același Rembrandt, care va rămâne timp de secole. Sentimentele goale ale personajelor. Cele mai secrete gânduri ale lor.

2. Frans Hals (1583-1666)

Frans Hals. Auto portret. 1650 Muzeul Metropolitan de Artă, New York

Frans Hals este unul dintre cei mai mari portretisti ai tuturor timpurilor. Prin urmare, l-aș clasa și printre „marii” olandezi.

În Olanda la acea vreme se obișnuia să comande portrete de grup. Deci au existat o mulțime de lucrări similare înfățișând oameni care lucrează împreună: trăgători ai aceleiași bresle, medici din același oraș, gestionând un azil de bătrâni.

În acest gen, Hals iese cel mai mult în evidență. La urma urmei, cele mai multe dintre aceste portrete arătau ca un pachet de cărți. Oamenii stau la masă cu aceeași expresie pe față și doar se uită. Hals era diferit.

Privește portretul său de grup „Săgețile Breaslei Sf. George".

Frans Hals. Săgețile Breslei Sf. George. 1627 Muzeul Frans Hals, Haarlem, Țările de Jos

Aici nu veți găsi o singură repetiție în postură sau expresie facială. În același timp, aici nu este haos. Sunt multe personaje, dar nimeni nu pare de prisos. Datorită aranjamentului surprinzător de corect al figurilor.

Da, și într-un singur portret, Hals a depășit mulți artiști. Modelele lui sunt naturale. Oamenii din înalta societate din picturile sale sunt lipsiți de măreție exagerată, iar modelele de jos nu par umilite.

Iar personajele lui sunt foarte emoționante: zâmbesc, râd, gesticulează. Ca, de exemplu, acest „țigan” cu o privire vicleană.

Frans Hals. ţigan. 1625-1630

Hals, ca și Rembrandt, și-a încheiat viața în sărăcie. Pentru același motiv. Realismul lui a fost împotriva gusturilor clienților. Care a vrut să-și înfrumusețeze aspectul. Hals nu a optat pentru lingușire de-a dreptul și, astfel, și-a semnat propria propoziție - „Oblivion”.

3. Gerard Terborch (1617-1681)

Gerard Terborch. Auto portret. 1668 Galeria Regală Mauritshuis, Haga, Țările de Jos

Terborch a fost un maestru al genului domestic. Bogații și nu foarte burghezi vorbesc încet, doamnele citesc scrisori, iar o procuratoare urmărește curtarea. Două sau trei figuri strâns distanțate.

Acest maestru a fost cel care a dezvoltat canoanele genului domestic. Care va fi apoi împrumutat de Jan Vermeer, Pieter de Hooch și mulți alți „mici” olandezi.

Gerard Terborch. Un pahar de limonada. anii 1660. Muzeul Ermitaj de Stat, Sankt Petersburg

Un pahar de limonadă este una dintre lucrările celebre ale lui Terborch. Arată un alt avantaj al artistului. Imagine incredibil de realistă a țesăturii rochiei.

Terborch are și lucrări neobișnuite. Care vorbește despre dorința lui de a depăși cerințele clienților.

„Grinder”-ul său arată viața celor mai săraci locuitori ai Olandei. Suntem obișnuiți să vedem curți confortabile și camere curate în imaginile „micilor” olandezi. Dar Terborch a îndrăznit să arate Olanda neatrăgătoare.

Gerard Terborch. Polizor. 1653-1655 Muzeele de Stat din Berlin

După cum înțelegeți, astfel de lucrări nu erau solicitate. Și sunt o întâmplare rară chiar și în Terborch.

4. Jan Vermeer (1632-1675)

Jan Vermeer. Atelier de artist. 1666-1667 Kunsthistorisches Museum, Viena

Cum arăta Jan Vermeer nu se știe cu siguranță. Este doar evident că în tabloul „Atelierul artistului” s-a înfățișat pe sine. Adevărat din spate.

Prin urmare, este surprinzător că recent a devenit cunoscut un nou fapt din viața maestrului. Este asociat cu capodopera sa „Street of Delft”.

Jan Vermeer. strada Delft. 1657 Muzeul de Statîn Amsterdam

S-a dovedit că Vermeer și-a petrecut copilăria pe această stradă. Casa din imagine a aparținut mătușii sale. Acolo și-a crescut cei cinci copii. Poate că stă pe pragul ușii și coase în timp ce cei doi copii ai săi se joacă pe trotuar. Vermeer însuși locuia în casa de vizavi.

Dar mai des a descris interiorul acestor case și locuitorii lor. S-ar părea că intrările picturilor sunt foarte simple. Iată o doamnă drăguță, o locuitoare bogată a orașului, care își verifică lucrul cântarului.

Jan Vermeer. Femeie cu greutăți. 1662-1663 Galeria Națională de Artă, Washington

Cum s-a remarcat Vermeer printre alte mii de alți „mici” olandezi?

El a fost maestru desăvârșit Sveta. În tabloul „Femeie cu solzi”, lumina învăluie blând chipul eroinei, țesăturile și pereții. Dând imaginii o spiritualitate necunoscută.

Iar compozițiile picturilor lui Vermeer sunt verificate cu atenție. Nu veți găsi niciun detaliu în plus. Este suficient să eliminați unul dintre ele, imaginea se va „fărâmița”, iar magia va dispărea.

Toate acestea nu au fost ușor pentru Vermeer. O astfel de calitate uimitoare a necesitat o muncă minuțioasă. Doar 2-3 tablouri pe an. Ca urmare, incapacitatea de a hrăni familia. Vermeer a lucrat și ca dealer de artă, vânzând lucrări ale altor artiști.

5. Pieter de Hooch (1629-1684)

Peter de Hooch. Auto portret. 1648-1649 Rijksmuseum, Amsterdam

Hoch este adesea comparat cu Vermeer. Au lucrat în același timp, a fost chiar o perioadă în același oraș. Și într-un singur gen - gospodărie. În Hoch, vedem și una sau două figuri în curți sau camere confortabile olandeze.

Ușile și ferestrele deschise fac spațiul picturilor sale multistratificat și distractiv. Iar figurile se încadrează în acest spațiu foarte armonios. Ca, de exemplu, în tabloul său „Servitorul cu o fată în curte”.

Peter de Hooch. Servitoare cu o fată în curte. 1658 Galeria Națională din Londra

Până în secolul al XX-lea, Hoch a fost foarte apreciat. Dar puțini oameni au observat puținele lucrări ale concurentului său Vermeer.

Dar în secolul al XX-lea, totul s-a schimbat. Gloria lui Hoch a dispărut. Cu toate acestea, este dificil să nu-i recunoști realizările în pictură. Puțini oameni ar putea combina mediul și oamenii atât de competent.

Peter de Hooch. Jucători de cărți în camera de soare. 1658 Royal Art Collection, Londra

Vă rugăm să rețineți că într-o casă modestă pe pânză „Jucători de cărți” există o poză într-un cadru scump.

Aceasta vorbește încă o dată despre cât de populară a fost pictura printre olandezii obișnuiți. Pozele împodobeau fiecare casă: casa unui burghez bogat, a unui oraș modest și chiar a unui țăran.

6. Jan Steen (1626-1679)

Jan Stan. Autoportret cu lăută. anii 1670 Muzeul Thyssen-Bornemisza, Madrid

Jan Steen este poate cel mai vesel „mic” olandez. Dar iubitor de moralizare. Adesea înfățișa taverne sau case sărace în care se găsea viciu.

Personajele sale principale sunt petrecărele și doamnele de virtute ușoară. A vrut să distreze privitorul, dar implicit să-l avertizeze împotriva unei vieți vicioase.

Jan Stan. Haos. 1663 Muzeul de Istoria Artei, Viena

Stan are și lucrări mai liniștite. De exemplu, „Toaleta de dimineață”. Dar și aici artista surprinde privitorul cu detalii prea sincere. Există urme de gumă și nu o oală goală. Și cumva nu este deloc felul în care câinele stă întins chiar pe pernă.

Jan Stan. Toaletă de dimineață. 1661-1665 Rijksmuseum, Amsterdam

Dar, în ciuda tuturor frivolității, schemele de culori ale lui Stan sunt foarte profesionale. În aceasta el i-a depășit pe mulți dintre „micii olandezi”. Vedeți cum se potrivește perfect ciorapul roșu cu jacheta albastră și covorul bej strălucitor.

7. Jacobs Van Ruysdael (1629-1682)

Portretul lui Ruisdael. Litografia dintr-o carte din secolul al XIX-lea.

Gershenzon-Chegodaeva N. Portretul olandez al secolului al XV-lea. Originile și destinul său. Seria: Din istoria artei mondiale. M. Art 1972 198 p. bolnav. Editură cartonată, format enciclopedic.
Gershenzon-Chegodaeva N.M. Portretul olandez al secolului al XV-lea. Originile și destinul său.
Renașterea olandeză este poate chiar mai izbitoare decât cea italiană – cel puțin în ceea ce privește pictura. Van Eyck, Brueghel, Bosch, mai târziu Rembrandt... Numele, desigur, au lăsat o amprentă adâncă în inimile oamenilor care le-au văzut picturile, indiferent dacă simțiți admirație pentru ele, ca și înainte de „Vânători în zăpadă”, sau respingere, ca înainte „Grădina deliciilor pământești” Tonurile dure și întunecate ale maeștrilor olandezi diferă de creațiile lui Giotto, Raphael și Michelangelo pline de lumină și bucurie. Se poate doar ghici cum s-a format specificul acestei școli, de ce acolo, în nordul prosperelor Flandre și Brabant, a luat naștere un puternic centru de cultură. Despre asta - hai sa tacem. Să ne uităm la detalii, la ceea ce avem. Sursa noastră sunt picturile și altarele faimoșilor creatori ai Renașterii de Nord, iar acest material necesită o abordare specială. În principiu, acest lucru ar trebui făcut la intersecția studiilor culturale, criticii de artă și istoriei.
O încercare similară a făcut-o Natalia Gershenzon-Chegodaeva (1907-1977), fiica celui mai cunoscut critic literar din țara noastră. În principiu, ea este o persoană destul de cunoscută, în cercurile ei, în primul rând, cu o biografie excelentă a lui Pieter Brueghel (1983), lucrarea de mai sus aparține și condeiului ei. Sincer să fiu, aceasta este o încercare clară de a depăși limitele criticii de artă clasică - nu doar de a vorbi despre stiluri artistice și estetică, ci - de a încerca să urmărească evoluția gândirii umane prin ele...
Care sunt caracteristicile imaginilor unei persoane într-o perioadă anterioară? Erau puțini artiști laici, călugării erau departe de a fi întotdeauna talentați în arta desenului. Prin urmare, adesea, imaginile cu oameni în miniaturi și picturi sunt extrem de convenționale. A fost necesar să pictezi tablouri și orice alte imagini așa cum ar trebui să fie, în totul respectând regulile secolului simbolismului emergent. Apropo, de aceea pietrele funerare (tot un fel de portrete) nu reflectau întotdeauna adevărata înfățișare a unei persoane, mai degrabă i-au arătat modul în care trebuia să fie amintit.
Arta olandeză a portretului sparge astfel de canoane. Despre cine vorbim? Autorul examinează lucrările unor maeștri precum Robert Compin, Jan van Eyck, Rogier van der Weyden, Hugo van der Goes. Au fost adevărați maeștri ai meșteșugului lor, trăind cu talentul lor, executând lucrări la comandă. De foarte multe ori, biserica era clientul - în condițiile analfabetismului populației, pictura este considerată cea mai importantă artă, orășenii și țăranii care nu erau instruiți în înțelepciunea teologică trebuiau să explice pe degete cele mai simple adevăruri, iar arta artistică. imaginea a ocupat acest rol. Așa au apărut capodopere precum Retabloul din Gent de Jan van Eyck.
Oamenii bogați erau și clienți - negustori, bancheri, guldeni, nobilimi. Au apărut portrete, singure și de grup. Și apoi - o descoperire pentru acea vreme - a fost descoperită o trăsătură interesantă a maeștrilor, iar unul dintre primii care au observat-o a fost celebrul filosof agnostic Nicolae din Cusa. Nu numai că artiștii, atunci când și-au creat imaginile, au pictat o persoană nu condiționat, dar așa cum este, au reușit să-i transmită și aspectul interior. Întoarcerea capului, privirea, coafura, hainele, curba gurii, gestul - toate acestea sunt uimitoare și exact a arătat caracterul persoanei.
Desigur, a fost o inovație, fără îndoială. Despre asta a scris și Nikola menționat mai sus. Autorul conectează pictorii cu ideile inovatoare ale filosofului - respectul pentru persoana umană, cunoașterea lumii înconjurătoare, posibilitatea cunoașterii sale filozofice.
Dar aici apare o întrebare destul de rezonabilă - este posibil să comparăm opera artiștilor cu gândirea unui filozof individual? Cu toate acestea, Nicolae din Cusa a rămas oricum în sânul filosofiei medievale, în orice caz s-a bazat pe născocirile acelorași scolastici. Dar maeștrii artiști? Nu știm practic nimic despre viața lor intelectuală, aveau ei legături atât de dezvoltate între ei și cu liderii bisericii? Aceasta este o întrebare. Fără îndoială, ei au avut succesiune unul pe altul, dar originile acestei abilități rămân un mister. Autorul nu se ocupă de filozofie într-un mod specializat, ci povestește mai degrabă fragmentar despre legătura dintre tradițiile picturii olandeze și scolastică. Dacă arta olandeză este originală și nu are nicio legătură cu științele umaniste italiene, de unde provin tradițiile artistice și trăsăturile lor? O referire vagă la „ traditii nationale"? Care? Aceasta este o întrebare...
În general, autorul, așa cum ar trebui să fie un critic de artă, vorbește despre specificul operei fiecărui artist și interpretează destul de convingător percepția estetică a individului. Dar ce este preocupat origini filozofice, locul picturii în gândirea Evului Mediu este foarte contur, autorul nu a găsit un răspuns la întrebarea despre origini.
Concluzie: cartea conține o selecție foarte bună de portrete și alte lucrări ale Renașterii olandeze timpurii. Este destul de interesant de citit despre modul în care istoricii de artă lucrează cu un material atât de fragil și ambiguu precum pictura, cum notează cele mai mici trăsături și trăsături specifice ale stilului, cum conectează estetica unei picturi cu timpul... Cu toate acestea, contextul a epocii este vizibilă, ca să spunem așa, pe termen foarte, foarte lung.
Personal, m-a interesat mai mult problema originii acestui trend specific, ideologic și artistic. Aici autorul nu a reușit să răspundă convingător la întrebarea pusă. Criticul de artă l-a învins pe istoric, în fața noastră este, în primul rând, o operă de istoria artei, adică, mai degrabă, pentru marii iubitori de pictură.

Țările de Jos este o regiune istorică care ocupă o parte din vastele zone joase de pe coasta nordică a Europei, de la Golful Finlandei până la Canalul Mânecii. În prezent, pe acest teritoriu se află statele Olanda (Olanda), Belgia și Luxemburg.
După prăbușirea Imperiului Roman, Țările de Jos au devenit o colecție pestriță de state mari și mici semi-independente. Cele mai semnificative dintre ele au fost Ducatul Brabantului, comitatele Flandra și Olanda și Episcopia de Utrecht. În nordul țării, populația era preponderent germană - frizii și olandezii, în sud predominau descendenții galilor și romanilor - flamanzii și valonii.
Olandezii au lucrat dezinteresat cu talentul lor special „fără plictiseală de a face cele mai plictisitoare lucruri”, așa cum a spus istoricul francez Hippolyte Taine despre acești oameni, devotați neîmpărțit vieții de zi cu zi. Ei nu cunoșteau poezie înaltă, dar cu mai mult evlavie cinstea lucrurile cele mai simple: o casă curată, confortabilă, o vatră caldă, mâncare modestă, dar gustoasă. Olandezul este obișnuit să privească lumea ca pe o casă imensă în care este chemat să mențină ordinea și confortul.

Principalele trăsături ale artei Renașterii Olandei

Comun cu arta Renașterii în Italia și în țările Europei Centrale este dorința unei descrieri realiste a omului și a lumii din jurul lui. Dar aceste sarcini au fost rezolvate diferit din cauza diferenței de natură a culturilor.
Pentru artiști italieni Renașterea a fost importantă pentru a generaliza și a crea o imagine ideală, din punct de vedere al umanismului, a unei persoane. Pentru ei, știința a jucat un rol important - artiștii au dezvoltat teorii ale perspectivei și învățături despre proporții.
Maeștrii olandezi au fost atrași de diversitatea aspectului individual al oamenilor și de bogăția naturii. Ele nu caută să creeze o imagine generalizată, ci să transmită caracteristicile și specialele. Artiștii nu folosesc teoria perspectivei și altele, ci transmit impresia de adâncime și spațiu, efecte optice și complexitatea relațiilor de lumină și umbră printr-o observație atentă.
Se caracterizează prin dragoste pentru pământul lor și atenție uimitoare la toate lucrurile mărunte: la natura lor nativă nordică, la particularitățile vieții, la detaliile interiorului, costumele, la diferența de materiale și texturi ...
Artiștii olandezi reproduc cele mai mici detalii cu cea mai mare grijă și recreează bogăția strălucitoare a culorilor. Aceste noi sarcini picturale au putut fi rezolvate doar cu ajutorul noii tehnici de pictură în ulei.
Descoperirea picturii în ulei este atribuită lui Jan van Eyck. De la mijlocul secolului al XV-lea, acest nou „manier flamand” a înlocuit vechea tehnică a temperei și în Italia. Nu este o coincidență că pe altarele olandeze, care sunt o reflectare a întregului univers, puteți vedea tot ce constă - fiecare fir de iarbă și copac din peisaj, detalii arhitecturale ale catedralelor și caselor orașului, cusături de ornamente brodate. pe hainele sfinților, precum și o mulțime de alte, cele mai mici detalii.

Arta secolului al XV-lea este epoca de aur a picturii olandeze.
Cel mai strălucit reprezentant al său Jan Van Eyck. BINE. 1400-1441.
Cel mai mare maestru al picturii europene:
a deschis cu opera sa o nouă eră a Renașterii timpurii în arta olandeză.
A fost pictorul de curte al ducelui de Burgundia, Filip cel Bun.
El a fost unul dintre primii care a stăpânit posibilitățile plastice și expresive ale picturii în ulei, folosind straturi subțiri transparente de vopsea așezate unul peste altul (așa-numita manieră flamandă a picturii transparente multistratificate).

Cea mai mare lucrare a lui Van Eyck a fost Retabloul din Gent, pe care a interpretat-o ​​împreună cu fratele său.
Altarul din Gent este un mare poliptic cu mai multe niveluri. Înălțimea sa în partea centrală este de 3,5 m, lățimea la deschidere este de 5 m.
Pe exteriorul altarului (când este închis) este reprezentat ciclul zilnic:
- Donatorii sunt reprezentați în rândul de jos - locuitorul orașului Jodok Veidt și soția sa, rugându-se în fața statuilor Sfinților Ioan Botezătorul și Ioan Teologul, patroni ai bisericii și ai capelei.
- deasupra este scena Bunei Vestiri, iar figurile Maicii Domnului și ale Arhanghelului Gavriil sunt despărțite de imaginea unei ferestre în care se profilează peisajul orașului.

Ciclul festiv este înfățișat în interiorul altarului.
Când ușile altarului se deschid, o transformare cu adevărat uimitoare are loc în fața ochilor privitorului:
- dimensiunea polipticului este dublată,
- imaginea vieții de zi cu zi este înlocuită instantaneu de spectacolul unui paradis pământesc.
- dulapurile înghesuite și sumbre dispar, iar lumea pare să se deschidă: peisajul spațios se luminează cu toate culorile paletei, strălucitoare și proaspete.
Pictura ciclului festiv este dedicată unui rar la creștin Arte Frumoase tema triumfului lumii transfigurate, care ar trebui să vină după Judecata de Apoi, când răul va fi în sfârșit învins și adevărul și armonia se vor stabili pe pământ.

Rândul de sus:
- în partea centrală a altarului, Dumnezeu Tatăl este înfățișat stând pe un tron,
- Maica Domnului și Ioan Botezătorul stau în stânga și în dreapta tronului,
- mai departe de ambele părți sunt îngeri cântând și cântând,
- figurile nude ale lui Adam și Eva închid rândul.
Rândul de jos de picturi înfățișează o scenă de închinare a Mielului Divin.
- în mijlocul pajiștii se înalță un altar, pe el stă un Miel alb, sângele curge din pieptul lui străpuns într-o ceașcă
- mai aproape de privitor este o fântână din care curge apă vie.

Hieronymus Bosch (1450 - 1516)
Legătura artei sale cu tradițiile populare, folclorul.
În lucrările sale, el a combinat în mod capricios trăsăturile fanteziei medievale, folclorului, pildei filosofice și satirei.
A creat compoziții religioase și alegorice cu mai multe figuri, picturi pe teme proverbe populare, zicători și pilde.
Lucrările lui Bosch sunt pline de numeroase scene și episoade, imagini și detalii realiste și bizar de fantastice, pline de ironie și alegorie.

Lucrarea lui Bosch a avut un impact uriaș asupra dezvoltării tendințelor realiste în pictura olandeză din secolul al XVI-lea.
Compoziție „Ispita Sf. Anthony" - una dintre cele mai faimoase și misterioase lucrări ale artistului. Capodopera maestrului a fost tripticul „Grădina deliciilor”, o alegorie complicată care a primit multe interpretări diferite. În aceeași perioadă, tripticurile „Judecata de Apoi”, „Adorația Magilor”, compozițiile „Sf. Ioan pe Patmos, Ioan Botezătorul în pustie.
Perioada târzie a operei lui Bosch include tripticul „Raiul și iadul”, compozițiile „Vagabondul”, „Purând crucea”.

Majoritatea picturilor lui Bosch ale perioadei mature și târzii sunt grotești bizare, care conțin profunde note filozofice.

Marele triptic „Carul cu fân”, foarte apreciat de Filip al II-lea al Spaniei, aparține perioadei de maturitate a operei artistului. Compoziția altarului se bazează probabil pe un vechi proverb olandez: „Lumea este un car de fân și fiecare încearcă să apuce cât poate din el”.

Ispita Sf. Anthony. Triptic. Partea centrala Lemn, ulei. 131,5 x 119 cm (centru), 131,5 x 53 cm (frunze) Muzeul Național de Artă Antică, Lisabona
Grădina Deliciilor. Triptic. Pe la 1485. Partea centrala
Lemn, ulei. 220 x 195 cm (centru), 220 x 97 cm (uși) Muzeul Prado, Madrid

Arta olandeză a secolului al XVI-lea. marcat de apariția interesului pentru antichitate și de activitățile maeștrilor Renașterii italiene. La începutul secolului s-a format o mișcare bazată pe imitarea modelelor italiene, numită „romanism” (de la Roma, denumirea latină a Romei).
Apogeul picturii olandeze din a doua jumătate a secolului a fost opera lui Pieter Brueghel cel Bătrân. 1525/30-1569. Poreclit Muzhitsky.
A creat o artă profund națională bazată pe tradițiile olandeze și pe folclorul local.
A jucat un rol uriaș în formarea genului țărănesc și a peisajului național.În opera lui Brueghel, umorul popular grosier, lirismul și tragedia, detaliile realiste și grotesc fantastic, interesul pentru narațiunea detaliată și dorința de generalizare amplă s-au împletit în mod complex.

În operele lui Brueghel - apropierea de spectacolele moralizatoare ale teatrului popular medieval.
Duelul clovnesc dintre Maslenitsa și Postul Mare este o scenă comună a spectacolelor echitabile desfășurate în Țările de Jos în zilele de desfacere a iernii.
Viața este în plină desfășurare peste tot: e un dans rotund, aici se spală geamuri, unii joacă zaruri, alții fac comerț, cineva cerșește de pomană, cineva este dus să fie îngropat...

Proverbe. 1559. Pictura este un fel de enciclopedie a folclorului olandez.
Personajele lui Brueghel se conduc de nas, stau între două scaune, își bat capul de perete, atârnă între cer și pământ... Proverbul olandez „Și sunt crăpături în acoperiș” este apropiat ca înțeles de cel rusesc” Și pereții au urechi.” Olandezii „aruncă banii în apă” înseamnă același lucru cu rusul „a risipi banii”, „a risipi banii”. Întreaga imagine este dedicată risipei banilor, puterii, întregii vieți - aici acoperă acoperișul cu clătite, aruncă săgeți în gol, tund porcii, se încălzesc cu flăcările unei case care arde și se spovedesc diavolului.

Întregul pământ avea o singură limbă și un dialect. Deplasându-se de la est, au găsit o câmpie în țara Sinar și s-au stabilit acolo. Și au zis unul altuia: „Să facem cărămizi și să le ardem cu foc”. Și au devenit cărămizi în loc de pietre și gudron de pământ în loc de var. Și au zis: „Să ne construim o cetate și un turn înalt ca cerurile și să ne facem un nume, înainte de a fi împrăștiați pe fața pământului. Și Domnul S-a coborât să vadă cetatea și turnul pe care fiii oamenilor îl construiau. Și Domnul a spus: „Acesta este un singur popor și toți au o singură limbă și aceasta este ceea ce au început să facă și nu vor rămâne în urmă cu ceea ce plănuiau să facă. Să coborâm și să le încurcăm limba acolo, ca să nu înțeleagă unul vorbirea celuilalt.” Și Domnul i-a împrăștiat de acolo pe tot pământul; și au încetat să construiască orașul și turnul. De aceea, i s-a dat un nume: Babilon, căci acolo Domnul a încurcat limba întregului pământ și de acolo Domnul i-a împrăștiat pe tot pământul (Facere, cap. 11). Spre deosebire de agitația pestriță a operelor timpurii ale lui Brueghel, această pictură îl lovește pe privitor prin calmul său. Turnul descris în imagine seamănă cu amfiteatrul roman Colosseum, pe care artistul l-a văzut în Italia și, în același timp - un furnicar. Munca neobosită este în plină desfășurare pe toate etajele structurii uriașe: blocurile se rotesc, scări sunt aruncate, figuri de muncitori se năpustesc. Se observă că legătura dintre constructori s-a pierdut deja, probabil din cauza „amestecării de limbi” care a început: undeva construcția este în plină desfășurare, iar undeva turnul s-a transformat deja în ruine.

După ce Iisus a fost predat pentru răstignire, soldații I-au pus o cruce grea și L-au condus la locul craniului numit Golgota. Pe drum, l-au prins pe Simon din Cirene, care se întorcea acasă de pe câmp, și l-au silit să ducă crucea pentru Isus. Mulți oameni L-au urmat pe Isus, printre ei erau femei care plângeau și plângeau pentru El. „A purta crucea” este un tablou religios, creștin, dar nu mai este un tablou bisericesc. Brueghel a corelat adevăruri Sfânta Scriptură cu experiență personală, a meditat asupra textelor biblice, le-a dat o interpretare proprie, adică. a încălcat în mod deschis decretul imperial din 1550, care era în vigoare la acea vreme, care, sub pedeapsa de moarte, interzicea studiul independent al Bibliei.

Brueghel creează o serie de peisaje „Luni”. „Vânătorii în zăpadă” este decembrie-ianuarie.
Fiecare anotimp pentru maestru este, în primul rând, o stare unică a pământului și a cerului.

O mulțime de țărani, captați de ritmul rapid al dansului.

VI - Olanda secolul al XV-lea

Petrus Christus

Petrus Christus. Nașterea lui Hristos (1452). Muzeul din Berlin.

Lucrările olandezilor din secolul al XV-lea sunt departe de a fi epuizate de lucrările demontate și, în general, de mostrele care au ajuns până la noi, iar la un moment dat această muncă a fost de-a dreptul fabuloasă în ceea ce privește productivitatea și înaltă pricepere. Totuși, în acel material de categorie secundară (și totuși de ce înaltă calitate!), care ne stă la dispoziție și care de multe ori nu este decât o reflectare slăbită a artei maeștrilor principali, doar un număr mic de lucrări prezintă interes. la istoria peisajului; restul, fără sentiment personal, repetă aceleași tipare. Dintre aceste picturi, se remarcă câteva lucrări ale lui Petrus Christus (născut în jurul anului 1420, decedat la Bruges în 1472), care până de curând era considerat elev al lui Jan van Eyck și l-a imitat cu adevărat mai mult decât oricine altcineva. Ne vom întâlni cu Christus mai târziu - când studiem istoria pictura de uz casnicîn care joacă un rol mai important; dar chiar și în peisaj, merită o anumită atenție, deși tot ceea ce a făcut are o nuanță oarecum languidă, lipsită de viață. Un peisaj perfect frumos se răspândește doar în spatele figurilor „Plângerii peste trupul Domnului” din Bruxelles: o priveliște tipic flamandă cu linii moi de dealuri pe care stau castele, cu șiruri de copaci plantați în văi sau urcând în siluete subțiri de-a lungul panta dealurilor delimitate; chiar acolo – un mic lac, un drum șerpuit între câmpuri, un oraș cu o biserică într-o scobitură – toate acestea sub un cer senin de dimineață. Dar, din păcate, atribuirea acestei imagini lui Christus este foarte îndoielnică.

Hugo van der Goes. Peisaj de pe aripa dreaptă a altarului Portinari (circa 1470) Galeria Uffizi din Florența

Cu toate acestea, trebuie remarcat faptul că în picturile autentice ale maestrului din Muzeul din Berlin, poate cea mai bună parte sunt tocmai peisajele. Peisajul din „Adorarea copilului” este deosebit de atractiv. Rama de umbrire de aici este un baldachin mizerabil, atașat de bolovani stâncoși, parcă îndepărtat în întregime de natură. În spatele acestui „culise” și a figurilor îmbrăcate întunecate ale Maicii Domnului, Iosif și moașa Sibyl, se înconjoară pantele a două dealuri, între care un crâng de copaci tineri se cuibărea într-o mică vale verde. La marginea pădurii, ciobanii ascultă un înger zburând deasupra lor. Un drum duce pe lângă ei până la zidul orașului, iar ramura ei urcă pe dealul din stânga, unde sub un șir de sălcii se vede un țăran care urmărește măgarii cu saci. Totul respiră lume minunata; cu toate acestea, trebuie admis că nu există, în esență, nicio legătură cu momentul înfățișat. În fața noastră este o zi, primăvara, - nu există nicio încercare de a însemna „dispoziție de Crăciun” în nimic. În „Flemal” vedem măcar ceva solemn în întreaga compoziție și dorința de a înfățișa o dimineață olandeză de decembrie. În Christus, totul respiră cu har pastoral și se simte incapacitatea completă a artistului de a pătrunde în subiect. Aceleași trăsături le vom întâlni în peisajele tuturor celorlalți maeștri minori de la mijlocul secolului al XV-lea: Dare, Meire și zeci de cei fără nume.

Gertchen St Jans. „Arderea rămășițelor lui Ioan Botezătorul”. Muzeul din Viena.

De aceea, cea mai strălucită pictură a lui Hugo van der Goes, Portinari Altarpiece (la Florența în Uffitz), este remarcabilă, deoarece în ea artistul-poet este primul dintre Țările de Jos care încearcă într-un mod decisiv și consecvent să facă o legătură între starea de spirit a acțiunii dramatice în sine și fundalul peisajului. Am văzut ceva asemănător în tabloul din Dijon „Flemal”, dar cât de mult a mers Hugo van der Goes înaintea acestei experiențe, lucrând la un tablou comandat de bogatul bancher Portinari (reprezentant la Bruges al afacerilor comerciale Medici) și destinat trimiţând la Florenţa. Este posibil ca la Portinari însuși, Hus să fi văzut picturi ale artiștilor Medici pe care i-a iubit: Beato Angelico, Filippo Lippi, Baldovinetti. De asemenea, este posibil ca în el să fi vorbit o nobilă ambiție de a arăta Florenței superioritatea artei domestice. Din păcate, nu știm nimic despre Gus, cu excepția unei povești destul de detaliate (dar care nu clarifică esența) despre nebunia și moartea lui. Cât despre de unde a venit, cine i-a fost profesor, chiar și ce a scris în afară de Retabloul Portinari, atunci toate acestea rămân sub acoperirea misterului. Un singur lucru este clar, chiar și dintr-un studiu al picturii sale din Florența, - aceasta este o pasiune excepțională pentru olandez, spiritualitatea, vitalitatea operei sale. În Goose, atât plasticitatea dramatică a lui Roger, cât și simțul profund al naturii lui van Eycks au fost combinate într-un întreg inseparabil. La aceasta s-a adăugat particularitatea lui personală: un fel de notă patetică frumoasă, un fel de sentimentalism blând, dar deloc relaxat.

Puține sunt picturile din istoria picturii care să fie pline de o asemenea trepidație, în care să strălucească atât sufletul artistei, toată complexitatea minunată a experiențelor ei. Chiar dacă nu știam că Hus a intrat într-o mănăstire din lume, că acolo ducea un fel de ciudată viață semi-socială, întreținând oaspeți de cinste și ospătându-se cu ei, că atunci întunericul nebuniei l-a stăpânit, unul. „Retarul Portinari” ne-ar povesti despre sufletul bolnav al autorului său, despre atracția ei pentru extazul mistic, despre împletirea celor mai diverse experiențe în ea. Tonul albăstrui, rece al tripticului, singur în toată școala olandeză, sună ca o muzică minunată și profund tristă.