Záujem o výtvarné umenie pokrýval stále širšie vrstvy spoločnosti, čo sa prejavilo vznikom rôznych umeleckých spolkov, rastúcou obľubou výstav na Akadémii umení, zakladaním umeleckých časopisov, vytváraním umeleckých múzeí.
Portrét zostal vedúcim žánrom v maľbe, jeho vývoj bol spojený s tvorbou O.A. Kiprensky a V.A. Tropinin. V dielach týchto umelcov vidieť túžbu zachytiť jedinečnosť duchovného a emocionálneho sveta súčasníkov, romantizmus sa prelína s rysmi realizmu. Krajina sa vyvíjala spolu s portrétom spojeným s menom S.F. Shchedrin, ktorý sa vyznačuje poetickým vnímaním prirodzeného vzhľadu prírody. Každodenný žáner zastupuje tvorba A.G. Venetsianov, ktorý si ho zámerne vybral ako samostatný a plnohodnotný typ maľby, a P.A. Fedotov. Námet ich maľby je národný a demokratický. Historická maľba sa rozvinula pod vplyvom vojny roku 1812, rastu vlastenectva a národného povedomia. Tento trend reprezentovala A.A. Ivanov, ktorý napísal slávny obraz Zjavenie Krista ľuďom, A.E. Egorov a ďalší. Niektorí umelci pracovali rovnako dobre v rôznych žánroch. Takými boli F. Bruni, K.P. Bryullov, najväčší umelec svojej doby, ktorého dielo stelesňovalo drámu, ľudskosť, brilantné remeselné umenie.
Takmer celý vývoj maliarstva v tom období prebiehal v rámci klasicizmu, ktorý sa v maliarstve nazýval akademizmus. Akademiizmus bol zameraný na najvyššiu výtvarnú techniku, mytologické a biblické námety, dekoratívnu kompozíciu. Vo všeobecnosti pre maľbu devätnásteho storočia. charakterizované rozširovaním žánrov, zápletiek, zdokonaľovaním techník a umeleckých aspektov. Pre ruštinu výtvarné umenie sa vyznačovali romantizmom a realizmom. Oficiálne uznávanou metódou bol však klasicizmus.
Klasicizmus v architektúre na začiatku devätnásteho storočia. dosiahol najvyšší stupeň rozvoja a vytvoril úrodnú pôdu pre prejav civilného pátosu. Charakteristický- vytváranie veľkých súborov. Ruská architektúra sa vyznačovala vysokou profesionalitou, hľadaním nových ciest.
Spomedzi vtedajších architektov O.I. Beauvais, ktorý dohliadal na obnovu Moskvy po požiari v roku 1812. Pod jeho vedením vznikli jedinečné mestské súbory: Divadlo, Voskresenskaja, Červené námestie; Alexandrova záhrada; boli postavené budovy Veľké divadlo, Manezh - budovy, ktoré zmenili tvár mesta. V Petrohrade si klasicizmus zachoval svoj oficiálny charakter a odrážal význam mesta ako hlavného mesta ríše. Medzi vynikajúce pamiatky patrí Kazaňská katedrála (1801-1811) od architekta A.N. Voronikhin; budova burzy (1804-1811) od architekta Thomasa de Thomona; mestské súbory K.I. Rossi, ktorý zmenil mesto na umelecké dielo. Projekt AD. Zacharova, bola postavená budova admirality. Z neho sa šírili lúče Petrohradských alejí. Podľa projektu A.A. Montferrand bol tvorcom katedrály svätého Izáka - najvyššej budovy v Rusku v tom čase.
Nahradiť klasicizmus, ktorý vyčerpal svoje možnosti a dostal sa do konfliktu so zmenenými estetickými potrebami doby v 30. rokoch. devätnáste storočie prišiel eklektizmus. jej hlavný princíp- využitie prvkov rôznych architektonických štýlov minulosti vo voľnej forme. Architekt K.A. Tón je jedným z najviac významných predstaviteľov týmto smerom. Podľa jeho projektu bola na počesť víťazstva vo vlasteneckej vojne v roku 1812 postavená Katedrála Krista Spasiteľa (1839-1883).
Najvýznamnejšie úspechy dosiahli v tejto dobe v oblasti monumentálneho sochárstva. Rovnako ako v iných smeroch umeleckej kultúry, tam bol silný vplyv Vlastenecká vojna 1812 zľudoveli témy hrdinstva, vlastenectva atď. Sochárstvo sa vyvinulo v rámci klasicistického štýlu, ale realistické črty nadobúdajú pomerne silný vplyv. Charakteristickou črtou vývoja ruského sochárstva v prvej polovici storočia bola syntéza sochárstva a architektúry, ktorá sa prejavila najmä pri tvorbe urbanistických celkov a riešení iných urbanistických problémov.
Medzi vynikajúcimi monumentálnymi sochármi má osobitné miesto V.I. Demuth - Malinovsky a S.S. Pimenov. Spolu s architektom Voronikhinom vytvorili jedinečnú výzdobu Kazanskej katedrály, potom basreliéfy pre Banícky inštitút. Pre budovu admirality bolo z kameňa vytesaných niekoľko grandióznych sôch. Sochári pracovali aj v spolupráci s architektom Rossim, za vrchol ich tvorby sa považuje plastika oblúka budovy generálneho štábu.
Medzi vynikajúce pamiatky éry patrí pamätník Minina a Pozharského na Červenom námestí, ktorý vytvoril sochár I.P. Martos. Na obrazoch hrdinov XVII storočia. stelesňujú črty vlastenectva a národnej hrdosti. Veľký význam mal prácu B.I. Orlovského, autora postavy anjela korunujúceho Alexandrov stĺp, pamätníkov poľného maršala M.I. Kutuzov a generál Barclay de Tolly pred Kazanskou katedrálou v Petrohrade. Alexandrov stĺp - menhir, jeden z slávnych pamiatok Petersburg. Postavený v empírovom štýle v roku 1834 v strede Palácového námestia architektom Augustom Montferrandom dekrétom mladšieho brata cisára Alexandra I. Mikuláša I. na pamiatku víťazstva nad Napoleonom. Stĺp je monolitický obelisk, ktorý stojí na podstavci zdobenom basreliéfmi s dedikačným nápisom „Vďačné Rusko Alexandrovi I.“. Na vrchole stĺpa je plastika anjela od Borisa Orlovského. Tvár anjela má črty Alexandra I. Anjel drží v ľavej ruke štvorhrotý latinský kríž a pravú dvíha k nebu. Hlava anjela je naklonená, jeho pohľad je upretý na zem. Stĺp smeruje k Zimnému palácu. Nie je len vynikajúca architektonickú pamiatku, ale aj veľký inžiniersky úspech svojej doby. V prvej polovici XIX storočia. objavilo sa nezávislé ruské hudobné umenie, aj keď vplyv taliančiny, nemčiny, francúzske školy. Ruská národná hudobná kultúra bola vytvorená na základe ľudového umenia, o čom svedčí aj tvorba A.A. Alyabiev, tvorca ruskej národnej opery M.I. Glinka. Významne prispeli k rozvoju domáceho hudobného umenia inovatívne opery A.S. Dargomyžského. Spojenie ľudových motívov s romantizmom viedlo k vzniku špeciálneho žánru - ruskej romance (A.A. Alyabyev, A.E. Varlamov, A. Gurilev). Počas tohto obdobia sa úloha činoherného divadla v kultúrnom živote Ruska výrazne zvýšila. V Moskve sa centrom tohto druhu umenia stalo divadlo Maly, kde boli veľmi silné demokratické tendencie; v Petrohrade – Alexandrinskom, čím si zachoval význam oficial. Vtedajšie divadelné umenie sa rozvíjalo v rámci štýlu romantizmu (najmä v diele P.S. Mochalova, ktorý hral v hrách Schillera, Shakespeara; úspešná bola najmä jeho úloha Hamleta). Postupne sa na ruskej scéne etablovala realistická réžia vďaka dramaturgii A.S. Griboedová, N.V. Gogoľ, A.N. Ostrovského. Medzi hercami, ktorí vytvorili slávu ruskej scény, M.S. Shchepkina, P.S. Mochalová, E.S. Semenov a i. Boli tu rôzne druhy divadiel. Stále rozšírené boli poddanské divadlá patriace ruským šľachtickým rodinám (Šeremetevovci, Apraksinovci, Jusupovci atď.). Štátne divadlá bolo ich málo (Alexandria a Mariinskij v Petrohrade, Boľšoj a Malý v Moskve). Baletné divadelné umenie zaujímalo osobitné miesto v kultúrnom živote Ruska. Vyvinula sa v úzkom spojení a pod vplyvom domácej literatúry. Balety „čistého klasicizmu“ boli minulosťou. Nahradili ich sentimentálne melodrámy a romantické inscenácie. V repertoári sa objavili balety, ktorých dej podnietil ruská literatúra.
Maľba prvej polovice XIX storočie:
Trend realistickej maľby 18. storočia zostáva vedúcim aj v prvej polovici nového storočia, osobitná pozornosť sa v tomto období venuje črtám ruského života, ktoré sú ľudového a národného charakteru. Významným počinom ruskej maľby v prvej tretine 19. storočia bol rozvoj žánru portrétu. Portréty tejto doby sú presvetlené humanizmom Puškinovej éry s jeho bezhraničnou úctou k dôstojnosti človeka. Vlastenecký rozmach spôsobený bojom proti francúzskej intervencii z roku 1812, očakávanie triumfu sociálnej spravodlivosti dodalo svetonázoru pokrokovej osobnosti tejto doby vznešený charakter, zároveň sa tu snúbil občiansky princíp s lyrickým , intímny, ktorý dodal duchovnému vzhľadu najlepších ľudí tej doby zvláštnu úplnosť.
Medzi najväčších ruských portrétistov prvej polovice 19. storočia patrí Vasilij Andrejevič Tropinin (roky života 1776-1857), jeden zo zakladateľov romantizmu v ruskom maliarstve. Tropinin vo svojich portrétoch odhalil hodnotu ľudskej osobnosti v celej špecifickosti jej vonkajšieho vzhľadu a duchovného sveta. Tropininove portréty ľahko spoznáte podľa benevolentného výrazu tváre, charakteristického pre jeho postavy, obdaril svoje postavy svojským pokojom a dobrou vôľou. Okrem portrétov rozvíjal Tropinin vo svojej tvorbe aj každodenné námety, čo z neho robí aj jedného zo zakladateľov ruskej žánrovej maľby.„Portrét Arsenyho Tropinina“ možno nazvať majstrovským dielom Tropininovej ranej tvorby. Pre umelca boli atraktívne najmä detské obrázky. Väčšina detských portrétov od Tropinina má žánrovú zápletku, zobrazuje deti so zvieratami, vtákmi, hračkami, hudobnými nástrojmi („Chlapec s ľútosťou“, „Chlapec so stehlíkom“ a iné). "Portrét Arseny Tropinin" zaujme úprimnosťou a čistotou emócií, je napísaný ľahko a všeobecne. Rafinovaná farebnosť je postavená na kombinácii zlatohnedých tónov, cez vrstvu farby a lazúry presvitá ružovkastý tón podkladu a podmaľby.|
V. A. Tropinin. Čipkárka. 1823 |
Obraz pekného dievčaťa, ktoré na chvíľu vzhliadlo od svojho povolania a pozrelo sa na diváka, naznačuje, že jej práca nie je vôbec ťažká, že je to len hra. Starostlivo a s láskou maľované zátišie - čipka, cievky, krabička na vyšívanie. Pocit pokoja a pohodlia, ktorý vytvoril Tropinin na tomto obrázku, presviedča o hodnote každého okamihu každodennej ľudskej existencie.
K raným formám ruskej žánrovej maľby patria ďalšie portréty nevoľníckych ihiel od Tropinina – zlaté vyšívačky, vyšívačky a pradičky. Ich tváre sú podobné, jasne ukazujú črty umelcovho ženského ideálu – nežné oválne, tmavé mandľové oči, priateľský úsmev, koketný pohľad. Tieto diela Tropinina sa vyznačujú jasnými obrysmi a prekrytím tela farbami, malebná textúra získava hustotu. Malé, husto položené ťahy spôsobujú, že obrazy vyzerajú ako smaltované miniatúry.|
V. A. Tropinin. Portrét A. S. Puškina. 1827 |
Pushkin je zobrazený sediac v uvoľnenej polohe, pravá ruka položený na stole s otvorenou knihou. Pozadie a odev spája spoločný zlatohnedý tón, na ktorom vyniká básnikova tvár - najintenzívnejšia farebná škvrna a kompozičný stred obrazu. V široko otvorených modrých očiach básnika žiari skutočná inšpirácia. Všetci súčasníci zaznamenali v tomto portréte bezúhonnú podobnosť s Puškinom, kde sa umelcovi, ktorý svedomito sledoval prírodu, podarilo zachytiť vysokú spiritualitu básnika.
V rokoch 1830-1840 predstavuje najväčší počet portrétov, ktoré namaľoval Tropinin. Ide o portréty prvých osôb v mestskej hierarchii a súkromných osôb – šľachticov, obchodníkov, ale aj hercov, spisovateľov a umelcov duchovne blízkych Tropininovi.Počas týchto rokov, pod vplyvom Karla Bryullova, ktorý sa vrátil do Ruska z Talianska, vytvoril Tropinin veľkorozmerné diela podobné formálnemu portrétu. V portréte samotného Bryullova Tropinin zdôrazňuje umeleckú originalitu umelca s bujným pozadím so starobylými ruinami prepletenými viničom a dymiacim Vezuvom.
Neskoršie Tropininove diela lákajú žánrovým postrehom, anticipujúc záujem o každodenný život, ktorý bol charakteristický pre ruské maliarstvo 60. rokov 19. storočia.
Stojí za zmienku, že Tropinin bol väčšinu svojho života nevoľníkom a slobodu dostal až vo veku 47 rokov (a jeho rodina, manželka a syn po ďalších 5 rokoch), ale napriek tomu si umelec zachoval zhovievavý postoj k ľuďom. celý život, zobrazoval ich na portrétoch v dobrej nálade a s príjemným výrazom.
Vasily Andreevich Tropinin vytvoril počas svojho dlhého tvorivého života viac ako tri tisícky portrétov, ktoré mali obrovský vplyv na formovanie moskovskej maliarskej školy a vývoj realistických trendov v ruskom umení.
Možno nazvať jedného z najvýznamnejších ruských maliarov prvej polovice 19. storočia Karl Pavlovič Bryullov (roky života 1799-1852). Bryullov vo svojej tvorbe inklinuje k veľkým, historickým plátnam, ich celkový dizajn je často romantický, hoci si zachovávajú črty klasicizmu a realistický základ.Karl Bryullov sa narodil v rodine akademika, rezbára a maliara-dekoratéra. V roku 1809 bol Bryullov prijatý na Akadémiu umení, po absolvovaní s vyznamenaním bol poslaný na dôchodcovskú cestu do Talianska, kde namaľoval sériu obrazov na tému život potvrdzujúcej krásy zdravého človeka, ktorý cíti radosť byť celou svojou bytosťou („talianske ráno“, „talianske poludnie“, „Bathsheba“).
Táto téma radostnej krásy a harmónie výrazne zaznieva v obraze „Talianske poludnie“. Bryullov zručne sprostredkúva efekt slnečných lúčov prenikajúcich cez listy a strapec hrozna naplnený šťavou, sleduje hru svetla a tieňa zjemneného reflexmi na tmavej koži Talianky, pričom zachováva jasnosť plastických objemov jej holej ramená a plné ruky.
Karla Bryullova možno nazvať aj majstrom slávnostného portrétu. Romantická povznesenosť obrazu, jeho dekoratívnosť, plastická čistota objemovej formy a úžasná materiálnosť textúry predmetov odlišujú Bryullovove najlepšie slávnostné portréty, ako je Jazdkyňa a dva portréty grófky Julie Samoilovej.Možno však poznamenať, že slávnostné portréty Bryullova nemajú význam, ktorý je vlastný reprezentatívnemu obrazu 18. Mnohé slávnostné portréty Bryullova sú čisto vonkajšieho charakteru, predbiehajú salónny portrét z druhej polovice 19. storočia.
Na rozdiel od slávnostných portrétov vyrobených na mieru sa portréty umelcov Bryullova (básnik Kukolnik, sochár Vitali, fabulista Krylov, spisovateľ a kritik Strugovshchikov) vyznačujú osobitnou presnosťou psychologických charakteristík modelov.
Bryullov na portréte Vitaliho zobrazuje sochára ako nadšeného tvorcu, iskra navlhnutých očí prezrádza napätie tvorivého stavu a jednoduché oblečenie s ležérne stiahnutým golierom bielej košele pripomína sochárovo pracovné prostredie. Bryullov zvýrazňuje Vitaliho tvár a ruku jasným svetlom a ponorí zvyšok prostredia do mäkkej polotmy.
K. P. Bryullov. Posledný deň Pompejí. 1830-1833
Vrcholom tvorivých úspechov, jasným talentom a virtuozitou Karla Bryullova možno nazvať veľký historický obraz „Posledný deň Pompejí“, ktorý charakterizuje romantizmus v ruskej maľbe, zmiešaný s idealizmom a zvýšeným záujmom o open air.
Bryullov na obrázku zobrazil moment erupcie Vezuvu v roku 79 n.l. e. a zničenie mesta Pompeje pri Neapole. Smrť ľudí pod vplyvom slepých, elementárnych síl je tragicky nevyhnutná, žiara sopky a svetlo bleskov osvetľujú dav ľudí, ktorí sa hrôzou rútia a hľadajú spásu. Bryullov v obrazoch postáv v tomto obraze spája hrdinskú idealizáciu tradičnú pre klasicizmus a tendenciu nového romantického smeru zobrazovať povahy vo výnimočných situáciách.
Bryullov pri konštrukcii kompozície obrazu využíva základné pravidlá klasicizmu: frontálnosť a uzavretosť kompozície, jej hĺbkové členenie na tri roviny, rozdelenie hercov do skupín usporiadaných do podoby akademických trojuholníkov. Takáto konštrukcia kompozície v štýle klasicizmu je v rozpore so všeobecnou romantickou povahou myšlienky obrazu a vnáša do obrazu určitú konvenčnosť a chlad.
Na rozdiel od svojich súčasníkov, ktorí obrazy osvetľovali neutrálnym rozptýleným denným svetlom, Bryullov odvážne a úspešne preberá najzložitejšie dvojité osvetlenie: horúce červené svetlo z plameňa sopky v hlbinách a studené, zelenkasto-modré svetlo v popredí z vulkánu. záblesk blesku.
Obraz „Posledný deň Pompejí“ od Karla Bryullova vyvolal senzáciu v Rusku aj v zahraničí a znamenal prvý veľký medzinárodný úspech ruskej maliarskej školy.
Sochárstvo prvej polovice XIX storočie:
|
BY. Rusko. Portrét I. P. Martoša |
Možno nazvať najvýznamnejšieho predstaviteľa ruského klasicizmu v sochárstve tohto obdobia Ivan Petrovič Martoš (roky života 1754-1835).
V diele Martosa zaberá veľké miesto pamätná plastika. Martos možno nazvať jedným z tvorcov zvláštneho typu ruského náhrobku z éry klasicizmu. Medzi prvé Martosove diela, ktoré sa k nám dostali, patrí náhrobok S. S. Volkonskej, čo je mramorová doska s reliéfnym obrazom plačúcej ženy vedľa urny. Štíhla, majestátna postava je celá zahalená v dlhých šatách, tvár je zatienená závojom prehodeným cez hlavu a takmer ju nevidno. Dielo Martos sa vyznačuje veľkou mierou zdržanlivosti v prenášaní ľudského smútku; pokojné a jasné riešenie celkovej kompozície náhrobného kameňa.
Rovnaké znaky odlišujú náhrobný kameň E. S. Kurakina. Namiesto zložitej viacfigurálnej kompozície umiestnil sochár na podstavec náhrobného kameňa len jednu ležiacu postavu ženy; opretá o oválny medailón s portrétom zosnulého si žena v smútku zakrýva tvár rukami. Na podstavci náhrobného kameňa Martos vytesal basreliéf zobrazujúci dvoch synov zosnulého na hladkom, neutrálnom pozadí charakteristickom pre klasicizmus.
Sila a dráma hlbokých ľudských citov sú v tomto diele Martosom vyjadrené s umeleckým taktom a plastickou expresivitou.
Téma smútku je v mramorových náhrobkoch Martosa odkrytá hlbokou poéziou, cítia veľkú úprimnosť citov, vznešené etické chápanie ľudského smútku, chýba im ohromujúca hrôza smrti.
|
I. P. Maptos. Pamätník Mininovi a Požarskému v Moskve. 1804-1818 |
Pamätník Mininovi a Pozharskému je súsošie na žulovom podstavci prísneho obdĺžnikového tvaru. Kuzma Minin natiahol ruku ku Kremľu a akoby volal po záchrane vlasti, podáva princovi Požarskému meč, Požarskij, prijímajúc meč a držiac štít ľavou rukou, vstáva z postele, na ktorej spočinul po svojom. zranenia.
Dominantným obrazom v skupine je postava Kuzmu Minin; jeho mohutná postava jasne dominuje a púta hlavnú pozornosť širokým voľným mávnutím ruky. Do podstavca sú z oboch strán vyrezané vysoké reliéfy, vpredu vysoký reliéf zobrazuje vlasteneckých občanov darujúcich svoj majetok pre dobro vlasti, vzadu princ Požarskij vyháňajúci Poliakov z Moskvy.
Martos lakonickými prostriedkami dokázal v pamätníku plne vyjadriť myšlienku občianskej povinnosti a výkonu v mene vlasti, ktorá plne zodpovedala skutkom a pocitom ruského ľudu po víťazstve vo vojne s Francúzsky v roku 1812.
Pamätný nápis na podstavci
Martosova neskorodobová tvorba anticipuje romantické tendencie sochárstva v druhej polovici 19. storočia. Martos vytvára monumenty, ktoré zohrávajú dôležitú úlohu pri vytváraní obraznej štruktúry miest: vojvodovi E. Richelieuovi v Odese, Alexandrovi I. v Taganrogu, G. A. Potemkinovi-Tavricheskému v Chersone, M. V. Lomonosovovi v Archangeľsku.Medzi neskorými monumentálnymi dielami Martosa vyniká pamätník Richelieu v Odese, ktorý sa stal symbolom tohto mesta. Martos zobrazil Richelieu oblečeného v starorímskej tóge, jeho pohyby sú zdržanlivé a výrazné, čo zdôrazňuje vznešenú jednoduchosť obrazu. Pamätník je kompozične prepojený s okolitým architektonickým súborom: s budovami umiestnenými pozdĺž polkruhu námestia, so slávnym schodiskom Odessa a bulvárom Primorsky.
Ivan Petrovič Martoš zohral rozhodujúcu úlohu pri formovaní diela mnohých ruských sochárov 19. storočia. Vyše päťdesiat rokov učil na Akadémii umení, od roku 1814 bol jej rektorom.
V tvorbe mnohých sochárov prvej polovice 19. storočia vidieť rastúci záujem o prenos reality a vášeň pre žánrové a každodenné témy, ktoré budú určovať črty umenia druhej polovice storočia. Rozšírenie tém sochárskych diel a záujem o žáner sú pre tvorbu P. K. Klodta najcharakteristickejšie.
Pyotr Karlovich Klodt (roky života 1805-1867) - ruský sochár z barónskej rodiny Klodt von Jurgensburg pobaltsko-nemeckého pôvodu.
V mladosti vstúpil barón Klodt na naliehanie svojho otca, náčelníka štábu Samostatného sibírskeho zboru, do delostreleckej školy, ale všetko voľný čas, venoval sa svojmu hlavnému koníčku: pri najmenšej príležitosti vzal Klodt ceruzku alebo nožík a kreslil alebo strihal kone na malé veľkosti.
Vo veku 23 rokov odišiel Klodt z vojenskej služby a svoj neskorší život zasvätil výlučne sochárstvu. V roku 1830 vstúpil Klodt ako dobrovoľník na Akadémiu umení, jeho učiteľmi boli rektor Akadémie I.P. Martos, ako aj slávni majstri sochárstva S.I. Galberg a B.I. Orlovský. V tom istom čase začali mať veľký úspech Klodtove figúrky zobrazujúce kone.
Prvé slávne monumentálne dielo Klodta možno nazvať súsoším koní v dizajne brány Narva v Petrohrade. Klodt pracoval na tejto veľkej vládnej zákazke spolu s takými skúsenými sochármi ako S. S. Pimenov a V. I. Demut-Malinovský.
Podľa Klodtovho vzoru bolo na povalu oblúka brány inštalovaných medených šesť koní, ktoré niesli voz bohyne slávy. Na rozdiel od klasických obrazov tohto sprisahania sa kone v podaní Klodta rýchlo ponáhľajú vpred a vznášajú sa, čo dáva celej sochárskej kompozícii dojem prudkého pohybu.
V rokoch 1833 až 1841 Klodt pracoval na modeloch štyroch skupín Krotiteľov koní inštalovaných na Aničkovom moste v Petrohrade.Romanticky znejúcu tému týchto skupín, predvádzaných v najlepších tradíciách ruského klasicizmu, možno definovať ako boj vôle a mysle človeka so silami prírody. Muž, ktorý je porazený na zem pri prvom pokuse obmedziť zviera, sa nakoniec stále stáva víťazom. Jasne prenášané elastické objemy sú typické pre všetky štyri skupiny, ich siluety sú jasné a výrazné. Vďaka týmto vlastnostiam sú Klodtove súsošia kompozične integrované do okolitého architektonického urbanistického celku.
|
P. K. Klodt. Krotiteľ koní. 1833-1841
|
V prvej skupine nahý športovec zadržiava vzpínajúceho sa koňa, zviera a človek sú napätí. Rast zápasu je znázornený pomocou dvoch hlavných uhlopriečok: hladká silueta krku a chrbta koňa tvorí prvú uhlopriečku, ktorá sa pretína s uhlopriečkou tvorenou postavou športovca. Pohyby sú označené rytmickými opakovaniami. |
|
|
V druhej skupine je hlava zvieraťa vysoko vyvrátená, tlama obnažená, nozdry opuchnuté, kôň bije do vzduchu prednými kopytami, postava človeka je otočená do špirály v snahe obliehať kôň. Hlavné diagonály kompozície sa približujú, siluety koňa a muža sa akoby prelínajú. |
|
|
V tretej skupine je muž zhodený na zem a kôň sa snaží vyslobodiť, víťazne vyklenie krk, slobode mu bráni len uzdečka v ľavej ruke muža. Hlavné uhlopriečky kompozície sú dobre čitateľné a vynikne ich priesečník. Siluety koňa a muža tvoria na rozdiel od prvých dvoch skupín otvorenú kompozíciu. |
|
|
Vo štvrtej skupine človek krotí nahnevané zviera: opierajúc sa o jedno koleno zastaví divoký beh koňa a oboma rukami stlačí uzdu. Silueta koňa tvorí jemnú uhlopriečku, siluetu muža zakrýva drapéria padajúca z chrbta koňa. Celková silueta pamätníka sa opäť stáva uzavretou a vyváženou. |
Klodt tu odmieta všetky konvenčné a idealizujúce metódy sochárstva klasicizmu a sprostredkúva svoje živé dojmy a podobu človeka, ktorého dobre poznal a miloval. Sochár zobrazuje básnika sediaceho v jednoduchej, prirodzenej póze so zameraním na Krylovovu tvár, ktorá odhaľuje jeho osobné vlastnosti. Klodt netradične rieši podstavec pamätníka, ktorého celú strednú časť zaberá pevný vysoký reliéf obopínajúci obvod s obrazmi rôznych zvierat, postáv Krylovových bájok. Napriek určitej kritike za nadmerný realizmus pri zobrazovaní zvierat na podstavci bol pomník vysoko ocenený a zaujal svoje právoplatné miesto v histórii ruského sochárstva.
Klodt počas svojho života venoval veľkú pozornosť drobnej plastike – malým figúrkam zobrazujúcim kone („Kôň na napájadle“, „Kôň prikrytý dekami, vzpínajúci sa“, „Cválajúci kôň“, „Žriebätko“ atď. .). Sochár v týchto figúrkach majstrovsky vyjadruje individuálny charakter každého zvieraťa; sú to skutočné portréty, urobené oduševnene, s citlivou pozornosťou a skutočným rešpektom k prírode.Lyagina Yana
Toto dielo nás zoznámi s umením XIX storočia. Umenie akejkoľvek doby ako špongia absorbuje hlavné problémy, myšlienky a názory svojej doby. Pre ruské umenie je táto okolnosť najvýznamnejšia, keďže vždy bolo, ak nie spolitizované, tak v každom prípade úzko späté s ideológiou vládnucej časti spoločnosti, či už ide o jej reakčné kruhy alebo revolučných radikálov.
Stiahnuť ▼:
Náhľad:
Mestská súťaž abstraktných prác žiakov
Mestská štátna vzdelávacia inštitúcia
stredná škola s. miláčik.
Úplná adresa: región Saratov, okres Jekaterinovskij, s. zlatko,
sv. Pracovné d. 1
Abstraktné dielo:
"Ruské umenie v 19. storočí"
10. ročník
Dozorca : Julia Andreevna Sazonová,
učiteľ umenia.
akademický rok 2013-2014
Úvod ……………………………………………………………………………………… 3
1.Ruská kultúra 19. storočia: všeobecná charakteristika……………………….….4
2. Ruské umenie v 19. storočí……………………………………………………………….6
2.1 Ruské umenie v prvej polovici 19. storočia – „Zlatý vek kultúry“……………………………………………………………………….………………… 6
2.2 Ruské umenie v druhej polovici 19. storočia………………………....11
Záver……………………………………………………………………………….. 15
Zoznam použitej literatúry……………………………………………………………………………… 16
Úvod
Umenie akejkoľvek doby ako špongia absorbuje hlavné problémy, myšlienky a názory svojej doby. Pre ruské umenie je táto okolnosť najvýznamnejšia, keďže vždy bolo, ak nie spolitizované, tak v každom prípade úzko späté s ideológiou vládnucej časti spoločnosti, či už ide o jej reakčné kruhy alebo revolučných radikálov.
Cieľ práce - analyzovať ruské umenie 19. storočia.
Úlohy:
1.Daj všeobecné charakteristiky daná éra;
2. Stručne opíšte ruské umenie 19. storočia v jeho formách.
- Kultúra Ruska v 19. storočí: všeobecná charakteristika
ruská história Umenie XIX storočia sa zvyčajne delia na etapy.
Prvá polovica sa nazýva zlatý vek ruskej kultúry. Jeho začiatok sa zhodoval s obdobím klasicizmu v ruskej literatúre a umení. Po porážke dekabristov sa začal nový vzostup sociálneho hnutia. To dávalo nádej, že Rusko sa postupne vyrovná so svojimi ťažkosťami. Krajina v týchto rokoch dosiahla najpôsobivejšie úspechy v oblasti vedy a najmä kultúry. Prvá polovica storočia dala Rusku a svetu Puškina a Lermontova, Griboedova a Gogoľa, Belinského a Herzena, Glinku a Dargomyžského, Bryullova, Ivanova a Fedotova.
Výtvarné umenie prvej polovice 19. storočia má vnútornú spoločnú a jednotu, jedinečné čaro jasných a humánnych ideálov. Klasicizmus je obohatený o nové prvky, jeho prednosti sa najvýraznejšie prejavujú v architektúre, historické maľovaniečiastočne v sochárstve. Vnímanie kultúry antického sveta sa stalo historickejším ako v 18. storočí a demokratickejším. Spolu s klasicizmom sa intenzívne rozvíja romantický smer a začína sa formovať nová realistická metóda.
Romantický smer ruského umenia v prvej tretine 19. storočia pripravil rozvoj realizmu v nasledujúcich desaťročiach, pretože do určitej miery približoval romantických umelcov k realite, k jednoduchému skutočný život. To bola podstata zložitého umeleckého hnutia počas prvej polovice 19. storočia. Vo všeobecnosti umenie tejto etapy – architektúra, maľba, grafika, sochárstvo, úžitkové a ľudové umenie- výnimočný fenomén plný originality v dejinách ruskej umeleckej kultúry. Rozvíjajúc progresívne tradície minulého storočia vytvorilo mnoho veľkolepých diel veľkej estetickej a spoločenskej hodnoty, ktoré prispeli k svetovému dedičstvu.
Druhá polovica je časom konečného schválenia a konsolidácie národných foriem a tradícií v ruskom umení. V polovici 19. storočia Rusko zažilo ťažké otrasy: Krymská vojna v rokoch 1853-1856 sa skončila porážkou. Cisár Mikuláš I. zomrel, Alexander II., ktorý nastúpil na trón, vykonal dlho očakávané zrušenie poddanstva a ďalšie reformy. "Ruská téma" sa stala populárnou v umení. Ruská kultúra nebola izolovaná v rámci národných hraníc, nebola oddelená od kultúry zvyšku sveta.
- Ruské umenie v 19. storočí
Začiatok 19. storočia je v Rusku obdobím kultúrneho a duchovného rozmachu. Rozvoj ruskej kultúry v 19. storočí bol založený na premenách predchádzajúcej doby. Prenikanie prvkov kapitalistických vzťahov do ekonomiky zvýšilo potrebu gramotných a vzdelaných ľudí.Pozitívnu úlohu v kultúrnom živote krajiny zohrali verejné knižnice a múzeá (Prvá verejná knižnica bola otvorená v Petrohrade v roku 1814.) Kultúra Ruska sa rozvíjala na pozadí stále rastúceho národného sebauvedomenia ruský ľud, a preto mal výrazný národný charakter.
2.1 Ruské umenie v prvej polovici 19. storočia – „Zlatý vek kultúry
Prvá tretina 19. storočia sa nazýva „zlatý vek“ ruskej kultúry. Záujem o národné dejiny viedol k vzniku mnohých románov, poviedok, balád, poviedok v rôznych historické témy. Najznámejšie boli romány M.N. Zagoskina (1789--1852) "Jurij Miloslavskij alebo Rusi v roku 1612", "Roslavlev alebo Rusi v roku 1812", "Kuzma Roshchin", I.I. Lažečnikovová (1792-- 1869) "Ľadový dom", "Posledný novik", "Basurman". Už z názvov je zrejmé, že tieto a ďalšie diela historická próza považovali krízové obdobia ruských dejín: vzájomný boj ruských kniežat, ruské oslobodzovacie vojny, politické intrigy a udalosti, ktoré majú z pohľadu ich autorov značný význam. Do popredia sa zároveň vždy dostávali politické preferencie autorov. Napríklad M. N. Zagoskin bol jasným zástancom monarchie a tieto jeho názory sa prejavujú nie v politických deklaráciách autora, ale v jeho hrdinoch, v opisoch prvkov každodenného života v závislosti od osobných vzťahov postavy na výsledku mnohých historické udalosti. A predsa, v centre všetkých príbehov bola jedna všeobecná myšlienka, ktorá sa najvýraznejšie sformovala po vojne v roku 1812 a krátko ju vyjadril I.I.
História vo svojich extrémnych momentoch je obsahom skvelého Gogoľa „Taras Bulba“, kapitánova dcéra“ a Puškinov „Arap Petra Veľkého“, jeho drámu „Boris Godunov“, báseň „Poltava“ a toľko diel, že je nemožné ich všetky vymenovať. A.S. Puškin sa stal symbolom jeho éry, keď došlo k prudkému vzostupu kultúrneho rozvoja Ruska. Puškin je tvorcom ruského spisovného jazyka, jeho dielo sa stalo trvalou hodnotou v rozvoji nielen ruskej, ale aj svetovej kultúry, bol spevákom slobody a presvedčeným vlastencom. Básnik odkázal svojim potomkom: „Nie je len možné, ale aj potrebné, byť hrdý na slávu svojich predkov... Úcta k minulosti je črtou, ktorá odlišuje vzdelanie od divokosti...“
Humanistické ideály ruskej spoločnosti sa premietli do vysoko občianskych príkladov vtedajšej architektúry a monumentálneho a dekoratívneho sochárstva, v syntéze ktorých dekoratívne maliarstvo a úžitkového umenia ktorý často končí v rukách samotných architektov. V architektúre 19. storočia dominoval klasicizmus. Budovy postavené v tomto štýle sa vyznačujú jasným a pokojným rytmom, správnymi proporciami. V architektúre Petrohradu a Moskvy boli výrazné rozdiely. Tiež v polovice osemnásteho V. Petrohrad bol mestom architektonických majstrovských diel, ponoreným do zelene panstiev a v mnohom sa podobal Moskve. Potom sa začalo pravidelné budovanie mesta pozdĺž ulíc, ktoré ho pretínali, lúče sa odchyľovali od admirality. Petrohradský klasicizmus nie je architektúra jednotlivých budov, ale celých súborov, ktoré udivujú svojou jednotou a harmóniou. . Dôležitú úlohu pri formovaní architektonického obrazu Petrohradu zohráva budova admirality, postavená podľa projektu A.D. Zakharova (1761-1811). Fasáda Admiralitysa tiahol v dĺžke 406 m.V jeho strede sa týči víťazný oblúk s vysokou pozlátenou vežou, ktorá sa stala jedným zo symbolov mesta.
Najväčší architekt tejto dobyAndrej Nikiforovič Voronikhin(1759–1814). Hlavným výtvorom Voronikhina je Kazaňská katedrála, ktorej majestátna kolonáda tvorila námestie v centre Nevského prospektu, čím sa katedrála a okolité budovy zmenili na najvýznamnejší urbanistický uzol centra Petrohradu. V roku 1813 bol v katedrále pochovaný M.I.Kutuzov a katedrála sa stala akýmsi pamätníkom víťazstiev ruských zbraní vo vojne v roku 1812. Neskôr boli na námestí inštalované sochy Kutuzova a Barclay de Tolly, ktoré popravil sochár. pred katedrálou B.I. Orlovský. Ruské sochárstvo 30-40-tych rokov XIX storočia. stáva demokratickejším. V sochárstve polovice storočia existujú dva hlavné smery: jeden, pochádzajúci z klasiky, ale prichádzajúci do suchého akademizmu; druhý prezrádza túžbu po priamejšej a mnohostrannejšej reflexii reality, v druhej polovici storočia sa rozšíril, no niet pochýb, že oba smery postupne strácajú črty monumentálneho štýlu.
Sochár, ktorému sa v rokoch úpadku monumentálnych foriem podarilo dosiahnuť výrazné úspechy v tejto oblasti, ako aj v „malých formách“, bolPetr Karlovich Klodt(1805–1867), autor koní pre Narvské triumfálne brány v Petrohrade (architekt V. Stašov), „Krotiteľov koní“ pre Aničkov most (1833–1850), pomník Mikuláša I. na Námestí sv. 1850–1859), I.A. Krylov v letnej záhrade (1848-1855), ako aj veľké množstvo zvieracích sôch. Klasicizmus bol vedúcim trendom v architektúre a sochárstve v prvej tretine 19. storočia. V maľbe ju vyvinuli predovšetkým akademickí umelci v historickom žánri (A.E. Egorov - "Mučenie Spasiteľa", 1814, Ruské múzeum; V.K. Shebuev - "Čin obchodníka Igolkina", 1839, Ruské múzeum; F.A. Bruni - "Smrť Camilly, Horaceovej sestry", 1824, Ruské múzeum; "Medený had", 1826-1841, Ruské múzeum). Skutočné úspechy maliarstva však spočívali v inom smere – v romantizme. Najlepšie ašpirácie ľudská duša, vzostupy a pády ducha vyjadrovala vtedajšia romantická maľba a predovšetkým portrét. V žánri portrétu je na poprednom mieste Orest Kiprensky (1782–1836) Neoceniteľnou súčasťou Kiprenského tvorby sú grafické portréty, robené najmä mäkkou talianskou ceruzkou s tónovanými pastelmi, vodovými farbami a farebnými ceruzkami. Stvárňuje generála E.I. Chaplitsa (TG), A.R. Tomilová (RM), P.A. Olenina (TG). Vzhľad rýchlych portrétov-náčrtov ceruzkou je sám o sebe významný, charakteristický pre novú dobu: ľahko sa v nich zaznamená každá prchavá zmena tváre, akýkoľvek duchovný pohyb. Ale aj v grafikách Kiprenského prebieha určitá evolúcia: v neskorších dielach chýba bezprostrednosť a vrúcnosť, sú však virtuóznejšie a rafinovanejšie v prevedení (portrét S.S. Shcherbatova, it. car., Štátna Treťjakovská galéria).
Poliaka možno nazvať dôsledným romantikom A.O. Orlovský (1777–1832) sa rýchlo asimiloval na ruskej pôde, čo je badateľné najmä na grafických portrétoch. V nich sa cez všetky vonkajšie atribúty európskeho romantizmu s jeho rebelstvom a napätím skrýva niečo hlboko osobné, skryté, tajné (Autoportrét, 1809, Štátna Tretiakovská galéria). Na druhej strane Orlovský zohral určitú úlohu v „prešľapaní“ ciest k realizmu vďaka svojim žánrovým náčrtom, kresbám a litografiám zobrazujúcim Petrohrad. pouličné scény a typy, ktoré priviedli k životu slávne štvorveršie P.A., Vyazemsky:
Rus minulosti, odstránený
Odovzdáte potomkom
Chytil si ju živú
Pod ľudovou ceruzkou.
Aj v prvej polovici 19. stor. poznačený rozkvetom ruskej hudby, spojený predovšetkým s menomMichail Ivanovič Glinka(1804–1857), ktorý sa do dejín zapísal ako prvý ruský skladateľ svetového významu. M.I. Glinka je považovaný za zakladateľa ruskej klasickej hudby. Jeho opery Život pre cára a Ruslan a Ľudmila do značnej miery určili ďalší vývoj ruštiny operná hudba na dlhé desaťročia dopredu. punc tvorivým prístupom skladateľa bolo využitie motívov ruského folklóru, ľudovej hudby. Glinka tiež písala romány. Glinkovi súčasníci významne prispeli k rozvoju ruskej hudobnej kultúry.A. A. Alyabiev, A. E. Varlamov, A. L. Gurilev, dnes známi najmä ako autori romancí.
A. A. Alyabiev. A.L. Gurilev A.E. Varlamov
2.2 Ruské umenie v druhej polovici 19. storočia
Podmienky rozvoja kultúry v druhej polovici 19. storočia.
Druhá polovica 19. storočia - čas konečného schválenia a upevňovania národných foriem a tradícií v ruskom umení. V polovici XIX storočia. Rusko zažilo ťažké otrasy: Krymská vojna v rokoch 1853-1856 skončila porážkou, zomrel cisár Mikuláš I., Alexander II., ktorý nastúpil na trón, vykonal dlho očakávané zrušenie nevoľníctva a ďalšie reformy. "Ruská téma" sa stala populárnou v umení. Ruská kultúra nebola izolovaná v rámci národných hraníc, nebola oddelená od kultúry zvyšku sveta. V Rusku rezonovali úspechy zahraničného umenia. Ruská kultúra zase získala celosvetové uznanie. Ruská kultúra zaujala čestné miesto v rodine európskych kultúr.
Výtvarné umenie nemohlo zostať bokom od procesov prebiehajúcich v mysli verejnosti. Štát Tretiakovská galéria v Moskve - jedna z najväčších zbierok ruského výtvarného umenia, svetoznáme národné kultúrne centrum. Múzeum nesie meno zakladateľa - moskovského obchodníka P.M. Treťjakova (1832-1898), ktorý v roku 1892 daroval mestu svoju umeleckú galériu, ako aj malú zbierku svojho brata a dom, ktorý v roku 1881 otvoril pre návštevníkov .
V tom čase ruskí umelci dosiahli úroveň zručností, ktorá ich diela rovnala najlepším príkladom európskeho umenia. Formuje sa trend, ktorý vychádzal z myšlienok kritického realizmu. Jedným z prvých majstrov tohto smeru bol Vasily Grigorievich Perov (1833–1882). Jeho žánrové diela („Vidiecky sprievod na Veľkú noc“ v roku 1861, „Vidieť mŕtveho“ v roku 1865, „Trojka“ v roku 1868) sú smutnými príbehmi zo života prostého ľudu, podanými v jazyku maľby.
Krajina dosiahla nebývalý rozkvet. Krajinomaľba sa stala jednou z vedúcich oblastí rozvoja umeleckej tvorivosti, tento žáner bol pozdvihnutý do nových výšin. Výrazové prostriedky zdokonalené, technika vyvinutá. Krajina druhej polovice 19. storočia už nie je len obrazom „pohľadov na krajinu“, ale obrazom, ktorý prostredníctvom obrazov prírody sprostredkúva najjemnejšie pohyby ľudskej duše. Najväčšími majstrami krajiny v Rusku boli A.K. Savrasov („The Rooks Have Arrived“ 1871), I.I. Shishkin („“ Pinery"1873, "Rye" 1878), A.I. Kuinzhi ("Birch Grove" 1879, "Moonlight Night on the Dneper" 1880), V.D. Polenov ("Moskovský dvor" 1878.) .
Vrchol realistického umenia druhej polovice XIX storočia. dosiahnuté v kreativiteI. E. Repin a V. I. Surikov. Historická maľba našla svoj najvyšší výraz v diele Vasilija Ivanoviča Surikova (1848-1916). V histórii umelca sa ľudia najviac zaujímali o: masy ľudí a silné svetlé osobnosti.
Prvým dielom, ktoré preslávilo V.I. Surikova, bolo „Ráno popravy Streltsy“ (1881). Kompozícia je postavená na kontraste: smútok, nenávisť, utrpenie, stelesnené v postavách lukostrelcov idúcich na smrť a ich blízkych, sú v protiklade k Petrovi sediacemu na koni, kameň zamrznutý v diaľke.
Okrem V.I.Surikova maľoval obrazy na historické témy V.M.Vasnetsov. Obraz histórie v jeho dielach má hmatateľný epický, rozprávkový tón: „Po bitke Igora Svyatoslavicha s Polovcami“ (1880), „Alyonushka“ (1881) sa kombinácia eposu a histórie obzvlášť živo prejavila. na grandióznom plátne „Bogatyrs“ (1898 G.).
V roku 1898 bol v Petrohrade založený nový umelecký spolok, ktorý dostal názov"Svet umenia" . Na čele vytvoreného kruhu stál umelecA. N. Benois a filantrop S. P. Diaghilev.Hlavným jadrom spolku boloL.S. Bakst, E.E. Lansere, K.A. Somov. Svet umenia organizoval výstavy a vydával časopis pod rovnakým názvom. Združenie zahŕňalo veľa umelcov:M. A. Vrubel, V. A. Serov, I. I. Levitan, M. V. Nesterov, A. P. Ryabushkin, N. K. Roerich, B. M. Kustodiev, Z. E. Serebryakova, K. S. Petrov-Vodkin.Miriskussniki obhajoval slobodu individuálnej tvorivosti. Krása bola uznávaná ako hlavný zdroj inšpirácie. Moderný svet podľa ich názoru bez krásy, a preto nehodné pozornosti. Pri hľadaní krásy sa umelci „Sveta umenia“ vo svojich dielach často obracajú na pamätníky minulosti.
Aj druhá polovica 19. storočia. Toto je obdobie výnimočných úspechov vo vede a technike. Rozvíja sa chémia, fyzika, geografia, biológia...
Rozvoj prírodných vied, široké väzby medzi ruskými vedcami a západnými vedcami svedčili o dostatočnom mieste Ruska vo svetovom spoločenstve.
Záver.
ruské umenie architektúru vašej maľby
Umenie 19. storočia možno prirovnať k viacfarebnej mozaike, kde má každý kamienok svoje miesto, má svoj význam. Nie je teda možné odstrániť jediný, aj ten najmenší, bez narušenia harmónie celku. V tejto mozaike sú však najcennejšie kamienky, vyžarujúce obzvlášť silné svetlo.
Ruské umenie v priebehu storočí prešlo výraznými, niekedy zásadnými zmenami: bolo obohatené, komplikované, zdokonaľované, no vždy zostalo pôvodné.
Ruská architektúra, výtvarné, ľudové a úžitkové umenie svedčia o neoceniteľnom prínose nášho ľudu do pokladnice národnej a svetovej umeleckej kultúry.
19. storočie je možno najzložitejším a najzaujímavejším obdobím v dejinách ruského umenia. Táto éra dala vzniknúť brilantnej kreativite A.S. Puškina, populárnej a univerzálnej, plnej snov o slobode. Toto je rozkvet duchovnej kultúry: literatúry, filozofie, hudby, divadla a výtvarného umenia.
Bibliografia.
1. Ilyina T.V. Dejiny umenia: Domáce umenie. Učebnica / T.V. Ilyina. - M.: Vysoká škola, 2007. - 407 s.
2. Najnovšia kompletná referenčná kniha pre žiaka 5. – 11. ročníka (zväzok 2). E.V. Šimonová.
Úvod
V prvej polovici 19. storočia sa čoraz viac prehlbovala kríza feudálno-poddanského systému, ktorá brzdila formovanie kapitalistického poriadku. Vo vyspelých kruhoch ruskej spoločnosti sa šíria a prehlbujú myšlienky milujúce slobodu. Udalosti vlasteneckej vojny, pomoc ruských vojsk pri oslobodzovaní štátov Európy od tyranie Napoleona vyostrili vlastenecké a slobodu milujúce nálady. Všetky základné princípy feudálno-poddanského štátu sú predmetom kritiky. Ukazuje sa iluzórnosť nádejí na zmenu sociálnej reality pomocou štátnej aktivity osvieteného človeka. Povstanie dekabristov v roku 1825 bolo prvým ozbrojeným povstaním proti cárizmu. Malo to obrovský vplyv na ruskú progresívnu umeleckú kultúru. Z tejto epochy vzniklo brilantné dielo A. S. Puškina, obľúbené a univerzálne, plné snov o slobode.
Výtvarné umenie prvej polovice 19. storočia má vnútornú spoločnú a jednotu, jedinečné čaro jasných a humánnych ideálov. Klasicizmus je obohatený o nové prvky, jeho prednosti sa najvýraznejšie prejavujú v architektúre, historickej maľbe, čiastočne v sochárstve. Vnímanie kultúry antického sveta sa stalo historickejším ako v 18. storočí a demokratickejším. Spolu s klasicizmom sa intenzívne rozvíja romantický smer a začína sa formovať nová realistická metóda.
Po potlačení dekabristického povstania nastolila autokracia krutý reakčný režim. Jeho obeťami boli A. S. Puškin, M. Ju. Lermontov, T. G. Ševčenko a mnohí ďalší. Ale Nicholas I. nemohol potlačiť nespokojnosť ľudí a pokrokové sociálne myslenie. Myšlienky oslobodenia sa šírili a zahŕňali nielen šľachtu, ale aj raznočinskú inteligenciu, ktorá začala hrať čoraz viac významnú úlohu v umeleckej kultúre. V. G. Belinskij sa stal zakladateľom ruskej revolučno-demokratickej estetiky, ktorá ovplyvnila umelcov. Napísal, že umenie je formou sebauvedomenia ľudí, viedlo ideologický boj o tvorivosť, blízko k životu a spoločensky hodnotné.
Ruská umelecká kultúra v prvej tretine 19. storočia sa formovala v období spoločenského rozmachu spojeného s hrdinskými udalosťami Vlasteneckej vojny v roku 1812 a rozvojom protipoddanských a slobodu milujúcich myšlienok preddecembristického obdobia. V tejto dobe všetky druhy výtvarného umenia a ich syntéza dosiahli brilantný rozkvet.
V druhej tretine 19. storočia v dôsledku zosilnenej vládnej reakcie umenie do značnej miery stratilo tie pokrokové črty, ktoré boli preň charakteristické skôr. Do tejto doby sa klasicizmus v podstate vyčerpal. Architektúra týchto rokov sa vydala na cestu eklektizmu - vonkajšieho využitia štýlov z rôznych období a národov. Sochárstvo stratilo význam obsahu, nadobudlo črty povrchnej okázalosti. Sľubné hľadania sa črtali len v sochárstve malých foriem, aj tu, podobne ako v maľbe a grafike, rástli a upevňovali sa realistické princípy, ktoré sa presadzovali aj napriek aktívnemu odporu predstaviteľov oficiálneho umenia.
Klasicizmus v prvej polovici 19. storočia v súlade s romantickými tendenciami vytváral obrazy povznesené, zduchovnené, emocionálne vznešené. Odvolávanie sa na živé priame vnímanie prírody a ničenie systému takzvaných vysokých a nízkych žánrov však už odporovalo akademickej estetike, vychádzajúcej z klasických kánonov. Práve romantický smer ruského umenia prvej tretiny 19. storočia pripravil rozvoj realizmu v nasledujúcich desaťročiach, pretože romantických umelcov do istej miery približoval k realite, k jednoduchému skutočnému životu. To bola podstata zložitého umeleckého hnutia počas prvej polovice 19. storočia. Nie je náhoda, že formácia na konci tohto obdobia satirickej domáci žáner v maľbe a grafike. Vo všeobecnosti je umenie tejto etapy - architektúra, maľba, grafika, sochárstvo, úžitkové a ľudové umenie - v dejinách ruskej umeleckej kultúry výnimočným fenoménom plným originality. Rozvíjajúc progresívne tradície minulého storočia vytvorilo mnoho veľkolepých diel veľkej estetickej a spoločenskej hodnoty, ktoré prispeli k svetovému dedičstvu.
Dôležitým dôkazom zmien, ktoré nastali v ruskom umení v prvej polovici 19. storočia, bola túžba širokého spektra divákov zoznámiť sa s výstavami. V roku 1834 sa napríklad v „Severnej včele“ objavila správa, že túžba vidieť „Posledný deň Pompejí“ od K. P. Bryullova zachvátila petrohradské obyvateľstvo, rozšírila sa „vo všetkých štátoch a triedach“. Tento obraz, ako tvrdili súčasníci, do značnej miery slúžil na priblíženie „našej verejnosti k umeleckému svetu“.
Devätnáste storočie sa vyznačovalo aj rozširovaním a prehlbovaním väzieb medzi ruským umením nielen so životom, ale aj s umeleckými tradíciami iných národov, ktoré obývali Rusko. V dielach ruských umelcov sa začali objavovať motívy a obrazy národného predmestia Sibíri. Národnostné zloženie študentov ruských umeleckých inštitúcií sa stalo rôznorodejším. Rodáci z Ukrajiny, Bieloruska, pobaltských štátov, Zakaukazska a Strednej Ázie študovali na Akadémii umení na Moskovskej škole maľby, sochárstva a architektúry organizovanej v 30. rokoch 19. storočia.
V druhej polovici 19. a začiatkom 20. storočia vzbudzovali záujem len jednotliví majstri a predovšetkým A. A. Ivanov. umelecký svet Rusko. Až počas rokov sovietskej moci získalo umenie tohto obdobia široké uznanie. V posledných desaťročiach venovali sovietske dejiny umenia veľkú pozornosť štúdiu tvorby majstrov prvej polovice 19. storočia, najmä v súvislosti s veľkými jubilejnými výstavami A. G. Venetsianova, A. A. Ivanova, O. A. Kiprenského, k 225. výročiu. Akadémie umení ZSSR.
Maľba prvej polovice 19. storočia Prvá polovica 19. storočia je svetlou stránkou v kultúre Ruska. Všetky smery - maľba, literatúra, architektúra, sochárstvo, divadlo tejto éry sú poznačené celou plejádou mien, ktoré priniesli svetovú slávu ruskému umeniu.
Veľký význam v živote spoločnosti malo maliarstvo v prvej polovici 19. storočia. Rozvoj národného sebauvedomenia, spôsobený víťazstvom vo vlasteneckej vojne v roku 1812, vzbudil záujem ľudí o národnej kultúry a histórie, domácim talentom. V dôsledku toho v priebehu prvej štvrtiny storočia po prvý raz vznikli verejné organizácie, ktorých hlavnou úlohou bol rozvoj umenia: Slobodná spoločnosť milovníkov literatúry, vied a umení, Spoločnosť na povzbudenie umelcov. . Objavili sa špeciálne časopisy, uskutočnili sa prvé pokusy zbierať a zobrazovať ruské umenie. Slávu si získalo malé súkromné „Ruské múzeum“ P. Svinina a v roku 1825 bola v cisárskej Ermitáži vytvorená Ruská galéria. Súčasťou praxe Akadémie umení od začiatku storočia boli periodické výstavy, ktoré prilákali množstvo návštevníkov. Zároveň bolo veľkým úspechom vstup na tieto výstavy v určité dni prostého ľudu.
Na samom začiatku 19. storočia zohral v maliarstve významnú úlohu klasicizmus. V 30. rokoch 19. storočia však tento smer postupne strácal svoje verejný význam a čoraz viac sa mení na systém formálnych kánonov a tradícií. Názorovú novosť vniesol do ruského umenia romantizmus, európsky smer, ktorý sa formoval na prelome 18. a 19. storočia. Jedným z hlavných postulátov romantizmu, oproti klasicizmu, je presadzovanie osobnosti človeka, jeho myšlienok a svetonázoru ako hlavnej hodnoty v umení. Upevnenie práva človeka na osobnú nezávislosť vyvolalo osobitný záujem o jeho vnútorný svet a zároveň prevzalo umelcovu slobodu tvorivosti. V Rusku získal romantizmus svoju zvláštnosť: na začiatku storočia mal hrdinské sfarbenie a počas rokov Nikolaevovej reakcie - tragickú. Romantizmus, ktorý sa vyznačuje znalosťou konkrétneho človeka, sa stal základom pre neskorší vznik a formovanie realistického smeru, ktorý sa v umení etabloval v druhej polovici 19. storočia. Charakteristickým rysom realizmu bolo odvolanie sa na tému moderného ľudového života, nastolenie novej témy v umení života roľníkov. Tu je v prvom rade potrebné poznamenať meno umelca A.G. Venetsianov. Najucelenejšie realistické objavy prvej polovice 19. storočia sa odrazili v rokoch v diele P.A. Fedotov.
Vynikajúce úspechy v ruskom umení prvej polovice 19. storočia charakterizuje portrét. Ruský portrét je žáner maľby, ktorý bezprostredne spájal umelcov so spoločnosťou s vynikajúcimi súčasníkmi. rozkvet portrétna maľba spojené s hľadaním nových princípov umeleckej tvorivosti a šírením romantizmu v Rusku. Romantizmus je vlastný portrétom umelcov O. A. Kiprenskyho, V. A. Tropinina, K. P. Bryullova. Najznámejšími portrétistami tejto doby sú Kiprensky O.A. a Tropinin V.A. Kiprensky O.A. "Autoportrét" Tropinin V.A. "Autoportrét", 1846
Kiprensky O.A. (). Špeciálnou stránkou v ruskej maľbe sú ženské portréty umelkyne. Každý z jeho portrétov zaujme prienikom do duchovných hĺbok obrazu, jedinečnou originalitou vzhľadu a vynikajúcimi interpretačnými schopnosťami. Najznámejšie boli portréty E.S. Avdulina (1822), E.A. Teleshova (1828), D.N. Chvost (1814). Jedným z vrcholov tvorby Oresta Adamoviča je portrét E.P. Rostopchina (1809). Portrét E. S. Avduliny Portrét E. A. Teleshovej Portrét D. N. Khvostovej Portrét E. P. Rostopchina
Slávny portrét básnika A.S. Puškin (jeden z najlepších za jeho života) od Kiprenského. Samotný básnik o tomto obrázku napísal: „Vidím sa ako v zrkadle. Ale toto zrkadlo mi lichotí.“ Portrét doživotného husárskeho plukovníka E. V. Davydova (1809). Obraz Davydova, ktorý vytvoril Kiprensky, sa divákovi javí ako symbol éry vojen s Napoleonom v predvečer vlasteneckej vojny v roku 1812.
Tropinin Vasily Andreevich (). Syn poddaného, sám poddaný do roku 1823. Schopnosť kresliť sa prejavila v detstve, študoval na Akadémii umení v Petrohrade, preukázal brilantné akademické úspechy, dostal strieborné a zlaté medaily. Ale majster ho poslal na ukrajinské panstvo, kde umelec žil asi 20 rokov, maľoval, staval a maľoval kostol. Tropinin V.A. maľoval obrovské množstvo portrétov a nielen slávnych a slávnych ľudí, ale aj predstaviteľov ľudu. Osobitnú pozornosť priťahujú celoživotné portréty veľkého básnika A.S. Puškina a hrdinu vlasteneckej vojny z roku 1812 I.P. Bagrationa. "Portrét Bagration P.I." "Portrét A.S. Puškina", 1827
V portrétoch súčasníkov, ľudí z ľudu, ukazuje umelec vnútorná krása osoba. Takže na obraze „Čipkárka“ Tropinin V.A. podarilo nájsť vzácny súlad fyzickej a mravnej krásy, sociálnej istoty ako dievča z ľudu a poézie obrazu. „Čipkárka“ je charakteristická pre ruskú maľbu predvandrovnej éry: tradície 18. storočia sa tu prelínajú so znakmi Nová éra. "Dievča s hrncom ruží", 1820 "Gitaristka", 1823 "Čipkárka", 1823 "Zlatá krajčírka", 1826
Karl Pavlovič Bryullov () bol jedným z najjasnejších a zároveň kontroverzných umelcov ruskej maľby 19. storočia. Bryullov mal jasný talent a nezávislý spôsob myslenia. Bol vychovaný v rodine umelca, od detstva ho fascinovalo maľovanie, ako 10-ročný nastúpil na Akadémiu umení. V roku 1822 odišiel Karl Bryullov do Ríma študovať umenie majstrov renesancie. "Autoportrét", 1834 "Autoportrét", 1848 "Portrét grófky Yu. P. Samojlovovej s jej adoptívnou dcérou Amaziliou Pacini" "Portrét Alexeja Tolstého", 1832
V talianskom období tvorivosti Bryullov významné miesto venovala portrétovaniu, namaľovala slávny obraz-portrét „Horsewoman“. V obraze „Talianske ráno“ sa neobracal k historickým a mytologickým námetom, ale ku každodennej scéne zberu hrozna. V roku 1836 sa Karl Pavlovič Bryullov stal profesorom na Akadémii umení v Petrohrade, učil na Akadémii, v tomto období namaľoval aj okolo 80 portrétov. "Veštenie Svetlany", 1836 "Jazdkyňa", 1832 "Talianske poludnie", 1832 "Portrét sestier Shishmaryovových, 1839
Historický žáner bol v Akadémii považovaný za najvyšší. Najlepšími dielami tohto žánru boli diela K. P. Bryullova, vrátane Posledný deň Pompejí. Tento obrázok je žiarivý príklad akademické umenie, ale prvky romantizmu sú už viditeľné.
História vzniku obrazu "Posledný deň Pompejí". V roku 1827 sa umelec na jednej z recepcií stretol s grófkou Juliou Pavlovnou Samoilovou, ktorá sa stala jeho umeleckým ideálom, najbližším priateľom a láskou. Spolu s ňou sa Karl vydáva do Talianska, aby si prezrel ruiny starovekých miest Pompeje a Herculaneum, ktoré zomreli na následky sopečnej erupcie v roku 79 nášho letopočtu. e. Pod dojmom očitého svedka opisu tragédie od rímskeho spisovateľa Plinia Mladšieho si Bryullov uvedomil, že našiel námet pre svoje ďalšie dielo. Umelec tri roky zbieral materiál v archeologických múzeách a vykopávkach, aby každý predmet namaľovaný na plátne zodpovedal dobe. Všetky práce na obrázku trvali šesť rokov. V procese práce na maľbe sa vytvorilo veľa náčrtov, náčrtov, náčrtov a samotná kompozícia bola niekoľkokrát prestavaná. Keď bolo dielo v polovici roku 1833 predstavené širokej verejnosti, vyvolalo to výbuch radosti a obdivu k umelcovi. Predtým ani jeden obraz ruskej maliarskej školy nemal takú európsku slávu. V roku 1834 na výstavách v Miláne a Paríži bol úspech obrazu úžasný. V Taliansku bol Bryullov zvolený za čestného člena viacerých umeleckých akadémií a v Paríži mu udelili zlatú medailu. Úspech obrazu predurčil nielen úspešne nájdenú zápletku, ktorá zodpovedá romantickému vedomiu tej doby, ale aj to, ako Bryullov rozdeľuje dav umierajúcich ľudí do miestnych skupín, z ktorých každá ilustruje ten či onen afekt - lásku, seba- obetavosť, zúfalstvo, chamtivosť. Sila zobrazená na obrázku, ničiaca všetko okolo, napádajúca harmóniu ľudskej existencie, spôsobila, že súčasníci premýšľali o kríze ilúzií, o nenaplnených nádejach. Toto plátno prinieslo umelcovi celosvetovú slávu. Zákazník obrazu - Anatolij Demidov - ho daroval cárovi Mikulášovi I.
Ivanov Alexander Andreevich (roky) Osobitné miesto v historickom žánri zaujíma monumentálny obraz A.A. Ivanova „Zjavenie Krista ľuďom“, na ktorom pracoval 20 rokov. Realizovaný v súlade so základnými normami klasickej maľby spája ideály romantizmu a realizmu. Hlavnou myšlienkou obrazu je dôvera v potrebu morálnej obnovy ľudí.
História vzniku obrazu "Zjavenie Krista ľuďom". V roku 1833 (v rokoch 1830 až 1858 umelec žil v Taliansku) Alexander Andreevich prišiel s myšlienkou nového monumentálneho obrazu. Toto celosvetovo slávny obraz sa stal vrcholom jeho tvorby, naplno odhalil mocný talent umelca. Práca na obraze zaberala všetky myšlienky a čas umelca; vzniklo viac ako tristo prípravných skic z prírody a albumových skic, z ktorých mnohé sa stali samostatnými dielami. Počas práce na obraze Ivanov znovu čítal literatúru o histórii, filozofii, náboženskom učení a niekoľkokrát prehodnotil myšlienku a zápletku. V Taliansku sa umelec ocitol v ťažkej situácii. finančná situácia. Ivanov žil z výhod, ktoré sa mu podarilo získať od rôznych inštitúcií či mecenášov. Šetril na každej maličkosti. Takmer všetky peniaze, ktoré sa mu podarilo získať, vynaložil Alexander Andreevich na údržbu obrovskej dielne, nákup umeleckých materiálov a vyplácanie opatrovníkov. Po niekoľkých prestávkach v práci na obraze ho umelec napriek tomu dokončil do roku 1857. Obraz „Zjavenie Krista ľudu“, ktorý umelec ukázal po návrate do Ruska v roku 1857, najprv v Zimnom paláci, potom na Akadémii umení, sa však stretol s dosť zdržanlivým prijatím.
O portrétnej zručnosti umelca Ivanova A.A. svedčia o portréte N.V.Gogolu, namaľovanom v roku 1841, s ktorým maliara spájal blízky vzťah. Obraz z „talianskeho“ obdobia maliarskeho diela „Zjavenie sa Krista Márii Magdaléne po zmŕtvychvstaní“, na ktorom pracoval v rokoch 1834 až 1836. Tento obraz bol odoslaný do Petrohradu, kde ho dostal pozitívne recenzie. Obraz bol umiestnený v umeleckej galérii Ermitáže. Rada akadémie ocenila prácu umelca, ktorá prísne zodpovedala klasickým kánonom, a udelila mu titul akademik.
Autoportrét, 1848 Fedotov Pavel Andreevich (). Zakladateľ kritického realizmu v ruskej maľbe. Vo svojich žánrových obrazoch vyjadril major sociálne problémy. V rokoch študoval v prvom moskovskom kadetnom zbore. Pavel sa vďaka svojej fenomenálnej pamäti dobre učil, veda mu bola daná ľahko. Už vtedy, v prvých rokoch štúdia, Fedotov prejavil túžbu po maľovaní. Kreslenie časom prerástlo do vášne. Fedotovove prvé diela boli spojené s vojenská téma. Nastupuje na Akadémiu umení. Nebral na seba všetko, čo sa učilo na Akadémii, čo viedlo k vytvoreniu vlastného pohľadu na maľbu, odlišného od zamrznutých kánonov akademizmu. Po odchode do dôchodku vytvoril umelec talentované diela sociálneho smeru, ktoré ukazujú kritické postavenie autora vo vzťahu k realite.
"Fresh Cavalier", 1846 "Choiceous Bride", 1847 Prvé dielo umelca Fedotova P.A., maľované olejom - "Fresh Cavalier" - pochádza z roku 1846. Tento žánrový obrázok sa páčil akademickým profesorom aj demokratickým divákom. O rok neskôr Fedotov namaľoval ďalší obraz, Vyberavá nevesta. S priamou účasťou Bryullova boli tieto dva obrazy prijaté na akademickú výstavu v roku 1847.
„Nádvorie majora“, 1851 Za neskôr namaľovaný obraz „Nádvorie majora“ udelila Rada akadémie Pavlovi Andreevičovi titul akademik. Dôležité miesto v diele Fedotova zaujímali portréty, z ktorých vyniká „Portrét N. Ždanoviča“, namaľovaný v roku 1849. "Portrét N. Ždanoviča pri klavíri", 1849
Venetsianov Alexey Gavrilovich (), zakladateľ domáceho žánru každodenného života (žánrová maľba). Jeho obrazy poetizovali život jednoduchého ruského ľudu, venovaného každodennej práci a životu roľníkov. "Autoportrét", 1811 Narodil sa v Moskve v rodine obchodníka. Študoval v súkromnom penzióne, slúžil na oddelení pošty a od detstva mal rád maľovanie. Bol študent slávny umelec V.L. Borovikovský. V roku 1811 bol A.G.Venecianov zvolený za akademika Akadémie umení v Petrohrade.
V roku 1818 odchádza Venetsianov verejná služba, oženil sa a odchádza s rodinou na panstvo Safonkovo, ktoré patrilo jeho novej manželke. Alexey Gavrilovich zisťuje, že je to tu, ďaleko od ruchu mesta Hlavná téma vašej kreativity. Venetsianov otvára nevyčerpateľný zdroj inšpirácie, množstvo zápletiek a obrazov. Obrovským prínosom Alexeja Gavriloviča Venetsianova k rozvoju ruskej maľby je vytvorenie vlastnej školy, vlastnej metódy. Od súkromných portrétov roľníkov sa umelec dostáva k veľkolepým umelecké kompozície, v ktorom ľudový život, jej aura, nachádza pre ňu viacfarebný výraz. V roku 1822 bolo po prvýkrát cisárovi predstavené dielo umelca A.G. Venetsianova. Maliar za to dostal tisíc rubľov a samotné dielo bolo umiestnené v Diamantovej izbe Zimného paláca. Obraz mal názov „Očista repy“. Toto plátno sa stalo akýmsi „bodom obratu“ v ruskej maľbe, zrodom nového trendu v ruskom umení každodenného žánru. Bol to Venetsianov, ktorý dosiahol popularitu tohto smeru maľby medzi ľuďmi.
V 20-tych rokoch 19. storočia namaľoval Alexej Gavrilovič niekoľko malých obrazov, takzvaných „sedliackych portrétov“, zobrazujúcich buď dievčatá s hrncom mlieka, alebo s kosou, s repou, chrpami, alebo chlapca so sekerou či spiaceho pod širákom. strom, alebo starý muž alebo stará žena. "Dievča v šatke", 1810 "Zakharka" "Dievča s hrncom mlieka", 1824 Sedliacka žena s chrpami.
„Na ornej pôde. Jar." 1820 Pri žatve. Leto. Treba poznamenať zvláštnosť obrazov sedliackych žien, charakteristickú pre mnohé z umelcových obrazov: ich majestátnosť, pokojná dôstojnosť, obchodné výrazy tváre. Prototyp roľníckej ženy pre obraz „Na ornej pôde. Jar „bola manželka umelca. Je to mladá, štíhla žena v dlhých slnečných šatách, ktorá vedie cez pole dva kone. Nemenej známy je obraz „V žatve. Leto". Táto práca je harmonická umelecké obrazy: Venetsianovova láska k pracujúcemu roľníckemu ľudu umožnila zobraziť v ňom skutočnú krásu.
Preverme si vedomosti: 1. Aké umeleckých smerov v maliarstve v prvej polovici 19. storočia koexistovali: A) klasicizmus, sentimentalizmus, realizmus B) realizmus, abstrakcionizmus, sentimentalizmus C) klasicizmus, romantizmus, realizmus 2. Ktorý z umelcov namaľoval portrét A.S.Puškina, o ktorom básnik povedal: ako v zrkadle, vidím. Ale toto zrkadlo mi lichotí“: A) Kiprensky B) Tropinin D) Venetsianov 3. Ktorý z umelcov prvej polovice 19. storočia je zakladateľom domáceho žánru v maľbe: A) Bryullov B) Venetsianov D) Fedotov 4 Ktorý z umelcov prvej polovice 19. storočia je zakladateľom kritického realizmu v ruskej maľbe: A) Tropinin B) Fedotov C) Ivanov A.A.
Odpovede: 1.C) klasicizmus, romantizmus, realizmus 2.A) Kiprensky 3.B) Venetsianov 4.B) Fedotov 5.K.P. Bryullov „Posledný deň Pompejí“ 6. A.G. Venetsianov „Na ornej pôde. Jar“ 7.P.A. Fedotov "Fresh Cavalier" 8.A.A. Ivanov "Zjavenie Krista ľudu" 9.V.A. Tropinin "Čipkárka" 10. O.A. Kiprensky „Portrét A.S. Puškin"
