Sculptură, sculptură, plastic (din lat. sculptura, din sculpo - cut, carve) - vedere Arte vizuale, ale căror produse au o formă volumetrică, tridimensională.
Sculptura poate fi realizată în orice gen, cele mai comune genuri sunt figurativ (portret, istoric, compoziție de gen, nud, religios, mitologic) și genul animalistic. Materialele pentru realizarea sculpturilor sunt diverse: metal, piatra, lut si lut copt (faina, portelan, teracota, majolica), ipsos, lemn, os etc.
Există două tipuri principale de materiale plastice: sculptura rotundă (așezată liber în spațiu) și relief (imaginile volumetrice sunt situate pe un plan).

sculptură rotundă

Bypass-ul este una dintre cele mai importante condiții pentru perceperea plasticității rotunde. Imaginea sculpturii este percepută diferit din diferite unghiuri de vizualizare și se nasc noi impresii.
Sculptura rotundă este împărțită în forme monumentale, monumental-decorative, șevalet și mici. Sculptura monumentală și monumental-decorativă sunt strâns legate de arhitectură.

sculptură de șevalet- un tip de sculptură care are o semnificație independentă, concepută pentru percepție de la o distanță apropiată și care nu este asociată cu arhitectura și mediul obiect. De obicei, dimensiunea sculpturii de șevalet este aproape de dimensiunea naturală. Sculptura de șevalet este caracterizată de psihologism, este adesea folosit limbajul narativ, simbolic și metaforic. Include diverse tipuri de compoziție sculpturală: cap, bust, trunchi, figură, grup. Unul dintre cele mai importante genuri de sculptură de șevalet este portretul, care oferă o oportunitate unică de percepție - vizionarea sculpturii din diferite puncte de vedere, care oferă mari oportunități pentru caracterizarea multilaterală a persoanei portretizate.

Sculptura de șevalet include:

	Imaginea bustului, taliei sau umărului unei persoane într-o sculptură rotundă.
	Mici lucrări sculpturale create pentru a decora interiorul. Sculptura de forme mici include figurine de gen, portrete desktop, jucării.
	Un tip de sculptură mică - o statuie de dimensiunea unui desktop (cabinet), mult mai mică decât dimensiunea sa naturală, care servește la decorarea interiorului.
	Statuie- în picioare imagine volumetrică o figură umană în înălțime sau un animal sau o creatură fantastică. De obicei, statuia este așezată pe un soclu.
	Sculptură a unui corp uman fără cap, brațe și picioare. Trunchiul poate fi un fragment dintr-o sculptură antică sau o compoziție sculpturală independentă.

sculptură monumentală- sculptura este direct legată de mediul arhitectural și se remarcă prin dimensiunea mare și semnificația ideilor. Situată într-un mediu urban sau natural, organizează un ansamblu arhitectural, pătrunde organic în peisajul natural, decorează piețe, ansambluri arhitecturale, creând compoziții spațiale care pot include structuri arhitecturale.

Sculptura monumentală include:

	Memorial
	Monument- un monument de dimensiuni considerabile în cinstea unui eveniment istoric major, a unei persoane publice remarcabile etc.
	sculptură monumentală, conceput pentru perceperea de la distanțe mari, este realizat din materiale rezistente (granit, bronz, cupru, oțel) și este instalat în spații mari deschise (pe cote naturale, pe terasamente create artificial).
	Statuie- o operă de artă creată pentru a comemora oameni sau evenimente istorice. Compoziții cu una și mai multe figuri, busturi, monumente ecvestre
	Stele- o placă de piatră verticală cu o inscripție, un relief sau o imagine picturală.
	Obelisc- o coloană tetraedrică, înclinată în sus, încoronată cu un vârf ascuțit sub formă de piramidă.
	Coloana rostrală- o coloană de sine stătătoare, al cărei portbagaj este decorat cu imagini sculpturale ale prova navelor
	Arc de triumf, porți triumfale, coloană triumfală - o clădire solemnă în cinstea victoriilor militare și a altor evenimente semnificative.

Muzeele lumii sunt deschise oricui dorește să se familiarizeze cu arta sculpturii. Figuri de oameni și animale au fost realizate în diferite secole din materiale diferite. Printre cele mai cunoscute sculpturi se numără statuile zeilor și sculpturi antice. Ce i-a inspirat pe maeștri și care sunt cele mai cunoscute sculpturi?

Sculpturi antice celebre

Sculpturile antice sunt cele mai cunoscute. Le vedem imaginea peste tot, inclusiv în Viata de zi cu zi.

„Venus de Milo”

Poate că nu există sculptură mai recunoscută decât sculptura lui Venus de Milo. Multe instituții își decorează sălile cu copii ale acestuia. Nu se cunosc nici data creării, nici autorul însuși.

Oamenii de știință au determinat momentul creației doar aproximativ. Potrivit acestora, Venus a fost sculptată în anul 130 î.Hr. e. Astăzi este expus la Luvru.

"David"

Autorul bronzului „David” este sculptorul Danatello. Opera sa este o sculptură în inaltime maxima stând fără niciun sprijin. Așa cum a fost conceput de autor, un David gol zâmbitor se uită la capul lui Goliat, pe care tocmai îl tăiase.

Data creării acestei sculpturi este o mie patru sute patruzeci. „David” este demonstrat de Muzeul Național Florentin.

"Aruncător de disc"

O alta dintre cele mai faimoase sculpturi antice este Discobolus. Inițial, autorul a turnat o sculptură în bronz. Data creării - aproximativ patru sute cincizeci de ani î.Hr. e. Mai târziu au apărut mai multe exemplare, dar deja făcute din marmură.

Cele mai faimoase statui ale zeilor

Statuile zeilor pot fi găsite în aproape toate țările. Undeva sunt de dimensiuni standard și sunt expuse în muzee, undeva sunt pur și simplu uriașe și sunt un reper al orașului.

Statuia lui Hristos Mântuitorul

Uriașa statuie a lui Hristos Mântuitorul se află în Rio de Janeiro și este una dintre principalele atracții naționale. Aproape două milioane de oameni vin să-l vadă în fiecare an.

Această statuie este un simbol sacru al Braziliei. Figura lui Hristos se ridică la șapte sute de metri deasupra nivelului mării. Înălțimea sa este de treizeci și opt de metri. Sculptura a fost ridicată în 1931 cu donații din partea populației și a bisericii.

Statuia lui Buddha Maitreya

Cea mai mare statuie din lume este statuia lui Buddha Maitreya din China. Această statuie de record este sculptată chiar în stâncă. Înălțimea sa este de șaptezeci și unu de metri.

Se știe că lucrările la el au început în anul șapte sute al treisprezecelea și au durat nouăzeci de ani. Numeroși turiști care vin în China se străduiesc să vadă statuia lui Dumnezeu, care timp de aproximativ o mie de ani a fost considerată cea mai înaltă din lume.

Statuia lui Shiva

Statuia modernă a zeului Shiva a apărut deja în secolul XXI în Nepal. Construcția sa a durat șapte ani. Shiva cu o înălțime de patruzeci și trei de metri și jumătate este cea mai înaltă statuie a zeului Shiva din lume. Interesul turiștilor pentru el este de înțeles.

Alte statui recunoscute

Arta sculpturii are câteva mii de ani. De-a lungul anilor, sculptorii au creat o varietate de lucrări. Unele dintre sculpturi sunt adevărate obiective turistice.

Moai

Există opt sute cincizeci de statui monolitice de piatră pe Insula Paștelui. În mod surprinzător, toate sunt îndreptate spre centrul insulei. Unele dintre ele au peste șase metri lungime și cântăresc douăzeci de tone.

Una dintre expediții a găsit acolo o statuie uriașă neterminată. Greutatea sa este de aproximativ două sute șaptezeci de tone, iar înălțimea sa este de douăzeci de metri.

"Manneken Pis"

Nu se știe exact când a apărut statuia Manneken Pis la Bruxelles și cine a fost creatorul ei. Această statuie-fântână în miniatură este făcută din bronz: un băiat gol care se pisează în piscină. Se crede că statuia a fost creată în secolul al XV-lea.

Băiatul de bronz a fost răpit în mod repetat. În locul ei au apărut copii. Din când în când, statuia este îmbrăcată în diferite costume, în funcție de data memorabilă sau de sărbătoare.

Marele Sfinx

Cea mai veche sculptură păstrată în Giza este Marele Sfinx care se află pe malul Nilului. Aceasta este o lucrare monolitică. Sfinxul este sculptat dintr-o stâncă de origine calcaroasă. Între labele sale, întinse înainte, era cândva un sanctuar. Fața statuii leului are o asemănare portret cu unul dintre faraonii egipteni. Obiectivele turistice sunt piramidele egiptene în sine. Site-ul are un site despre piramide egiptene și alte minunate.

Cea mai faimoasă sculptură din lume

Cea mai replicată, cea mai recunoscută imagine a sculpturii din lume este Gânditorul. Această sculptură faimoasă este expusă la Paris. Autorul ei este Rodin.

Rodin în 1880, a primit o comandă mare. Lucrarea urma să se numească Porțile Iadului. Se presupunea că autorul va realiza mai multe sculpturi care vor fi instalate la intrarea în muzeu. Acest proiect a rămas neterminat, totuși, Rodin a decis să facă o serie de sculpturi mari. Datorită acestui fapt, lumea l-a văzut pe „Gânditorul”. Stăpânului ingenios a reușit să transmită cu acuratețe procesul de gândire profund al unui bărbat așezat pe o piatră.
Abonați-vă la canalul nostru în Yandex.Zen

Conceptul de sculptură

Sculptură(din latină sculptura, din sculpo - sculpt, decupez) - sculptură, plastic - un fel de artă, ale cărei lucrări reflectă realitatea înconjurătoare în imagini tridimensionale, fizic tridimensionale, folosind diferite materiale plastice.

Multă vreme, conceptele de „sculptură” și „plastic” au fost considerate sinonime, dar încărcarea lor semantică este diferită. Sculptura este un concept mai larg. Plasticul, pe de o parte, este o tehnică de sculptură din materiale moi (lut, plastilină, ceară, eglin), pe de altă parte, este un mijloc artistic și vizual care vă permite să oferiți sculpturii o imagine. Spre deosebire de pictură, sculptura grafică acoperă o gamă mai restrânsă de obiecte, fenomene care ar putea deveni obiecte pentru imagine. Mijloacele expresive în sculptură sunt dezvoltate cu mai multă grijă. În multe privințe, sculptura are ceva în comun cu arhitectura. Deoarece ambele tipuri de artă se ocupă de volum și spațiu, respectă legile tectonicii 1 , ele sunt de natură materială și adesea se completează reciproc. Cu toate acestea, există o diferență semnificativă. Arhitectura are un scop funcțional, organizează într-un anumit fel spațiul vieții umane, ceea ce nu se poate spune despre sculptură. Tridimensionalitatea reală, și nu picturală, corporalitatea este principala trăsătură a acestei arte.

Sculptorii sunt cei mai sensibili la volum și formă. Această abilitate este o componentă necesară a creativității plastice, precum „simțul culorii” al unui pictor sau „pitch-ul absolut” al unui muzician. Înțelegerea volumului apare nu numai cu sculptorul, ci și cu privitorul. Pentru a înțelege esența unei opere sculpturale, este necesar să fii capabil să înțelegem „jocul” suprafețelor, să simțim în modelare, imaginile acesteia, întrucât sculptura nu este un volum necorporal, ci o imagine exprimată într-un anumit material, realizat într-o anumită tehnică și dezvăluind o anumită idee. O „lectura” completă a sculpturii este posibilă atunci când este înțeleasă esența materialului - calitățile și capacitățile sale fizice, frumusețea și varietatea texturii.

1. Tectonica (din greaca tektonik6s - legata de constructie).

Răcoarea și tandrețea porțelanului nu pot transmite pe deplin masculinitate, rapiditate, determinare, curaj, la fel cum căldura și simplitatea lemnului nu sunt potrivite pentru a crea o imagine maiestuoasă, importantă, regală și ambițioasă. După cum spunea Lao Tzu, „ghivecele sunt făcute din lut, dar lutul încetează să mai fie lut, transformându-se într-o oală”. Această caracteristică permite materialului să devină purtătorul material al imaginii și face din sculptură o artă concisă. Laconismul constă în capacitatea de a generaliza forma și de a concentra conținutul imaginii artistice. Acesta este unul dintre principalele paradoxuri ale sculpturii: pe de o parte, este ușor de perceput, deoarece formele sunt generalizate și concretizate în ea, pe de altă parte, este complexă, deoarece generalizarea se datorează simbolismului și acest lucru complică. înțelegerea sa. De foarte multe ori, combinațiile simple de forme conțin cea mai profundă gândire, și invers, excesele decorative subliniază golul, lipsa de conținut.

Sculptura ca formă de artă este interesantă pentru că, la fel ca în arta reală, există multă subestimare și acest lucru contribuie la dezvoltarea gândirii imaginative a privitorului, îl încurajează să co-creeze. Dar pentru a participa la acest proces, este necesar să stăpânești cel puțin un minim de cunoștințe care dezvăluie anumite legi și reguli ale sculpturii. Cunoașterea acestor modele și caracteristici expresive ale sculpturii este necesară atât pentru copii, cât și pentru profesori (prezent și viitor). În acest sens, pare important să luăm în considerare o serie de aspecte care vor ajuta la înțelegerea specificului sculpturii.

Tipuri de sculptură

Sculptura se referă la un tip de artă care este din ce în ce mai inclus în viața de zi cu zi a unei persoane imperceptibil pentru el. Adesea nici nu observăm că suntem înconjurați de lucruri care fac parte din sculptură. De exemplu, brelocuri talisman, medalioane, monede, figurine pe un raft, camee etc. Toate acestea vorbesc despre diversitatea sculpturii și, în același timp, despre integritatea acesteia.

Mijloacele expresive și materialele folosite în lucrare îi permit sculptorului să creeze atât un monument maiestuos pentru erou, cât și un mic pandantiv în relief. Între ele există multe diferite ca aspect și gen de lucrări sculpturale.

Pe baza volumului tridimensional:

- sculptură rotundă, ale căror produse sunt amplasate liber în spațiu, adică implică o vedere circulară, un joc de volum și spațiu. Sculptura rotundă are mai multe soiuri:

statuie(cifra este în plină creștere);

grup sculptural (două figuri sau mai multe, care dezvăluie o idee și constituie un singur întreg);

statuetă(o figurină sculpturală de dimensiuni mici, mult mai mică decât dimensiunea ei reală);

trunchiul (imagine sculpturală trunchi uman)

bust(imaginea pieptului unei persoane);

cap(portret sculptural al unei persoane, limitat de imaginea capului).

A apărut un alt tip de sculptură rotundă - kinestezic, care nu necesita ocolire, se demonstreaza prin miscarile pe care le face;

- relief (imaginea este situată pe un plan care servește ca fundal, tradus ca „ridicat”, „convex”). Principala diferență dintre relief și sculptura rotundă este că numai partea din față a blocului este percepută în el, deoarece este conectată cu peretele. Relieful are mai multe soiuri, acestea variază în funcție de scopul și poziția sa pe plan arhitectural ( compoziție frontală, friză, tavan, gresie, fragmentar).

Locația reliefului afectează înălțimea acestuia:

basorelief- un relief care are o înălțime mică, iese în afară cu mai puțin de jumătate din întregul volum. Volumul real din basorelief este puțin exprimat, este închis într-o zonă de mică adâncime între fundal și planul frontal paralel cu acesta;

înalt relief - relief, care are o înălțime mare, iese din suprafață cu mai mult de jumătate din volum. Figurile în înalt relief seamănă cu statui care sunt împinse aproape de perete. Relieful poate fi privit din trei laturi, pare să îmbrățișeze forma sculpturală, pătrunzând liber până în fundal;

contrarelief- relief în profunzime, care nu iese la suprafață, ci scoate volumul din suprafață;

relief mixt are elemente de mai multe tipuri de relief. De exemplu, pe placă există o imagine în relief convexă, al cărei contur este realizat cu ajutorul canelurilor adânci.

-monumentale si decorative, legate direct de un anumit mediu arhitectural-spațial sau natural. Principala sa diferență față de alte tipuri de sculptură constă în existența comună, inseparabilă, cu o structură arhitecturală, de exemplu, frontoane în relief, frize, statui pe frontoane, balustrade, portaluri, în nișe, coloane sub formă de sculpturi (cariatide, atlante);

- decorativ, conceput pentru a decora parcuri, grădini, străzi, piețe, bulevarde, fântâni. Alături de arhitectură, creează o anumită imagine a orașului, nu este asociat cu o clădire separată, se concentrează pe peisaj sau pe ansamblul arhitectural. În sculptura decorativă, se pot distinge astfel feluri:

grădinărit peisagistic- amplasate in zone de recreere (piete, parcuri, gradini, alei, case de odihna, sanatorii etc.);

urban- situat pe străzile orașului, uneori face străzile fără chip solemne, interesante, alteori amuzante.

În sculptura urbană, există mai multe directii:

monumente dedicat diverselor personalități culturale, eroi, oameni de stat;

lucrări de plastic asociat cu biografia unei anumite figuri (de exemplu, o sculptură situată lângă Circul din Moscova numită după Yu. V. Nikulin; grupul sculptural „Natalie și A.S. Pușkin”, situat pe Arbat din Moscova);

sculptura alegorică, care transmite o idee abstractă printr-o imagine. Sculpturi dedicate personaje de basm, evenimente istorice (de exemplu, grupul sculptural „Samson sfâșiind gura unui leu” din Peterhof, personificând victoria Rusiei asupra Suediei în Marele Război de Nord; un complot din folclor „Permyak - urechi sărate” în Perm; „Chizhik” -pyzhik" din Sankt Petersburg );

sculptură reprezentând o imagine colectivă orice profesie sau fenomen social (de exemplu, un monument al unui câine ucis cu brutalitate în metrou, sculptura Instalator situată pe trotuar, sculptura Sărut de C. Brâncăusi; sculptura Menajeră atașată la fereastra unei clădiri de locuit);

- şevalet, având o semnificație independentă și o natură mai intimă, nelegată direct de arhitectură, peisaj. Nu este destinat niciunui loc anume, perceptia lui nu este influentata de locul in care se afla.

Numele provine de la cuvântul „mașină” – un suport rotativ pe care maestrul așează sculptura în timp ce lucrează. Prin urmare, sculptura de șevalet este apropiată ca dimensiune de dimensiunea naturală a obiectelor reprezentate (oameni, obiecte, animale). Cel mai mult, este amplasat în sălile muzeelor, interioarelor rezidențiale, la expoziții, care sunt mediul său obișnuit;

- sculptura mica, multifațete în esența sa și incluzând o gamă largă de lucrări de natură, funcții și genuri variate. Se obișnuiește să se numească o sculptură dintr-o formă mică lucrări de dimensiuni mici cu o temă de gen, destinate interioarelor rezidențiale, lăcașurilor de cult;

- plastic mic(lucrări de dimensiuni mici, „miniaturale”). Cel mai vechi tip de artă plastică mică este considerat a fi arta. gliptice (cioplire efectuată pe minerale semiprețioase solide). Unele dintre aceste lucrări aveau mai multe indentări, ceea ce a făcut posibilă utilizarea lor ca sigilii. Imaginile în sine au fost numite intaglio , care în diferite perioade culturale și istorice au fost de diverse forme. Un alt fel de plastic mic - sculptură în oase (elefantul, morsa), ale caror lucrari sunt si ele de dimensiuni reduse. În ciuda faptului că în diferite părți ale lumii au fost angajați în acest pescuit, puțini au devenit cei mai faimoși. Printre acestea se numără figurine ale maeștrilor Severo-Kholmogory și miniaturi japoneze - netsuke.

Varietatea lucrărilor mici din plastic este mare. Acestea pot fi atribuite figurine mici din pietre semipretioase, lemn, bronz, portelan, faianta, sticla; plăci în relief, îndeplinind funcțiile de fibule (închizători), broșe, amulete, camee, monede, medalii etc. Pe de o parte, operele de artă plastică mică sunt utilitare și nu au de mare importantaîn viața umană (lanțuri cheie realizate sub formă de imagini în relief), pe de altă parte, poartă idei religioase, civile serioase. De exemplu, o medalie este o imagine în relief a anumitor simboluri situate pe ambele părți ale farfurii, sau figurine de idoli venerați în păgânism, o cruce cu imaginea lui Hristos răstignit.

După gradul de aproximare sculpturi la obiecte reale se disting următoarele tipuri de realitate:

- realist- prin imagini plastice reflecta obiecte si fenomene ale unei realitati cu adevarat existente;

- alegoric- seamănă cu un simplu rebus pictural, care conține un sistem de mărci de identificare care vă permit să o rezolvați. Alegoria conține anumite atribute care fac sculptura ușor de recunoscut. De exemplu, o sculptură care înfățișează o femeie legată la ochi cu solzi în mâini reprezintă dreptatea.

un fel de alegorie personificare, denotă întruchiparea unui concept abstract sub forma unei figuri umane. De exemplu, Nike, personificând victoria; Noroc care denotă soarta; Libertas caracterizează libertatea.

În cadrul lucrărilor personalizate de sculptură apar foarte des personificări geografice, în care se creează imaginea râurilor, munților, orașelor și chiar țărilor. Pentru ca esența acestor lucrări să fie înțeleasă în timpul percepției, ele trebuie să fie însoțite de o notă explicativă care să explice esența simbolismului;

- abstract- constă în crearea unei imagini plastice colective care să dezvăluie doar esența interioară a obiectului, obiectului, fenomenului sau conceptului înfățișat. Asemănarea externă nu este importantă. Unele elemente individuale pot să semene vag cu forma reală, altfel ar fi extrem de dificil să „citiți” ideea sculpturii. În general, imaginea de plastic este plină de simboluri și atribute care vă permit să aruncați o privire diferită asupra lucrurilor familiare. În sculptura abstractă, momentele esențiale ale acestui sau aceluia fenomen sunt observate mai strălucitoare, mai clare, mai subțiri (de exemplu, „Femeia care își pieptănează părul” de A. Arkhipenko; „Figura înclinată” a lui G. Moore; „Variațiile” lui N. Gabo; K. Brancusi).

Pe baza formei se disting următoarele tipuri de sculptură:

- monument- cea mai comună formă de sculptură, sarcina principală este de a păstra în materialul „etern” o amintire a unei figuri istorice sau a unui eveniment semnificativ. Datorită monumentelor, noi ani lungi ne amintim oameni care au murit, evenimente trecute. În acest caz, monumentul nu acționează ca un ecou al trecutului, este relevant pentru fiecare generație, deoarece în fiecare perioadă culturală și istorică simbolizează ceva propriu;

- monument foarte aproape de monument. De asemenea, este conceput pentru a reaminti oamenilor unele evenimente semnificative. La prima vedere, este foarte dificil să trasezi o linie între un monument și un monument. Cu toate acestea, fiecare dintre ele are propriile sale specificități. În primul rând, monumentul are mai multe forme de expresie de cameră, iar monumentul este întotdeauna maiestuos. În al doilea rând, monumentul este realizat astfel încât obiectul reprezentat să fie recunoscut, pentru aceasta se folosesc realitățile epocii și atributele caracteristice unei anumite persoane. Monumentul, însă, nu are nevoie de asemenea detalii, deoarece atributele ascund în spatele lor un sens profund, de înțeles în afara timpului și spațiului (de exemplu, monumentul Patriei Mamei din Volgograd; Statuia Libertății din New York, monumentul lui O. Zadkin „Orașul în ruine”, care amintește de bombardarea orașului olandez Rotterdam din 1940).

Mai există o diferență între un monument și un monument: amplasarea lui este întotdeauna dictată de mediul arhitectural al orașului. Monumentul, pe de altă parte, necesită o selecție atentă a locației, deoarece îndeplinește un rol de formare a orașului, ocupând una dintre părțile centrale ale peisajului urban, stabilind stilul spațiului din jurul său. Un monument are nevoie de o distanță între el și privitor pentru a-și simți măreția. Efectul de elevație se realizează printr-un piedestal (suport, suport), care, parcă, transferă monumentul într-un alt spațiu, separându-l de sol și transformându-l într-un semn identificator al separării de realitatea cotidiană.

Conceptul de „piedestal” înseamnă și un anumit sprijin, sau mai degrabă „picior”. Cu toate acestea, piedestalul este asociat cu monumentul, iar monumentul - cu piedestalul. Deși piedestalul stabilește o distanță între monument și privitor, aceasta nu este la fel de pronunțată ca în monument. Soclul monumentului are un limbaj pictural propriu sub formă de statui, reliefuri, dezvăluind conținutul întregii imagini.

Piedestalul monumentului, soclul monumentului, suportul pentru sculptura de șevalet, soclul bustului au o proprietate comună; ele marchează graniţa dintre într-un mod artisticși privitorul, între lumea realității și lumea artei;

- piatră funerară- foarte asemănătoare ca funcție cu monumentul și monumentul, tipul de sculptură este asociat și cu tema eternității. Spre deosebire de un monument și un monument, o piatră funerară atinge problemele vieții și morții, nemurirea și moartea;

- sculptură de gen diferă de toate tipurile anterioare. Nu are legătură cu tema memoriei eterne, reflectă diverse situații și fenomene de viață în toată diversitatea lor. Forma poate fi realistă, alegorică și chiar abstractă. Specificul său constă în reflectarea vieții într-o imagine plastică, folosind diverse genuri de artă.

Genuri de sculptură

Genul animal. Lucrările acestui gen dezvăluie imaginea unui animal prin plastic.

În ciuda faptului că oamenii au descris animale din cele mai vechi timpuri, acest gen a luat contur începutul XIX in., cand existau deja mai multe directii.

Prima direcție asociat cu păstrarea naturalismului în imaginile animalelor, al doilea este caracterizat de lucrări în care animalele devin personificarea calităților umane. Forma imaginii este diferită - de la stilizare la abstracție, de la tipificare la alegorie.

Portret- crearea unei imagini a unei persoane în general sau a unei persoane specifice. Genul este simplu și dificil în același timp, deoarece sculptura este limitată mijloace expresive, ceea ce complică procesul de modelare a plasticului.

Unii sculptori luptă pentru naturalism (o persoană este reprezentată așa cum este); alții idealizează modelul (persoana este portretizată așa cum și-ar dori să se vadă în ochii celorlalți).

Dezvoltarea genului portretului în diferite perioade culturale și istorice a avut propriile sale trăsături (a fost creată imaginea unui reprezentant al poporului, moșiei, epocii), ceea ce a condus la selecția mai multor soiuri:

- cameră portretul se distinge prin simplitate exterioară, ascunzătoare lumea interioara modele. Manifestă cel mai clar atitudinea informală a autorului față de model;

- usa din fata portretul arată mai solemn și în același timp desprins de privitor, parcă s-ar ridica deasupra vieții obișnuite și de zi cu zi datorită numărului imens de elemente decorative (elemente ale costumului, accesorii, atribute etc.);

- portret-gen - nu doar un portret al unei persoane, ci realizarea unei anumite idei de portret bazat pe sinteza cu alt gen. De exemplu, imaginea unui personaj istoric combină două genuri: portret și genul istoric, statuia lui Apollo - portret și gen mitologic.

Genurile casnice, mitologice și istorice sunt mai puțin frecvente în sculptură.

gen casnic presupune dezvăluirea în sculptură a temelor vieții de zi cu zi, cunoașterea realităților vieții de zi cu zi. Latura de conținut a lucrărilor gen casnic atinge subiecte foarte profunde, având rădăcini filozofice, determinând privitorul să se gândească la probleme complexe ale vieții.

Genuri istorice și mitologice au o istorie mai lungă de dezvoltare. Temele de istorie, mitologie și religie au preocupat sculptori de foarte mult timp, deoarece fiecare epocă se caracterizează prin propria interpretare a evenimentelor istorice, subiectelor mitologice sau religioase.

Natura moartă și peisaj. Inițial, acestea au fost folosite numai împreună cu un alt gen principal. Dar în În ultima vreme, când obiectul și natura au devenit un complot separat pentru operele de artă plastică, au apărut sculpturile, oferind privitorului posibilitatea de a privi lumea ca un organism viu. O condiție prealabilă pentru dezvoltarea acestor genuri au fost experimentele cu forma sculpturală, care au făcut posibilă scăparea de aspectul real al descrisului și evitarea efectului unui manechin.

gen fragment. Conține elemente individuale corpul uman, fragmente de obiecte ale naturii și obiecte.

Stimulul artistic pentru dezvoltarea acestui gen au fost fragmentele de sculpturi antice găsite în timpul săpături arheologice care, cu toată incompletitudinea lor, au rămas expresive și interesante. Din cauza atipicii lor au devenit obiect de colecție. Treptat, fragmentele au căpătat independență în sculptură.

Reprezentanți de seamă acest gen este considerat pe bună dreptate de O. Rodin, care a atras atenția celor din jur asupra sunetului plastic-artistic uimitor al unor părți ale corpului uman, și de U. Boccioni, care privea lucrurile futurist, examinându-le din interior.

(o figură convexă iese mai puțin de jumătate);

înalt relief (o figură convexă iese pe jumătate);

contrarelief (figura nu este convexă, ci, dimpotrivă, îngropată)

În funcție de scop, sculptura este împărțită în:

• sculptură monumentală (monumente, monumente) asociată mediului arhitectural. Diferă în semnificația ideilor, un grad ridicat de generalizare, dimensiune mare;
• sculptura monumentală și decorativă include toate tipurile de decorare a structurilor și complexelor arhitecturale (atlante, cariatide, frize, fronton, fântână, sculptură de grădină și parc);
• Sculptura de șevalet, independentă de mediu, are dimensiuni apropiate de natură sau mai mici, și un conținut specific de profunzime. Conceput pentru vizionare de aproape.

Metoda de obținere a unei sculpturi depinde de material:

• plastic - creșterea volumului sculpturii prin adăugarea de material moale (argilă, ceară)
• sculptare - tăierea părților în exces de material solid (piatră și alte materiale)
• turnare - lucrul are loc datorită turnării metalului topit în matriță (bronz, de exemplu)

În ceea ce privește materialul și metoda de execuție a imaginii, sculptura, în sensul cel mai larg al cuvântului, se încadrează în mai multe ramuri: modelare sau modelare - arta de a lucra cu material moale, ce sunt ceara și argila; turnătorie sau toreutică - realizarea de lucrări de relief din metal prin gofrare, gofrare sau turnare; gliptic - arta de a sculpta pe pietre prețioase; ramurile sculpturii includ lucrări din piatră, lemn, metal și materie solidă în general; în plus, fabricarea de timbre pentru monede și medalii (art medaliei).

Sculptură de forme mici

Înălțimea și lungimea lucrării pot fi aduse până la 80 de centimetri și un metru. Poate fi replicat industrial, ceea ce nu este tipic pentru sculptura de șevalet. Arta decorativă și aplicată și sculptura de forme mici formează o simbioză între ele ca arhitectura clădirii cu sculptura rotundă care o decorează, alcătuind un singur ansamblu. Sculptura formelor mici se dezvoltă în două direcții - ca artă a lucrurilor de masă și ca artă a lucrărilor unice, unice. Genuri și direcții de sculptură mică - portret, compoziții de gen, natură moartă, peisaj. Forme mici, spațiu-volum, peisaj design și sculptură cinetică.

Alte tipuri de sculptură

Sculptură cinetică- un fel de artă cinetică, în care se joacă efectele mișcării reale. Sculptură pe gheață - compoziție artistică făcut din gheață. Sculptura în nisip este o compoziție artistică realizată din nisip. Materiale de sculptură - metal, piatră, lut, lemn, ipsos, nisip, gheață etc.; metode de prelucrare a acestora - modelare, sculptură, turnare artistică, forjare, goană etc.

Tehnică

Întreprinderea oricărei lucrări, sculptorul, în primul rând, face un desen sau o fotografie, apoi face un calcul matematic al lucrării (determină centrul de greutate al produsului, calculează proporțiile); apoi sculptează un model în formă mică din ceară sau lut umed, transmițând ideea viitoarei sale lucrări. Uneori, mai ales în cazul în care sculptura intenționată trebuie să fie mare și complexă, artistul trebuie să realizeze un alt model, mai mare și mai detaliat. Apoi, ghidat de aspect sau model, începe să lucreze la lucrarea în sine. Dacă o statuie urmează să fie executată, atunci se ia o scândură pentru picior și este aprobată pe ea un cadru de oțel, curbat și montat în așa fel încât nici o singură parte a ei să nu se extindă dincolo de figura viitoare și el însuși a servit ca un schelet pentru ea; în plus, în acele locuri în care corpul figurii ar trebui să aibă o grosime semnificativă, cruci de lemn sunt atașate de cadru cu sârmă de oțel; în aceleași părți ale figurii care ies în aer, de exemplu, în degete, păr, falduri agățate de haine, cruci de lemn sunt înlocuite cu sârmă răsucită sau cânepă, saturate cu ulei și rulate sub formă de mănunchiuri. Prin plasarea unui astfel de schelet al unei statui pe un trepied, mașină staționară sau rotativă orizontală, numită mânză, artistul începe să suprapună cadrul cu lut stuc astfel încât să se obțină o figură care este în general asemănătoare cu modelul; apoi, îndepărtând într-un loc lutul aplicat în exces, adăugând lipsa ei în altul și terminând figura parte cu parte, o aduce treptat la asemănarea dorită cu natura. Pentru aceasta lucrare se serveste cu palma sau unelte din oțel diverse forme, numite stive, dar cu atât mai mult degetele propriilor mâini. Pe parcursul întregii sculpturi, este necesar, pentru a evita apariția crăpăturilor în argila uscată, să se mențină constant umiditatea acesteia și pentru aceasta, din când în când, umezirea sau stropirea figurii cu apă și, întreruperea lucrului până la a doua zi, învăluie-l cu o pânză umedă. Tehnici similare sunt, de asemenea, utilizate în producerea de reliefuri de dimensiuni semnificative - cu singura diferență fiind că, în locul cadrului, se folosesc cuie și șuruburi mari de oțel pentru a întări argila, introduse într-un scut de scândură sau într-o cutie de mică adâncime care servește ca baza reliefului. După finalizarea completă a modelării, sculptorul are grijă să realizeze o fotografie fidelă a operei sale dintr-un material mai rezistent decât lutul, iar în acest scop apelează la ajutorul unui modelator. Acesta din urmă îndepărtează din lut original așa-numitul uniforma neagra (a crux perdu) din alabastru, iar pe ea se turnează o ghips din lucrare. Dacă artistul dorește să aibă o distribuție nu într-un singur exemplar, ci în mai multe exemplare, atunci acestea sunt turnate conform așa-numitelor formă pură (un bon crux), a cărui fabricare este mult mai dificilă decât cea precedentă (vezi Turnare).

Nici o singură piesă de sculptură mai mult sau mai puțin mare nu poate fi creată fără modelarea preliminară a unui original de lut și turnarea gipsului său - fie că este piatră sau metal. Adevărat, au existat sculptori, precum Michelangelo, care lucrau direct din marmură; dar imitarea exemplului lor necesită o îndemânare tehnică extraordinară a artistului și totuși el riscă să cadă în greșeli ireparabile la fiecare pas cu o muncă atât de îndrăzneață.

Odată cu primirea unui gips, o parte esențială a sarcinii artistice a sculptorului poate fi considerată finalizată: rămâne doar reproducerea turnării, în funcție de dorința cuiva, în piatră (marmură, gresie, tuf vulcanic etc.) sau în metal. (bronz, zinc, oțel etc.), care este deja lucrare semi-artizanală. La fabricarea statuilor de marmură și piatră în general, suprafața originalului din ipsos este acoperită cu o întreagă rețea de puncte, care, cu ajutorul unui compas, al unui plumb și al unei rigle, se repetă pe blocul de finisat. . Ghidați de această punctuație, asistenții artistului, sub supravegherea sa, îndepărtează părțile inutile ale blocului cu dalta, dalta și ciocanul; în unele cazuri folosesc așa-numitele cadru punctat, în care firele care se intersectează reciproc indică acele părți care ar trebui îndepărtate. Astfel, dintr-un bloc neprelucrat, încetul cu încetul ia naștere forma generală a statuii; este din ce în ce mai fin finisat sub mâinile muncitorilor cu experiență, până când, în cele din urmă, artistul însuși îi dă finisajul final, iar lustruirea cu piatră ponce conferă diferitelor părți ale suprafeței lucrării o posibilă asemănare cu ceea ce natura însăși reprezintă în acest lucru. respect. Pentru a se apropia optic de ea, vechii greci și romani și-au frecat statuile de marmură cu ceară și chiar le-au pictat ușor și le-au aurit (vezi Policromie).

Utilizarea materialelor

Bronz

Cel mai important material pentru sculpturi, alături de marmura, este bronzul; marmura este cea mai potrivită pentru reproducerea formelor delicate, ideale, mai ales feminine; bronz - pentru a transmite formele curajoase, energice. Mai mult, este o substanță deosebit de convenabilă în cazul în care lucrarea este colosală sau înfățișează o mișcare puternică: figurile animate de o astfel de mișcare, atunci când sunt realizate din bronz, nu au nevoie de suporturi pentru picioare, brațe și alte părți, care sunt necesare în figuri similare sculptate în piatră fragilă. În cele din urmă, pentru lucrările desemnate să stea pe în aer liber, mai ales în climatele nordice, bronzul este preferat pentru că nu numai că nu se deteriorează din cauza influențelor atmosferice, dar primește, ca urmare a oxidării sale, o acoperire verzuie sau închisă la culoare, plăcută ochiului pe suprafața sa, numită patină. O statuie de bronz este realizată fie prin turnarea metalului topit într-o formă pregătită în prealabil, fie eliminată cu un ciocan din plăci de metal.

Una dintre modalitățile de a produce sculpturi din bronz este metoda de turnare a bronzului în gol. Secretul ei constă în faptul că forma inițială pentru figurină este realizată în ceară, apoi se aplică un strat de lut și se topește ceara. Și abia atunci se toarnă metalul. Turnarea bronzului este denumirea colectivă pentru întregul proces.

În ceea ce privește munca knock-out (așa-numita repousse), apoi constă în următoarele: se ia o tablă de metal, se înmoaie prin încălzire la foc și, lovind interiorul tablei cu un ciocan, îi dau umflarea necesară, mai întâi în formă grosieră, apoi , cu continuarea treptată a aceleiași lucrări, cu toate detaliile, după modelul existent. Această tehnică, pentru care artistul trebuie să aibă o dexteritate deosebită și o experiență îndelungată, este folosită mai ales în interpretarea basoreliefurilor, nu în special marime mare; în fabricarea de mari şi lucrări complexe, statui, grupuri și înalte reliefuri, în prezent se recurge la el doar atunci când este necesar ca acestea să aibă o greutate relativ mică. În aceste cazuri, lucrarea este eliminată în părți, care sunt apoi conectate cu șuruburi și elemente de fixare într-un singur întreg. Începând cu secolul al XIX-lea, lucrările de demontare și turnare au fost în multe cazuri înlocuite prin depunerea metalului în matrițe prin electroformare.

Copac

Poveste

Lumea antica

Primele manifestări creativitatea artisticăîn domeniul sculpturii sunt ascunse în întunericul timpurilor preistorice; cu toate acestea, nu există nicio îndoială că acestea au fost cauzate, deoarece au fost ulterior cauzate de triburile tinere, de nevoia unei persoane care nu a părăsit încă starea sălbatică de a exprima ideea unei zeități cu un semn senzual. sau pentru a păstra memoria lui oameni dragi. Acest motiv este sugerat de legenda poetică a grecilor antici despre inventarea materialelor plastice, legendă conform căreia Latra fiica unui corintian Wutada, dorind, la despărțirea de iubitul ei, să-i păstreze imaginea ca amintire, ea i-a conturat conturul capului în umbra aruncată de soare, iar tatăl ei a umplut această siluetă cu lut. Care au fost experiențele inițiale ale sculpturii în epoca preistorică - să judecăm idolii găsiți de călătorii europeni când au vizitat pentru prima dată insulele Oceanului Pacific, de exemplu, în Insulele Hawaii. Sunt niște stâlpi simpli, cu aluzii slabe, monstruoase, la un chip și membre umane. Istoria sculpturii începe cu aproximativ treizeci de secole î.Hr. e., de la cel mai vechi dintre popoarele culturale ale lumii antice, egiptenii.

Egiptul antic

Sculptura Egiptului, de-a lungul vieții sale istorice, a rămas un tovarăș inseparabil al arhitecturii, supunându-i principiilor și servind la decorarea structurilor sale cu statui de zei, regi, creaturi fantastice și picturi plastice corespunzătoare scopului clădirii. La început (în perioada Memphis), sub influența ideii populare a vieții de apoi, ea a manifestat o înclinație puternică către realism (statui portret în mastaba și grotele funerare, statuia faraonului Khafre și „Șeicul el Beled” de la Muzeul Egiptean din Cairo, „Scrib” de la Luvru etc.), dar apoi au înghețat în forme condiționate, cândva stabilite, care aproape nu au fost supuse schimbării până la chiar căderea regatului egiptean. Răbdare și dexteritate uimitoare în depășirea dificultăților tehnice în lucrul cu materiale atât de dure precum dioritul, bazaltul și granitul, reproducerea caracteristică a tipului tribal, măreția obținută prin colosalitate și oferirea unor figuri strict proporționale de simetrie a formelor și calm solemn - acestea sunt calitățile distinctive. a statuilor egiptene din perioadele Teba și Sais, suferind, totuși, din cauza lipsei de exprimare a caracterului individual și viata reala(figuri uriașe ale lui Ramses II în Abu Simbel, statui ale lui Memnon etc.). Sculptorii egipteni, când i-au înfățișat pe zei, au fost foarte pricepuți să combine forme umane cu formele lumii animale, dar au reprodus și mai abil figurile animalelor (o pereche de lei pe scările Capitoliului din Roma). Reliefuri, colorate Culori diferite, din abundență a acoperit, ca niște covoare, pereții clădirilor egiptene, înfățișând isprăvile faraonilor și evenimentele memorabile ale istoriei naționale - în temple și palate, episoade din viața de zi cu zi și cinstirea zeilor - în structuri funerare. Modul în care au fost executate aceste reliefuri a fost deosebit: figurile din ele fie ieșeau ușor pe fundalul adâncit (reliefuri plat-convexe, koilanaglife), sau, dimpotrivă, au intrat puțin mai adânc în fundal (reliefuri plat-cufundate). Lipsa de perspectivă, convențiile de compunere și desen și alte neajunsuri nu împiedică aceste imagini să fie o poveste detaliată despre viața, credințele și istoria oamenilor până la cel mai mic detaliu.

Mesopotamia

Apoi, din primele secole de după invazia dorienilor în Peloponez, nu s-au păstrat surse sigure de informații și monumente, ci de la sfârșitul secolului al VII-lea î.Hr. e. există dovezi ale amplei activități artistice a grecilor, îndreptată în principal către fabricarea ofrandelor de altar de lux pentru temple, vase pentru vin și alte ustensile de uz casnic. Producția lor a fost realizată în special de meșteri din Samos și Chios, care au obținut un mare succes în tehnica prelucrării metalelor.

Abilitatea de a reproduce formele corpului uman este, de asemenea, în creștere, mai ales în personificările zeilor și eroilor. Anterior, zeii erau înfățișați sub formă de idoli de lemn brut (așa-numiții xoans), cu rigide, uneori abia vizibile și neseparate de membrele corpului. Atunci statuile au devenit mai vioaie, iar trupurile lor erau din lemn, iar capetele și mâinile lor erau din marmură (astfel de statui se numesc acroliti). Au apărut și primele experimente cu materiale plastice crisoelefantine. Marmura și bronzul se răspândesc treptat: bronzul a fost inițial în politicile ionice și din Asia Mică, marmura - în restul orașelor grecești.

Procesul de creare a statuilor ridicate în onoarea câștigătorilor la concursurile de gimnastică și reprezentând nu un portret sculptural, ci figuri idealizate, i-a forțat pe sculptorii greci să studieze cu atenție corpul uman gol. Peste tot, pe Aegina, în Argos, Sikion, Atena și în alte locuri, apar școli de sculptură, iar printre sculptorii Deepoin și Skillides sunt celebri Kallon, Onat, Agelad și alții.

secolele VI-V î.Hr. e.

Secolul VI și începutul secolului al V-lea - sculptura greacă își pierde influența orientală și începe să se dezvolte independent. Cele mai importante monumente ale acestei epoci includ metopele celor mai vechi dintre templele Selinunte din Sicilia, grupurile de fronton ale Templului Aegina al Atenei, depozitate în Glyptothek din München și care înfățișează scene ale luptei grecilor cu troienii.

Un alt mare maestru al aceleiași școli, Praxiteles, iubea, la fel ca Skopas, să înfățișeze senzații profunde și mișcări provocate de pasiune, deși era cel mai bine la figurile tinerești și semi-copilărele de frumoase, cu o notă de pasiune abia trezită sau încă ascunsă (Apollo). Saurokton, Afrodita Knidus, Hermes cu pruncul Dionysos în brațe, găsit în Olimpia și așa mai departe).

Spre deosebire de maeștrii idealiști atenieni, sculptorii școlii peloponeziane din aceeași epocă din Argos și Sicyon au lucrat într-un spirit naturalist, creând în principal figuri masculine puternice și frumoase, precum și portrete ale unor figuri celebre. Printre acești artiști a excelat Lisip, sculptor în bronz, contemporan și favorit al lui Alexandru Macedon, care a devenit celebru pentru imaginile sale portretistice, a creat un nou canon al proporțiilor corpului uman cu statuia sa de atlet apoxiomen (adică curățenie). de pe praful palestrei) și a creat, de altfel, o imagine tipică a lui Hercule.

În ultima perioadă a existenței independente a poporului grec, din epoca lui Alexandru cel Mare până la cucerirea Greciei de către romani, s-a înregistrat un declin al creativității sculptorilor. Ei nu pierd nici cunoștințele, nici priceperea tehnică moștenită de la foștii sculptori, ba chiar aduc această pricepere la o mai mare subtilitate, dar introduc elemente esențial noi în artă, nu deschid noi direcții pentru aceasta, ci doar repetă, combină și modifică vechiul, având grijă doar să reproducă impresia privitorului prin dimensiunea colosală a lucrărilor sale și pitorescul unei grupări complexe de figuri, iar lucrările sunt adesea caracterizate de patos și teatralitate exagerate.

În această perioadă au înflorit școlile de sculptură din Rodos și Pergamon: prima aparține celebrului grup Laocoon (în Muzeul Vaticanului, opera lui Agesander și fiii săi Athenodor și Polydor) și Bulul Farnese al Muzeului Napolitan (opera lui Apollonius). și Taurisc); al doilea - „Galia pe moarte” a Muzeelor ​​Capitoline, „Galia ucisă” a Villa Ludovisi (Italiană) Rusăși o magnifică friză în relief a monumentalului altar Pergamon (situat în Muzeul Pergamon din Berlin).

Roma antică

În această ultimă fază a dezvoltării sale, art Sculptură grecească a trecut la romani. Oamenii, chemați să dezvolte bazele vieții de stat și să domine ecumenul, nu au fost la început până la artă și plăcerile estetice; prin urmare, la început, s-a mulțumit cu ceea ce a primit în materie de artă de la etrusci și cu ceea ce au învățat maeștrii nativi de la aceștia. În arta etruscă s-a reflectat mai întâi influența orientală, apoi greacă; dar această artă și-a păstrat pentru totdeauna o parte din uscăciunea și grosolănia sa primitivă, deși din punct de vedere tehnic a obținut un succes semnificativ - a dezvoltat tehnici de realizare a figurilor și reliefurilor din teracotă și a turnării diverselor obiecte din bronz; mai presus de toate, era renumit pentru meșteșugurile de natură artistică și industrială. După căderea Greciei, iar lucrările sculptorilor săi au fost aduse în vrac la Roma, la care, în plus, artiștii săi au început să se adună, era destul de firesc ca arta perfectă elenă să fie înlăturată din oraș etern arta mediocră a Etruriei. Maeștrii greci au început să lucreze pentru romani și au găsit printre ei ucenici și imitatori. Cu toate acestea, lucrările care au apărut la acea vreme atât din mâinile grecești, cât și din mâinile romane, în cea mai mare parte, au doar o importanță secundară: sunt copii mai mult sau mai puțin reușite ale renumitelor creații de plasticitate grecească sau imitație a acestora. Ca cea mai bună dintre astfel de lucrări, se pot indica statuile lui Venus Medical, Venus Capitoline, Vatican Ariadna, Apollo Belvedere și altele. Cu toate acestea, sculptorii romani nu s-au limitat la rolul de simpli imitatori: ținându-se puțin seama de idealizare, ei au încercat să transmită natura cu acuratețe și forță. Aceasta este natura statuilor și busturilor lor istorice care umplu muzeele moderne (de exemplu, statuile lui Augustus din Vatican, Marcus Aurelius și Agrippina din Muzeele Capitoline). Aceeași dorință se reflectă și în sculpturile cu care romanii au decorat monumente publice pentru a perpetua evenimentele glorioase ale istoriei naționale, isprăvile și victoriile care au extins stăpânirea Romei pe țări îndepărtate (reliefuri de pe arcurile de triumf ale lui Titus, Septimius Severus, Marcus). Aurelius, pe coloanele lui Traian, Antoninus și Constantin) .

Aproape că nu existau alți oameni care ar fi cheltuit atât de multă marmură pentru sculptură ca romanii; dar rezultatul muncii lor s-a dovedit adesea a fi foarte mediocru, iar ei înșiși, în graba lor de a-și înmulți lucrările, se pare că au acordat mai multă atenție cantității lor decât calității lor, care a scăzut rapid, iar în epoca lui Constantin cel Mare a căzut foarte jos.

În această poziție, creștinismul a găsit sculptura, triumfând asupra păgânismului. Noua religie nu a oferit condiții favorabile dezvoltării acestei ramuri a artei: imaginile și formele plastice li s-au părut primilor creștini prea materiale, prea senzuale și, în plus, periculoase din punctul de vedere că îi puteau readuce pe credincioși la păgân. cult. Așadar, în primele secole ale creștinismului, sculptura, cedându-și supremația picturii și mozaicurilor, a jucat doar un rol subordonat, fiind folosită mai ales în scop decorativ.

Sculptură din Africa Neagră

Sculptură din Mesoamerica

Evul mediu

Cele mai importante monumente care au ajuns până la noi din acea perioadă sunt sarcofagele cu reliefuri care personifică simbolic o nouă viziune asupra lumii sau reproduc scene biblice. Totuși, s-au păstrat și câteva statui creștine antice (statuia de bronz a Sfântului Petru din Catedrala Petru din Roma, statuile de marmură ale Sfântului Ipolit din Muzeul Lateran). În aparență, toate aceste monumente diferă puțin de cele păgâne târzii; execuția lor tehnică este foarte slabă, dar simt suflarea ideilor noi și a credinței sincere.

În vremurile întunecate ale Evului Mediu timpuriu, sculptura era în declin complet: în Bizanț și în Orient în general, a fost exclusă din uz pentru marile întreprinderi și a produs doar lucruri mici, cum ar fi diptice de fildeș, cruci, salarii ale cărților sacre. și icoane, iar în Occident, unde a trebuit să satisfacă aproape exclusiv nevoile unui cult religios, care a vegetat pe baza unor tradiții antice vagi, degradate.

În perioada romanică a istoriei artei pot fi semnalate mai multe fenomene curioase. Așa sunt ușile de bronz ale Catedralei Hildesheim din secolul al XI-lea - opera iscusitului turnător episcopul Bernwald, în secolul al XII-lea - un mare izvor în biserica Sf. Bartolomeu din Luttich, colosalul relief Exter pe un zid de piatră în Westfalia și decorațiunile plastice ale catedralelor Bourges și Chartres din Franța; în secolul al XIII-lea - așa-numita Poartă de Aur din Freiberg, fontul Catedralei din Berna și altele.

Primele încercări de a renaște arta prin observarea directă a naturii și studiul antichităților au fost făcute în Saxonia și cu mai mult succes în Italia, unde la mijlocul secolului al XIII-lea Nicolo Pisano a ridicat imediat sculptura la o înălțime considerabilă (scaunele din Baptisteriul din Pisa și Catedrala Siena, fântâna din fața primăriei din Perugia). Dominația ulterioară a stilului arhitectural gotic a deschis un domeniu mai larg de activitate pentru sculptură: pentru a decora fațadele complicate, turnurile, pereții și toate părțile templelor din acest stil, a fost nevoie de asistența puternică a materialelor plastice, iar ea le-a înzestrat cu numeroase decorațiuni sculptate, reliefuri și statui și le-au executat în spiritul goticului însuși - mistic și visător. Lucrări de acest fel sunt mai întâi în Franța (sculpturi din Reims, Paris, Amiens și alte catedrale), iar apoi în Germania (sculpturi ale Bisericii Maicii Domnului din Trier, Bamberg, Naumburg, Strasbourg și alte catedrale). În a doua dintre aceste țări, la începutul secolului al XV-lea, sculpturile în piatră ale figurilor umane se remarcă deja prin frumusețe și armonie considerabilă, iar draperiile lor au un stil pitoresc și plin de semnificație, așa cum se poate concluziona din statuile Catedralei din Köln. Mișcarea ulterioară a plasticului german tinde spre o direcție și mai vie, individualizantă, prefigurand în multe privințe stilul Renașterii. Adam Kraft (circa 1500) și turnătorul Peter Fischer, ambii din Nürnberg, trebuie considerați reprezentanți ai acestui trend. Alături de sculptura în piatră și metal, înregistrează progrese semnificative și sculptura germană în lemn, pentru care a existat o mare cerere în perioada analizată și anume, pentru altar și alte decorațiuni bisericești. Cei mai renumiți maeștri ai sculptării în lemn din secolul al XVI-lea au fost nurembergerii Veit Stos și Hans Brüggemann și tirolezul Michael Pacher.

Renaştere

Italia

Spre deosebire de țările nordice, în Italia sculptura din perioada gotică s-a dezvoltat independent de arhitectură. Acolo și-a datorat succesul în principal fiului menționat mai sus Nicolo Pisano, Giovanni (amvonul din biserica Sf. O serie de alți sculptori toscani, studenți sau imitatori direcți ai săi, s-au alăturat regiei acestui artist, dintre care cei mai cunoscuți sunt: ​​Giotto, Andrea Pisano și Orcagna. Datorită eforturilor acestor și altor maeștri, arta italiană aruncă ultimele rămășițe de uscăciune și convenționalitate medievală la începutul secolului al XV-lea. merge la nou Autostradă- calea individualității creativității, expresivitatea animată, înțelegerea profundă a naturii, combinată cu un studiu critic al antichităților. Într-un cuvânt, vine Renașterea.

Toscana este în continuare centrul principal al activității artistice, iar artiștii săi creează lucrări care încântă nu numai contemporanii lor, ci și posteritatea îndepărtată. Cei mai importanți promotori ai noii mișcări sunt Jacopo della Quercia, supranumit „della Fonte” pentru excelenta fântână pe care a ridicat-o la Siena; Luca della Robbia, care și-a făcut un nume în special cu reliefuri din lut ars și glazut, și talentatul Donatello. În urma lor se află o falangă de meșteri mai mult sau mai puțin talentați. În timpul domniei Papei Leon X, sculptura italiană, ca și alte ramuri ale artei, atinge punctul culminant în lucrările lui Gian Francesco Rustici, Andrea Contucci (Sansovino) și, în cele din urmă, geniul Michelangelo Buonarroti. Dar acesta din urmă, cu toată enormitatea talentului său, și chiar ca urmare a acestuia, a avut o influență fatală asupra cursului ulterioar al sculpturii: stilul său puternic, dar prea individual și liber, era peste puterea numeroșilor săi studenți și imitatori. , dintre care se remarcă doar Giovanni da Bologna, Benvenuto Cellini și Jacopo Tatti; majoritatea sculptorilor, urmând direcția marelui florentin, au căzut într-un arbitrar capricios și în căutarea unui singur efect exterior. Cu cât mai departe, cu atât mai mult sculptura și-a pierdut simplitatea și sinceritatea anterioară, astfel încât în ​​secolul al XVII-lea în Italia manierismele lui Lorenzo Bernini, Alessandro Algardi și nenumărații lor adepți dominau deja această ramură a artei. Acest stil, cunoscut sub denumirea de baroc, a continuat până în secolul al XVIII-lea, timp în care au existat uneori lucrări care nu erau lipsite de măreție și mărturiseau imaginația bogată a interpreților lor, ci mai des cele care erau curioase doar din cauza pretenției lor.

Franţa

În afara Italiei, sculptura, începând din secolul al XVI-lea, a reflectat influența sculpturii italiene și a reprezentat în general puține fenomene semnificative. Unele dintre ele merită totuși să fie menționate. Așa a fost, de exemplu, întemeierea în Franța a școlii de sculptură Fontainebles, ai cărei reprezentanți, Jean Goujon, Germain Pillon și alții, au lăsat posterității lucrări foarte talentate. Mai departe, este imposibil să nu-i amintim de Pierre Puget, Francois Girardon, Antoine Coisevo - sculptori francezi care au trăit și au lucrat în epoca lui Ludovic al XIV-lea; dar opera lor este puternic păcătuită de teatralitate, care în secolul al XVIII-lea în Franța a atins punctul de afectare goală, stânjenitoare.

Olanda

Printre artiștii olandezi demni de atenție se numără Frans du Quenois, poreclit de italieni il fiammingo, care a trăit la Roma pe vremea lui Bernini și, în ciuda faptului că a rămas liber de manierisme italiene. Și mai naiv și mai pur în viziunea sa asupra naturii este studentul Art Quellinus du Quesnoy. Al treilea sculptor olandez semnificativ, Adrian de Vries, un elev al lui Giovanni da Bologna, este cunoscut drept autorul unor lucrări de bronz frumos concepute și executate cu măiestrie.

pământurile germane

În ceea ce privește Renașterea germană, a folosit sculptura aproape exclusiv pentru pietre funerare și sarcini arhitecturale și decorative. Dintre sculptorii Germaniei din secolul al XVIII-lea, însă, mai presus de nivelul mediocrității se remarcă maeștri talentați: Andrei Schluter din Berlin (monument al marelui elector din acest oraș) și Raphael Donner din Austria (fântâna de la Piața Nouă din Viena).

Tranziția către New Age

În a doua jumătate a secolului al XVIII-lea, se trezește o înțelegere a importanței sociale și a demnității artei; conduce, pe de o parte, la o imitare directă a naturii, neîncețoșată de principii preconcepute și, pe de altă parte, la un studiu atent al modului și în ce mod o asemenea viziune asupra naturii a fost exprimată în creațiile artistice ale vremurile de înflorire ale Greciei. Un impuls puternic celui de-al doilea dintre aceste aspirații l-a dat Winckelmann, care, în scrierile sale despre arta antică, le-a explicat elocvent marea lor semnificație și a propovăduit o dragoste arzătoare pentru ele. Cu toate acestea, solul pregătit de acest om de știință a început să dea roade abia mai târziu, după ce interesul general pentru antichitatea greacă s-a intensificat și au început să apară publicații ale monumentelor sale artistice, iar muzeele europene s-au îmbogățit fie cu lucrări autentice din materialele sale plastice, fie cu gips-uri din acestea. . Primele încercări de actualizare a sculpturii prin revenirea ei la principiile artei antice au fost făcute la începutul secolului al XIX-lea de către suedezul I. T. Sergel și italianul Antonio Canova. Acesta din urmă, în special, a devenit celebru pe această cale, deși numeroasele sale lucrări, măiestrie din punct de vedere tehnic, nu sunt încă străine de manierismul italian precedent și cad adesea doar în strălucire exterioară sau sentimentalism dulce. Mulți alții au luat curând aceeași cale ca acești sculptori, în cea mai mare parte imitatorii lor direcți. Ca cei mai buni dintre acești artiști, ar trebui să se arate francezul Chaudet (statuia lui „Cupidon și fluturele” din Luvru, Paris), spaniolul X. Alvarez (grupul „Antiloch îl apără pe Nestor”, cunoscut sub numele: „Apărarea Zaragoza”), englezul John  Flaxman și pe germani Trippel (statuia „Bacchante”, etc.), și Dannecker (celebra „Ariadna pe Pantera”, la Betman, în Frankfurt pe Main). Dar nimeni nu a obținut rezultate atât de strălucitoare ca danezul Bertel Thorvaldsen. Posedând o imaginație inepuizabilă, el a creat o serie de lucrări diverse, concepute într-un spirit pur grecesc, izbitor de o noblețe pur antică a formelor, și totuși complet originale, când sublime, când naiv idilice și grațioase.

timp nou

În Franța, plasticul a continuat să se lipească de direcția ceremonială a curții din epoca lui Ludovic al XIV-lea, din ce în ce mai mult intrând în afectare. Cel mai bun sculptor al acestui timp a fost Jean-Baptiste Lemoine (1704-1778; numeroase busturi și statui ale celebrităților contemporane). Elevul său Falcone (1716-1791), autorul talentat al monumentului lui Petru cel Mare din Sankt Petersburg. Bouchardon (1698-1762) și Pigalle (1714-1785; o statuie a mareșalului Moritz de Saxonia la Strasbourg) au încercat să lucreze în spiritul artei antice. Școala franceză, înaintea altora, a aruncat jugul clasicismului absolut și a luat cu îndrăzneală drumul realismului. Houdon (1741-1828) a introdus o mare simplitate și vitalitate în sculptura franceză; faimoasa sa statuie a lui Voltaire din Comedie Francaise (o altă copie se află în Ermitaul Imperial) cu o fidelitate uimitoare transmite aspectul și caracterul sarcastic al filozofului Ferney. Mai mulți sculptori ai Primului Imperiu, Cartelier, mai sus menționat Chaudet, F. Bozio (basoreliefuri ale coloanelor Vendome, statuia ecvestră a lui Ludovic al XIV-lea în Piața Victoriei din Paris), F. Lemo (statuia lui Henric al IV-lea pe Podul Nou din Paris), J. Cortot (frontonul camerelor deputaților, apoteoza lui Napoleon I pe poarta triumfală, stelele la Paris) și elevii lor imediati, corecti și eleganti, încă reci în compozițiile lor; dar trei artiști deja lucrează alături de ei, aducând un flux de viață exuberant în sculptura franceză. Aceștia sunt F. Ryud, J. Pradier și J. David din Angers. Prima dintre acestea („Mercur legându-și aripile în picioare”, „Tânărul pescar napolitan”, „Doamna de la Orleans”, statui în Muzeul Luvru, și mai ales „Voluntarii în 1792”, un grup pe porțile triumfale ale Stelei) a atribuit o importanță extremă observării directe a naturii, a exprimat puternic și sincer mișcarea și sentimentul și, în același timp, s-a remarcat printr-o uimitoare subtilitate a decorațiunii. La început. secolul al 19-lea David de Angers și Pradier au căutat să împace tradițiile antice cu romantismul. Talentul lui Pradier era mai extern și s-a manifestat mai ales în prelucrarea elegantă a formelor. corp feminin, în crearea unor figuri fermecătoare, vii, dar senzuale („Poezie uşoară”, „Floră”, „Graţii”, „Bacântă şi Satir”, etc.). Adept hotărât al realismului și dușman al tuturor convențiilor, lui David Anzhersky îi păsa nu atât de frumusețea liniilor și, în compozițiile complexe, de o împărțire clară a grupurilor, cât de caracterizarea exactă a celui înfățișat; lucrările sale (timpanul Panteonului din Paris, statuia lui Condé la Versailles, multe statui portret, busturi și medalioane) sunt întotdeauna impregnate de o idee profundă și de o expresivitate ridicată, ceea ce face cea mai puternică impresie că este înglobat în forme preluate direct din realitate. Aceste virtuți l-au făcut pe David cel mai influent dintre sculptorii generației care a părăsit recent scena, nu doar în Franța, ci și în Belgia. Alături de cei trei lideri ai sculpturii franceze din Epoca Modernă menționați, F. Duret, un demn adept al lui Ryud și David de Angers („improvizatorul napolitan”, „dansatorul napolitan”, o statuie a Rahelei în rolul Fedrei în Teatrul francez de comedie din Paris), care a format, la rândul său, un talentat elev al lui E. Delaplanche („ Iubirea mamei”, „Muzică”, portretul lui Aubert). Numeroși studenți și adepți ai lui Pradier au lucrat în general în spiritul său, uneori mergând chiar mai departe decât el, în predilecția pentru senzualitate, uneori temperând-o cu dorința unui ideal mai pur și grație nobilă și îngrijindu-se constant să aducă execuția tehnică a lucrării lor. la cel mai înalt grad de perfecţiune. Grupul acestor artiști include: O. Kurte ("Faun și Centauri", "Leda", frumos portret Adrienne Lecouvreur la Teatrul Francez de Comedie din Paris), A. Eteks („Cain”, „Hercule și Antey” și două grupuri pe porțile triumfale ale Stelei: „Rezistența” și „Pacea”), C. Simard („Orestes) Urmariti de furori”), E. Guillaume (grup „Music” la Noua Operă, din Paris, multe portrete busturi și statui), Idrac („Wounded Cupidon” și „Salambo” în Muzeul Luxembo), J. B. Klezinger (“ Sappho”, „Ariadna cu tigru”, „Bacchanta beată”) și A. Chapu („Jeanne d’Arc” în Muzeul Luxemburg și „Tineretul” pe monumentul Regnault, în Școala de Arte Frumoase din Paris). O școală extinsă și în continuă creștere lucrează în această direcție realistă, un impuls puternic căruia i-a dat David din Anzhers. Printre reprezentanții acestei școli, D. Foyatier (monumentul Ioanei d’Arc din Orleans, statuile lui Cincinnatus și Spartacus din grădina Tuileries din Paris), E. Millet („Apollo”, în vârful clădirii Marii Opere, și „Cassandra” în Muzeul Luxemburg) din Paris), A. Preo („Omor” și „Tăcere”, busturi colosale la cimitirul Lachaise din Paris) și A. Carrier-Belez, cel mai prolific dintre studenții lui David și cel mai apropiat de el în stil („Madonna” în centrul Parisului S.-Vinseny-de-Paul). Din a doua jumătatea anului XIX V. predomină tendința realistă și naturalistă: Barrias, Bartolome, Carpeau, Delaplanche, Dubois, Falter, Fremier, Garde, Mercier, genialul Rodin. Naturalismul modernului scoala franceza a găsit o expresie finală, vie, în lucrările lui J.-B. Carlo, un elev al lui David, Ryud și Duret, care a împrumutat de la fiecare dintre ei ceea ce este mai bun în ei și și-a combinat virtuțile cu ceea ce, poate, le lipsea - cu un talent deosebit, puternic, chiar nestăpânit, asemănător cu talentul Michelangelo și , în același timp, Rubens („Tânărul pescar napolitan”, decorațiuni plastice ale pavilionului Flora din Luvru, celebrul grup de dans de la Marea Operă din Paris). În ciuda morții timpurii a acestui maestru ciudat, el a lăsat o amprentă profundă asupra artei și a format o mulțime de studenți, dintre care J. Dali și Contesa Colonna, cunoscuți sub pseudonimul Marcello („Pythia” pe scările Marii Opere din Paris). ), merită menționate. Realismul care a prevalat în sculptura franceză din acea vreme nu exclude însă existența altor aspirații în ea. Conducătorul școlii clasice era în 1839 F. Juffroy („Fata care își mărturisește secretul lui Cupidon” la Muzeul din Luxemburg), printre ai cărui adepți L. Barrias („Jurământul lui Spartacus” și „Mozart acordând vioara”) și R. de Saint-Marceau („Geniul care păzește secretul sicriului” în Muzeul Luxemburg); dar cel mai bun dintre studenții lui Jouffroy, A. Falguiere, manifestă o înclinație clară către realism („Dansator egiptean”, „Diana” și alții), P. Dubois și A. Mercier sunt inspirați din monumentele sculpturale ale porilor înfloriți ale italianului. Renaștere, în căutarea armoniei și a frumuseții în ipostaze calme (din lucrările primei, sunt deosebite remarcabile grupurile de pe monumentul lui Lamoricière: „Curaj militar” și „Iubire creștină”, precum și „Cântărețul napolitan al secolului XV. ” și „Eve”; din lucrările celui de-al doilea - „David” în Muzeul Luxemburg, un monument al lui Michele în cimitirul Lachaise din Paris și grupul Quand même). În sfârșit, Franța are dreptul de a fi mândră de câțiva sculptori care reproduc perfect animalele. Cel mai proeminent dintre acești artiști este L. L. Barry (Lion Devouring a Snake, Resting Lion și mici grupuri de bronz), care poate fi considerat adevăratul fondator al acestei industrii plastice și stăpânul ei. Pe lângă el, E. Fremier, O. Caen, L. Navale și A. Bartholdi, dintre care acesta din urmă, indiferent de lucrările din specialitatea sa, a devenit celebru și pentru colosala statuie a Libertății, adusă de guvernul francez în 1886. ca un cadou pentru Statele Unite ale Americii.

Sculptura belgiană nu este altceva decât urmașul francezului - fapt ușor explicabil prin faptul că majoritatea sculptorilor Belgiei și-au primit sau și-au finalizat educația artistică la Paris. Cei mai semnificativi dintre sculptorii din această țară pot fi numiți: Guillaume (Willem) Gefs (monument național în Piața Martirilor din Bruxelles, monument al lui Rubens din Anvers), fratele său Joseph Gefs (monumente lui Leopold I la Bruxelles și Wilhelm al II-lea la Haga), Frankin (monumentul lui Egmont și Horn la Bruxelles) și Simonis (monumentul lui Gottfried de Bouillon la Bruxelles).

În Germania, după Thorvaldsen, printre sculptorii care au aderat la direcția sa idealistă, se remarcă în special L. Schwanthaler, pentru ale cărui activități, sub regele bavarez Ludwig I, s-a deschis un larg domeniu de activitate pentru decorarea Munchenului (statui colosale ale Bavariei, frize sculpturale în palatele regelui și ducelui Maximilian, reliefuri și statui care decorează Gliptoteca etc.). Mulți studenți își datorează educația acestui artist, printre altele, M. Wiedimann (monument lui Schiller din München și alții), L. Schaller (monument lui Herder din Weimar, reliefuri din Pinakothek din München pe scene din viața lui J. van). Eyck, A. Dürer și Holbein , statui alegorice de patru stele etc.), F. Bruggen (statui ale lui Gluck, Elector Maximilian Emmanuel și Gertner la München, grupuri: „Chiron îl învață pe Ahile”, „Mercur și Calypso”, etc. ), K. Zumbusch (monum Maximilian II din München, cel mai bun dintre toate decorând acest oraș; monumentul Mariei Tereza din Viena și altele) și M. Wagmuller („Fata cu fluture”, „Fata cu șopârlă”, excelent busturi portret). Influența lui Schwanthaler, adusă la Viena de Gasser și Fernkorn (statui ecvestre ale Arhiducelui Karl și Prințului Eugen), se reflectă încă în lucrările sculptorilor locali, dintre care K. Kundeman, autorul monumentului pr. Schubert și V. Tilgner, care și-a făcut o reputație măgulitoare cu statui și busturi portrete. Un alt fel de mișcare s-a conturat la Berlin, unde la începutul secolului al XIX-lea, I. K. Shadov, fără a neglija antichitățile, și-a propus principala sarcină de a reproduce modernitatea și lumea reală (carul și metopele de pe Poarta Brandenburg, monumente). lui Ziten și prințului Leopold de Dessau la Berlin, Blucher în Rostock, Luther în Wittenberg și alții). Aspirațiile sale s-au dezvoltat pe deplin în activitatea îndelungată și influentă a lui X. Rauch (monumente lui Frederic cel Mare la Berlin, A. Dürer la Nürnberg, Kant la Koenigsberg, figuri celebre „Victorius”, pietre funerare Regina Louise și Friedrich Wilhelm al III-lea la Mausoleul din Charlottenburg). Școala din Berlin fondată de acest artist a produs multe mai mult sau mai puțin meseriași pricepuți, care sunt: ​​Φ. Drake (basoreliefuri pe monumentul lui Friedrich Wilhelm al III-lea din Grădina Zoologică din Berlin, statuia ecvestră a împăratului Wilhelm la gara din Köln și altele), Schifelbein („Distrugerea Pompeii”, o friză mare în noul Muzeu din Berlin, basoreliefuri pe podul din Dirschau), Bleser (statuia ecvestră a lui Wilhelm al IV-lea pe podul Rinului din Köln), A. Kis, care a reprodus excelent animalele și a lucrat cu succes și în partea sculpturii istorice (statui ale Arhanghelului Mihail și Sf. Gheorghe ucigând dragonul; statui ecvestre ale lui Frederic William III în Königsberg și Breslau), T. Kalide, A. Wolf și alții. Dintre sculptorii berlinezi ai New Age se remarcă în mod deosebit puternicul și înflăcăratul R. Begas (monumentul berlinez lui Schiller, bustul lui Mendel din Galeria Națională; „Pan îl consolează pe Psyche”, „Familia Faunului”, „Venus”. și Cupidon" și alte grupuri, plin de viațăși mișcare) și R. Siemering (o statuie de marmură a regelui Wilhelm la bursa de la Berlin; grupurile „Nimfa îl învață pe tânărul Bacchus să danseze” și „Faun îi dă de băut băiatului Bacchus”; „Monumentul Victoriei” din Leipzig). Doi sculptori de primă clasă au lucrat simultan la Dresda: E. Ritschel, elev al lui Rauch, care i-a urmat direcția realistă (lucrări principale: monumentul maiestuos al lui Luther din Worms, monumentul lui Schiller și Goethe din Weimar, statuia lui Lessing din Brunswick) și E. Gänel, un adept al școlii idealiste (cele mai bune lucrări sunt statuile decorative ale fațadei Galeriei de Artă din Dresda, monumentul prințului Schwarzenberg din Viena, statuia lui Beethoven din Bonn). Printre alți sculptori din Dresda, mai mult decât alții demni de atenție: I. Schilling, student și adept al lui Ganel (grupurile „Noaptea” și „Ziua” pe terasa Bryulevskaya, monumentele lui Ritschel în Dresda și Schiller în Viena) și A. Donndorf , moștenitor al modului vioi și nobil al lui Ritschel , colaboratorul său la monumentul Luther din Worms, autor al statuii ecvestre a lui Karl August din Weimar și al monumentelor lui Schumann din Bonn și Cornelius din Düsseldorf.

În Anglia, sculptura, în special sculptura monumentală, nu și-a găsit teren favorabil pentru ea însăși; în această ţară reflectă puternic influenţa italiană. Cel mai talentat dintre sculptorii englezi, Gibson, un elev al lui Canova, a lucrat la Roma și ar trebui să fie luat în seamă cu școala clasică locală (grupurile de marmură „Psyche tormented by Cupidon”, „Gilas and the Nymphs” în Galeria Națională din Londra, „ Regina Victoria pe tron, între figurile Milei și Justiției” din Camerele Parlamentului, piatra funerară a ducesei de Leicester din Longford și altele). Felul lui Canova face ecou lucrărilor multor alți artiști englezi care au interpretat intrigile mit anticîn forme grațioase, mângâietoare, precum, de exemplu, P. McDaull („Virginius și fiica lui”, „Washing Dream”), R. Westmacot (statui ale lui Addison, Pitt, Fox și Percival în Westminster Abbey, Lords Erskine pe Lincolns). -Inne și Nelson la Bursa de Valori din Liverpool, figuri de pe frontonul Muzeului Britanic) și R.-J. Watt („Flora”, „Penelope”, „Musidora” și altele).

În Italia, aspirațiile materialelor plastice nu au fost deloc supuse unei abateri semnificative de la idealurile lui Canova. Artiștii talentați P. Tenerani care l-au urmat (pietre funerare ale Ducelui și Ducesei de Torlonia în S. Giovanni in Laterano, Pius al VIII-lea în Catedrala lui Petru din Roma, „Psyche” și „Venus culcată cu Cupidon” în Schitul Imperial) și L . Bartolini (statuia lui Napoleon I, în Bastia în Corsica, și Machiavelli în Muzeul Uffizi din Florența), a lucrat în spiritul nobil-clasic al acestui maestru. Elevul lui Bartolini, G. Dupre, a făcut o oarecare întorsătură către naturalism („Maița Plângând-o pe Mântuitorul Mort” în cimitirul din Siena, monumentul lui Cavour din Torino, „Cain” și „Abel” în Schitul Imperial). G. Bastiani a încercat să reînvie stilul sculpturii italiene din secolul al XV-lea („Grupul Bacantelor”, „Patru anotimpuri”, frumoase busturi portret). Apoi, numeroși sculptori italieni și-au îndreptat atenția în principal către prelucrarea tehnică a marmurei, în care au atins o perfecțiune ridicată, producând cu dragoste deosebită subiecte împrumutate din realitatea modernă. Cel mai semnificativ dintre artiștii acestei tendințe a fost V. Vela (grupul „Franța și Italia” și „Napoleonul pe moarte” din Muzeul Versailles din Paris, statuile lui Victor Emmanuel din Primăria din Torino, „Correggio” în oras natal, filozoful Rosmani și „Primăvara”). Pe lângă artiștii autohtoni, printre reprezentanții sculpturii italiene trebuie să fie incluși mulți străini, precum mai sus menționatul englez Gibson, care a trăit și a lucrat la Roma; așa sunt, de altfel, olandezul M. Kessel („Sf. Sevastan”, „Paris”, „Aruncător de discoteci”, scene din judecata de apoi), bavarez M. Wagner (friză în Valhalla, lângă Regensburg; „Minerva”, patrona activității artistice pe frontonul Glyptotecii din München), Bremen K. Steingeyser („Eroul și Leander”, „Goethe cu Psihicul” în Muzeul din Weimar). , „Violonist” și alții) și prusac E. Wolf („Nereida” și „Amazon” în Ermitul Imperial, „Venus”, „Judith” și altele).

Cel mai nou timp

Sculptură în Rusia

imperiul rus

În vremurile pre-petrine, arta în Rusia își avea vocația de a servi exclusiv scopurilor religioase și, întrucât Biserica Ortodoxă detestă sculpturile cu figuri umane, sculptura, în adevăratul sens al cuvântului, nu putea Rusiei antice nu doar să se dezvolte, ci și să existe. Adevărat, în unele locuri, în special în fostele regiuni Novgorod, imaginile sculptate și pictate ale sfinților erau respectate, dar erau străine de orice valoare artisticăși a făcut produse care au apărut sub influența Occidentului. De fapt, în Rus', manifestările de artă plastică s-au limitat la turnarea crucilor mici, a imaginilor împăturite, a scoaterii din salarii pentru imagini și a cioplirii iconostaselor figurate. Printre roadele civilizației vest-europene, Petru cel Mare i-a transferat sculptura, care, totuși, în timpul acestui suveran și mult timp după el, a fost aici în mâinile străinilor în vizită. Figura principală în domeniul sculpturii în timpul domniei lui Petru cel Mare și Anna Ioannovna a fost K. B. Rastrelli, tatăl celebrului arhitect de mai târziu, care a fost chemat la Sankt Petersburg pentru a arunca tunuri. Stilul lui manierat este evidențiat de o statuie de bronz a împărătesei Anna și un monument al lui Petru cel Mare, care se află în fața Castelului Inginerilor din Sankt Petersburg.

De fapt, sculptura rusă a început abia sub Ecaterina a II-a, după înființarea Academiei, unde primul profesor al acestei arte a fost N. F. Gillet, invitat în 1757 de la Paris. A educat mai mulți studenți, dintre care cel mai talentat a fost F. I. Shubin (opera sa principală este statuia Ecaterinei de la Academia de Arte). Statutul Academiei prevedea celor mai buni dintre elevii ei, după finalizarea cursului, să meargă, cu întreținere din partea guvernului, timp de câțiva ani, pe țări străine, pentru îmbunătățirea lor ulterioară, iar acest drept a fost folosit pentru prima dată de tinerii sculptori Shubin. Începe o serie lungă de sculptori ruși care au trăit și au lucrat în străinătate, în special în Italia, continuând până în epoca noastră. Aici, desigur, au fost influențați de maeștrii populari la acea vreme și au asimilat direcția artistică dominantă de atunci. Prin urmare, sculptura din Rusia, care a arătat puțină independență până de curând, a reflectat în ea însăși mișcările care au avut loc în această ramură a artei în Occident: la sfârșitul secolului al XVIII-lea a purtat amprenta franceză, apoi italiană - mai mult sau trăsături mai puțin vizibile ale stilului lui Canova, Thorvaldsen, Dupre, Tenerani și alții. Cu toate acestea, printre reprezentanții săi s-au numărat mulți artiști care ar fi făcut onoare oricărei țări. În secolul Ecaterinei, pe lângă Shubin, care a păstrat naturalismul în operele sale, înnobilat de respectul pentru antichități, au existat rutinerul-eclectic F.G. Gordeev (grupul lui Samson pentru fântâna Peterhof cu acest nume) și înzestrată, oarecum manierată, pajiștea M.I. Tsaritsyn. la Sankt Petersburg, statuia lui „Cupidon care ia o săgeată dintr-o tolbă” din Ermite și altele). În timpul lui Alexandru I și parțial Nikolaev, reprezentanți de seamă ai sculpturii rusești au fost: V. I. Demut-Malinovsky (statuia apostolului Andrei în Catedrala Kazan din Sankt Petersburg, „Scaevola rusă” la Academia de Arte, busturi portrete și altele ), S. S. Pimenov (două grupuri la intrarea Institutului Minier din Sankt Petersburg), I. P. Prokofiev (statuia Acteonului alergător, tritonii fântânii Peterhof), I. P. Martos (monumentele lui Minin și Prințului Pojarski la Moscova, Ducele Richelieu). în Odesa, Lomonosov în Arhangelsk, o statuie colosală a Ecaterinei a II-a în Adunarea Nobiliară de la Moscova și altele) și altele.

Sculptura rusă a primit o renaștere specială în a doua jumătate a domniei împăratului Nicolae I datorită dragostei acestui suveran pentru artă și patronajului pe care l-a oferit artiștilor autohtoni, precum și unei astfel de întreprinderi uriașe precum construcția și decorarea Sf. Catedrala lui Isaac din Sankt Petersburg și Catedrala Mântuitorului Hristos din Moscova. Toți sculptorii ruși, atât din generația mai în vârstă, cât și din generația mai tânără, au primit apoi ordine guvernamentale semnificative și, încurajați de atenția monarhului față de munca lor, au încercat să se depășească unul pe altul în ei. Principalele figuri din zona luată în considerare erau la acea vreme: contele F. P. Tolstoi (medalioane pe teme din Războiul Patriotic 1812-1814, statuia „Nimfa turnând apă dintr-un ulcior” din Peterhof, modele pentru figurile diverșilor sfinți, pentru ușile Bisericii Mântuitorului), S. I. Galberg (statuia Ecaterinei a II-a așezată la Academia de Arte, statuia „Invenția muzicii” din Ermitaj), B. I. Orlovsky („Îngerul” pe coloana lui Alexandru, monumentele lui Kutuzov și Barclay de Tolly în fața Catedralei din Kazan, statui „Paris”, „Satir cântând la vioară”, „Faun și Bacchante” în Schit), I. P. Vitali (două frontoane ale Catedralei Sf. Isaac: „Adorarea Magilor” și „Sfântul Isaac binecuvântând Împăratul Teodosie”, reliefuri sub porticurile acestui templu, sculpturi ale ușilor de intrare ale acestuia. și altele; o statuie a lui Venus în Schit), baronul P. K. Klodt („Caii îmblânziți”, patru grupuri pe podul Anichkovsky, un monument al fabulistului Krylov, în Grădina de vară; figura împăratului Nicolae I călare, în monumentul din Sankt Petersburg pentru acest suveran;statui mici de cai), N. S. Pimenov (grupurile „Învierea” și „Schimbarea la Față” în vârful catapeteasmelor coridoarelor mici ale Catedralei Sfântul Isaac; statui „Jocul bunicilor” și „Băiat cerșetor”), P. Stavasser (statui „Sirenă” și „Nimfă încălțată de un faun” în Schit), K. Klimchenko („Nimfă după baie” în Schit), A. A Ivanov („Băiatul Lomonosov” și „Paris” în Ermitau), S. I. Ivanov („Săldaiul mic”), A. V. Loganovsky („Jocul grămezii”; reliefuri sub porticurile Catedralei Sf. Isaac „Macelul inocenților” și „Apariția unui înger la păstori”; înalte reliefuri pe pereții exteriori ai Bisericii Mântuitorului) și N. I. Ramazanov (înaltorireliefuri din pereții exteriori ai aceluiași templu).

Trebuie remarcat, totuși, că, din cauza însăși naturii sarcinilor încredințate acestor artiști talentați, în cele mai multe cazuri aceștia erau legați în munca lor și nu puteau da un spațiu deplin fanteziei și dorinței de realism și naționalitate care deja treziseră. în mijlocul lor. Această întindere s-a deschis odată cu apariția erei marilor reforme ale lui Alexandru al II-lea - o epocă în care artele descriptive ale Rusiei, în urma literaturii sale, au devenit purtători de cuvânt ai conștiinței de sine care se trezise în societatea rusă, au devenit involuntar receptive la îndoielile, dorințele și speranțele sale. Problema nu putea continua fără ezitare și false evaziuni; cu toate acestea, în mișcarea sa generală, cea mai recentă sculptură rusă, făcând un pas major înainte, a câștigat simpatia nu numai a claselor superioare, ci și a masei societății sale natale și i-a forțat pe străini să recunoască existența unei școli rusești originale. Dintre artiștii care au contribuit la aceasta într-o măsură mai mare sau mai mică, precum și au susținut demnitatea sculpturii rusești din a doua jumătate a secolului al XIX-lea, putem numi: M. M. Antokolsky (statui „Ioan cel Groaznic”, „Hristos înaintea oameni”, „Moartea lui Socrate”, „Mefistofel” în Schit; o statuie a lui Petru cel Mare în Peterhof), N. R. Bach (statuia „Pythia”), R. R. Bach (statuia „Ondine”; înalte reliefuri „Elf” și „ Idilă"), A. R. von Bock ( grupul "Minerva" pe cupola Academiei de Arte, monumente ale contelui Paskevich din Varșovia și M. Glinka din Smolensk; statuia "Psyche" și grupul "Venus și Cupidon"), P. A. Velionsky (statuia „Gladiatorul”, basorelieful „Venus reprezintă olimpienii Cupidon”), P. P. Zabello (o statuie a lui Pușkin în Liceul Imperial Alexandru, „Tatyana, eroina romanului lui Pușkin” de E. I. V. Împărăteasa Maria Feodorovna și „Sirena” pentru un fântână din Kazan), G. R. Zaleman (statuia „Oreste urmărit de furi”, grupul „Cimbri”, basorelieful „Styx”), F.F. Kamensky (statui „Băiatul sculptor” și „Fata culegătoare de ciuperci” și grupul Primul Pas din Schit), V. P. Kreitan (busturi portret), N. A. Laveretsky (grupurile Cochetarii timpurii din Ermit și Băiat și fată cu pasăre); statuia Rhodope), E. E. Lansere (grupuri mici și statuete de luptă și conținut casnic cu figuri excelente de cai), N. I. Liberich (figurine și grupuri mici reprezentând scene militare și de vânătoare), L. L. Ober (lucrări de același fel), A. M. Opekushina (monument al lui Pușkin la Moscova), I. I. Podozerova (statui „Cupidon cu fluture” și „Eve”; busturi portret), M.P. Popova (statuie „Pescar napolitan, cântând la mandolină”, „Firty Girl”, „Fryne”) , A. V. Snigirevsky (statuia „Curiozitatea”, grupul „Into the Storm”; grupuri mici cu un personaj de gen), M. A. Chizhov (grupurile „Țăran în nevoie”, „Playing Blind Man’s Bluff”, „Mama care învață copilul nativ Cuvânt”; „Prima dragoste”; statuia „Rezvushka”) și, în cele din urmă, I. N. Schroeder (monumente către Prințul P. G. Oldenburgsky și Kruzenshtern la Sankt Petersburg; Petru cel Mare la Petrozavodsk).

Ea își are originea în antichitate și rămâne până în zilele noastre o decorare foarte populară a orașelor, templelor, precum și o modalitate de auto-exprimare a maestrului. Multe dintre sculpturi sunt atracții în sine. Există multe exemple de statui de renume mondial, care sunt vizitate de milioane de turiști în fiecare an.

Astăzi există diferite tipuri de sculpturi, care vor fi discutate în acest articol.

Definiție

Înainte de a începe să vorbiți despre sculptură ca formă de artă, trebuie să înțelegeți ce este aceasta, să definiți termenul. Sculptura nu este doar unul dintre tipurile de artă plastică, ci unul dintre cele mai importante elemente ale sale, a cărui principală caracteristică este că lucrările au o formă tridimensională din materiale solide sau plastice.

Pictura, grafica și sculptura sunt forme de artă care sunt foarte apropiate în multe privințe. De aceea mulți artiști și pictori au fost și sculptori excelenți.

Un pic de istorie

După cum am menționat mai sus, sculptura a apărut în timpuri imemoriale. Primele figurine și sculpturi mici au început să apară în perioada preistorică a epocii de piatră. În acele zile, sculpturile erau folosite ca idoli religioși.

De asemenea, toată lumea cunoaște sculpturile antice, care sunt de dimensiuni enorme, situate pe aproximativ. Paști. Există încă multe zvonuri și legende în jurul lor.

Odată cu apariția primelor civilizații antice (Egipt Antic, Sumer, Fenicia etc.), sculpturile au devenit un atribut mai frecvent. Nu au fost doar un obiect religios, ci au devenit adesea decorarea templelor mari, palatele conducătorilor și decorarea orașelor.

Sculptura ca formă de artă plastică a atins o înflorire incredibilă în perioada antică. Grecii și romanii antici au apreciat foarte mult acest meșteșug. Ei și-au decorat orașele, casele și templele cu sculpturi, iar meșterii lor erau cei mai buni din toată lumea cunoscută atunci.

La începutul Evului Mediu, a existat o oarecare acalmie în această zonă, dar până la sfârșitul acestei etape istorice, sculptura a început să se dezvolte cu o vigoare reînnoită. Un boom deosebit de puternic a început în Renaștere, când pictura și sculptura au cunoscut o adevărată decolare.

Începând din New Age și până în zilele noastre, sculptura rămâne una dintre cele mai izbitoare și căutate forme de artă.

Tipuri de sculptură (clasificare)

Există mai multe moduri și principii prin care se realizează împărțirea sculpturii în varietăți. Dacă sunt împărțite pe gen, atunci există: portret, simbolic, alegoric, istoric și altele.

Există, de asemenea, sculpturi circulare care pot fi privite din toate părțile, și sculpturi în relief (alorelief, basorelief, contrarelief), unde doar o parte a figurii are volum.

Sculptura poate fi împărțită în tipuri în funcție de materialele din care este realizată, după perioade istorice, caracteristici geografice etc. Există o mulțime de clasificări.

Sculptură și arhitectură

Aproape imediat, pe măsură ce civilizațiile au început să apară și au apărut clădiri mari de temple și palate, aceste două tipuri de artă au început să se contopească într-o simbioză. Arhitectura și sculptura sunt adesea părțile constitutive un singur obiect.

Mai mult, „cooperarea” lor se exprimă nu numai prin faptul că sculpturile sunt adesea folosite ca decor al interiorului clădirii. Merită să priviți clădirile în stil gotic sau baroc, deoarece totul devine clar. De exemplu, amintiți-vă de binecunoscuta Catedrală Notre Dame din Paris, care este complet presărat cu diverse sculpturi, nu doar basorelief, ci și circulare.

Și există multe astfel de exemple. În arhitectura modernă, sculpturile nu mai sunt adesea folosite ca decorațiuni pentru clădiri, dar există multe structuri care, deși nominal clădiri, sunt de fapt sculpturi. Un exemplu este Statuia Libertății, în interiorul căreia se află o punte de observație (azi este interzisă intrarea în ea) și nu numai.

Sculptură sub formă de figură umană

Oamenii au fost întotdeauna interesați de umanitate, așa că nu este de mirare că sculptorii au căutat cel mai adesea să surprindă figura umană, o parte a corpului sau să dea creației lor o formă antropomorfă. Abia în secolul al XX-lea au început să apară tot mai multe tendințe care s-au abătut de la acest principiu.

Cei mai buni maeștri care înfățișează oameni au fost considerați vechii greci, romani și maeștri care au lucrat în Renaștere. Dintre creațiile celebre, se poate evidenția sculptura „Laocoon și fiii săi”, realizată de maeștrii greci antici Agesander, Polydorus și Athenodorus. De asemenea, este cunoscută creația „The Dying Gaul”, al cărei autor este considerat Epigon, dar nu există informații exacte despre aceasta.

Desigur, mai sunt multe exemple. Există și altele mai celebre, dar rămâne faptul că mulți sculptori creează de bunăvoie și astăzi sculpturi ale oamenilor.

Scena modernă

Astăzi apar tot mai mult stiluri extravagante și tipuri de pictură și sculptură, datorită cărora noii maeștri caută să atragă atenția și să șocheze publicul. Cu toate acestea, datorită acestui fapt, lumea sculpturii a devenit mai diversă, interesantă și modernă.

Este suficient să amintim creațiile faimosului sculptor și artist columbian Fernando Botero, ale cărui produse se etalează astăzi în multe orașe și capitale importante ale lumii. „Dolofanul” lui a făcut furori în lumea artei.

Pe lângă el, desigur, există și alți maeștri moderni ale căror sculpturi sunt extravagante, dar în același timp ceva proaspăt și nou în artă. Aceasta este tendința principală în istoria recentă a omenirii.

Nu este un secret pentru nimeni că operele de artă remarcabile sunt vândute la licitațiile de artă pentru bani mari, dar puțini oameni știu că cea mai scumpă sculptură a fost evaluată la 141 milioane 800 mii de dolari SUA. Se numește „Pointing Man” și a fost creat în 1947 de celebrul sculptor Alberto Giacometti.

Pe lângă faptul că sculpturile pot fi foarte scumpe, acestea sunt uneori foarte mari. Cea mai înaltă statuie din lume este Shakyamuni Buddha din Myanmar. Înălțimea lui este de aproximativ 130 de metri, dacă se numără cu piedestalul. Fără el, are o înălțime de peste 115 metri.

Oamenii moderni sunt obișnuiți să vadă sculpturile antice în culoarea lor naturală, dar după cum au arătat studiile recente, grecii și romanii le-au pictat cu diferite culori și destul de strălucitoare. Doar că în timp vopseaua s-a estompat la soare și sub influența altora. fenomene naturale sters.

Multe sculpturi antice au ajuns până în epoca noastră cu diverse tipuri de defecte: așchii, lipsa unor piese etc. Criticii de artă, muzeele și sculptorii din secolele XIX-XX au încercat la început să restaureze singuri părțile lipsă, dar peste timp, după numeroase eșecuri de restaurare, oamenii și-au dat seama că este mai bine să nu restaurați lucrările din antichitate, ci să le lăsați în forma în care au fost găsite.

Impact asupra culturii

Oricare ar fi tipul de sculptură, este încă un subiect de artă, prin urmare are un impact direct asupra ei. Este unul dintre mijloacele puternice de auto-exprimare, decorarea orașelor, interior, exterior etc.

Din cele mai vechi timpuri, sculpturile au avut un impact uriaș asupra artei și culturii în general, făcând parte din ele. Ele sunt considerate și astăzi un element important în viața omenirii.

Multe statui celebre sunt acum un simbol al unei religii, oraș sau chiar intreaga tara. Amintiți-vă cel puțin de celebra statuie a lui Hristos Mântuitorul, care astăzi nu simbolizează doar Rio de Janeiro, ci întreaga Brazilie.

Aproximativ același lucru se poate spune despre Statuia Libertății din New York sau statuia Patriei din Volgograd. Și există multe astfel de exemple. Aproape fiecare oraș important are propria sa sculptură remarcabilă sau mai multe.

Pe lângă statuile celebre și simbolice, există sculpturi urbane obișnuite care nu reprezintă o mare valoare istorică sau culturală, ci au fost create exclusiv pentru a decora străzile orașului. De regulă, acestea sunt fabricate din materiale ieftine precum bronz, fier etc.

In cele din urma

Pictura, grafica și sculptura sunt forme de artă care au apărut cu mult timp în urmă, dar există și astăzi. Mai mult, interesul pentru ele nu scade deloc și, într-o oarecare măsură, chiar crește.

ÎN societate modernă există un număr mare de oameni interesați de artă, iar creațiile vechilor maeștri, de regulă, se află sub protecția statului și a societății.

Oamenilor le-a plăcut întotdeauna să contemple frumosul, dând plăcere nu numai ochilor, ci și creierului, oferindu-i subiecte de reflecție, așa că multe sculpturi nu descriu doar ceva, ci demonstrează un fel de complot, idee și gândire. Privind astfel de opere de artă, oamenii încep involuntar să se gândească la ceea ce autorul a vrut să transmită și să transmită oamenilor.

Sculptura nu numai că nu a dispărut ca formă de artă, dar continuă să se dezvolte activ chiar și acum. Există toate tipurile, stilurile, materialele noi, etc. Sculptorii din întreaga lume fac tot posibilul să iasă în evidență și să-și promoveze creativitatea.

În fața concurenței acerbe, sculptorii moderni trebuie să fie mai creativi în munca sau hobby-ul lor. Acesta este, după mulți, motorul artă contemporanăîn general, nu doar sculpturi.